Tema antico nell'arte russa del XX secolo. Belle arti russe del XX secolo. Le principali direzioni della pittura russa del XX secolo

Questa volta è considerata l'apice della pittura russa e l'introduzione del realismo in essa. I fenomeni sociali e le rivoluzioni nel paese hanno avuto un'influenza speciale sull'arte. C'erano già censure e critiche in pittura. Un'impronta significativa è stata lasciata nell'opera dei pittori dalle autorità dell'epoca. Quasi ogni artista domestico era obbligato a dipingere almeno un quadro dedicato alla nuova politica e al nuovo ordine sociale.

Le principali direzioni della pittura russa del XX secolo

Nel periodo del 20° secolo, ha segnato la fine del realismo russo nella pittura e l'inizio del sovietico o socialista. Il tempo della Grande Guerra è considerato speciale, caratterizzato dal movimento unito del partito e del popolo. I dipinti militari hanno fatto scalpore e sono rilevanti nel periodo attuale. La corrente socialista del genere paesaggistico è stata colpita meno di tutte.

Avanguardia russa

La parola "avanguardia" significa innovazione, movimento avanzato. L'avanguardia domestica unisce le correnti radicali della pittura. All'inizio si chiamava modernismo, nuova arte, astrattismo e altri nomi. I primi scorci nella direzione apparvero negli anni prebellici. L'avanguardia russa combina momenti come il rifiuto assoluto del passato nella cultura e l'unificazione dei processi di distruzione e creazione. Nella pittura c'è un posto allo stesso tempo per l'aggressività, il desiderio di distruggere i vecchi valori artistici e la creazione di qualcosa di completamente diverso.

In questa direzione, prima di tutto, vale la pena evidenziare Wassily Kandinsky, che dipinse i dipinti "Colorful Life", "Song of the Volga", "White Oval", "Mosca. La Piazza Rossa". Tra le avanguardie c'è anche Kazimir Malevich, che è un rappresentante del supermatismo, uno dei movimenti d'avanguardia. Questa corrente caratterizza la fase finale dell'arte, l'assenza di oggetti. Hanno iniziato a parlare di lui dopo la comparsa di tele con astrazioni geometriche.

realismo socialista

Dopo la rivoluzione e molti sconvolgimenti e cambiamenti, iniziò un nuovo periodo e una nuova direzione nelle arti visive. Corrispondeva a quel tempo e veniva chiamato realismo socialista. Questo è stato richiesto dal governo e dal popolo. Il realismo socialista si distingueva per la presenza dell'eroismo, esprimeva leader, persone, eventi, la verità del partito e non la visione dell'artista stesso. La società totalitaria ha cambiato la pittura russa in modo irriconoscibile. Consisteva principalmente in dipinti dedicati alle vicende storiche dell'epoca, agli eroi e ai capi dello stato, nonché alla vita quotidiana di un semplice lavoratore.

Molti lo chiamavano "stile severo", perché in esso non c'erano illusioni, congetture, incuria infantile. Sulle tele veniva mostrata solo la spietata verità. L'eroismo di quel tempo risiedeva nella tensione interiore e negli sforzi del leader. Nel realismo socialista, il lavoro era una vocazione e gli eroi erano pionieri e costruttori. Alla fine del secolo, insieme al crollo della cultura sovietica, arriva una nuova direzione nella pittura russa.

Postmodernismo

Una nuova direzione nella pittura russa arrivò a sostituire il modernismo, che non era del tutto chiaro nella società. Il postmodernismo è caratterizzato da immagini fotografiche. Il dipinto è il più vicino possibile all'aspetto originale. Lo stile si distingue per caratteristiche tipologiche. Innanzitutto il modulo finito. I pittori usano immagini classiche, ma le interpretano in un modo nuovo, danno esclusività. Molto spesso, i rappresentanti del postmodernismo combinano forme da più direzioni, dando una leggera ironia all'immagine e una sorta di secondario.

Un'altra caratteristica della direzione è la mancanza di regole. Nel postmodernismo, l'artista ha il controllo completo sulla scelta delle forme e dei modi di rappresentare la sua pittura. Una certa libertà ha dato una ventata di freschezza all'arte in generale. C'erano installazioni artistiche e performance. Il postmodernismo nella pittura è anche caratterizzato dall'assenza di tecniche chiare e dalla popolarità globale generale. Il periodo di massimo splendore di questa direzione arrivò negli anni '90 del XX secolo. I suoi rappresentanti più importanti sono i seguenti artisti: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

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Arte russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo

introduzione

La pittura

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentin Aleksandrovic Serov

Mikhail Aleksandrovic Vrubel

"Mondo dell'arte"

"Unione degli artisti russi"

"Fante di quadri"

"Unione giovanile"

Architettura

Scultura

Bibliografia

introduzione

La cultura russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è un periodo complesso e controverso nello sviluppo della società russa. La cultura di inizio secolo contiene sempre elementi di un'era di transizione, che include le tradizioni della cultura del passato e le tendenze innovative di una nuova cultura emergente. C'è un trasferimento di tradizioni e non solo un trasferimento, ma l'emergere di nuove, tutto ciò è connesso al turbolento processo di ricerca di nuove modalità di sviluppo della cultura, corretto dallo sviluppo sociale di questo tempo. L'inizio del secolo in Russia è un periodo di grandi cambiamenti in arrivo, un cambiamento nel sistema statale, un cambiamento dalla cultura classica del 19° secolo alla nuova cultura del 20° secolo. La ricerca di nuovi modi di sviluppare la cultura russa è associata all'assimilazione delle tendenze progressiste nella cultura occidentale. La diversità delle direzioni e delle scuole è una caratteristica della cultura russa all'inizio del secolo. Le tendenze occidentali sono intrecciate e integrate da quelle moderne, piene di contenuti specificamente russi. Una caratteristica della cultura di questo periodo è il suo orientamento verso la comprensione filosofica della vita, la necessità di costruire un'immagine olistica del mondo, in cui l'arte, insieme alla scienza, gioca un ruolo enorme. Il fulcro della cultura russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo era una persona che da un lato diventa una sorta di collegamento nella varietà eterogenea di scuole e aree della scienza e dell'arte, e una sorta di punto di partenza per analizzare tutto i manufatti culturali più diversi, dall'altro. Da qui il potente fondamento filosofico che sta alla base della cultura russa all'inizio del secolo.

Evidenziando le priorità più importanti nello sviluppo della cultura russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, non si possono ignorare le sue caratteristiche più importanti. La fine del XIX - l'inizio del XX secolo nella storia della cultura russa è solitamente chiamata Rinascimento russo o, rispetto all'età d'oro di Pushkin, l'età d'argento della cultura russa.

A cavallo del secolo si sviluppò uno stile che influenzò tutte le arti plastiche, a cominciare principalmente dall'architettura (in cui l'eclettismo ha dominato a lungo) per finire con la grafica, che fu chiamata lo stile Art Nouveau. Questo fenomeno non è univoco, nella modernità c'è anche pretenziosità decadente, pretenziosità, pensata principalmente per i gusti borghesi, ma c'è anche un desiderio di unità di stile che è di per sé significativo. Lo stile Art Nouveau è una nuova tappa nella sintesi di architettura, pittura e arti decorative.

Nelle arti visive, l'Art Nouveau si è mostrato: nella scultura - per la fluidità delle forme, l'espressività speciale della silhouette, il dinamismo delle composizioni; nella pittura: il simbolismo delle immagini, la dipendenza dalle allegorie. simbolismo argento moderno d'avanguardia

I simbolisti russi hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'estetica dell'età dell'argento. Il simbolismo come fenomeno letterario e artistico è apparso per la prima volta in Francia nell'ultimo quarto del XIX secolo e alla fine del secolo si era diffuso in gran parte dell'Europa. Ma dopo la Francia, è in Russia che il simbolismo si realizza come il fenomeno culturale più ampio, significativo e originale. Il simbolismo russo all'inizio aveva sostanzialmente gli stessi prerequisiti del simbolismo occidentale: "una crisi di una visione del mondo e di una moralità positive". Il principio principale dei simbolisti russi è l'estetizzazione della vita e il desiderio di varie forme di sostituzione dell'estetica con la logica e la moralità. Innanzitutto, il simbolismo russo è caratterizzato dalla demarcazione con le tradizioni degli "anni Sessanta" democratico-rivoluzionari e dal populismo, con l'ideologizzazione dell'ateismo, l'utilitarismo che secondo i simbolisti russi corrispondono ai principi dell'arte "pura", libera.

Un altro fenomeno sorprendente dell'età dell'argento che ha acquisito importanza mondiale è l'arte e l'estetica dell'avanguardia. Nello spazio delle già elencate aree della coscienza estetica, gli artisti d'avanguardia si sono distinti per un carattere decisamente ribelle. Hanno percepito con gioia la crisi della cultura classica, dell'arte, della religione, della socialità, della statualità come un morire naturale, la distruzione del vecchio, obsoleto, irrilevante, e si sono realizzati come rivoluzionari, distruttori e becchini di "tutta spazzatura" e creatori di tutto nuovo, in generale, una nuova razza emergente. Le idee di Nietzsche sul superuomo, sviluppate da P. Uspensky, furono prese alla lettera da molti artisti d'avanguardia e provate, soprattutto dai futuristi, in prima persona.

Da qui la ribellione e l'oltraggio, il desiderio di tutto ciò che è fondamentalmente nuovo nei mezzi di espressione artistica, nei principi di approccio all'arte, la tendenza ad ampliare i confini dell'arte fino a quando non prende vita, ma su principi completamente diversi da quelli dei rappresentanti dell'estetica teurgica. La vita per le avanguardie degli anni '10. 20 ° secolo - questa è soprattutto una rivolta rivoluzionaria, una rivolta anarchica. Assurdità, caos, anarchia sono per la prima volta intesi come sinonimi di modernità e precisamente come principi creativamente positivi basati sulla totale negazione del principio razionale nell'arte e sul culto dell'irrazionale, intuitivo, inconscio, privo di senso, astruso, informe, ecc. . Le direzioni principali dell'avanguardia russa furono: l'astrattismo (Vasily Kandinsky), il suprematismo (Kazimir Malevich), il costruttivismo (Vladimir Tatlin), il cubofuturismo (cubismo, futurismo) (Vladimir Mayakovsky).

La pittura

Per i pittori di inizio secolo sono caratteristici altri modi espressivi rispetto a quelli dei Vagabondi, altre forme di creatività artistica - in immagini contraddittorie, complicate e che riflettono la modernità senza illustratività e narrativa. Gli artisti cercano dolorosamente l'armonia e la bellezza in un mondo che è fondamentalmente estraneo sia all'armonia che alla bellezza. Ecco perché molti hanno visto la loro missione nel coltivare il senso della bellezza. Questo tempo di "vigili", l'attesa di cambiamenti nella vita pubblica, ha dato vita a molte tendenze, associazioni, raggruppamenti, uno scontro di visioni del mondo e gusti diversi. Ma ha anche dato origine all'universalismo di un'intera generazione di artisti che si è fatta avanti dopo i "classici" Vagabondi.

Lezioni impressionistiche sulla pittura plein air, la composizione di "inquadrature casuali", un'ampia modalità pittorica libera: tutto questo è il risultato dell'evoluzione nello sviluppo dei mezzi pittorici in tutti i generi all'inizio del secolo. Alla ricerca di "bellezza e armonia", gli artisti si cimentano in una varietà di tecniche e forme d'arte - dalla pittura monumentale e scenografie teatrali al design di libri e arti e mestieri.

La pittura di genere si è sviluppata negli anni '90, ma si è sviluppata in modo leggermente diverso rispetto al movimento errante "classico" degli anni '70 e '80. Il tema contadino si svela così in un modo nuovo. S. A. Korovin (1858-1908) raffigura la divisione nella comunità rurale nel dipinto “Sul mondo” (1893).

A cavallo del secolo, nel tema storico si delinea un percorso alquanto peculiare. Quindi, ad esempio, A.P. Ryabushkin (1861-1904) lavora più nel genere storico che nel genere puramente storico. “Donne russe del 17° secolo nella chiesa” (1899), “Treno nuziale a Mosca. XVII secolo ”(1901) - queste sono scene quotidiane della vita di Mosca nel XVII secolo. La stilizzazione di Ryabushkin si riflette nella piattezza dell'immagine, in uno speciale sistema di ritmo plastico e lineare, nello schema cromatico costruito su colori maggiori e luminosi, nella soluzione decorativa generale. Ryabushkin introduce audacemente i colori locali nel paesaggio a cielo aperto, ad esempio in "The Wedding Train ..." - il colore rosso del carro, grandi macchie di abiti festivi sullo sfondo di edifici scuri e neve, dato, tuttavia, nelle più fini sfumature di colore. Il paesaggio trasmette sempre poeticamente la bellezza della natura russa.

Un nuovo tipo di pittura, in cui le tradizioni artistiche folcloristiche sono padroneggiate in un modo del tutto speciale e tradotte nel linguaggio dell'arte moderna, è stato creato da F. A. Malyavin (1869-1940. Le sue immagini di "donne" e "ragazze" hanno una certa significato simbolico - suolo sano Russia I suoi dipinti sono sempre espressivi e, sebbene si tratti, di regola, di opere da cavalletto, ricevono un'interpretazione monumentale e decorativa sotto il pennello dell'artista.“Risate” (1899, Museo d'Arte Moderna, Venezia) , "Whirlwind" (1906,) è un'immagine realistica di ragazze contadine, che ridono ad alta voce in modo contagioso o si precipitano incontrollabilmente in una danza rotonda, ma questo realismo è diverso rispetto alla seconda metà del secolo l'intera tela.

M. V. Nesterov (1862-1942) affronta il tema dell'antica Russia, ma l'immagine della Russia appare nei dipinti dell'artista come una sorta di mondo ideale, quasi incantato, in armonia con la natura, ma scomparso per sempre come la leggendaria città di Kitezh. Questo acuto senso della natura, delizia nel mondo, davanti a ogni albero e filo d'erba è particolarmente pronunciato in una delle opere più famose di Nesterov del periodo pre-rivoluzionario: "La visione del giovane Bartolomeo" (1889-1890, ). Nella rivelazione della trama dell'immagine, ci sono le stesse caratteristiche stilistiche di quelle di Ryabushkin, ma viene invariabilmente espresso un senso profondamente lirico della bellezza della natura, attraverso il quale l'elevata spiritualità dei personaggi, la loro illuminazione, la loro alienazione da viene trasmesso il clamore mondano.

MV Nesterov ha fatto molti dipinti religiosi monumentali. I murales sono sempre dedicati all'antico tema russo (ad esempio, in Georgia - ad Alexander Nevsky). Nei dipinti murali di Nesterov, ci sono molti segni reali osservati, specialmente nel paesaggio, nelle caratteristiche del ritratto - nell'immagine dei santi. Nella ricerca dell'artista per un'interpretazione piatta della composizione di eleganza, ornamentalità, raffinata raffinatezza dei ritmi plastici, si è manifestata un'indubbia influenza dell'Art Nouveau.

Lo stesso genere paesaggistico si sviluppa alla fine del XIX secolo anche in modo nuovo. Levitan, infatti, completò la ricerca dei Vagabondi nel paesaggio. Una nuova parola all'inizio del secolo doveva essere detta da K.A. Korovin, VA Serov e M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Per il brillante colorista Korovin, il mondo appare come una "rivolta di colori". Generosamente dotato dalla natura, Korovin era impegnato sia nella ritrattistica che nella natura morta, ma non sarebbe un errore dire che il paesaggio rimaneva il suo genere preferito. Ha portato nell'arte le forti tradizioni realistiche dei suoi insegnanti della Scuola di Pittura, Scultura e Architettura di Mosca - Savrasov e Polenov, ma ha una visione diversa del mondo, stabilisce altri compiti. Cominciò presto a dipingere en plein air, già nel ritratto di una ragazza del coro nel 1883, si può vedere il suo sviluppo indipendente dei principi del plein airismo, incarnato poi in una serie di ritratti realizzati nella tenuta di S. Mamontov ad Abramtsevo ("In the Boat", ritratto di T.S. Lyubatovich, ecc.), nei paesaggi settentrionali, eseguito durante la spedizione di S. Mamontov a nord ("Winter in Lapland",). I suoi paesaggi francesi, uniti dal nome "Luci parigine", sono già una pittura completamente impressionista, con la sua più alta cultura dello studio. Impressioni acute e istantanee della vita di una grande città: strade tranquille in diversi momenti della giornata, oggetti dissolti in un ambiente di luce e aria, plasmati da un tratto dinamico, “tremante”, vibrante, un flusso di tali tratti che creano il illusione di un velo di pioggia o aria di città satura di migliaia di vapori diversi, - caratteristiche che ricordano i paesaggi di Manet, Pissarro, Monet. Korovin è capriccioso, emotivo, impulsivo, teatrale, da qui la brillantezza luminosa e l'esultanza romantica dei suoi paesaggi ("Paris. Capuchin Boulevard", 1906, Galleria Statale Tretyakov; "Paris at night. Italian Boulevard", 1908,). Korovin conserva le stesse caratteristiche dello studio impressionista, maestro pittorico, arte sorprendente in tutti gli altri generi, principalmente nella ritrattistica e nella natura morta, ma anche nei pannelli decorativi, nell'arte applicata, nella scenografia teatrale, in cui è stato impegnato per tutta la sua vita (Ritratto di Chaliapin, 1911, Museo Russo; "Pesce, vino e frutta" 1916, Galleria Statale Tretyakov).

Il generoso dono di Korovin per la pittura si è manifestato brillantemente nella pittura teatrale e decorativa. Come pittore teatrale lavorò per il Teatro Abramtsevo (e Mamontov fu forse il primo ad apprezzarlo come artista teatrale), per il Moscow Art Theatre, per la Moscow Private Russian Opera, dove iniziò la sua amicizia per tutta la vita con Chaliapin, per l'impresa Diaghilev. Korovin ha portato lo scenario teatrale e il significato dell'artista nel teatro a un nuovo livello, ha fatto un'intera rivoluzione nella comprensione del ruolo dell'artista nel teatro e ha avuto una grande influenza sui suoi contemporanei con il suo scenario colorato e "spettacolare" , rivelando l'essenza stessa della performance musicale.

Valentin Aleksandrovic Serov

Uno dei più grandi artisti, innovatore della pittura russa all'inizio del secolo, fu Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Serov è cresciuto tra figure di spicco della cultura musicale russa (suo padre è un famoso compositore, sua madre è una pianista), ha studiato con Repin e Chistyakov.

Serov dipinge spesso rappresentanti dell'intellighenzia artistica: scrittori, artisti, artisti (ritratti di K. Korovin, 1891, Galleria Statale Tretyakov; Levitan, 1893, Galleria Statale Tretyakov; Yermolova, 1905, Galleria Statale Tretyakov). Tutti sono diversi, li interpreta tutti profondamente individualmente, ma la luce dell'esclusività intellettuale e della vita creativa ispirata risplende su tutti loro.

Ritratto, paesaggio, natura morta, pittura domestica, storica; olio, guazzo, tempera, carboncino: è difficile trovare generi sia pittorici che grafici in cui Serov non lavorerebbe e materiali che non userebbe.

Un tema speciale nel lavoro di Serov è il contadino. Nel suo genere contadino non c'è acutezza sociale itinerante, ma c'è il senso della bellezza e dell'armonia della vita contadina, l'ammirazione per la sana bellezza del popolo russo ("Nel villaggio. Una donna con un cavallo", sulla mappa , pastello, 1898, Galleria Statale Tretyakov). I paesaggi invernali sono particolarmente squisiti con la loro gamma di colori argento-perla.

Serov ha interpretato il tema storico a modo suo: le "cacce reali" con le passeggiate di piacere di Elisabetta e Caterina II sono state trasmesse dall'artista del nuovo tempo, ironico, ma anche invariabilmente ammirando la bellezza della vita nel XVIII secolo. L'interesse di Serov per il 18° secolo sorse sotto l'influenza di The World of Art e in connessione con il lavoro sulla pubblicazione di The History of the Granduca, Tsar and Imperial Hunting in Russia.

Serov era un artista dalla profonda riflessione, costantemente alla ricerca di nuove forme di realizzazione artistica della realtà. Ispirandosi alle idee dell'Art Nouveau sulla piattezza e sulla maggiore decoratività si riflettevano non solo nelle composizioni storiche, ma anche nel suo ritratto della ballerina Ida Rubinstein, nei suoi schizzi per Il rapimento di Europa e L'Odissea e Navzikai (entrambi del 1910, Galleria Statale Tretyakov, cartone, tempera). È significativo che Serov alla fine della sua vita si rivolga al mondo antico. Nella leggenda poetica, da lui interpretata liberamente, fuori dai canoni classici, vuole ritrovare l'armonia, ricerca cui l'artista ha dedicato tutta la sua opera.

Mikhail Aleksandrovic Vrubel

Il percorso creativo di Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) fu più diretto, sebbene allo stesso tempo insolitamente complesso. Prima dell'Accademia delle arti (1880), Vrubel si laureò alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo. Nel 1884 si recò a Kiev per supervisionare il restauro degli affreschi nella chiesa di San Cirillo e creò lui stesso diverse composizioni monumentali. Realizza schizzi ad acquerello dei murales della Cattedrale di Vladimir. Gli schizzi non sono stati trasferiti alle pareti, in quanto il cliente era spaventato dalla loro non canonica ed espressività.

Negli anni '90, quando l'artista si stabilì a Mosca, si formò lo stile di scrittura di Vrubel, pieno di mistero e potere quasi demoniaco, che non può essere confuso con nessun altro. Scolpisce la forma come un mosaico, da pezzi taglienti "sfaccettati" di diversi colori, come se brillassero dall'interno ("Ragazza sullo sfondo di un tappeto persiano", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, Galleria Statale Tretyakov) . Le combinazioni di colori non riflettono la realtà della relazione cromatica, ma hanno un significato simbolico. La natura non ha potere su Vrubel. La conosce, la possiede perfettamente, ma crea il suo mondo fantastico, un po' come la realtà. Gravita verso soggetti letterari, che interpreta in modo astratto, cercando di creare immagini eterne di grande potere spirituale. Quindi, dopo aver ripreso le illustrazioni per "The Demon", si discosta presto dal principio dell'illustrazione diretta ("Tamara's Dance", "Non piangere, bambina, non piangere invano", "Tamara nella bara", ecc. ). L'immagine del Demone è l'immagine centrale dell'intera opera di Vrubel, il suo tema principale. Nel 1899 scrisse "The Flying Demon", nel 1902 - "The Downcast Demon". Il demone di Vrubel è, prima di tutto, una creatura sofferente. La sofferenza prevale sul male in essa, e questa è la particolarità dell'interpretazione nazionale russa dell'immagine. I contemporanei, come giustamente notato, vedevano nei suoi "Demoni" un simbolo del destino di un intellettuale - un romantico, che cercava di fuggire ribelle da una realtà priva di armonia in un mondo irreale di sogni, ma immerso nella dura realtà della terra

Vrubel ha creato i suoi dipinti e opere grafiche più maturi all'inizio del secolo - nel genere del paesaggio, del ritratto, dell'illustrazione di libri. Nell'organizzazione e nell'interpretazione decorativo-planare della tela o del foglio, nel connubio tra reale e fantastico, nell'impegno per soluzioni ornamentali ritmicamente complesse nelle sue opere di questo periodo, si affermano sempre più i tratti della modernità.

Come K. Korovin, Vrubel ha lavorato molto a teatro. La sua migliore scenografia è stata eseguita per le opere di Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan e altri sul palco dell'Opera privata di Mosca, cioè per quelle opere che gli hanno dato l'opportunità di "comunicare" con il folklore russo , fiaba, leggenda.

L'universalismo del talento, l'immaginazione sconfinata, la passione straordinaria nell'affermazione di ideali nobili distinguono Vrubel da molti dei suoi contemporanei.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) è un diretto esponente del simbolismo pittorico. Le sue opere sono una tristezza elegiaca per i vecchi "nidi nobili" vuoti e i "frutteti di ciliegio" morenti, per donne belle, spiritualizzate, quasi ultraterrene, vestite con una sorta di costumi senza tempo che non portano segni esterni del luogo e del tempo.

Le sue opere da cavalletto per lo più non assomigliano nemmeno a pannelli decorativi, ma ad arazzi. Lo spazio è risolto in modo estremamente condizionato, planare, le figure sono quasi eteree, come ad esempio le ragazze vicino allo stagno nel dipinto "Stagno" (1902, tempera, Galleria Statale Tretyakov), immerse in sognante meditazione, in profonda contemplazione. Le sfumature di colore grigio pallido e sbiadite esaltano l'impressione generale di una bellezza fragile, ultraterrena e anemica, spettrale, che si estende non solo alle immagini umane, ma anche alla natura da lui rappresentata. Non è un caso che Borisov-Musatov abbia chiamato una delle sue opere "Fantasmi" (1903, tempera, Galleria Statale Tretyakov): figure femminili silenziose e inattive, statue di marmo vicino alle scale, un albero seminudo - una gamma sbiadita di blu, i toni del grigio e del viola esaltano la spettralità del raffigurato.

"Mondo dell'arte"

"World of Art" - un'organizzazione nata a San Pietroburgo nel 1898 e che ha unito i maestri della più alta cultura artistica, l'élite artistica della Russia di quegli anni. "World of Art" è diventato uno dei più grandi fenomeni della cultura artistica russa. Quasi tutti gli artisti famosi hanno partecipato a questa associazione.

Negli articoli editoriali dei primi numeri della rivista, le principali disposizioni del "Mondo dell'Arte" circa l'autonomia dell'arte, che i problemi della cultura moderna sono esclusivamente problemi di forma artistica, e che il compito principale dell'arte è quello di educare i gusti estetici della società russa, principalmente attraverso la conoscenza delle opere d'arte del mondo. Dobbiamo dare loro il dovuto: grazie al mondo dell'arte, l'arte inglese e tedesca è stata davvero apprezzata in un modo nuovo e, soprattutto, la pittura russa del XVIII secolo e l'architettura del classicismo di San Pietroburgo sono diventate una scoperta per molti. "World of Art" ha lottato per la "critica come arte", proclamando l'ideale di un critico-artista di alta cultura ed erudizione professionale. Il tipo di tale critico è stato incarnato da uno dei creatori di The World of Art, A.N. Benoit.

Mostre organizzate "Miriskusniki". Il primo è stato anche l'unico internazionale che ha riunito, oltre ai russi, artisti provenienti da Francia, Inghilterra, Germania, Italia, Belgio, Norvegia, Finlandia, ecc. Vi hanno preso parte pittori e grafici sia di San Pietroburgo che di Mosca. Ma la rottura tra queste due scuole - San Pietroburgo e Mosca - era già evidente quasi dal primo giorno. Nel marzo 1903 si chiude l'ultima, quinta mostra del Mondo dell'Arte, nel dicembre 1904 viene pubblicato l'ultimo numero della rivista Il Mondo dell'Arte. La maggior parte degli artisti si è trasferita all '"Unione degli artisti russi" organizzata sulla base della mostra di Mosca "36", scrittori - alla rivista New Way aperta dal gruppo di Merezhkovsky, i simbolisti di Mosca si sono uniti attorno alla rivista "Vesy", i musicisti hanno organizzato " Serate di musica contemporanea", Diaghilev si dedicò interamente al balletto e al teatro.

Nel 1910 si tentò di ridare vita al "Mondo dell'arte" (guidato da Roerich). La fama arrivò al “Mondo dell'Arte” ma il “Mondo dell'Arte” sostanzialmente non esisteva più, sebbene formalmente l'associazione esistesse fino all'inizio degli anni '20 (1924) - con una totale mancanza di integrità, sulla tolleranza illimitata e sulla flessibilità delle posizioni. La seconda generazione del "Mondo dell'Arte" fu meno impegnata con i problemi della pittura da cavalletto, i loro interessi risiedono nella grafica, principalmente libraria, e nelle arti teatrali e decorative, in entrambi gli ambiti fecero una vera e propria riforma artistica. Nella seconda generazione del "Mondo dell'arte" c'erano anche personaggi importanti (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, ecc.), Ma non c'erano affatto artisti innovativi.

L'artista principale del "Mondo dell'arte" fu K. A. Somov (1869-1939). Figlio del curatore capo dell'Ermitage, che si è laureato all'Accademia delle arti e ha viaggiato in giro per l'Europa, Somov ha ricevuto un'istruzione eccellente. La maturità creativa gli è arrivata presto, ma, come ha giustamente notato il ricercatore (V.N. Petrov), ha sempre avuto una certa dualità: la lotta tra un potente istinto realistico e una visione del mondo dolorosamente emotiva.

Somov, come lo conosciamo, è apparso nel ritratto dell'artista Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery), nel ritratto "Echo of the Past Time" (1903, sulla mappa, aqua. , gouache, Galleria Statale Tretyakov), dove crea una caratterizzazione poetica della fragile e anemica bellezza femminile della modella decadente, rifiutandosi di trasmettere i veri segni quotidiani della modernità. Veste le modelle con costumi antichi, conferisce al loro aspetto i tratti di segreta sofferenza, tristezza e sogno, dolorosa rottura.

Somov possiede una serie di ritratti grafici dei suoi contemporanei - l'élite intellettuale (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, ecc.), In cui usa una tecnica generale: su uno sfondo bianco - in un certo senza tempo sfera - disegna un volto, una somiglianza in cui si ottiene non attraverso la naturalizzazione, ma con audaci generalizzazioni e un'adeguata selezione di dettagli caratteristici. Questa mancanza di segni del tempo crea l'impressione di statica, rigidità, freddezza, solitudine quasi tragica.

Prima di chiunque altro in The World of Art, Somov si è rivolto ai temi del passato, all'interpretazione del 18° secolo. ("Lettera", 1896; "Riservatezza", 1897), essendo il precursore dei paesaggi di Versailles di Benois. È il primo a creare un mondo surreale, intessuto dai motivi della nobiltà, della cultura feudale e di corte e dalle proprie sensazioni artistiche puramente soggettive, permeate di ironia. Lo storicismo del "Mondo dell'Arte" era una fuga dalla realtà. Non il passato, ma la sua messa in scena, il desiderio della sua irrecuperabilità: questo è il loro motivo principale. Non un vero divertimento, ma un gioco di divertimento con baci nei vicoli - tale è Somov.

Il leader ideologico del "Mondo dell'arte" era A. N. Benois (1870-1960), un talento insolitamente versatile. Pittore, grafico e illustratore da cavalletto, artista teatrale, regista, autore di libretti di balletto, teorico e storico dell'arte, figura musicale, fu, nelle parole di A. Bely, il principale politico e diplomatico del "Mondo dell'Arte". Come artista, è imparentato con Somov per tendenze stilistiche e dipendenza dal passato ("Sono intossicato da Versailles, questa è una specie di malattia, amore, passione criminale ... Mi sono completamente spostato nel passato ...") . Nei paesaggi di Versailles, Benois ha unito la ricostruzione storica del XVII secolo. e impressioni contemporanee dell'artista, la sua percezione del classicismo francese, l'incisione francese. Da qui la chiara composizione, la netta spazialità, la grandezza e la fredda severità dei ritmi, l'opposizione tra la grandiosità dei monumenti d'arte e la piccolezza delle figure umane, che tra esse non sono che staffage (la prima serie di Versailles del 1896-1898 dal titolo "Gli ultimi cammini di Luigi XIV"). Nella seconda serie di Versailles (1905-1906) l'ironia, caratteristica anche dei primi fogli, si colora di note quasi tragiche (“The King's Walk”, c., gouache, aqua, gold, silver, pen, 1906 , Galleria Statale Tretyakov). Il pensiero di Benois è il pensiero di un artista teatrale per eccellenza, che conosceva e sentiva molto bene il teatro.

La natura è percepita da Benois in una connessione associativa con la storia (vedute di Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, da lui eseguite con la tecnica dell'acquerello).

Benois l'illustratore (Pushkin, Hoffman) è un'intera pagina nella storia del libro. A differenza di Somov, Benois crea un'illustrazione narrativa. Il piano della pagina non è fine a se stesso per lui. Un capolavoro di illustrazione di libri è stato il design grafico di The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, inchiostro e acquerello che imitano la xilografia a colori). In una serie di illustrazioni per il grande poema, il protagonista è il paesaggio architettonico di San Pietroburgo, ora solennemente patetico, ora pacifico, ora sinistro, contro il quale la figura di Eugenio sembra ancora più insignificante. Così Benois esprime il tragico conflitto tra il destino della statualità russa e il destino personale di un piccolo uomo ("E tutta la notte il povero pazzo, / Ovunque girasse i piedi, / Il Cavaliere di Bronzo era ovunque con lui / Con un galoppo pesante").

Come artista teatrale, Benois ha progettato gli spettacoli delle "stagioni russe", di cui il più famoso è stato il balletto "Petrushka" sulla musica di Stravinsky, ha lavorato molto al Moscow Art Theatre e, in seguito, quasi tutti i principali tappe europee.

Un posto speciale nel "Mondo dell'arte" è occupato da N. K. Roerich (1874-1947). Un conoscitore di filosofia ed etnografia d'Oriente, archeologo-scienziato, Roerich ha ricevuto un'eccellente educazione, prima a casa, poi presso le facoltà di giurisprudenza e storico-filologiche dell'Università di San Pietroburgo, poi presso l'Accademia delle arti, nel laboratorio di Kuindzhi, ea Parigi nello studio di F. Cormon. Presto ha guadagnato l'autorità di uno scienziato. Era legato al "Mondo dell'Arte" dallo stesso amore per la retrospezione, solo non nei secoli XVII-XVIII, ma nell'antichità pagana slava e scandinava, nell'antica Russia; tendenze stilistiche, decoratività teatrale (“Messenger”, 1897, Galleria Statale Tretyakov; “The Elders Converge”, 1898, Museo Russo; “Sinister”, 1901, Museo Russo). Roerich era strettamente associato alla filosofia e all'estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non rientrava nel quadro delle tendenze esistenti, perché, secondo la visione del mondo dell'artista, si rivolgeva, per così dire, a tutta l'umanità con un appello per un'unione amichevole di tutti i popoli. Da qui la speciale natura epica dei suoi dipinti.

Dopo il 1905, l'atmosfera del misticismo panteistico crebbe nell'opera di Roerich. I temi storici lasciano il posto a leggende religiose (La battaglia celeste, 1912, Museo Russo). L'icona russa ha avuto un'enorme influenza su Roerich: il suo pannello decorativo La battaglia di Kerzhents (1911) è stato esposto durante l'esecuzione di un frammento con lo stesso titolo dell'opera di Rimsky-Korsakov Il racconto della città invisibile di Kitezh e la fanciulla Fevronia in le stagioni russe di Parigi.

Il “Mondo dell'Arte” è stato un grande movimento estetico di inizio secolo, che ha rivalutato l'intera cultura artistica moderna, approvato nuovi gusti e problemi, restituito all'arte - al più alto livello professionale - le forme perdute della grafica libraria e teatrale e la pittura decorativa, che grazie ai loro sforzi ha ottenuto riconoscimenti a livello europeo, ha creato una nuova critica d'arte, che ha promosso l'arte russa all'estero, infatti, ha aperto alcune delle sue fasi, come il XVIII secolo russo. Il "Mondo dell'Arte" ha creato un nuovo tipo di pittura storica, ritratto, paesaggio con i propri caratteri stilistici (distinte tendenze stilistiche, predominanza delle tecniche grafiche su quelle pittoriche, comprensione puramente decorativa del colore, ecc.). Questo determina il loro significato per l'arte russa.

Le debolezze del "Mondo dell'Arte" si riflettevano principalmente nella variegatura e nell'incoerenza del programma, proclamando il modello "o Böcklin, poi Manet"; in visioni idealistiche sull'arte, in una affettata indifferenza per i compiti civici dell'arte, nell'apatia programmatica, nella perdita del significato sociale del quadro. L'intimità del "Mondo dell'Arte", il suo puro estetismo determinò il breve periodo storico della sua vita nell'era dei formidabili presagi tragici della rivoluzione imminente. Questi furono solo i primi passi sulla strada delle ricerche creative, e ben presto i giovani superarono gli studenti del Mondo dell'Arte.

"Unione degli artisti russi"

Nel 1903 fu fondata una delle più grandi associazioni espositive dell'inizio del secolo, l'Unione degli artisti russi. All'inizio, quasi tutte le figure di spicco del "Mondo dell'arte" - Benois, Bakst, Somov, vi entrarono, Vrubel, Borisov-Musatov parteciparono alle prime mostre. Gli iniziatori della creazione dell'associazione furono artisti di Mosca associati al "Mondo dell'arte", ma appesantiti dall'estetica programmatica dei pietroburghesi.

Paesaggio nazionale, dipinti amorevolmente dipinti della Russia contadina - uno dei generi principali degli artisti dell '"Unione", in cui l '"impressionismo russo" si esprimeva in modo peculiare con i suoi motivi prevalentemente rurali piuttosto che urbani. Quindi i paesaggi di I.E. Grabar (1871-1960), con il loro umore lirico, con le più fini sfumature pittoriche che riflettono i cambiamenti istantanei nella vera natura, è una sorta di parallelo sul suolo russo con il paesaggio impressionista francese ("September Snow", 1903, Galleria di Stato Tretyakov). L'interesse di Grabar per la scomposizione del colore visibile in colori spettrali e puri della tavolozza lo rende anche imparentato con il neoimpressionismo, con J. Seurat e P. Signac ("March Snow", 1904, Galleria Statale Tretyakov). Il gioco dei colori in natura, complessi effetti coloristici diventano oggetto di attento studio degli "Alleati", che creano sulla tela un mondo figurativo pittorico e plastico, privo di narrativa e illustratività.

Con tutto l'interesse per la trasmissione della luce e dell'aria nella pittura dei maestri dell '"Unione", non si osserva mai la dissoluzione dell'oggetto nel mezzo luce-aria. Il colore diventa decorativo.

Gli "alleati", in contrasto con i pietroburghesi - i grafici del "Mondo dell'Arte" - sono per lo più pittori con un accresciuto senso decorativo del colore. Un ottimo esempio di ciò sono i dipinti di F.A. Maliavin.

Nel complesso, The Allies gravitava non solo verso studi plein air, ma anche verso forme pittoriche monumentali. Nel 1910, momento della scissione e della formazione secondaria del "Mondo dell'Arte", alle mostre dell'"Unione" si poteva vedere un paesaggio intimo (Vinogradov, Yuon, ecc.), dipinto vicino al divisionismo francese (Grabar , primo Larionov) o vicino al simbolismo ( P. Kuznetsov, Sudeikin); hanno partecipato anche gli artisti del "World of Art" di Diaghilev: Benois, Somov, Bakst.

L '"Unione degli artisti russi", con le sue solide basi realistiche, che hanno svolto un ruolo significativo nelle belle arti domestiche, ha avuto un certo impatto sulla formazione della scuola di pittura sovietica, essendo esistita fino al 1923.

Nel 1907, a Mosca, la rivista Golden Fleece organizzò l'unica mostra di artisti dopo Borisov-Musatov, chiamata Blue Rose. P. Kuznetsov è diventato l'artista principale della Blue Rose. I "Blue Bears" sono i più vicini al simbolismo, che si esprimeva principalmente nel loro "linguaggio": instabilità dell'umore, musicalità vaga e intraducibile delle associazioni, raffinatezza delle relazioni cromatiche. La piattaforma estetica dei partecipanti alla mostra ha avuto effetto anche negli anni successivi, e il nome di questa mostra è diventato un nome familiare per tutta la tendenza dell'arte nella seconda metà del 900. L'intera attività della "Blue Rose" porta anche l'impronta più forte dell'influenza dello stile Art Nouveau (stilizzazione piano-decorativa delle forme, ritmi lineari stravaganti).

Le opere di P. V. Kuznetsov (1878-1968) riflettono i principi di base degli Orsi Blu. Kuznetsov ha creato un quadro decorativo in cui ha cercato di astrarre dalla concretezza quotidiana, per mostrare l'unità dell'uomo e della natura, la stabilità del ciclo eterno della vita e della natura, la nascita dell'anima umana in questa armonia. Da qui il desiderio di forme pittoriche monumentali, sognanti-contemplative, purificate da ogni cosa note istantanee, universali, senza tempo, un desiderio costante di trasmettere la spiritualità della materia. Una figura è solo un segno che esprime un concetto; il colore serve a trasmettere sentimenti; ritmo - per introdurre in un certo mondo di sensazioni (come nella pittura di icone - un simbolo di amore, tenerezza, dolore, ecc.). Da qui la ricezione di una distribuzione uniforme della luce su tutta la superficie della tela come una delle basi dell'effetto decorativo di Kuznetsov. Serov ha detto che la natura di P. Kuznetsov "respira". Questo è perfettamente espresso nelle sue suite Kyrgyz (Steppe) e Bukhara, nei paesaggi dell'Asia centrale. Kuznetsov ha studiato le tecniche dell'antica pittura di icone russa, il primo Rinascimento italiano. Questo richiamo alle tradizioni classiche dell'arte mondiale alla ricerca del proprio grande stile, come giustamente notato dai ricercatori, fu di fondamentale importanza in un'epoca in cui ogni tradizione veniva spesso del tutto smentita.

L'esotismo dell'Oriente - Iran, Egitto, Turchia - si concretizza nei paesaggi di M. S. Saryan (1880-1972). L'Oriente era un tema naturale per l'artista armeno. Saryan crea nella sua pittura un mondo pieno di decoro luminoso, più passionale, più terreno di quello di Kuznetsov, e la soluzione pittorica è sempre costruita su relazioni cromatiche contrastanti, senza sfumature, in netto confronto con le ombre (“Date Palm, Egypt”, 1911 , mappe. , tempera, GTG).

Le immagini di Saryan sono monumentali a causa della generalizzazione delle forme, dei grandi piani colorati, della lapidarietà generale della lingua: questa è, di regola, un'immagine generalizzata dell'Egitto, sia che si tratti della Persia, della nativa Armenia, pur mantenendo la naturalezza vitale, come se scritto dalla natura. Le tele decorative di Saryan sono sempre allegre, corrispondono alla sua idea di creatività: “... un'opera d'arte è il risultato stesso della felicità, cioè del lavoro creativo. Di conseguenza, dovrebbe accendere la fiamma del bruciore creativo nello spettatore, contribuire all'identificazione del suo naturale desiderio di felicità e libertà.

"Fante di quadri"

Nel 1910, un certo numero di giovani artisti - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova e altri - si unirono nell'organizzazione Jack of Diamonds, che aveva la sua proprio statuto, organizzato mostre e pubblicato le proprie raccolte di articoli. Il "Jack of Diamonds" esisteva effettivamente fino al 1917. Poiché il postimpressionismo, in primis Cezanne, era una "reazione all'impressionismo", così "Jack of Diamonds" si opponeva alla vaghezza, intraducibilità, alle sfumature più sottili del linguaggio simbolico del "Blue Rose” e lo stile estetico del “Mondo dell'Arte”. Il "Fante di Diamanti", portato via dalla materialità, "materialità" del mondo, professava una chiara costruzione del quadro, sottolineava l'obiettività della forma, l'intensità, la pienezza del colore. Non è un caso che la natura morta diventi un genere preferito dai "Valetoviti", così come il paesaggio diventa un genere preferito dai membri dell'Unione degli artisti russi. La sottigliezza nel trasmettere il cambiamento degli stati d'animo, lo psicologismo dei caratteri, l'understatement degli stati, la smaterializzazione della pittura dei "Blue Bearers", la loro poesia romantica sono rifiutati dai "Valetoviti". A loro si oppone la festa quasi spontanea dei colori, l'espressione del disegno di contorno, il modo di scrivere ampio e pastoso, che trasmettono una visione ottimistica del mondo, creando un'atmosfera quasi farsesca e quadrata. Il "Fante di diamanti" consente tali semplificazioni nell'interpretazione della forma, che sono simili a una stampa popolare popolare, un giocattolo popolare, dipingere piastrelle, un'insegna. La brama di primitivismo (dal latino primitivus - primitivo, iniziale) si è manifestata in vari artisti che hanno imitato le forme d'arte semplificate delle cosiddette epoche primitive - tribù e nazionalità primitive - alla ricerca di acquisire immediatezza e integrità della percezione artistica. Il "Jack of Diamonds" traeva le sue percezioni da Cezanne (da cui talvolta il nome "Cezanneismo russo"), ancor più dal cubismo ("spostamento" di forme) e persino dal futurismo (dinamiche, varie modificazioni della forma.

L'estrema semplificazione della forma, il collegamento diretto con l'arte della segnaletica è particolarmente evidente in M.F. Larionov (1881-1964), uno dei fondatori del "Jack of Diamonds", ma già nel 1911 ruppe con lui. Larionov dipinge paesaggi, ritratti, nature morte, lavora come artista teatrale dell'impresa Diaghilev, poi si dedica alla pittura di genere, il suo tema è la vita di una strada di provincia, le caserme dei soldati. Le forme sono piatte, grottesche, come volutamente stilizzate come un disegno di un bambino, una stampa popolare o un'insegna. Nel 1913 Larionov pubblicò il suo libro "Luchism" - in effetti, il primo dei manifesti dell'arte astratta, i cui veri creatori in Russia furono V. Kandinsky e K. Malevich.

Artista N.S. Goncharova (1881-1962), moglie di Larionov, sviluppò le stesse tendenze nei suoi dipinti di genere, principalmente su un tema contadino. Negli anni in rassegna, nel suo lavoro, più decorativo e colorato dell'arte di Larionov, monumentale nella sua forza interiore e laconicismo, si sente viva una passione per il primitivismo. Descrivendo il lavoro di Goncharova e Larionov, viene spesso utilizzato il termine "neo-primitivismo".

MZ Chagall (1887-1985) creò fantasie trasformate dalle noiose impressioni della vita della piccola città di Vitebsk e interpretate in uno spirito poetico ingenuo e grottesco-simbolico. Con lo spazio surreale, i colori vivaci, la primitivazione deliberata della forma, Chagall risulta essere vicino sia all'espressionismo occidentale che all'arte popolare primitiva ("I and the Village", 1911, Museum of Contemporary Art, New York; "Over Vitebsk", 1914 , coll. Zak. Toronto; "Matrimonio", 1918, Galleria Statale Tretyakov).

"Unione giovanile"

L'Unione dei giovani è un'organizzazione di San Pietroburgo formata quasi contemporaneamente al Jack of Diamonds (1909). Il ruolo principale in esso è stato interpretato da L. Zheverzheev. Proprio come i "valetovtsy", i membri dell'"Unione dei giovani" hanno pubblicato raccolte teoriche. Fino al crollo dell'associazione nel 1917. L '"Unione dei giovani" non aveva un programma specifico, professando simbolismo, cubismo, futurismo e "non oggettività", ma ciascuno degli artisti aveva il suo volto creativo.

L'arte degli anni pre-rivoluzionari in Russia è segnata dall'insolita complessità e incoerenza delle ricerche artistiche, da cui i successivi raggruppamenti con proprie impostazioni programmatiche e simpatie stilistiche. Ma insieme agli sperimentatori nel campo delle forme astratte nell'arte russa di quel tempo, il "Mondo dell'Arte" e i "Goluboroziti", "alleati", "fanti di diamanti" continuarono a lavorare allo stesso tempo, c'era anche un potente flusso di correnti neoclassiche, un esempio del quale può essere il lavoro di un membro attivo della "Mir art" nella sua "seconda generazione" Z. E. Serebryakova (1884-1967). Nelle sue tele di genere poetico con il loro disegno laconico, la modanatura plastica palpabilmente sensuale e l'equilibrio della composizione, Serebryakova proviene dalle alte tradizioni nazionali dell'arte russa, principalmente Venetsianov e anche oltre - l'antica arte russa ("Contadini", 1914, Museo Russo; "Raccolto", 1915, Museo d'Arte di Odessa; "Sbiancamento della tela", 1917, Galleria Statale Tretyakov).

Infine, brillante testimonianza della vitalità delle tradizioni nazionali, la grande pittura antica russa è opera di K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), artista-pensatore che in seguito divenne il più importante maestro d'arte del periodo sovietico. Nel famoso dipinto Bathing the Red Horse (1912, ven), l'artista ricorre a una metafora figurativa. Come è stato correttamente notato, il giovane su un cavallo rosso brillante evoca associazioni con l'immagine popolare di San Giorgio il Vittorioso ("Sant'Egor"), e la silhouette generalizzata, la composizione ritmica e compatta, la saturazione di macchie di colore contrastanti che il suono in tutta la sua forza e la piattezza nell'interpretazione delle forme portano alla memoria di un'antica icona russa. Un'immagine armoniosamente illuminata è creata da Petrov-Vodkin nel dipinto monumentale "Girls on the Volga" (1915, Galleria statale Tretyakov), in cui sente anche il suo orientamento verso le tradizioni dell'arte russa, portando il maestro a una vera nazionalità.

Architettura

L'era del capitalismo industriale altamente sviluppato ha causato cambiamenti significativi nell'architettura, principalmente nell'architettura della città. Ci sono nuovi tipi di strutture architettoniche: fabbriche, stazioni, negozi, banche, con l'avvento del cinema - cinema. Il colpo di stato è stato realizzato con nuovi materiali da costruzione: cemento armato e strutture metalliche, che hanno permesso di bloccare spazi giganteschi, realizzare enormi vetrine e creare un bizzarro schema di legature.

Nell'ultimo decennio del 19° secolo, è diventato chiaro agli architetti che nell'utilizzare gli stili storici del passato l'architettura ha raggiunto un vicolo cieco; secondo i ricercatori, era necessario, secondo i ricercatori, non "riordinare" storici stili, ma per comprendere creativamente il nuovo che si stava accumulando nell'ambiente di una città capitalista in rapida crescita. . Gli ultimi anni del XIX e l'inizio del XX secolo sono il periodo del predominio della modernità in Russia, che si è formata in Occidente principalmente nell'architettura belga, della Germania meridionale e austriaca, un fenomeno in generale cosmopolita (sebbene qui la modernità russa differisca da quella occidentale europea, perché mescolanza con il neorinascimento storico, il neobarocco, il neorococò, ecc.).

Un esempio lampante di Art Nouveau in Russia è stato il lavoro di F.O. Shekhtel (1859--1926). Case redditizie, palazzi, edifici di società commerciali e stazioni: Shekhtel ha lasciato la sua calligrafia in tutti i generi. Per lui è efficace l'asimmetria dell'edificio, l'aumento organico dei volumi, la diversa natura delle facciate, l'uso di balconi, portici, bovindi, sandrik sopra le finestre, l'introduzione di un'immagine stilizzata di gigli o iris nella arredamento architettonico, uso di vetrate con lo stesso motivo ornamentale, diverse trame di materiali nell'interior design. Uno schema bizzarro, costruito sulle torsioni delle linee, si estende a tutte le parti dell'edificio: il fregio a mosaico, amato dall'Art Nouveau, o una cintura di piastrelle di ceramica smaltata in colori sbiaditi e sbiaditi, rilegature di vetrate, un motivo di recinzione, reticoli per balconi; sulla composizione delle scale, anche sui mobili, ecc. Capricciosi contorni curvilinei dominano tutto. Nell'Art Nouveau si può tracciare una certa evoluzione, due fasi di sviluppo: la prima è decorativa, con una particolare passione per l'ornamento, la scultura decorativa e la pittura (ceramiche, mosaici, vetrate), la seconda è più costruttiva, razionalistica.

L'Art Nouveau è ben rappresentato a Mosca. In questo periodo furono costruite qui stazioni ferroviarie, alberghi, banche, palazzi della ricca borghesia, case popolari. Il palazzo Ryabushinsky alle porte Nikitsky a Mosca (1900-1902, architetto F.O. Shekhtel) è un tipico esempio di Art Nouveau russo.

Fare appello alle tradizioni dell'antica architettura russa, ma attraverso le tecniche della modernità, non copiando i dettagli naturalistici dell'architettura russa medievale, caratteristica dello "stile russo" della metà del XIX secolo, ma variandolo liberamente, cercando di trasmettere lo spirito stesso dell'antica Russia, ha dato origine al cosiddetto stile neo-russo dell'inizio del XX secolo (a volte chiamato neoromanticismo). La sua differenza con lo stesso Art Nouveau sta principalmente nel mascherare, e non nel rivelare, che è tipico dell'Art Nouveau, la struttura interna dell'edificio e lo scopo utilitaristico dietro decorazioni intricate e complesse (Shekhtel - Stazione Yaroslavsky a Mosca, 1903-1904; A.V. Shchusev - Stazione Kazansky a Mosca, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - il vecchio edificio della Galleria Tretyakov, 1900-1905). Sia Vasnetsov che Shchusev, ciascuno a modo suo (e il secondo sotto la grandissima influenza del primo), furono imbevuti della bellezza dell'antica architettura russa, in particolare Novgorod, Pskov e la prima Mosca, ne apprezzarono l'identità nazionale e interpretarono creativamente la sua le forme.

L'Art Nouveau si sviluppò non solo a Mosca, ma anche a San Pietroburgo, dove si sviluppò sotto l'indubbia influenza del cosiddetto "moderno del nord" scandinavo: P.Yu. Suzor nel 1902-1904 costruisce l'edificio della compagnia Singer su Nevsky Prospekt (ora Book House). La sfera terrestre sul tetto dell'edificio doveva simboleggiare il carattere internazionale delle attività dell'azienda. La facciata era rivestita di pietre preziose (granito, labradorite), bronzo e mosaici. Ma le tradizioni del monumentale classicismo di San Pietroburgo hanno influenzato il modernismo di San Pietroburgo. Ciò servì da impulso per l'emergere di un altro ramo della modernità: il neoclassicismo del 20° secolo. Nel palazzo di A.A. Polovtsov sull'isola di Kamenny a San Pietroburgo (1911-1913) l'architetto I.A. Fomin (1872-1936) incide pienamente sui caratteri di questo stile: la facciata (volume centrale e ali laterali) è risolta in ordine ionico, e gli interni del palazzo in forma ridotta e più modesta, per così dire, ripetono il infilata del salone del Palazzo Tauride, ma le grandi finestre della semirotonda del giardino d'inverno, disegno stilizzato di particolari architettonici, definiscono chiaramente l'epoca di inizio secolo. Le opere di una scuola architettonica puramente di San Pietroburgo dell'inizio del secolo - case popolari - all'inizio di Kamennoostrovsky (n. 1-3) Avenue, il conte M.P. Tolstoj sulla Fontanka (n. 10-12), edifici b. La banca Azov-Don sulla Bolshaya Morskaya e l'Hotel Astoria appartengono all'architetto F.I. Lidval (1870-1945), uno dei più importanti maestri dell'Art Nouveau di San Pietroburgo.

L'Art Nouveau è stato uno degli stili più significativi che ha concluso il XIX secolo e ha aperto il successivo. In esso sono state utilizzate tutte le moderne conquiste dell'architettura. Il moderno non è solo un certo sistema costruttivo. Dal regno del classicismo, il moderno è forse lo stile più coerente in termini di approccio olistico, la soluzione d'insieme degli interni. L'Art Nouveau come stile ha catturato l'arte di mobili, utensili, tessuti, tappeti, vetrate, ceramiche, vetri, mosaici, è riconoscibile ovunque per i suoi contorni e linee disegnati, la sua speciale tavolozza di colori sbiaditi, colori pastello e il suo modello preferito di gigli e iris.

Scultura

Scultura russa a cavallo tra XIX e XX secolo. e i primi anni pre-rivoluzionari sono rappresentati da diversi nomi importanti. Prima di tutto, questo è P.P. Trubetskoy (1866-1938). Le sue prime opere russe (ritratto di Levitan, immagine di Tolstoj a cavallo, entrambi - 1899, bronzo) danno un quadro completo del metodo impressionista di Trubetskoy: la forma, per così dire, è tutta permeata di luce e aria, dinamica, progettata per la visualizzazione da tutti i punti di vista e da diverse angolazioni crea una poliedrica caratterizzazione dell'immagine. L'opera più notevole di P. Trubetskoy in Russia fu il monumento in bronzo ad Alessandro III, eretto nel 1909 a San Pietroburgo, in piazza Znamenskaya. Qui Trubetskoy lascia il suo stile impressionista. I ricercatori hanno ripetutamente notato che l'immagine dell'imperatore di Trubetskoy è risolta, per così dire, in contrasto con quella di Falconet, e accanto a The Bronze Horseman, questa è un'immagine quasi satirica dell'autocrazia. Ci sembra che questo contrasto abbia un significato diverso; non la Russia, “sollevata sulle zampe posteriori”, come una nave lanciata nelle acque europee, ma la Russia di pace, stabilità e forza è simboleggiata da questo cavaliere seduto pesantemente su un cavallo pesante.

L'impressionismo in una rifrazione creativa peculiare e molto individuale trovò espressione nelle opere di A. S. Golubkina (1864-1927). Nelle immagini di Golubkina, in particolare delle donne, c'è molta purezza morale, profonda democrazia. Queste sono spesso immagini di povera gente comune: donne esauste o malaticci "bambini della prigione".

La cosa più interessante nel lavoro di Golubkina sono i suoi ritratti, sempre drammaticamente intensi, che sono generalmente caratteristici del lavoro di questo maestro, e insolitamente diversi (ritratto di V.F. Ern (legno, 1913, Galleria Statale Tretyakov) o un busto di Andrei Bely ( gesso, 1907, Galleria Statale Tretyakov)) .

Nell'opera di Trubetskoy e Golubkina, nonostante tutte le loro differenze, c'è qualcosa in comune: caratteristiche che li rendono legati non solo all'impressionismo, ma anche al ritmo delle linee fluide e delle forme della modernità.

L'impressionismo, che catturò la scultura dell'inizio del secolo, influenzò poco il lavoro di S. T. Konenkov (1874-1971). La "Nike" in marmo (1906, Galleria di Stato Tretyakov) con tratti chiaramente ritratti (peraltro, slavi) di un viso tondo con fossette sulle guance fa presagire le opere che Konenkov eseguì dopo un viaggio in Grecia nel 1912. Immagini della mitologia pagana greca sono intrecciato con la mitologia slava. Konenkov inizia a lavorare il legno, attinge molto dal folklore russo, dalle fiabe russe. Da qui i suoi "Stribog" (albero, 1910, Galleria Statale Tretyakov), "Velikosil" (albero, privato, coll.), immagini di mendicanti e anziani ("Old Man-Polyevichok", 1910).

Nel revival della scultura in legno, grande merito di Konenkov. L'amore per l'epopea russa, per la fiaba russa ha coinciso con la "scoperta" dell'antica pittura di icone russa, l'antica scultura in legno russa, con un interesse per l'antica architettura russa. A differenza di Golubkina, a Konenkov manca il dramma, l'esaurimento mentale. Le sue immagini sono piene di ottimismo popolare.

Nel ritratto Konenkov fu uno dei primi a porre il problema del colore all'inizio del secolo. La sua colorazione della pietra o del legno è sempre molto delicata, tenendo conto delle caratteristiche del materiale e delle caratteristiche della soluzione plastica.

Tra le opere monumentali dell'inizio del secolo è necessario segnalare il monumento a N.V. Gogol NA Andreev (1873-1932), aprì a Mosca nel 1909. Questo è Gogol degli ultimi anni della sua vita, malato terminale. Insolitamente espressivo è il suo profilo triste con un naso aguzzo ("Gogol"), una figura magra avvolta in un soprabito; Nel linguaggio lapidario della scultura, Andreev ha trasmesso la tragedia di una grande personalità creativa. In un fregio a bassorilievo su un piedistallo in composizioni a più figure, gli eroi immortali di Gogol sono raffigurati in un modo completamente diverso, con umorismo o addirittura satiricamente.

AT Matveev (1878-1960). Ha vinto l'influenza impressionista del suo insegnante nei suoi primi lavori - nel nudo (il tema principale di quegli anni. Architetture rigorose, laconismo di forme generalizzate stabili, stato di illuminazione, pace, armonia contraddistinguono Matveev, contrastando direttamente il suo lavoro con la scultura impressionismo.

Come giustamente notato dai ricercatori, le opere del maestro sono progettate per una percezione lunga e ponderata, richiedono uno stato d'animo interiore, "silenzio" e poi si aprono nel modo più completo e profondo. Hanno la musicalità delle forme plastiche, grande gusto artistico e poesia. Tutte queste qualità sono inerenti alla lapide di V.E. Borisov-Musatov a Tarusa (1910, granito). Nella figura di un ragazzo addormentato, è difficile vedere il confine tra sonno e non esistenza, e ciò avviene nella migliore tradizione della scultura commemorativa del 18° secolo. Kozlovsky e Martos, con la sua saggia e pacata accettazione della morte, che a sua volta ci porta ancora più lontano, alle antiche stele arcaiche con scene di "trattamenti funebri". Questa lapide è l'apice dell'opera di Matveev del periodo pre-rivoluzionario, che doveva ancora lavorare fruttuosamente e diventare uno dei famosi scultori sovietici. Nel periodo pre-ottobre, un certo numero di giovani maestri di talento apparvero nella scultura russa (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, ecc.), Che negli anni '10 stavano appena iniziando la loro attività creativa. Hanno lavorato in direzioni diverse, ma hanno mantenuto le tradizioni realistiche che hanno portato alla nuova arte, giocando un ruolo importante nella sua formazione e sviluppo.

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abstract, aggiunto il 06/08/2004


Sagoma dell'età dell'argento. Le caratteristiche principali e la diversità della vita artistica del periodo dell '"età dell'argento": simbolismo, acmeismo, futurismo. Significato dell'età dell'argento per la cultura russa. Caratteristiche storiche dello sviluppo della cultura tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

abstract, aggiunto il 25/12/2007


Uno studio sull'emergere e lo sviluppo del barocco come stile artistico caratteristico della cultura dell'Europa occidentale dalla fine del XVI alla metà del XVIII secolo. Caratteristiche generali e analisi dello sviluppo degli stili barocchi nella pittura, scultura, architettura e musica.

presentazione, aggiunta il 20/09/2011


L'intensità della Silver Age nei contenuti creativi, la ricerca di nuove forme espressive. Le principali tendenze artistiche dell'"Età dell'Argento". L'emergere del simbolismo, dell'acmeismo, del futurismo nella letteratura, del cubismo e dell'astrattismo nella pittura, del simbolismo nella musica.

abstract, aggiunto il 18/03/2010


Storia della cultura artistica nel primo Novecento. Le principali tendenze, concetti artistici e rappresentanti dell'avanguardia russa. Formazione della cultura dell'era sovietica. Realizzazioni e difficoltà nello sviluppo dell'arte in condizioni totalitarie; fenomeno sotterraneo.

presentazione, aggiunta il 24/02/2014


Il periodo di massimo splendore della cultura spirituale tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. L'emergere di nuove tendenze e gruppi d'arte. Caratteristiche e differenze dell'astrattismo, dell'avanguardia, dell'impressionismo, del cubismo, del cubo-futurismo, del raionismo, del modernismo, del simbolismo e del suprematismo.

presentazione, aggiunta il 05/12/2015


L'influenza degli eventi politici e sociali sull'art. Tempo di ascesa creativa in diverse aree della cultura. Divulgazione dell'essenza dell'acmeismo, del futurismo e del simbolismo modernista. Manifestazione dell'Art Nouveau nell'architettura di Mosca. Letteratura dell'età dell'argento.

L'arte "pura", che proclama valori che non dipendono da problemi e tendenze sociali e storiche, è un fenomeno bello, ma irrealistico.

È impossibile creare isolandosi dalla vita quotidiana, senza prestare attenzione alle idee prevalenti nella società: formali e informali. L'arte della Russia nel 20° secolo è stata influenzata da potenti cambiamenti nel sistema sociale, sconosciuti a qualsiasi altro paese.

L'inizio del secolo, la ricerca di nuove idee

I 100 anni del 20° secolo sono stati un'era di sconvolgimenti senza precedenti per l'intera civiltà. Entro la fine del 20° secolo, il progresso scientifico e tecnologico aveva compresso il tempo e lo spazio per l'intero pianeta, i conflitti sociali in una regione limitata si sono trasformati in sconvolgimenti planetari. La cultura e l'arte della Russia nel 20° secolo, come tutte le attività sociali in Europa e in America, ha un legame temporaneo con gli eventi più importanti della storia recente.

La magia dei numeri, che segna l'inizio di un nuovo secolo, fa nascere sempre l'attesa del cambiamento, la speranza per l'inizio di un nuovo, felice tempo. Il diciannovesimo secolo, che ha creato fama mondiale per la cultura russa, stava svanendo nel passato, lasciando tradizioni che non potevano scomparire dall'oggi al domani.

"The World of Art" era il nome dell'associazione di artisti nata nel 1898 ed esistita a intermittenza fino al 1924, senza la quale è impossibile immaginare le belle arti nel primo quarto del XX secolo in Russia. Il "mondo dell'arte" non aveva uno stile comune sviluppato: pittori, grafici, scultori andavano ciascuno per la propria strada, avendo un accordo nelle proprie opinioni sugli obiettivi dell'arte e sul suo ruolo nella società. Molte caratteristiche di questo punto di vista sono state espresse dal genio di Mikhail Vrubel. Il nucleo formale, la base dell'associazione erano L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. In tempi diversi hanno preso parte Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov e altri maestri.

Tutti hanno riconosciuto il primato della professionalità nell'arte, l'enorme ruolo della libertà creativa e l'indipendenza dell'artista dai dogmi sociali, pur non negando il valore dell'arte nella vita umana, protestando contro la rigidità dell'accademia da un lato e contro la dall'altro l'eccessiva politicizzazione della pittura da parte dei Vagabondi. Criticato dai sostenitori delle tradizioni, il Mondo dell'Arte non ha potuto inserirsi nel turbolento processo di nascita della pittura “proletaria”, ma ha avuto un enorme impatto su tutte le belle arti del XX secolo in Russia, sia su coloro che hanno lavorato in l'URSS e su coloro che sono finiti in emigrazione.

Moderno

Gli ultimi decenni dell'Ottocento sono il periodo della nascita di un nuovo stile, che ha segnato l'opera dei maestri delle belle arti e dell'architettura. Aveva le sue caratteristiche in alcune regioni d'Europa, dove veniva persino chiamato in modo diverso. In Belgio e Francia è stato fissato il nome "Art Nouveau", in Germania - "Art Nouveau", in Austria - "Secession". Sono noti altri nomi associati agli artisti più famosi di questo stile o aziende che producevano mobili, gioielli e altri prodotti in questa direzione: stile mush, stile Guimard - in Francia, Liberty in Italia, negli Stati Uniti - stile Tiffany, ecc. Arte della Russia Il 20° secolo, l'architettura in particolare, lo conoscono come Art Nouveau.

Dopo un lungo periodo di atemporalità stilistica, l'Art Nouveau è diventato uno dei movimenti artistici più espressivi e visivamente formati. Il carattere vegetale e liscio delle linee del ricco decoro, caratteristico di esso, in combinazione con forme geometricamente semplici ed espressive di grandi volumi, ha attratto artisti e architetti con freschezza e novità.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - la star della modernità architettonica russa. Il suo talento ha dato caratteristiche nazionali a uno stile essenzialmente cosmopolita, i capolavori di Shekhtel - la stazione ferroviaria Yaroslavsky, il palazzo Ryabushinsky - sono le creazioni dell'architetto russo, sia in generale che nelle piccole cose.

Avanguardia prerivoluzionaria

Il processo di ricerca di nuove forme d'arte, e non solo - la sua nuova essenza - era rilevante per l'arte di tutta Europa e America. L'arte della Russia nel XX secolo racchiude diversi periodi veramente rivoluzionari, quando il lavoro di diversi riformatori ha indicato nuove direzioni nello sviluppo del pensiero artistico. Uno dei più sorprendenti e impressionanti fu il periodo interrivoluzionario dal 1905 al 1917. Le peculiarità dell'arte d'avanguardia in Russia furono causate dalla crisi della vita pubblica russa dopo le tragedie della guerra russo-giapponese e della rivoluzione del 1905.

Numerosi movimenti d'avanguardia e associazioni creative sorte in quel periodo avevano simili cause generative e simili obiettivi di ricerca artistica. Avendo una potente influenza sui principali tipi di arte del 20° secolo in Russia, i futuristi e i cubo-futuristi, il "Jack of Diamonds" e la "Blue Rose", il Suprematismo di Kandinsky e Malevich ha cercato in vari modi nuovi mondi, ha espresso il la crisi dell'antica arte che aveva perso il contatto con la realtà, anticipava l'inizio di un'era di sconvolgimenti globali.

Tra le nuove idee nate dagli artisti d'avanguardia c'era il pensiero della Russia nel XX secolo, che contiene pagine come la famosa performance - il manifesto della nuova arte "Vittoria sul sole" (1913). Fu il risultato del lavoro congiunto dei poeti futuristi M. Matyushin, V. Khlebnikov e la decorazione fu eseguita da Kazimir Malevich.

Gli artisti P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, che hanno arricchito l'arte della Russia nel XX secolo con le loro ricerche, sono diventati gli autori di dipinti che hanno ricevuto riconoscimenti mondiali. E questo riconoscimento è iniziato negli anni '10 del XX secolo, nell'era della nascita della pittura d'avanguardia nella storia moderna.

Dopo la Rivoluzione d'Ottobre, la Russia ha avuto l'opportunità di aprire nuovi orizzonti al mondo intero nella vita pubblica, compreso nell'art. E all'inizio sono state create le condizioni quando il valore di ogni persona dotata è cresciuto incommensurabilmente, sono emersi generatori di nuove idee creative.

Come interpreta quel tempo la storia dell'arte? Il 20 ° secolo, la Russia, i turbolenti anni Venti: questa è una vita artistica attiva senza precedenti di numerose associazioni creative, tra cui spiccano:

UNOVIS - "Affermativo della nuova arte" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Fondata sulla base della scuola d'arte di Vitebsk, questa associazione era un apologeta dell'avanguardia artistica, offrendo di cercare nuovi temi e forme per l'arte.

- "Quattro Arti" - un flusso in linea con il "Mondo dell'Arte" L'obiettivo principale è mostrare le enormi possibilità espressive dell'architettura, della scultura, della grafica e della pittura. È stata dichiarata la necessità di alta professionalità e libertà creativa. I rappresentanti più importanti: l'architetto A. V. Shchusev, l'artista grafico V. A. Favorsky, lo scultore V. I. Mukhina, i pittori K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva e altri.

- "OST", "Società di artisti da cavalletto". Riteneva la cosa principale mostrare i segni dell'inizio di una nuova vita pacifica, la costruzione di un moderno paese giovane attraverso uno stile espressivo avanzato, ma semplice e chiaro. Leader: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Cerchio degli artisti" (Leningrado). Seguendo il corso ufficiale, sviluppando lo "stile dell'epoca". Membri attivi del gruppo: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria" - un'associazione che divenne la base della successivamente creata Unione degli artisti dell'URSS, conduttrice attiva di direzioni per la guida ideologica del processo artistico, strumento di propaganda di partito, gli eredi dei Vagabondi. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson erano in testa.

Costruttivismo

Nei programmi dei più prestigiosi istituzioni educative preparando gli architetti, c'è sempre uno studio sull'argomento "Costruttivismo russo: l'avanguardia architettonica degli anni '20". È di grande importanza per comprendere l'arte di costruire, le idee proclamate dai capi di quella direzione sono molto attuali per ogni tempo. Gli edifici sopravvissuti di Konstantin Melnikov (l'edificio residenziale dell'architetto in via Krivoarbatsky, il club di Rusakov in Stromynka, un garage in via Novoryazanskaya, ecc.), I fratelli Vesnin, Moses Ginzburg (Casa Narkomfin in Novinsky Boulevard) e altre stelle dell'architettura russa sono il fondo d'oro dell'architettura russa.

Funzionalismo, rifiuto di abbellimenti non necessari, estetica della struttura dell'edificio, armonia dell'ambiente di vita creato: queste idee sono diventate la base per risolvere nuovi problemi fissati per giovani architetti, artisti e specialisti nel campo che iniziò a essere chiamato design industriale . Dovevano costruire alloggi di massa per nuove città, circoli di lavoratori per lo sviluppo globale dell'individuo, creare strutture per il lavoro e la ricreazione di una nuova persona. Le incredibili conquiste dell'avanguardia degli anni Venti non possono essere aggirate, lo studio dell'arte della Russia, dell'Europa e dell'America di tutti i tempi successivi si basa in gran parte su di esse. È triste che queste idee progressiste si siano rivelate le meno richieste nella loro patria e lo "stile dell'Impero Stalin" è considerato da molti il ​​​​più grande risultato dell'architettura sovietica.

L'arte dell'era del totalitarismo

Nel 1932 fu emesso il decreto del Comitato centrale del Partito Comunista All-Union dei bolscevichi sul lavoro delle associazioni creative. L'era turbolenta di varie correnti e direzioni finì sotto l'influenza della macchina statale, che acquistò potere, controllata dall'apparato ideologico, in cui il potere unico si rafforzava. Per molti anni, l'arte della Russia nel 20 ° secolo, come molto nella vita del paese, ha iniziato a dipendere dall'opinione di una persona: Joseph Stalin.

Le unioni creative sono diventate un mezzo per subordinare il pensiero artistico a standard ideologici uniformi. L'era del socialista è arrivata: a poco a poco, ogni deviazione dal corso ufficiale ha cominciato a essere dichiarata criminale, coloro che non erano d'accordo caddero sotto una vera repressione. Le accuse di deviare dalla linea del partito sono diventate un metodo per risolvere discussioni creative. La progressività di questo è altamente discutibile. Ad esempio, come si sarebbe sviluppata l'arte teatrale russa nel XX secolo se il grande riformatore teatrale Vsevolod Meyerhold non fosse caduto vittima della repressione?

La natura del talento artistico è complessa e inspiegabile. Le immagini dei leader erano incarnate con grande abilità e sentimento sincero. Nessuna delle repressioni più brutali ha potuto impedire l'emergere di artisti di vero talento, per i quali l'espressione personale era la cosa principale, indipendentemente dal quadro ideologico.

In architettura è giunto il momento dell'"impero stalinista". La ricerca di artisti d'avanguardia è stata sostituita da un ritorno a canoni collaudati. Il potere dell'ideologia comunista era incarnato in esempi spettacolari di neoclassicismo rielaborato: i "grattacieli" di Stalin.

Arte del periodo bellico

C'è un momento nella storia del nostro paese che è diventato la più grande tragedia e una fase di ascesa spirituale senza precedenti. L'arte della Russia nel 20-21 ° secolo ha ricevuto uno dei temi principali che ha permesso di esprimere la grandezza del carattere popolare russo, la profondità dei sentimenti che possono impossessarsi di un individuo e enormi masse durante gli sconvolgimenti storici.

La Grande Guerra Patriottica fin dai primi giorni trovò espressione in immagini visive di incredibile potenza. Poster I. Toidze "La Patria chiama!" sollevato a difesa del paese meglio di qualsiasi comandante, e la "Difesa di Sebastopoli" di Deineka sconvolge qualsiasi persona, indipendentemente dalle idee che condivide. La settima sinfonia di Dmitri Shostakovich è altrettanto impressionante e l'arte musicale della Russia nel 20° secolo, non meno di altri tipi di creatività, ha reso omaggio al tema della guerra contro il fascismo.

Scongelare

Dopo la Grande Vittoria, il successivo fattore storico più potente che ha influenzato la vita pubblica in URSS è stata la morte di Stalin (marzo 1953) e il 20° Congresso del PCUS, che ha sollevato la questione dell'esposizione del culto della personalità. Da tempo, per gli artisti, così come per l'intera società, si respirava libertà di creatività e nuove idee. La generazione degli “anni Sessanta” è un fenomeno ben preciso, ha lasciato un ricordo di sé come una breve boccata d'aria fresca presa prima di immergersi nuovamente per decenni nella palude di un'esistenza misurata, programmata, regolata.

I primi esperimenti dell'avanguardia artistica della "seconda ondata" - le opere di E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky e altri - alla mostra dedicata al 30° anniversario di Mosca ramo dell'Unione degli artisti, sono stati duramente condannati personalmente dal nuovo leader del paese N Khrushchev. La festa ha ricominciato a spiegare alle persone che tipo di arte avevano bisogno e agli artisti come scrivere.

L'architettura è stata incaricata di far fronte agli eccessi, il che è stato giustamente spiegato dalle difficoltà economiche del dopoguerra, è venuto il momento della costruzione di alloggi di massa, il tempo di "Krusciov", che ha in qualche modo rimosso l'acutezza della questione abitativa, ma ha sfigurato l'aspetto di molte città.

L'arte del "socialismo sviluppato"

Per molti versi, l'arte della Russia nella seconda metà del 20° secolo è in gran parte una storia di confronto tra una personalità artistica e l'ideologia dominante. Ma anche in un'atmosfera di regolazione ideologica di ogni pezzo di spazio spirituale, molti artisti hanno trovato il modo di modificare leggermente il metodo prescritto del realismo socialista.

Quindi, un vero esempio per i giovani sono stati i maestri che hanno formato le loro convinzioni negli anni venti: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov e altri. L'immagine dell'ex membro dell'associazione artistica "OST" Y. Pimenov "Matrimonio nella strada di domani", scritta nel 1962, è diventata un simbolo delle speranze di rinnovamento della società.

Un altro fenomeno sorprendente nella pittura sovietica di quel tempo fu la formazione di uno "stile severo". Questo termine indicava l'opera di G. Korzhov, P. Ossovsky, i fratelli Smolin, P. Nikonov e altri Nei loro dipinti, scritti in diversi generi (quotidiani, storici), apparve un eroe che non aveva bisogno di istruzioni, impegnato in un affari comprensibili e necessari. È stato raffigurato senza dettagli inutili e fronzoli coloristici, in modo capiente ed espressivo.

Di particolare importanza è il lavoro di un maestro come il suono civico delle sue tele contiene un raro messaggio umanistico generale, quasi religioso per l'arte sovietica, e lo stile pittorico ha radici nel Rinascimento italiano.

Anticonformismo

Il predominio ufficiale del "realismo socialista" ha costretto gli artisti informali a trovare la loro strada verso il pubblico o ricorrere all'emigrazione. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny e molti altri se ne andarono. Si trattava di artisti del XX secolo in Russia, portatori di valori spirituali nati dalle avanguardie di inizio secolo, e che tornarono in patria dopo il crollo dell'ideologia comunista.

E durante il suo regno apparve l'emigrazione interna, dando origine al motivo popolare di un artista pazzo ed eternamente ubriaco, abitante di ospedali psichiatrici, perseguitato dalle autorità e dalla leadership di unioni creative, ma molto apprezzato dagli esperti occidentali indipendenti. Un tipico portatore di tale immagine era A. Zverev, una figura leggendaria per Mosca nell'era del socialismo sviluppato.

Polistilismo e pluralismo

Liberandosi dai dettami statali dell'era sovietica, le belle arti del XX secolo in Russia sono entrate nel processo globale come parte inseparabile di esso, con proprietà e tendenze comuni. Molte forme di creatività, familiari da molto tempo in Occidente, furono rapidamente padroneggiate dagli artisti domestici. Le parole "performance", "installazione video", ecc. sono diventate familiari nel nostro intervento, e tra i più significativi maestri contemporanei di fama mondiale ci sono artisti di vedute diametrali in termini di direzioni: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev, A. Burganov e molti altri.

La tempestosa e imprevedibile storia recente del paese, che occupa un sesto della terra terrestre, si guarda allo specchio - l'arte della Russia del XX secolo - e vi si riflette con migliaia di immagini indimenticabili...

1. Arte della Russia alla fine del XX secolo. L'ultimo decennio del 20° secolo in Russia è stato ricco di eventi politici ed economici che hanno cambiato radicalmente la situazione del Paese. Il crollo dell'Unione nel 1991 e il cambio di rotta politica, il passaggio ai rapporti di mercato e un chiaro orientamento verso il modello occidentale di sviluppo economico, e infine l'indebolimento, fino alla completa abolizione, del controllo ideologico - tutto questo in l'inizio degli anni '90 ha contribuito al fatto che l'ambiente culturale ha iniziato a cambiare rapidamente. La liberalizzazione e la democratizzazione del Paese hanno contribuito allo sviluppo e all'instaurazione di nuove tendenze e direzioni nell'art. L'evoluzione dell'arte negli anni '90 in Russia avviene con l'emergere di tendenze inerenti al postmodernismo, con l'emergere di una nuova generazione di giovani artisti che lavorano in aree come, concettualismo, computer grafica, neoclassicismo relativo allo sviluppo della tecnologia informatica in Russia. Nato dall'eclettismo classico, il "neoclassicismo russo" divenne un "diamante dalle mille sfaccettature", combinando varie tendenze che non appartenevano ai "classici" prima dell'era del modernismo. Neoclassicismo- questa è una direzione artistica in cui gli artisti fanno rivivere le tradizioni classiche della pittura, della grafica, della scultura, ma allo stesso tempo utilizzano attivamente le ultime tecnologie. Storico e teorico dell'arte britannico Edoardo Lucy Smith ha definito il neoclassicismo russo "il primo fenomeno sorprendente della cultura russa che ha influenzato il processo artistico mondiale dopo Kazimir Malevich". Il neoclassicismo richiedeva un atteggiamento diverso nei confronti dell'antichità rispetto a quello dei classicisti. La visione storica della cultura greca ha fatto delle opere antiche non un assoluto, ma un ideale storico concreto, quindi l'imitazione dei Greci ha acquisito un significato diverso: nella percezione dell'arte antica, non era la sua normatività ad emergere, ma la libertà , la condizionalità di regole che sarebbero poi diventate il canone, la vita reale del popolo. D.V. Sarabyanov trova il neoclassicismo una sorta di "complicazione" della modernità. Con la stessa probabilità, il neoclassicismo può essere considerato sia tardo moderno che una tendenza indipendente. Nel lavoro dei "nuovi artisti" non c'è pura modernità o un neoclassicismo separato, agiscono sempre in modo interconnesso, gli artisti della nuova accademia hanno combinato contemporaneamente diverse tendenze nelle arti visive: avanguardia, postmodernismo, classicismo nel " spazio collage". Le opere dei "nuovi artisti" sono eclettiche, unendo computer grafica, incisione, pittura e fotografia. Gli artisti hanno digitalizzato le opere finite, selezionato i frammenti necessari e creato collage, restaurando magistralmente i costumi e le decorazioni dell'antichità. La combinazione dei metodi tradizionali con le capacità dei programmi di computer grafica ha ampliato il potenziale creativo degli artisti. I collage sono stati assemblati dal materiale scansionato, sono stati applicati effetti speciali artistici, deformati, creando composizioni illusorie. I rappresentanti più importanti del neoclassicismo di San Pietroburgo nei primi anni '90 erano O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclassicismo Toberlutsè una delle manifestazioni del romanticismo. Le sue opere incarnano i sentimenti di una persona, i sogni, la nobiltà, qualcosa di entusiasta e trasformato in un ideale irrealizzabile. . L'artista stessa diventa l'eroina delle sue opere. Stilisticamente, il lavoro di O. Toberluts può essere definito come neoclassicismo, passato attraverso la coscienza postmoderna, come un mondo eclettico, che raffigura templi antichi, interni rinascimentali, mulini a vento olandesi e costumi del designer K. Goncharov come un tocco di modernità. Le possibilità illimitate della computer grafica rendono le opere di O.Tobreluts fantastiche e soprannaturali. Con l'aiuto della tecnologia informatica E.Sheff ritorna nell'antica Grecia, poi nell'antica Roma, creando nei suoi collage immagini della mitologia antica. In serie "Miti di Ludwig" l'artista ha utilizzato fotografie di sculture greche, strutture architettoniche, sovrapponendovi gli effetti dell'antichità. Con l'aiuto della tecnologia informatica, l'artista ripristina l'originalità del Colosseo, conducendo emozionanti escursioni intorno ad esso. Pittura digitale Shutov rappresenta l'equivalente emotivo dei suoi numerosi hobby. Contiene sia classici greci ed echi di ricerca etnografica, sia elementi di sottocultura giovanile.Pertanto, si può notare che la fine del XX secolo segnò una svolta non solo nella vita politica ed economica della Russia, ma anche nella arte. Negli anni '90 è stata fondata una forte tendenza nelle arti visive "nuovo neoclassicismo russo". Lo sviluppo delle tecnologie informatiche in Russia ha ampliato il potenziale creativo di artisti, nuovi artisti, utilizzando nuove tecnologie, creato opere classiche. La cosa principale non è la tecnica e la tecnologia, ma l'estetica. L'arte moderna può anche essere classica. 2. L'arte della Russia all'inizio del 21° secolo. Una caratteristica delle belle arti a cavallo tra il XX e il XXI secolo è che si è liberata dall'oppressione della censura, dall'influenza dello stato, ma non da un'economia di mercato. Se in epoca sovietica agli artisti professionisti veniva fornito un pacchetto di garanzie sociali, i loro dipinti venivano acquistati per mostre e gallerie nazionali, ma ora possono fare affidamento solo sulle proprie forze. Ma la pittura russa non è morta e si è trasformata in una parvenza di arte dell'Europa occidentale e americana, continua a svilupparsi sulla base delle tradizioni russe. L'arte contemporanea è esposta da gallerie d'arte contemporanea, collezionisti privati, società commerciali, organizzazioni d'arte statali, musei d'arte contemporanea, studi d'arte o dagli artisti stessi nello spazio gestito dall'artista. Gli artisti contemporanei ricevono un sostegno finanziario attraverso sovvenzioni, premi e premi, e ricevono anche fondi dalla vendita delle loro opere. La pratica russa è alquanto diversa sotto questo aspetto dalla pratica occidentale. Musei, Biennali, festival e fiere d'arte contemporanea stanno progressivamente diventando strumenti di attrazione di capitali, investimenti nel settore turistico o parte della politica di governo. I collezionisti privati ​​hanno una grande influenza sull'intero sistema dell'arte contemporanea. In Russia, una delle più grandi collezioni di arte contemporanea è conservata dal Museo d'arte contemporanea non statale Erarta di San Pietroburgo. Tendenze nell'arte contemporanea: Arte non spettacolare- una tendenza nell'arte contemporanea che rifiuta lo spettacolo e la teatralità. Un esempio di tale arte è la performance dell'artista polacco Pavel Althamer "Script Outline", alla mostra "Manifesta" nel 2000. In Russia, ha offerto la sua versione dell'arte non spettacolare Anatoly Osmolovsky Arte di strada(Inglese) arte di strada- street art) - belle arti, la cui caratteristica distintiva è uno stile urbano pronunciato. La parte principale della street art sono i graffiti (altrimenti spray art), ma non si può considerare che la street art sia graffiti. La street art include anche poster (non commerciali), stencil, varie installazioni scultoree, ecc. Nella street art, ogni dettaglio, sciocchezza, ombra, colore, linea è importante. L'artista crea il proprio logo stilizzato - un "segno unico" e lo raffigura su parti del paesaggio urbano. La cosa più importante nella street art non è appropriarsi del territorio, ma coinvolgere lo spettatore in un dialogo e mostrare un programma di trama diverso. L'ultimo decennio segna la diversità di direzioni che la street art sceglie. Ammirando la vecchia generazione, i giovani scrittori sono consapevoli dell'importanza di sviluppare il proprio stile. In questo modo stanno emergendo nuove filiali, predicendo un ricco futuro per il movimento. Le nuove diverse forme di street art a volte superano di portata tutto ciò che è stato creato prima. aerografia - una delle tecniche pittoriche delle belle arti, utilizzando un aerografo come strumento per applicare coloranti liquidi o in polvere utilizzando aria compressa su qualsiasi superficie. Può essere utilizzata anche una vernice spray. A causa dell'uso diffuso dell'aerografia e dell'emergere di un gran numero di vernici e composizioni diverse, l'aerografia ha ricevuto un nuovo impulso per lo sviluppo. Ora l'aerografo viene utilizzato per creare dipinti, fotoritocco, tassidermia, modellismo, pittura su tessuto, pittura murale, body art, pittura per unghie, pittura di souvenir e giocattoli, pittura di piatti. Viene spesso utilizzato per disegnare immagini su auto, moto, altre apparecchiature, nella stampa, nel design, ecc. Grazie al sottile strato di vernice e alla capacità di spruzzarlo uniformemente sulla superficie, è possibile ottenere eccellenti effetti decorativi, come transizioni di colore uniformi, tridimensionalità, realismo fotografico dell'immagine risultante, imitazione di una trama ruvida con una levigatezza superficiale ideale.

Argomenti e domande di seminari;

Argomento 1. Concetti di base di storia dell'arte e storia dell'arte.

Domande:

1. Il problema della classificazione degli arti.

2. Il concetto di "opera d'arte". L'emergere e il compito di un'opera d'arte. Lavoro e arte.

3. Essenza, finalità, compiti di cui all'art.

4.Funzioni e significato dell'art.

5. Il concetto di "stile". Lo stile artistico e il suo tempo.

6. Classificazione degli artt.

7. La storia dell'emergere e della formazione della storia dell'arte.

Questioni di discussione:

1. Ci sono 5 definizioni dell'art. Qual è la caratteristica di ciascuno di essi? Quale definizione segui? Puoi formulare la tua definizione di arte?

2. Qual è lo scopo dell'art?

3. Come si può definire un'opera d'arte? Come convivono "opera d'arte" e "opera d'arte"? Spiegare il processo dell'emergere di un'opera d'arte (secondo I. Dieci). Qual è il compito di un'opera d'arte (secondo P.P. Gnedich)?

4. Elenca le 4 funzioni principali dell'arte (secondo I.P. Nikitina) e le quattro

possibile comprensione del significato dell'art.

5. Definire il significato del concetto di "stile". Quali stili dell'arte europea conosci? Che cos'è "stile artistico", "spazio artistico"?

6. Elencare e fornire una breve descrizione dei tipi di arte: arti spaziali, temporali, spazio-temporali e spettacolari.

7. Qual è l'argomento della storia dell'arte?

8. Quale pensi sia il ruolo di musei, mostre, gallerie, biblioteche per lo studio della storia delle opere d'arte?

9. Caratteristiche del pensiero antico sull'arte: informazioni sopravvissute sui primi esempi di letteratura sull'arte ("Canon" di Policleto, trattati di Duris, Senocrate). Direzione "topografica" nella letteratura sull'arte: "Descrizione dell'Ellade" di Pausania. Descrizione delle opere d'arte di Lucian. Il concetto pitagorico di "cosmo" come un tutto armonioso, soggetto alle leggi di "armonia e numero" e al suo significato per gli inizi della teoria dell'architettura. L'idea di ordine e proporzione nell'architettura e nell'urbanistica. Le immagini della città ideale negli scritti di Platone (il sesto libro delle Leggi, il dialogo Crizia) e di Aristotele (il settimo libro della Politica). Capire l'arte nell'antica Roma. "Storia naturale" di Plinio il Vecchio (I secolo dC) come principale fonte di informazioni sulla storia dell'arte antica. Trattato di Vitruvio: un'esposizione sistematica della teoria architettonica classica.

10. Il destino delle antiche tradizioni nel Medioevo e le caratteristiche delle idee medievali sull'arte: vedute estetiche del Medioevo (Agostino, Tommaso d'Aquino), l'idea estetica guida: Dio è la fonte della bellezza (Agostino) e il suo significato per teoria e pratica artistica. L'idea di "prototipo". Caratteristiche della letteratura medievale sull'arte. Pratico-tecnologici, manuali di prescrizione: “Guida dei pittori” dal monte Afaon Dionysius Furnagrafiot, “Sui colori e le arti dei romani” di Eraclio, “Schedula” (Schedula - Allievo) di Teofilo. Descrizione di monumenti architettonici in cronache e vite di santi.

11. Il Rinascimento come punto di svolta nella storia dello sviluppo dell'arte e della storia dell'arte europea. Nuovo atteggiamento verso l'antichità (lo studio dei monumenti dell'antichità). Lo sviluppo di una visione del mondo secolare e l'emergere della scienza sperimentale. Formazione di una tendenza all'interpretazione storico-critica dei fenomeni dell'arte: "Commenti" di Lorenzo Ghiberti Trattati su temi speciali - urbanistica (Filaret), proporzioni in architettura (Francesco di Giorgio), prospettiva in pittura (Piero dela Francesca). Comprensione teorica della svolta rinascimentale nello sviluppo dell'arte e l'esperienza dello studio umanistico del patrimonio antico nei trattati di Leon Batista Alberti (“Sulla statua”, 1435, “Sulla pittura”, 1435-36, “Sull'architettura ”), Leonardo da Vinci (“Trattato sulla pittura”, pubblicato postumo), Albrecht Dürer (Quattro libri sulle proporzioni umane, 1528). Critica della teoria architettonica di Vitruvio in "Dieci libri sull'architettura" (1485) di Leon Baptiste Alberti. "Accademia del Valore" vitruviana e le sue attività nello studio e nella traduzione dell'opera di Vitruvio. Il trattato di Giacomo da Vignola "La Regola dei Cinque Ordini di Architettura" (1562). Quattro libri di architettura (1570) di Andrea Palladio è un classico epilogo nella storia dell'architettura rinascimentale. Il ruolo del Palladio nello sviluppo delle idee architettoniche del barocco e del classicismo. Palladio e Palladianesimo.

12. Le tappe principali della formazione della storia dell'arte storica in epoca moderna: da Vasari a Winckelmann: "Vite dei pittori, scultori e architetti più in vista" Giorgio Vasari (1550, 1568) come opera fondamentale nella storia della formazione della critica d'arte. "The Book of Artists" di Karel Van Mander come continuazione delle biografie di Vasari basate sul materiale della pittura olandese.

13. Pensatori del Settecento sui problemi della formazione dello stile nell'arte, sui metodi artistici, sul posto e sul ruolo dell'artista nella società: il razionalismo nella storia dell'arte. La teoria classica di Nicolas Poussin. Il programma teorico del classicismo nell'"Arte poetica" di Nicolas Buallo (1674) e "Conversazioni sui pittori più famosi, antichi e nuovi" di A. Feliben (1666-1688).

14. Illuminismo (XVIII secolo) e problemi teorici e metodologici dell'arte. Formazione delle scuole nazionali nell'ambito della teoria generale dell'art. Sviluppo della critica d'arte in Francia. Il ruolo dei Salon nella vita artistica francese. Recensioni dei Saloni come principali forme di letteratura critica sulle belle arti. Controversie sui compiti della critica d'arte (valutazione della creatività o educazione del pubblico). Caratteristiche della storia dell'arte tedesca. Contributo alla teoria delle belle arti di Gotthold Ephraim Lessing. Trattato "Laocoonte" (1766) e il problema dei confini della pittura e della poesia. Introduzione del concetto di "belle arti" al posto di "belle arti" (spostando l'enfasi dalla bellezza alla verità ed evidenziando la funzione figurativo-realistica dell'arte). Il significato delle attività di Johann Joachim Winckelmann per lo sviluppo della scienza storica dell'arte. Il concetto di Winckelmann di arte antica e la periodizzazione del suo sviluppo.

15. Origini del pensiero russo sull'arte. Informazioni su artisti e monumenti artistici nelle cronache medievali russe e nelle fonti epistolari. Sollevare domande sull'arte nella vita sociale e politica del XVI secolo. (Cattedrale di Stoglavy del 1551 e altre cattedrali) a testimonianza del risveglio del pensiero critico e della lotta di varie tendenze ideologiche.

16. Un cambiamento radicale nell'arte russa del XVII secolo: la formazione degli inizi di una visione del mondo secolare e la prima conoscenza delle forme europee di cultura artistica. Formazione del pensiero artistico e teorico. Capitolo "Sull'iconografia" nella "Vita" di Avvakum. "Saggio sull'arte" di Joseph Vladimirov (1665-1666) e "Parola alla curiosa pittura di icone" di Simon Ushakov (1666-1667) sono le prime opere russe sulla teoria dell'arte.

17. Formazione attiva di nuove forme di cultura secolare nel Settecento. Appunti

J. von Stehlin è il primo tentativo di creare una storia dell'arte russa.

18. Nuova comprensione romantica dell'arte negli articoli critici di K.N. Batyushkova, NI Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Storia dell'arte tra Ottocento e Novecento: tentativi di sintetizzare le realizzazioni della scuola formale con i concetti dei suoi critici - "scienza strutturale" degli stili artistici. Approccio semiotico nella storia dell'arte. Caratteristiche dello studio semiotico delle opere d'arte nelle opere di Yu.M. Lotman, SM Daniel, BA Uspensky. La varietà di metodi per studiare l'arte nelle moderne scienze domestiche. Principi di analisi di un'opera d'arte e approccio problematico allo studio della storia dell'arte nelle opere di M. Alpatov (“Problemi artistici dell'arte dell'antica Grecia”, “Problemi artistici del Rinascimento italiano”). Sintesi di approcci metodologici (stilistici formali, iconografici, iconologici, sociologici) di V. Lazarev. Metodo di ricerca storico-comparativo nelle opere di D. Sarabyanov ("La pittura russa del XIX secolo tra le scuole europee. L'esperienza della ricerca comparata"). Approccio sistematico all'arte e alle sue caratteristiche.

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8. Janson H.V. Fondamenti di storia dell'arte. – M.: Art, 2001.

Tema 2. Arte del mondo antico. Arte dell'era del primitivo sistema comunale e dell'Antico Oriente.

Domande:

1. Periodizzazione dell'arte della società primitiva. Caratteristiche dell'arte primitiva dell'epoca: Paleolitico, Mesolitico, Neolitico, Bronzo.

2. Il concetto di sincretismo nell'arte primitiva, i suoi esempi.

3. Leggi e principi generali dell'arte dell'Antico Oriente.

4. Arte dell'antica Mesopotamia.

5. L'arte degli antichi Sumeri.

6. Arte dell'antica Babilonia e Assiria.

Questioni di discussione:

1. Dare una breve panoramica della periodizzazione dell'arte primitiva. Quali sono le caratteristiche dell'arte di ogni periodo?

2. Descrivere le caratteristiche principali dell'arte primitiva: sincretismo, feticismo, animismo, totemismo.

3. Confronta i canoni nella rappresentazione di una persona nell'arte dell'antico Oriente (Egitto e Mesopotamia).

4. Quali sono le caratteristiche delle belle arti dell'antica Mesopotamia?

5. Parlaci dell'architettura della Mesopotamia sull'esempio di monumenti specifici:

la ziggurat di Etemenniguru a Ur e la ziggurat di Etemenanki a Nuova Babilonia.

6. Raccontaci la scultura della Mesopotamia sull'esempio di monumenti specifici: le mura lungo la Via della Processione, la Porta di Ishtar, i rilievi del Palazzo Ashurnasirpal in

7. Qual è il tema delle immagini scultoree in rilievo della Mesopotamia?

8. Qual era il nome dei primi monumenti architettonici babilonesi? Qual era il loro?

appuntamento?

9. Qual è la particolarità della cosmogonia della cultura sumero-accadica?

10. Elenca le conquiste nell'arte della civiltà sumero-accadica.

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Questo articolo contiene una breve descrizione dei principali stili artistici del XX secolo. Sarà utile conoscere sia artisti che designer.

Modernismo (dal francese moderne moderne)

nell'arte, il nome cumulativo delle tendenze artistiche che si affermarono nella seconda metà dell'Ottocento sotto forma di nuove forme di creatività, dove prevaleva non tanto l'adesione allo spirito della natura e della tradizione, ma la libera visione del maestro , libero di cambiare il mondo visibile a sua discrezione, seguendo un'impressione personale, un'idea interiore o un sogno mistico (queste tendenze continuarono in gran parte la linea del romanticismo). Impressionismo, simbolismo e modernismo erano le sue direzioni più significative, spesso attivamente interagenti. Nella critica sovietica, il concetto di "modernismo" è stato applicato antistoricamente a tutti i movimenti artistici del XX secolo che non corrispondevano ai canoni del realismo socialista .

Astrattismo(arte sotto il segno delle "forme zero", arte non oggettiva) - una direzione artistica che si è formata nell'arte della prima metà del XX secolo, rifiutandosi completamente di riprodurre le forme del mondo reale visibile. Sono considerati i fondatori dell'astrattismo V. Kandinsky, P. Mondrian e K. Malevich. W. Kandinsky ha creato il suo tipo di pittura astratta, liberando le macchie impressioniste e "selvagge" da ogni segno di oggettività. Piet Mondrian è arrivato alla sua inutilità attraverso la stilizzazione geometrica della natura, iniziata da Cézanne e dai cubisti. Le tendenze moderniste del XX secolo, incentrate sull'astrattismo, si discostano completamente dai principi tradizionali, negando il realismo, ma allo stesso tempo rimangono nel quadro dell'arte. La storia dell'arte con l'avvento dell'astrattismo conobbe una rivoluzione. Ma questa rivoluzione non è nata per caso, ma in modo del tutto naturale, ed è stata predetta da Platone! Nella sua opera successiva Filebo, scrisse della bellezza delle linee, delle superfici e delle forme spaziali in sé, indipendentemente da qualsiasi imitazione degli oggetti visibili, da qualsiasi mimesi. Questo tipo di bellezza geometrica, in contrasto con la bellezza delle forme naturali “irregolari”, secondo Platone, non è relativa, ma incondizionata, assoluta.

Futurismo- tendenza letteraria e artistica nell'arte degli anni '10. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Un'importante idea artistica del futurismo è stata la ricerca di un'espressione plastica della rapidità del movimento come segno principale del ritmo della vita moderna. La versione russa del futurismo era chiamata kybofuturism e si basava su una combinazione dei principi plastici del cubismo francese e delle installazioni estetiche generali europee del futurismo. Attraverso intersezioni, spostamenti, collisioni e influssi di forme, gli artisti hanno cercato di esprimere la schiacciante pluralità di impressioni di una persona contemporanea, un abitante di una città.

Cubismo- "la più completa e radicale rivoluzione artistica dal Rinascimento" (J. Golding). Pittori: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubismo francese, da cubo - cubo) una direzione nell'arte del primo quarto del XX secolo. Il linguaggio plastico del cubismo era basato sulla deformazione e scomposizione degli oggetti in piani geometrici, sullo spostamento plastico della forma. Molti artisti russi sono stati affascinati dal cubismo, spesso combinando i suoi principi con le tecniche di altre tendenze artistiche moderne: futurismo e primitivismo. Il cubo-futurismo divenne una variante specifica dell'interpretazione del cubismo sul suolo russo.

Purismo- (purisme francese, dal latino purus - pulito) una tendenza nella pittura francese della fine degli anni '10 e '20. I principali rappresentanti sono l'artista A. Ozanfan e architetto CE Jeanneret (Le Corbusier). Rifiutando le tendenze decorative del cubismo e di altre avanguardie degli anni '10, la deformazione della natura che adottarono, i puristi si adoperarono per un trasferimento razionalistico ordinato di forme oggettuali stabili e concise, come se fossero "pulite" dai dettagli, all'immagine di elementi “primari”. Le opere dei puristi sono caratterizzate da piattezza, ritmo regolare di sagome leggere e contorni di oggetti dello stesso tipo (brocche, bicchieri, ecc.). Non avendo ricevuto sviluppo in forme da cavalletto, i principi artistici essenzialmente ripensati del purismo si sono parzialmente riflessi nell'architettura moderna, principalmente negli edifici di Le Corbusier.

Serrealismo- un movimento cosmopolita di letteratura, pittura e cinema nato nel 1924 in Francia e terminato ufficialmente nel 1969. Contribuì notevolmente alla formazione della coscienza dell'uomo moderno. Le figure principali del movimento André Breton- scrittore, leader e ispiratore ideologico del movimento, Luigi Aragona- uno dei fondatori del surrealismo, che in modo bizzarro si è poi trasformato in un cantante del comunismo, Salvador Dalì- artista, teorico, poeta, sceneggiatore, che ha definito l'essenza del movimento con le parole: "Il surrealismo sono io!", cineasta fortemente surrealista Luis Buñuel, pittore Juan Mirò- "la più bella piuma sul cappello del surrealismo", come la chiamava Breton, e molti altri artisti in tutto il mondo.

Fauvismo(dal francese les fauves - selvaggio (animali)) Direzione locale nella pittura precoce. 20 ° secolo Il nome F. fu dato per scherno a un gruppo di giovani artisti parigini ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), che parteciparono insieme a numerose mostre nel 1905-1907, dopo la loro prima mostra nel 1905. Il nome fu adottato dal gruppo stesso e si affermò saldamente dietro di esso. La direzione non aveva un programma, un manifesto o una propria teoria chiaramente formulati e non durò a lungo, lasciando però un segno evidente nella storia dell'arte. I suoi partecipanti erano accomunati in quegli anni dal desiderio di creare immagini artistiche esclusivamente con l'ausilio di un colore aperto estremamente brillante. Sviluppare le conquiste artistiche dei Post-Impressionisti ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), basandosi su alcune tecniche formali dell'arte medievale (vetrate, arte romanica) e dell'incisione giapponese, diffuse nei circoli artistici francesi sin dai tempi degli impressionisti, i fauvisti cercarono di massimizzare l'uso delle possibilità coloristiche della pittura.

Espressionismo(dall'espressione francese - espressività) - una tendenza modernista nell'arte dell'Europa occidentale, principalmente in Germania, il primo terzo del XX secolo, che si è sviluppata in un certo periodo storico - alla vigilia della prima guerra mondiale. La base ideologica dell'espressionismo era una protesta individualistica contro il mondo brutto, la crescente alienazione dell'uomo dal mondo, i sentimenti di senzatetto, il collasso e la disintegrazione di quei principi su cui la cultura europea sembrava poggiare così saldamente. Gli espressionisti tendono a gravitare verso il misticismo e il pessimismo. Tecniche artistiche caratteristiche dell'espressionismo: il rifiuto dello spazio illusorio, il desiderio di un'interpretazione planare degli oggetti, la deformazione degli oggetti, l'amore per le acute dissonanze colorate, un colore speciale che incarna il dramma apocalittico. Gli artisti percepivano la creatività come un modo per esprimere le emozioni.

Suprematismo(dal lat. supremus - più alto, più alto; primo; ultimo, estremo, apparentemente, attraverso la supremazia polacca - superiorità, supremazia) La direzione dell'arte d'avanguardia del primo terzo del XX secolo, il creatore, principale rappresentante e teorico di cui era un artista russo Kazimir Malevic. Il termine stesso non riflette l'essenza del suprematismo. In effetti, nella comprensione di Malevich, questa è una caratteristica stimata. Il suprematismo è lo stadio più alto dello sviluppo dell'arte sulla via della liberazione da tutto ciò che non è artistico, sulla via della rivelazione ultima del non oggettivo come essenza di ogni arte. In questo senso, Malevich considerava anche l'arte ornamentale primitiva suprematista (o "supremo"). Ha applicato questo termine per la prima volta a un ampio gruppo dei suoi dipinti (39 o più) raffiguranti astrazioni geometriche, tra cui il famoso "Quadrato nero" su sfondo bianco, "Croce nera", ecc., Esposti alla mostra futurista di Pietrogrado "zero- dieci" nel 1915 Dietro queste e simili astrazioni geometriche si attribuiva il nome Suprematismo, sebbene lo stesso Malevich vi si riferisse in molte delle sue opere degli anni '20, che contenevano esternamente alcune forme di oggetti concreti, in particolare figure di persone, ma conservavano il “Spirito suprematista”. E in effetti, i successivi sviluppi teorici di Malevich non danno motivo di ridurre il suprematismo (almeno lo stesso Malevich) solo ad astrazioni geometriche, sebbene esse, ovviamente, ne costituiscano il nucleo, l'essenza e persino (bianco e nero e bianco e nero suprematismo) portano la pittura al limite della sua esistenza in generale come forma d'arte, cioè allo zero pittorico, oltre il quale non c'è più la pittura propriamente detta. Questo percorso nella seconda metà del secolo fu proseguito da numerose direzioni in attività artistiche che abbandonarono pennelli, colori e tele.

russo avanguardia Gli anni '10 presentano un quadro piuttosto complesso. È caratterizzato da un rapido cambiamento di stili e tendenze, un'abbondanza di gruppi e associazioni di artisti, ognuno dei quali ha proclamato il proprio concetto di creatività. Qualcosa di simile accadde nella pittura europea all'inizio del secolo. Tuttavia, la mescolanza degli stili, il "pasticcio" di correnti e direzioni erano sconosciuti all'Occidente, dove il movimento verso nuove forme era più consistente. Molti maestri delle nuove generazioni con straordinaria rapidità sono passati di stile in stile, di scena in scena, dall'impressionismo alla modernità, poi al primitivismo, al cubismo o all'espressionismo, compiendo molti passaggi, del tutto atipico per i maestri della pittura francese o tedesca . La situazione che si sviluppò nella pittura russa era in gran parte dovuta all'atmosfera pre-rivoluzionaria nel paese. Ha esacerbato molte delle contraddizioni insite in tutta l'arte europea nel suo insieme, perché. Gli artisti russi hanno studiato su modelli europei, conoscevano bene varie scuole e tendenze pittoriche. Una sorta di "esplosione" russa nella vita artistica ha quindi giocato un ruolo storico. Nel 1913 fu l'arte russa a raggiungere nuove frontiere e nuovi orizzonti. Apparve un fenomeno completamente nuovo di non oggettività: una linea oltre la quale i cubisti francesi non osarono oltrepassare. Uno per uno attraversano questa linea: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturismo Tendenza locale nell'avanguardia russa (nella pittura e nella poesia) del primo Novecento. Nelle arti visive, il cubofuturismo nasce sulla base di un ripensamento dei reperti pittorici, del cubismo, del futurismo e del neoprimitivismo russo. Le opere principali furono realizzate nel periodo 1911-1915. I dipinti più caratteristici del cubo-futurismo sono nati dal pennello di K. Malevich e sono stati scritti anche da Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Le prime opere cubo-futuristiche di Malevich furono esposte alla famosa mostra del 1913. "Target", su cui ha debuttato anche il Luchism di Larionov. In apparenza, le opere cubo-futuristiche hanno qualcosa in comune con le composizioni create contemporaneamente da F. Leger e sono composizioni semi-oggettive composte da forme colorate volumetriche cave a forma di cilindro, cono, fiasco, conchiglia, spesso con una lucentezza metallica. Già nelle prime opere del genere di Malevich si nota una notevole tendenza a passare dal ritmo naturale ai ritmi puramente meccanici del mondo delle macchine (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Ritratto di Klyun, 1913).

neoplasticismo- una delle prime varietà di arte astratta. Fu creato nel 1917 dal pittore olandese P. Mondrian e da altri artisti che facevano parte dell'associazione Style. Il neoplasticismo è caratterizzato, secondo i suoi creatori, dal desiderio di "armonia universale", espressa in combinazioni rigorosamente equilibrate di grandi figure rettangolari, nettamente separate da linee nere perpendicolari e dipinte con colori locali dello spettro principale (con l'aggiunta del bianco e toni di grigio). Neoplasticisme (Nouvelle plastique) Questo termine è apparso in Olanda nel XX secolo. Piet Mondrian definì i suoi concetti plastici, sistematizzati e difesi dal gruppo e dalla rivista "Style" ("De Stiji") fondata a Leiden nel 1917. La caratteristica principale del neoplasticismo era l'uso rigoroso dei mezzi espressivi. Il neoplasticismo permette solo alle linee orizzontali e verticali di costruire la forma. L'incrocio di linee ad angolo retto è il primo principio. Intorno al 1920 ne fu aggiunto un secondo che, togliendo il tratto ed enfatizzando il piano, limita i colori al rosso, al blu e al giallo, cioè tre colori primari puri a cui si possono aggiungere solo il bianco e il nero. Con l'aiuto di questo rigore, il neoplasticismo intendeva andare oltre l'individualità per raggiungere l'universalismo e creare così una nuova immagine del mondo.

"battesimo" ufficiale orfismo accadde al Salon des Indépendants nel 1913. Così scriveva il critico Roger Allard nella sua relazione sul Salon: "... notiamo per gli storici futuri che nel 1913 nacque una nuova scuola di Orfismo..." ("La Cote" Parigi 19 marzo 1913). Gli fece eco un altro critico Andre Varno: "Il Salon del 1913 fu segnato dalla nascita di una nuova scuola di scuola orfica" ("Comoedia" Parigi 18 marzo 1913). Infine Guillaume Apollinaire ha rafforzato questa affermazione esclamando, non senza orgoglio: “Questo è l'orfismo. Qui, per la prima volta, è apparsa questa tendenza, che avevo previsto” (“Montjoie!” Supplemento di Parigi al 18 marzo 1913). In effetti, il termine è stato inventato Apollinaire(L'orfismo come culto di Orfeo) e fu annunciato pubblicamente per la prima volta durante una conferenza sulla pittura moderna e letto nell'ottobre 1912. Cosa intendeva? Non sembra saperlo lui stesso. Inoltre, non sapeva come definire i confini di questa nuova direzione. In effetti, la confusione che regna fino ad oggi era dovuta al fatto che Apollinaire ha inconsciamente confuso due problemi che sono interconnessi, certo, ma prima di provare a connetterli, avrebbe dovuto sottolinearne le differenze. Da un lato, la creazione Ritardare mezzi espressivi pittorici interamente basati sul colore e, dall'altro, sull'espansione del cubismo attraverso l'emergere di più direzioni diverse. Dopo una rottura con Marie Laurencin alla fine dell'estate del 1912, Apollinaire cercò rifugio dalla famiglia Delaunay, che lo accolse con amichevole comprensione nel loro laboratorio di rue Grand-Augustin. Proprio quest'estate, Robert Delaunay e sua moglie hanno vissuto una profonda evoluzione estetica che ha portato a quello che in seguito ha definito il "periodo distruttivo" della pittura basata esclusivamente sulle qualità costruttive e spazio-temporali dei contrasti cromatici.

Postmodernismo (postmoderno, postavanguardia) -

(dal lat. post "dopo" e modernismo), il nome collettivo di tendenze artistiche che si sono fatte particolarmente evidenti negli anni Sessanta e sono caratterizzate da una revisione radicale della posizione del modernismo e dell'avanguardia.

espressionismo astratto fase dello sviluppo dell'arte astratta nel dopoguerra (fine anni '40 - '50 del XX secolo). Il termine stesso è stato introdotto negli anni '20 da un critico d'arte tedesco E. von Sydow (E. von Sydow) per riferirsi ad alcuni aspetti dell'art. Nel 1929 l'americano Barr lo utilizzò per caratterizzare i primi lavori di Kandinsky, e nel 1947 definì le opere "espressioniste astratte" Willem de Kooning e Pollock. Da allora, il concetto di espressionismo astratto si è consolidato dietro un campo abbastanza ampio, stilisticamente e tecnicamente variegato della pittura astratta (e poi della scultura), che si è sviluppato rapidamente negli anni '50. negli USA, in Europa e poi in tutto il mondo. Gli antenati diretti dell'espressionismo astratto sono considerati i primi Kandinskij, espressionisti, orfisti, in parte dadaisti e surrealisti con il loro principio di automatismo mentale. La base filosofica ed estetica dell'espressionismo astratto era in gran parte la filosofia dell'esistenzialismo, popolare nel dopoguerra.

Già pronto(Inglese ready-made - ready) Il termine è stato introdotto per la prima volta nel lessico di storia dell'arte dall'artista Marcel Duchamp designare le loro opere, che sono oggetti di uso utilitaristico, sottratte all'ambiente del loro normale funzionamento ed esposte senza alcuna modifica in una mostra d'arte come opere d'arte. Ready-Made ha rivendicato un nuovo sguardo alla cosa e alla cosa. Un oggetto che ha cessato di svolgere le sue funzioni utilitaristiche ed è stato inserito nel contesto dello spazio dell'arte, cioè divenuto oggetto di contemplazione non utilitaristica, ha cominciato a rivelare nuovi significati e mosse associative, sconosciute né all'arte tradizionale né a la sfera utilitaristica quotidiana dell'essere. Il problema della relatività dell'estetico e dell'utilitarismo è emerso con forza. Primo Ready-Made Duchamp esposto a New York nel 1913. Il più famigerato dei suoi Ready-Made. acciaio "Ruota di bicicletta" (1913), "Asciugabottiglie" (1914), "Fontana" (1917): ecco come veniva designato un normale orinatoio.

Pop Art. Dopo la seconda guerra mondiale, in America si formò un grande strato sociale di persone che guadagnavano abbastanza soldi per acquistare beni che non erano particolarmente importanti per loro. Ad esempio, il consumo di beni: la Coca cola oi jeans Levi's diventano un attributo importante di questa società. Una persona che utilizza questo o quel prodotto mostra la sua appartenenza a un determinato ceto sociale. Si formò l'attuale cultura di massa. Le cose sono diventate simboli, stereotipi. La pop art utilizza necessariamente stereotipi e simboli. pop Art(Pop Art) incarnava la ricerca creativa dei nuovi americani, che facevano affidamento sui principi creativi di Duchamp. Esso: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, e altri. La pop art sta assumendo l'importanza della cultura di massa, quindi non sorprende che abbia preso forma e sia diventata un movimento artistico in America. I loro alleati: Hamilton R, Ton Cina scelto come autorità Kurt Schweeter. La pop art è caratterizzata da un'opera, l'illusione di un gioco che spiega l'essenza dell'oggetto. Esempio: torta K. Oldenburg rappresentato in vari modi. Un artista potrebbe non rappresentare una torta, ma dissipare le illusioni, mostrare che una persona vede per davvero. Originale anche R. Rauschenberg: ha incollato sulla tela diverse fotografie, le ha delineate e ha attaccato all'opera un peluche. Una delle sue opere famose è un riccio di peluche. Molto noto è anche il suo dipinto, dove ha usato fotografie di Kenedy.

Primitivismo (Arte ingenua). Questo concetto è usato in diversi sensi ed è in effetti identico al concetto "arte primitiva". In diverse lingue e da diversi scienziati, questi concetti sono usati più spesso per riferirsi alla stessa gamma di fenomeni nella cultura artistica. In russo (così come in alcuni altri), il termine "primitivo" ha un significato alquanto negativo. Pertanto, è più appropriato concentrarsi sul concetto arte ingenua. In senso lato, si tratta dell'arte, che si distingue per semplicità (o semplificazione), chiarezza e immediatezza formale del linguaggio pittorico ed espressivo, con l'aiuto del quale si esprime una visione speciale del mondo non gravata da convenzioni di civiltà . Il concetto è apparso nella nuova cultura europea degli ultimi secoli, quindi riflette le posizioni e le idee professionali di questa cultura, che si considerava il più alto stadio di sviluppo. Da queste posizioni, per arte naïve si intende anche l'arte arcaica dei popoli antichi (civiltà pre-egiziane o pre-greche), ad esempio l'arte primitiva; l'arte dei popoli ritardati nel loro sviluppo culturale e di civiltà (le popolazioni indigene dell'Africa, dell'Oceania, gli indiani d'America); l'arte amatoriale e non professionale su vasta scala (ad esempio, i famosi affreschi medievali della Catalogna o l'arte non professionale dei primi immigrati americani dall'Europa); molte opere del cosiddetto "gotico internazionale"; arte popolare; e, infine, l'arte di talentuosi artisti primitivisti del XX secolo, che non hanno ricevuto un'educazione artistica professionale, ma hanno sentito in se stessi il dono della creatività artistica e si sono dedicati alla sua realizzazione indipendente nell'arte. Alcuni di loro (francese A. Russo, K. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croato I. Generalich, americano SONO. Robertson e altri) hanno creato veri e propri capolavori artistici entrati a far parte del tesoro dell'arte mondiale.L'arte naïf, nella sua visione del mondo e nelle modalità della sua presentazione artistica, è alquanto vicina all'arte dei bambini, da un lato mano, e al lavoro dei malati di mente, dall'altra. Tuttavia, in sostanza, differisce da entrambi. La cosa più vicina in termini di visione del mondo all'arte per bambini è l'arte ingenua dei popoli arcaici e nativi dell'Oceania e dell'Africa. La sua fondamentale differenza rispetto all'arte per bambini risiede nella sua profonda sacralità, tradizionalismo e canonicità.

nessun art(Net Art - dalla rete inglese - rete, arte - arte) La più recente forma d'arte, pratiche di arte moderna, che si sviluppano nelle reti di computer, in particolare su Internet. I suoi ricercatori in Russia, che contribuiscono al suo sviluppo, O. Lyalina, A. Shulgin, credono che l'essenza della Net-art risieda nella creazione di spazi di comunicazione e creativi sul Web, fornendo a tutti la completa libertà di essere in rete. Pertanto, l'essenza della Net-art. non rappresentazione, ma comunicazione, e la sua unità artistica originaria è un messaggio elettronico. Ci sono almeno tre fasi nello sviluppo della Net-art, nata negli anni '80 e '90. 20 ° secolo Il primo è stato quando aspiranti artisti del web hanno creato immagini da lettere e icone trovate sulla tastiera di un computer. Il secondo è iniziato quando gli artisti underground e tutti coloro che volevano mostrare qualcosa del loro lavoro sono arrivati ​​su Internet.

OP-ART(eng. Op-art - una versione abbreviata dell'arte ottica - arte ottica) - un movimento artistico della seconda metà del XX secolo, che utilizza varie illusioni visive basate sulle caratteristiche della percezione delle figure piatte e spaziali. La corrente continua la linea razionalistica del tecnicismo (modernismo). Si risale al cosiddetto astrattismo "geometrico", il cui rappresentante fu V. Vasarely(dal 1930 al 1997 ha lavorato in Francia) - il fondatore dell'op art. Le possibilità dell'Op-art hanno trovato qualche applicazione nella grafica industriale, nei poster e nell'arte del design. La direzione dell'op art (arte ottica) ha origine negli anni '50 all'interno dell'astrattismo, sebbene questa volta fosse di una varietà diversa: l'astrazione geometrica. La sua distribuzione come corrente risale agli anni '60. 20 ° secolo

Graffiti(graffiti - in archeologia, eventuali disegni o lettere graffiati su qualsiasi superficie, da graffiare italiano - graffio) Questa è la designazione delle opere di subcultura, che sono principalmente immagini di grande formato sulle pareti di edifici pubblici, strutture, trasporti, realizzate utilizzando vari tipi di pistole a spruzzo, bombolette di vernice spray. Da qui l'altro nome "spray art" - Spray-art. La sua origine è associata all'aspetto di massa dei graffiti. negli anni '70. sui vagoni della metropolitana di New York, e poi sui muri degli edifici pubblici, le tende dei negozi. I primi autori di graffiti. c'erano per lo più giovani artisti disoccupati di minoranze etniche, principalmente portoricani, quindi, nei primi Graffiti, apparvero alcuni stilemi dell'arte popolare latinoamericana, e il fatto stesso della loro apparizione su superfici non destinate a questo, i loro autori protestarono contro la loro posizione impotente. Entro l'inizio degli anni '80. si formò un'intera tendenza di maestri quasi professionisti G.. I loro veri nomi, precedentemente nascosti sotto pseudonimi, divennero noti ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VISTO, DAZE). Alcuni di loro trasferirono la loro tecnica sulla tela e iniziarono ad esporre nelle gallerie di New York, e presto i graffiti apparvero in Europa.

IPERREALISMO(iperrealismo - inglese) o fotorealismo (fotorealismo - inglese) - artista. movimento nella pittura e nella scultura, basato sulla fotografia, riproduzione della realtà. Sia nella sua pratica che nei suoi orientamenti estetici verso il naturalismo e il pragmatismo, l'iperrealismo è vicino alla pop art. sono accomunati principalmente da un ritorno alla figuratività. Si pone in antitesi al concettualismo, che non solo ha rotto con la rappresentazione, ma ha anche messo in discussione il principio stesso della realizzazione materiale dell'art. concetto.

arte della terra(dall'inglese land art - earthen art), una direzione nell'arte dell'ultimo terzoXXsecolo, basato sull'uso di un paesaggio reale come principale materiale artistico e oggetto. Gli artisti scavano trincee, creano bizzarri cumuli di pietre, dipingono rocce, scegliendo per le loro azioni luoghi solitamente deserti: paesaggi incontaminati e selvaggi, cercando così, per così dire, di restituire l'arte alla natura. Grazie al suo<первобытному>In apparenza, molte azioni e oggetti di questo tipo sono vicini all'archeologia, così come alla foto arte, poiché la maggior parte del pubblico può contemplarli solo in serie di fotografie. Sembra che dovremo fare i conti con l'ennesima barbarie nella lingua russa. Non so se è una coincidenza che il termine<лэнд-арт>apparso alla fine anni '60 in un'epoca in cui nelle società sviluppate lo spirito ribelle del corpo studentesco dirigeva le sue forze per rovesciare i valori stabiliti.

MINIMALISMO(minimal art - inglese: minimal art) - artista. flusso che emana dalla minima trasformazione dei materiali utilizzati nel processo di creatività, semplicità e uniformità delle forme, monocromatiche, creative. autocontrollo dell'artista. Il minimalismo è caratterizzato dal rifiuto della soggettività, della rappresentazione, dell'illusionismo. Rifiutando il classico creatività e tradizione. artistico materiali, i minimalisti utilizzano materiali industriali e naturali di semplice geometria. si utilizzano forme e colori neutri (nero, grigio), piccoli volumi, seriali, metodi di trasporto di produzione industriale. Un manufatto nel concetto minimalista di creatività è un risultato predeterminato del processo della sua produzione. Avendo ricevuto lo sviluppo più completo nella pittura e nella scultura, il minimalismo, interpretato in senso lato come l'economia dell'artista. fondi, trovarono applicazione in altre forme d'arte, principalmente teatro e cinema.

Il minimalismo è nato negli Stati Uniti nel trans. pavimento. anni '60 Le sue origini sono nel costruttivismo, suprematismo, dadaismo, astrattismo, formalista Amer. pittura degli anni '50, pop art. Diretto precursore del minimalismo. è un Amer. pittore F.Stella, che presentò nel 1959-60 una serie di "Quadri neri", dove prevalevano le linee rette ordinate. Le prime opere minimaliste compaiono nel 1962-63 Il termine "minimalismo". appartiene a R. Walheim, che lo introduce in relazione all'analisi della creatività M. Duchamp e artisti pop, riducendo al minimo l'intervento dell'artista nell'ambiente. I suoi sinonimi sono "arte cool", "arte ABC", "arte seriale", "strutture primarie", "arte come processo", "arte sistematica". la pittura". Tra i minimalisti più rappresentativi ci sono − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Sono accomunati dal desiderio di inserire il manufatto nell'ambiente, di battere la naturale consistenza dei materiali. D. Giada lo definisce "specifico. oggetto”, diverso da quello classico. opere di plastica. arti. Indipendente, l'illuminazione gioca un ruolo come un modo per creare arte minimalista. situazioni, soluzioni spaziali originali; vengono utilizzati metodi informatici per la creazione delle opere.