20. yüzyılın Rus sanatında antik tema. XX yüzyılın Rus güzel sanatı. Yirminci yüzyılın Rus resminin ana yönleri

Bu kez Rus resminin zirvesi ve ona gerçekçiliğin girişi olarak kabul edilir. Ülkedeki sosyal fenomenler ve devrimler sanat üzerinde özel bir etkiye sahipti. Resimde zaten sansür ve eleştiri vardı. O zamanın yetkilileri tarafından ressamların eserlerinde önemli bir iz kaldı. Hemen hemen her yerli sanatçı, yeni siyasete ve yeni toplumsal düzene adanmış en az bir resim yapmak zorunda kaldı.

Yirminci yüzyılın Rus resminin ana yönleri

20. yüzyıl döneminde, resimde Rus gerçekçiliğinin sonunu ve Sovyet ya da sosyalistin başlangıcını işaret etti. Büyük Savaş zamanı, partinin ve halkın birleşik hareketi ile ayırt edilen özel olarak kabul edilir. Askeri resimler bir sıçrama yaptı ve bu dönemle alakalı. Peyzaj türünün sosyalist akımı en az etkilendi.

Rus avangardı

"Avangart" kelimesi yenilik, ileri hareket anlamına gelir. Yerli avangard, resmin radikal akımlarını birleştirir. İlk başta modernizm, yeni sanat, soyutlama ve diğer adlarla adlandırıldı. Bu yönde ilk bakışlar savaş öncesi yıllarda ortaya çıktı. Rus avangardı, kültürde geçmişin mutlak reddi ve yıkım ve yaratma süreçlerinin birleştirilmesi gibi anları birleştirir. Resimde aynı zamanda saldırganlığa, eski sanatsal değerleri yok etme arzusuna ve tamamen farklı bir şeyin yaratılmasına yer var.

Bu doğrultuda, her şeyden önce, “Renkli Yaşam”, “Volga Şarkısı”, “Beyaz Oval”, “Moskova” resimlerini çizen Wassily Kandinsky'yi vurgulamaya değer. Kızıl Meydan". Avangard hareketler arasında, avangart akımlardan biri olan süpermatizmin temsilcisi olan Kazimir Malevich de yer alıyor. Bu akım, sanatın son aşamasını, nesnelerin yokluğunu karakterize eder. Önce geometrik soyutlamalara sahip tuvallerin ortaya çıkmasından sonra onun hakkında konuşmaya başladılar.

sosyalist gerçekçilik

Devrimin gerçekleşmesi ve birçok çalkantı ve değişimin yaşanmasından sonra görsel sanatlarda yeni bir dönem ve yeni bir yön başlamıştır. O zamana denk geldi ve sosyalist gerçekçilik olarak adlandırıldı. Bu, hükümet ve halk tarafından talep edildi. Sosyalist gerçekçilik, kahramanlığın, ifade edilen liderlerin, insanların, olayların, partinin gerçeğinin ve sanatçının kendisinin vizyonunun varlığıyla ayırt edildi. Totaliter toplum, Rus resmini tanınmayacak kadar değiştirdi. Esas olarak o zamanın tarihi olaylarına, devletin kahramanlarına ve liderlerine ve ayrıca basit bir işçinin günlük yaşamına adanmış resimlerden oluşuyordu.

Birçoğu buna "şiddetli stil" adını verdi, çünkü içinde yanılsamalar, varsayımlar, çocuksu dikkatsizlik yoktu. Sadece acımasız gerçekler tuvallerde sergileniyordu. O zamanın kahramanlığı, liderin iç gerginliğinde ve çabalarında yatıyordu. Sosyalist gerçekçilikte çalışmak bir meslekti ve kahramanlar öncü ve inşaatçıydı. Yüzyılın sonunda, Sovyet kültürünün çöküşüyle ​​birlikte Rus resminde yeni bir yön geliyor.

postmodernizm

Rus resminde, toplumda tam olarak net olmayan modernizmin yerini almak için yeni bir yön geldi. Postmodernizm, fotoğrafik görüntülerle karakterizedir. Resim, orijinal görünüme mümkün olduğunca yakındır. Stil, tipolojik özelliklerle ayırt edilir. Her şeyden önce, bitmiş form. Ressamlar klasik görüntüleri kullanırlar, ancak onları yeni bir şekilde yorumlarlar, ayrıcalık verirler. Çoğu zaman, postmodernizmin temsilcileri, formları birkaç yönden birleştirerek, görüntüye hafif bir ironi ve bir tür ikincil verir.

Yönün bir başka özelliği de kural eksikliğidir. Postmodernizmde sanatçı, resmini tasvir etme biçimlerinin ve biçimlerinin seçimi üzerinde tam kontrole sahiptir. Belli bir özgürlük, genel olarak sanata taze bir soluk verdi. Sanat enstalasyonları ve performanslar vardı. Resimdeki postmodernizm, net tekniklerin yokluğu ve genel küresel popülerlik ile de karakterize edilir. Bu yönün en parlak dönemi 20. yüzyılın 90'larında geldi. Bunun en önemli temsilcileri şu sanatçılardır: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Yayınlanan http://www.allbest.ru/

Federal Eğitim Ajansı

Devlet eğitim kurumu

yüksek mesleki eğitim

Sanat Tarihi

Kontrol kursu çalışması

19. yüzyılın sonlarında ve 20. yüzyılın başlarında Rus sanatı

giriiş

Tablo

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentin Aleksandroviç Serov

Mihail Aleksandroviç Vrubel

"Sanat Dünyası"

"Rus Sanatçılar Birliği"

"Elmas Jack"

"Gençlik birliği"

Mimari

Heykel

bibliyografya

giriiş

XIX'in sonlarında - XX yüzyılın başlarında Rus kültürü, Rus toplumunun gelişiminde karmaşık ve tartışmalı bir dönemdir. Yüzyılın dönüş kültürü her zaman geçmişin kültürünün geleneklerini ve yeni ortaya çıkan bir kültürün yenilikçi eğilimlerini içeren bir geçiş döneminin unsurlarını içerir. Geleneklerin aktarımı var ve sadece bir aktarım değil, yenilerinin ortaya çıkması da var, tüm bunlar, bu zamanın sosyal gelişimi tarafından düzeltilen, kültürü geliştirmenin yeni yollarını aramanın çalkantılı süreci ile bağlantılı. Rusya'da yüzyılın dönüşü, büyük değişikliklerin meydana geldiği, devlet sisteminde bir değişiklik, 19. yüzyılın klasik kültüründen 20. yüzyılın yeni kültürüne bir değişiklik dönemidir. Rus kültürünü geliştirmenin yeni yollarını aramak, Batı kültüründeki ilerici eğilimlerin asimilasyonu ile ilişkilidir. Yönlerin ve okulların çeşitliliği, yüzyılın başında Rus kültürünün bir özelliğidir. Batılı eğilimler iç içedir ve özellikle Rus içeriğiyle dolu modern eğilimlerle tamamlanır. Bu dönemin kültürünün bir özelliği, yaşamın felsefi anlayışına yönelimi, sanatın bilimle birlikte büyük bir rol oynadığı dünyanın bütünsel bir resmini oluşturma ihtiyacıdır. 19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başlarındaki Rus kültürünün odak noktası, bir yandan rengarenk okul çeşitliliği ve bilim ve sanat alanlarında bir tür bağlantı halkası haline gelen ve bir yandan da her şeyi analiz etmek için bir tür başlangıç ​​​​noktası haline gelen bir kişiydi. diğer yanda en çeşitli kültürel eserler. Yüzyılın başında Rus kültürünün altında yatan güçlü felsefi temel buradan kaynaklanmaktadır.

XIX sonlarında - XX yüzyılın başlarında Rus kültürünün gelişimindeki en önemli öncelikleri vurgulayarak, en önemli özelliklerini görmezden gelemezsiniz. 19. yüzyılın sonu - Rus kültürü tarihinde 20. yüzyılın başlangıcına genellikle Rus Rönesansı veya Puşkin'in altın çağı ile karşılaştırıldığında Rus kültürünün gümüş çağı denir.

Yüzyılın başında, başta mimari olmak üzere (uzun bir süre eklektizm hakim oldu) tüm plastik sanatları etkileyen ve Art Nouveau üslubu olarak adlandırılan grafiklerle biten bir üslup gelişti. Bu fenomen açık değildir, modernitede ayrıca esas olarak burjuva zevkleri için tasarlanmış yozlaşmış iddialılık, iddialılık vardır, ancak aynı zamanda kendi içinde önemli olan bir stil birliği arzusu da vardır. Art Nouveau tarzı, mimari, resim ve dekoratif sanatların sentezinde yeni bir aşamadır.

Görsel sanatlarda Art Nouveau kendini gösterdi: heykelde - formların akışkanlığı, siluetin özel ifadesi, kompozisyonların dinamizmi; resimde - görüntülerin sembolizmi, alegori bağımlılığı. sembolizm modern avangard gümüş

Rus sembolistleri, Gümüş Çağı estetiğinin gelişmesinde önemli bir rol oynadı. Edebiyat ve sanatta bir fenomen olarak sembolizm, ilk olarak 19. yüzyılın son çeyreğinde Fransa'da ortaya çıktı ve yüzyılın sonunda Avrupa'nın çoğuna yayıldı. Ancak Fransa'dan sonra, kültürdeki en geniş ölçekli, önemli ve özgün fenomen olarak sembolizmin gerçekleştiği yer Rusya'dır. Rus sembolizmi başlangıçta Batı sembolizmiyle aynı önkoşullara sahipti: "olumlu bir dünya görüşü ve ahlak krizi". Rus sembolistlerinin ana ilkesi, yaşamın estetize edilmesi ve mantık ve ahlak için estetiğin çeşitli biçimlerinin ikame edilmesi arzusudur. Her şeyden önce, Rus sembolizmi, devrimci-demokratik "altmışların" gelenekleri ve popülizm, ateizm ideolojisi, faydacılık ile sınırlandırılması ile karakterize edilir. Rus sembolistlerine göre, "saf", özgür sanat ilkelerine karşılık gelirler.

Gümüş Çağı'nın dünya çapında önem kazanan bir diğer çarpıcı olgusu, avangardın sanatı ve estetiğidir. Estetik bilincin halihazırda listelenmiş alanlarının uzamda, avangard sanatçılar, kesinlikle isyankar bir karakterle ayırt edildiler. Klasik kültürün, sanatın, dinin, toplumsallığın, devlet olmanın bunalımını doğal bir ölüm, eskinin yıkımı, modası geçmiş, alakasız olarak zevkle algıladılar ve kendilerini "tüm hurdaların" devrimcileri, yok edicileri ve mezar kazıcıları ve yaratıcıları olarak gördüler. her şey yeni, genel olarak, yeni ortaya çıkan bir ırk. Nietzsche'nin P. Uspensky tarafından geliştirilen süpermen hakkındaki fikirleri, birçok avangard sanatçı tarafından kelimenin tam anlamıyla alındı ​​ve özellikle fütüristler tarafından kendileri için denendi.

Bu nedenle isyan ve aşırılık, sanatsal ifade araçlarında, sanata yaklaşım ilkelerinde temelde yeni olan her şeye duyulan istek, sanatın sınırlarını genişletme eğilimi, hayata gelinceye kadar, ancak temsilcilerinkinden tamamen farklı ilkelerde. teurjik estetiğin 10'ların avangardları için hayat. 20. yüzyıl - bu, her şeyden önce, devrimci bir isyan, anarşist bir isyandır. Absürtlük, kaos, anarşi ilk kez modernitenin eş anlamlıları olarak ve tam olarak sanatta rasyonel ilkenin tamamen reddedilmesine ve irrasyonel, sezgisel, bilinçsiz, anlamsız, karmaşık, biçimsiz vb. . Rus avangardının ana yönleri şunlardı: soyutlamacılık (Vasily Kandinsky), Süprematizm (Kazimir Malevich), yapılandırmacılık (Vladimir Tatlin), Kübofütürizm (Kübizm, Fütürizm) (Vladimir Mayakovsky).

Tablo

Yüzyılın dönümünün ressamları için, diğer ifade biçimleri, Gezginlerinkinden, diğer sanatsal yaratıcılık biçimlerinin karakteristik özelliğidir - çelişkili, karmaşık ve açıklayıcılık ve anlatı olmadan modernliği yansıtan görüntülerde. Sanatçılar, hem uyum hem de güzelliğe temelde yabancı olan bir dünyada acı içinde uyum ve güzellik ararlar. Bu yüzden birçok kişi misyonlarını güzellik duygusu geliştirmekte gördü. Bu sefer, kamusal yaşamdaki değişim beklentisi olan "eves" zamanı, birçok akımın, birlikteliğin, gruplaşmanın, farklı dünya görüşleri ve zevklerin çatışmasına yol açtı. Ama aynı zamanda, "klasik" Gezginlerden sonra öne çıkan bütün bir sanatçı kuşağının evrenselciliğine de yol açtı.

Plein hava resminde izlenimci dersler, "rastgele çerçeveleme" kompozisyonu, geniş bir serbest resimsel tarz - tüm bunlar, yüzyılın başındaki tüm türlerde resimsel araçların gelişimindeki evrimin sonucudur. "Güzellik ve uyum" arayışında sanatçılar, anıtsal resim ve tiyatro sahnelerinden kitap tasarımına ve sanat ve el sanatlarına kadar çeşitli teknik ve sanat formlarında kendilerini deniyorlar.

Tür resmi 1990'larda gelişti, ancak 1970'lerin ve 1980'lerin "klasik" Gezici hareketinden biraz farklı gelişti. Böylece köylü teması yeni bir şekilde ortaya çıkıyor. S. A. Korovin (1858-1908), “Dünyada” (1893) resminde kırsal topluluktaki bölünmeyi tasvir ediyor.

Yüzyılın başında, tarihsel temada biraz tuhaf bir yol ana hatlarıyla belirtilmiştir. Örneğin, A.P. Ryabushkin (1861-1904), tarihsel türden daha çok tarihsel türden çalışır. “Kilisede 17. yüzyılın Rus kadınları” (1899), “Moskova'da düğün treni. XVII yüzyıl ”(1901) - bunlar XVII yüzyılda Moskova'nın hayatından günlük sahneler. Ryabushkin'in stilizasyonu, genel dekoratif çözümde, parlak ana renkler üzerine inşa edilmiş renk şemasında, özel bir plastik ve doğrusal ritim sisteminde görüntünün düzlüğüne yansır. Ryabushkin, örneğin “Düğün Treni ...” nde, plein-air manzarasına cesurca yerel renkleri tanıtıyor - vagonun kırmızı rengi, karanlık binaların ve karların arka planına karşı büyük şenlik kıyafetleri lekeleri, ancak, en güzel renk nüanslarında. Manzara her zaman Rus doğasının güzelliğini şiirsel olarak aktarır.

F. A. Malyavin (1869-1940) tarafından folklor sanatsal geleneklerinin tamamen özel bir şekilde ustalaştığı ve modern sanatın diline çevrildiği yeni bir resim türü yaratıldı. sembolik anlam - sağlıklı toprak Rusya Resimleri her zaman etkileyicidir ve bunlar kural olarak şövale çalışmaları olmasına rağmen, sanatçının fırçasının altında anıtsal ve dekoratif bir yorum alırlar.“Kahkaha” (1899, Modern Sanat Müzesi, Venedik) , “Whirlwind” (1906), köylü kızlarının bulaşıcı bir şekilde yüksek sesle güldüğü veya yuvarlak bir dansta kontrolsüzce koştuğu gerçekçi bir görüntüdür, ancak bu gerçekçilik yüzyılın ikinci yarısından farklıdır. tüm tuval.

M. V. Nesterov (1862-1942), Eski Rusya temasını ele alır, ancak Rusya'nın görüntüsü, sanatçının resimlerinde doğayla uyumlu, bir tür ideal, neredeyse büyülü dünya olarak görünür, ancak efsanevi Kitezh şehri gibi sonsuza dek ortadan kaybolur. Bu keskin doğa duygusu, dünyadan zevk, her ağacın ve çim yaprağının önünde özellikle Nesterov'un devrim öncesi dönemin en ünlü eserlerinden biri olan "Genç Bartholomew'in Vizyonu" (1889-1890, ). Resmin konusunun açıklanmasında, Ryabushkin'inkilerle aynı üslup özellikleri vardır, ancak karakterlerin yüksek maneviyatının, aydınlanmalarının, yabancılaşmalarının derinden lirik bir doğanın güzelliği duygusu her zaman ifade edilir. dünyevi yaygara iletilir.

M.V. Nesterov birçok dini anıtsal resim yaptı. Duvar resimleri her zaman eski Rus temasına adanmıştır (örneğin, Gürcistan'da - Alexander Nevsky'ye). Nesterov'un duvar resimlerinde, özellikle manzarada, portre özelliklerinde - azizlerin görüntüsünde gözlenen birçok gerçek işaret var. Sanatçının zarafet, süsleme, plastik ritimlerin rafine sofistike kompozisyonunun düz bir yorumu için çabasında, Art Nouveau'nun şüphesiz etkisi kendini gösterdi.

Peyzaj türünün kendisi de 19. yüzyılın sonunda yeni bir şekilde gelişir. Aslında Levitan, arazideki Gezginleri aramayı tamamladı. Yüzyılın başında yeni bir kelime K.A. tarafından söylenecekti. Korovin, V.A. Serov ve M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Parlak renkçi Korovin için dünya bir "renk isyanı" olarak görünüyor. Doğa tarafından cömertçe yetenekli olan Korovin, hem portre hem de natürmort ile uğraştı, ancak manzaranın en sevdiği tür olarak kaldığını söylemek yanlış olmaz. Moskova Resim, Heykel ve Mimarlık Okulu - Savrasov ve Polenov'dan öğretmenlerinin güçlü gerçekçi geleneklerini sanata getirdi, ancak dünyaya farklı bir bakış açısına sahip, başka görevler veriyor. Havada erken boyamaya başladı, zaten 1883'te bir koro kızı portresinde, plein havacılığının ilkelerini bağımsız olarak geliştirdiğini görebilir, daha sonra Abramtsevo'daki S. Mamontov'un mülkünde yapılan bir dizi portrede somutlaşmıştır. (“Teknede”, T.S. Lyubatovich'in portresi, vb.), kuzey manzaralarında, S. Mamontov'un kuzeye seferi sırasında (“Lapland'da Kış”) yürütülen. "Paris Işıkları" adıyla birleştirilen Fransız manzaraları, en yüksek etüt kültürüyle zaten tamamen izlenimci bir tablo. Büyük bir şehrin yaşamına dair keskin, anlık izlenimler: günün farklı saatlerinde sessiz sokaklar, aydınlık bir ortamda çözülmüş nesneler, dinamik, "titreyen", titreşen bir vuruşla şekillendirilmiş nesneler; binlerce farklı buharla doymuş bir yağmur perdesi veya şehir havası yanılsaması, - Manet, Pissarro, Monet manzaralarını anımsatan özellikler. Korovin mizaçlı, duygusal, dürtüsel, teatral, dolayısıyla manzaralarının parlak parlaklığı ve romantik coşkusu (“Paris. Capuchin Bulvarı”, 1906, Devlet Tretyakov Galerisi; “Paris geceleri. İtalyan Bulvarı”, 1908). Korovin, başta portre ve natürmort olmak üzere diğer tüm türlerde, aynı zamanda dekoratif panolarda, uygulamalı sanatta, tüm hayatı boyunca uğraştığı tiyatro sahnesinde empresyonist etüt, ressam maestro, çarpıcı sanatın aynı özelliklerini korur (Portre). Chaliapin, 1911, Rus Müzesi; "Balık, şarap ve meyveler" 1916, Devlet Tretyakov Galerisi).

Korovin'in resim konusundaki cömert armağanı, teatral ve dekoratif resimde zekice kendini gösterdi. Tiyatro ressamı olarak Abramtsevo Tiyatrosu'nda (ve belki de onu bir tiyatro sanatçısı olarak ilk takdir eden kişi Mamontov'du), Moskova Sanat Tiyatrosu'nda, Chaliapin ile ömür boyu dostluğunu başlattığı Moskova Özel Rus Operası'nda çalıştı. Diaghilev girişimi. Korovin, tiyatro sahnesini ve sanatçının tiyatrodaki önemini yeni bir boyuta taşıdı, sanatçının tiyatrodaki rolünü anlamada tam bir devrim yaptı ve renkli, "muhteşem" manzarasıyla çağdaşları üzerinde büyük bir etki yarattı. , müzikal performansın özünü açığa çıkarıyor.

Valentin Aleksandroviç Serov

Yüzyılın başında Rus resminin yenilikçisi olan en büyük sanatçılardan biri Valentin Aleksandroviç Serov (1865-1911) idi. Serov, Rus müzik kültürünün seçkin isimleri arasında büyüdü (babası ünlü bir besteci, annesi piyanist), Repin ve Chistyakov ile çalıştı.

Serov genellikle sanatsal aydınların temsilcilerini boyar: yazarlar, sanatçılar, sanatçılar (K. Korovin'in portreleri, 1891, Devlet Tretyakov Galerisi; Levitan, 1893, Devlet Tretyakov Galerisi; Yermolova, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Hepsi farklı, hepsini ayrı ayrı derinden yorumluyor, ancak entelektüel seçkinliğin ve ilham verici yaratıcı yaşamın ışığı hepsinin üzerinde parlıyor.

Portre, manzara, natürmort, ev içi, tarihi resim; yağ, guaj, tempera, odun kömürü - Serov'un çalışmadığı hem resimsel hem de grafik türleri ve kullanmayacağı malzemeleri bulmak zordur.

Serov'un çalışmalarında özel bir tema köylüdür. Köylü türünde gezici bir sosyal keskinlik yoktur, ancak köylü yaşamının güzelliği ve uyumu, Rus halkının sağlıklı güzelliğine hayranlık duygusu vardır (“Köyde. Atlı bir kadın”, haritada). , pastel, 1898, Devlet Tretyakov Galerisi). Özellikle kış manzaraları gümüş-inci renk gamıyla enfes.

Serov, tarihi temayı kendi tarzında yorumladı: Elizabeth ve II. Catherine'in zevk yürüyüşleriyle “kraliyet avları”, yeni zamanın sanatçısı tarafından ironik, aynı zamanda 18. yüzyılda yaşamın güzelliğine her zaman hayranlıkla aktarıldı. Serov'un 18. yüzyıla olan ilgisi, The World of Art'ın etkisi altında ve Rusya'da Büyük Dük, Çar ve İmparatorluk Avı Tarihi'nin yayınlanmasıyla ilgili çalışmalarla bağlantılı olarak ortaya çıktı.

Serov, sürekli olarak gerçekliğin yeni sanatsal gerçekleştirme biçimlerini arayan, derin düşünen bir sanatçıydı. Art Nouveau'nun düzlük ve artan dekoratiflik hakkındaki fikirlerinden esinlenerek, yalnızca tarihi kompozisyonlarda değil, aynı zamanda dansçı Ida Rubinstein'ın portresinde, Avrupa'nın Kaçırılması ve Odyssey ve Navzikai (her ikisi de 1910, Devlet Tretyakov Galerisi, karton, tempera). Serov'un hayatının sonunda antik dünyaya dönmesi önemlidir. Klasik kanonların dışında özgürce yorumladığı şiirsel efsanede, sanatçının tüm eserlerini adadığı arayışı, uyumu bulmak istiyor.

Mihail Aleksandroviç Vrubel

Mikhail Alexandrovich Vrubel'in (1856-1910) yaratıcı yolu, aynı zamanda alışılmadık derecede karmaşık olmasına rağmen daha doğrudandı. Sanat Akademisi'nden (1880) önce Vrubel, St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinden mezun oldu. 1884'te St. Cyril Kilisesi'ndeki fresklerin restorasyonunu denetlemek için Kiev'e gitti ve kendisi birkaç anıtsal kompozisyon yarattı. Vladimir Katedrali'nin duvar resimlerinin suluboya eskizlerini yapıyor. Müşteri, kanonik olmayan ve etkileyici olduklarından korktuğu için eskizler duvarlara aktarılmadı.

90'lı yıllarda, sanatçı Moskova'ya yerleştiğinde, Vrubel'in gizemle dolu ve neredeyse şeytani bir güçle dolu, başka hiçbir şeyle karıştırılamayan yazı tarzı oluştu. Şekli bir mozaik gibi, farklı renkteki keskin "yönlü" parçalardan, sanki içeriden parlıyormuş gibi şekillendiriyor ("Fars halısının arka planına karşı kız", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, Devlet Tretyakov Galerisi) . Renk kombinasyonları, renk ilişkisinin gerçekliğini yansıtmaz, sembolik bir anlam taşır. Doğanın Vrubel üzerinde hiçbir gücü yoktur. Onu tanıyor, ona mükemmel bir şekilde sahip, ama gerçek gibi biraz kendi hayal dünyasını yaratıyor. Soyut olarak yorumladığı edebi konulara yönelir, büyük manevi gücün sonsuz görüntülerini yaratmaya çalışır. Bu nedenle, "Şeytan" için illüstrasyonlar alarak, kısa süre sonra doğrudan örnekleme ilkesinden ayrılır ("Tamara'nın Dansı", "Ağlama, çocuk, boşuna ağlama", "Tabutta Tamara", vb. ). Demon'un görüntüsü, Vrubel'in tüm çalışmasının ana görüntüsü olan ana temasıdır. 1899'da "Uçan Şeytan", 1902'de "Düşen Şeytan" yazdı. Vrubel'in iblisi, her şeyden önce acı çeken bir yaratıktır. Acı, içindeki kötülüğe hakimdir ve bu, görüntünün ulusal Rus yorumunun özelliğidir. Çağdaşlar, haklı olarak belirtildiği gibi, "Şeytanlar" ında bir entelektüelin kaderinin bir sembolünü gördüler - romantik, uyumdan yoksun bir gerçeklikten gerçek olmayan bir rüya dünyasına asi bir şekilde kaçmaya çalışan, ancak dünyevi dünyanın kaba gerçekliğine dalmış bir romantik.

Vrubel, en olgun resimlerini ve grafik çalışmalarını yüzyılın başında - manzara, portre, kitap illüstrasyonu türünde yarattı. Tuvalin veya levhanın düzenlenmesinde ve dekoratif-düzlemsel yorumlanmasında, gerçek ve fantastik kombinasyonunda, bu dönem eserlerinde dekoratif, ritmik olarak karmaşık çözümlere bağlılıkta, modernitenin özellikleri giderek daha fazla öne çıkıyor.

K. Korovin gibi, Vrubel de tiyatroda çok çalıştı. En iyi sahnesi Rimsky-Korsakov'un The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan ve diğerleri için Moskova Özel Operası sahnesinde, yani ona Rus folkloru ile "iletişim kurma" fırsatı veren eserler için yapıldı. , peri masalı, efsane.

Yeteneğin evrenselliği, sınırsız hayal gücü, asil ideallerin onaylanmasındaki olağanüstü tutku, Vrubel'i birçok çağdaşından ayırır.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905), resimsel sembolizmin doğrudan bir temsilcisidir. Eserleri, eski boş "asil yuvalar" ve ölmekte olan "kiraz bahçeleri" için, güzel kadınlar için, ruhsallaştırılmış, neredeyse doğaüstü, dış mekan ve zaman belirtileri taşımayan bir tür zamansız kostüm giymiş bir ağıttır.

Onun şövale işleri en çok dekoratif panellere değil, duvar halılarına benziyor. Alan son derece koşullu, düzlemsel bir şekilde çözülür, rakamlar neredeyse eteriktir, örneğin, "Gölet" (1902, tempera, Devlet Tretyakov Galerisi) resmindeki göletin yanında, rüya gibi meditasyona dalmış, derin tefekkür. Soluk, soluk gri renk tonları, yalnızca insan görüntülerine değil, aynı zamanda onun tasvir ettiği doğaya da uzanan, kırılgan, doğaüstü güzellik ve anemik, hayalet gibi genel izlenimi arttırır. Borisov-Musatov'un eserlerinden birine "Hayaletler" (1903, tempera, Devlet Tretyakov Galerisi) adını vermesi tesadüf değil: sessiz ve hareketsiz kadın figürleri, merdivenlerin yanındaki mermer heykeller, yarı çıplak bir ağaç - soluk bir mavi aralığı, gri, mor tonlar, tasvir edilenin hayaletliğini artırır.

"Sanat Dünyası"

"Sanat Dünyası" - 1898'de St. Petersburg'da ortaya çıkan ve en yüksek sanatsal kültürün ustalarını, o yılların Rusya'nın sanatsal seçkinlerini birleştiren bir organizasyon. "Sanat Dünyası", Rus sanat kültürünün en büyük fenomenlerinden biri haline geldi. Hemen hemen tüm ünlü sanatçılar bu derneğe katıldı.

Derginin ilk sayılarının başyazılarında, "Sanat Dünyası"nın sanatın özerkliği hakkındaki ana hükümleri, modern kültürün sorunlarının yalnızca sanatsal biçim sorunları olduğu ve sanatın asıl görevinin Rus toplumunun estetik zevklerini, öncelikle dünya sanatının eserlerini tanıyarak eğitmek. Onlara hakkını vermeliyiz: Sanat Dünyası sayesinde İngiliz ve Alman sanatı gerçekten yeni bir şekilde takdir edildi ve en önemlisi 18. yüzyıl Rus resmi ve St. Petersburg klasisizminin mimarisi birçokları için bir keşif oldu. "Sanat Dünyası", yüksek profesyonel kültür ve bilgi birikimine sahip bir eleştirmen-sanatçı idealini ilan ederek "bir sanat olarak eleştiri" için savaştı. Böyle bir eleştirmen türü, The World of Art'ın yaratıcılarından biri olan A.N. Benoit.

"Miriskusniki" sergiler düzenledi. Birincisi aynı zamanda Rusların yanı sıra Fransa, İngiltere, Almanya, İtalya, Belçika, Norveç, Finlandiya vb. sanatçıları bir araya getiren tek uluslararasıydı. Hem St. Petersburg hem de Moskova ressamları ve grafik sanatçıları katıldı. Ancak bu iki okul - St. Petersburg ve Moskova - arasındaki çatlak, neredeyse ilk günden belliydi. Mart 1903'te World of Art'ın son beşinci sergisi kapandı, Aralık 1904'te World of Art dergisinin son sayısı yayınlandı. Sanatçıların çoğu, Moskova sergisi "36" temelinde düzenlenen "Rus Sanatçılar Birliği" ne taşındı, yazarlar - Merezhkovsky'nin grubu tarafından açılan New Way dergisine, Moskova sembolistleri "Vesy" dergisi etrafında birleşti, müzisyenler düzenledi " Çağdaş Müzik Akşamları" adlı eserinde Diaghilev tamamen bale ve tiyatroya gitti.

1910'da, (Roerich liderliğindeki) "Sanat Dünyası"na yeniden hayat vermek için bir girişimde bulunuldu. Şöhret “World of Art”a geldi, ancak “World of Arts” esasen artık mevcut değildi, ancak resmi olarak dernek 1920'lerin başına kadar (1924) var oldu - tam bir bütünlük eksikliği, sınırsız hoşgörü ve pozisyonların esnekliği. İkinci nesil "Sanat Dünyası" şövale boyama sorunlarıyla daha az meşguldü, ilgi alanları grafik, özellikle kitap, tiyatro ve dekoratif sanatlardı, her iki alanda da gerçek bir sanatsal reform yaptılar. "Sanat Dünyası" nın ikinci neslinde de büyük bireyler vardı (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, vb.), ancak hiçbir yenilikçi sanatçı yoktu.

"Sanat Dünyası" nın önde gelen sanatçısı K. A. Somov (1869-1939) idi. Sanat Akademisi'nden mezun olan ve Avrupa'yı dolaşan Ermitaj'ın baş küratörünün oğlu Somov, mükemmel bir eğitim aldı. Yaratıcı olgunluk ona erken geldi, ancak araştırmacının (V.N. Petrov) haklı olarak belirttiği gibi, her zaman bir ikiliği vardı - güçlü bir gerçekçi içgüdü ile acı verici bir duygusal dünya görüşü arasındaki mücadele.

Somov, bildiğimiz gibi, sanatçı Martynova'nın (“Mavili Kadın”, 1897-1900, Devlet Tretyakov Galerisi) portresinde, “Geçmiş Zamanın Yankı” (1903, haritada, aqua) portre resminde ortaya çıktı. , guaj, Devlet Tretyakov Galerisi ), modernitenin gerçek günlük belirtilerini aktarmayı reddederek, çökmekte olan modelin kırılgan, anemik kadın güzelliğinin şiirsel bir karakterizasyonunu yarattığı yer. Modellere eski kostümler giydirir, görünümlerine gizli ıstırap, üzüntü ve hayal, acı veren kırıklık özelliklerini verir.

Somov, çağdaşlarının bir dizi grafik portresine sahiptir - entelektüel seçkinler (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, vb.), İçinde tek bir genel teknik kullanır: beyaz bir arka plan üzerinde - belirli bir zamansız küre - doğallaştırma yoluyla değil, cesur genellemeler ve karakteristik ayrıntıların uygun seçimi ile elde edildiği bir yüz, bir benzerlik çizer. Bu zaman belirtisi eksikliği, statik, katılık, soğukluk, neredeyse trajik bir yalnızlık izlenimi yaratır.

Somov, The World of Art'ta herkesten önce geçmişin temalarına, 18. yüzyılın yorumuna yöneldi. ("Mektup", 1896; "Gizlilik", 1897), Benois' Versailles manzaralarının öncüsü olarak. Asalet, mülk ve saray kültürünün motiflerinden ve ironi ile nüfuz eden tamamen öznel sanatsal duyumlarından dokunmuş gerçeküstü bir dünya yaratan ilk kişidir. "Sanat Dünyası"nın tarihselciliği gerçeklikten bir kaçıştı. Geçmiş değil, sahnelenmesi, geri alınamazlığının özlemi - bu onların ana nedenidir. Gerçek eğlence değil, sokaklarda öpücüklerle eğlenceli bir oyun - Somov böyle.

"Sanat Dünyası" nın ideolojik lideri, alışılmadık derecede çok yönlü bir yetenek olan A. N. Benois (1870-1960) idi. Ressam, şövale grafik sanatçısı ve illüstratör, tiyatro sanatçısı, yönetmen, bale libretto yazarı, sanat teorisyeni ve tarihçi, müzikal figür, A. Bely'nin deyimiyle "World of Art"ın baş politikacısı ve diplomatıydı. Bir sanatçı olarak, üslup eğilimleri ve geçmişe olan bağımlılığı ile Somov ile ilişkilidir (“Versailles ile sarhoş oldum, bu bir tür hastalık, aşk, suç tutkusu ... Tamamen geçmişe taşındım ...”) . Versay manzaralarında Benois, 17. yüzyılın tarihi yeniden inşasını birleştirdi. ve sanatçının çağdaş izlenimleri, Fransız klasisizmi algısı, Fransız gravürü. Net kompozisyon, net uzamsallık, ritimlerin görkemi ve soğuk şiddeti, sanat anıtlarının görkemi ile aralarında yalnızca personel olan insan figürlerinin küçüklüğü arasındaki karşıtlık buradan kaynaklanır (1896-1898 1. Versailles serisi "Louis XIV'in Son Yürüyüşleri"). İkinci Versailles serisinde (1905-1906), ilk sayfaların da özelliği olan ironi, neredeyse trajik notlarla renklendirilir (“Kralın Yürüyüşü”, c., guaj, su, altın, gümüş, kalem, 1906 , Devlet Tretyakov Galerisi). Benois'in düşüncesi, tiyatroyu çok iyi bilen ve hisseden mükemmel bir tiyatro sanatçısının düşüncesidir.

Doğa, Benois tarafından tarihle ilişkisel bir bağlantı içinde algılanır (kendisi tarafından suluboya tekniğinde yürütülen Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo'nun görüşleri).

Benois the Illustrator (Pushkin, Hoffman) kitabın tarihinde tam bir sayfadır. Benois, Somov'dan farklı olarak anlatısal bir illüstrasyon yaratıyor. Sayfa düzlemi onun için başlı başına bir amaç değildir. Kitap illüstrasyonunun bir başyapıtı, Bronz Süvari'nin (1903,1905,1916,1921-1922, mürekkep ve suluboya, renkli ahşap baskıyı taklit eden) grafik tasarımıydı. Büyük şiir için bir dizi illüstrasyonda, ana karakter, St. Petersburg'un mimari manzarasıdır, şimdi ciddi şekilde acıklı, bazen barışçıl, bazen uğursuz, Eugene figürünün karşısında daha da önemsiz görünüyor. Benois, Rus devletinin kaderi ile küçük bir adamın kişisel kaderi arasındaki trajik çatışmayı böyle ifade ediyor (“Ve bütün gece zavallı deli, / Ayağını nereye çevirse, / Bronz Süvari onunla her yerdeydi / Bir ağır stomp dörtnala”).

Bir tiyatro sanatçısı olarak Benois, Stravinsky'nin müziğine en ünlü bale "Petrushka" olan "Rus Mevsimleri" nin performanslarını tasarladı, Moskova Sanat Tiyatrosu'nda çok çalıştı ve daha sonra - neredeyse tüm büyük Avrupa aşamaları.

"Sanat Dünyası" nda özel bir yer N. K. Roerich (1874-1947) tarafından işgal edilmiştir. Doğu felsefesi ve etnografisi uzmanı, bir arkeolog-bilim adamı olan Roerich, önce evde, sonra St. Petersburg Üniversitesi hukuk ve tarihi-filoloji fakültelerinde, daha sonra Sanat Akademisi'nde atölyede mükemmel bir eğitim aldı. Kuindzhi'de ve Paris'te F. Cormon'un stüdyosunda. Erken bir bilim adamının otoritesini kazandı. "Sanat Dünyası" ile aynı geçmişe bakma sevgisi ile ilişkiliydi, sadece 17.-18. yüzyıllarda değil, Eski Rusya'da pagan Slav ve İskandinav antik çağında; stilistik eğilimler, teatral dekoratiflik (“Messenger”, 1897, Devlet Tretyakov Galerisi; “The Elders Converge”, 1898, Rus Müzesi; “Sinister”, 1901, Rus Müzesi). Roerich, Rus sembolizminin felsefesi ve estetiği ile en yakından ilişkiliydi, ancak sanatı mevcut eğilimlerin çerçevesine uymuyordu, çünkü sanatçının dünya görüşüne uygun olarak, adeta tüm insanlığa döndü. tüm halkların dostane bir birliğine çağrı. Bu nedenle resimlerinin özel epik doğası.

1905'ten sonra, Roerich'in çalışmalarında panteist mistisizm havası büyüdü. Tarihsel temalar yerini dini efsanelere bırakır (The Heavenly Battle, 1912, Rus Müzesi). Rus simgesi Roerich üzerinde büyük bir etkiye sahipti: dekoratif paneli Kerzhents Savaşı (1911), Rimsky-Korsakov'un Görünmez Şehri Kitezh ve Maiden Fevronia operasından aynı başlığın bir parçasının performansı sırasında sergilendi. Paris Rus Mevsimleri.

“Sanat Dünyası”, tüm modern sanat kültürünü yeniden değerlendiren, yeni zevkleri ve sorunları onaylayan, sanata - en yüksek profesyonel düzeyde - kayıp kitap grafikleri ve tiyatro biçimlerine geri dönen yüzyılın başında büyük bir estetik hareketti. Çabalarıyla tüm Avrupa'da kabul gören dekoratif resim, yeni sanat eleştirisi yarattı, Rus sanatını yurt dışında tanıdı, hatta 18. yüzyıldaki Rus gibi bazı aşamalarını bile açtı. "Sanat Dünyası", kendi üslup özelliklerine sahip yeni bir tarihsel resim, portre, manzara türü yarattı (farklı stilistik eğilimler, grafik tekniklerin resimsel olanlara baskınlığı, tamamen dekoratif bir renk anlayışı, vb.). Bu onların Rus sanatı için önemini belirler.

"Sanat Dünyası"nın zayıflıkları öncelikle programın değişkenliği ve tutarsızlığına yansıdı ve "ya Böcklin, sonra Manet" modelini ilan etti; sanata ilişkin idealist görüşlerde, sanatın yurttaşlık görevlerine karşı etkilenmiş bir kayıtsızlıkta, programatik ilgisizlikte, resmin toplumsal öneminin yitirilmesinde. "Sanat Dünyası"nın yakınlığı, saf estetiği, yaklaşan devrimin korkunç trajik işaretleri çağında hayatının kısa tarihsel dönemini belirledi. Bunlar yaratıcı arayışlar yolunda sadece ilk adımlardı ve çok geçmeden gençler World of Art öğrencilerini geçti.

"Rus Sanatçılar Birliği"

1903 yılında, yüzyılın başındaki en büyük sergi derneklerinden biri olan Rus Sanatçılar Birliği kuruldu. İlk başta, "Sanat Dünyası" nın neredeyse tüm önde gelen isimleri - Benois, Bakst, Somov, girdi, Vrubel, Borisov-Musatov ilk sergilere katıldı. Derneğin yaratılmasının başlatıcıları, "Sanat Dünyası" ile ilişkilendirilen, ancak Petersburgluların programatik estetiği tarafından tartılan Moskova sanatçılarıydı.

Ulusal manzara, köylü Rusya'nın sevgiyle boyanmış resimleri - "Rus izlenimciliğinin" kentsel motiflerden ziyade ağırlıklı olarak kırsal motifleriyle kendini tuhaf bir şekilde ifade ettiği "Birlik" sanatçılarının ana türlerinden biri. Yani I.E.'nin manzaraları. Grabar (1871-1960), lirik ruh halleriyle, gerçek doğadaki anlık değişiklikleri yansıtan en ince resimsel nüanslarla, Rus topraklarında Fransız izlenimci manzarasıyla bir tür paraleldir (“Eylül Karı”, 1903, Devlet Tretyakov Galerisi). Grabar'ın görünür rengin paletin spektral, saf renklerine ayrıştırılmasına olan ilgisi onu neo-izlenimcilikle, J. Seurat ve P. Signac'la ("Mart Karı", 1904, Devlet Tretyakov Galerisi) ilişkilendiriyor. Doğada renklerin oyunu, karmaşık renk efektleri, tuval üzerinde resimsel ve plastik bir figüratif dünya yaratan, anlatı ve tasvirden yoksun "Müttefikler" in yakından incelenmesinin konusu haline gelir.

"Birlik" ustalarının resimlerinde ışığın ve havanın iletilmesine olan tüm ilgi ile, nesnenin hafif hava ortamında çözünmesi asla gözlenmez. Renk dekoratif hale gelir.

"Müttefikler", Petersburgluların aksine - "Sanat Dünyası" nın grafik sanatçıları - çoğunlukla dekoratif bir renk duygusu olan ressamlardır. Bunun mükemmel bir örneği, F.A.'nın resimleridir. Malyavin.

Genel olarak, Müttefikler sadece plein-air çalışmalarına değil, aynı zamanda anıtsal resimsel formlara da yöneldiler. 1910'a kadar, "Sanat Dünyası" nın bölünme ve ikincil oluşum zamanı, "Birlik" sergilerinde, Fransız bölünmeciliğine (Grabar) yakın resim yapan samimi bir manzara (Vinogradov, Yuon, vb.) , erken Larionov) veya sembolizme yakın (P. Kuznetsov, Sudeikin); Diaghilev'in "Sanat Dünyası" sanatçıları da katıldılar - Benois, Somov, Bakst.

Yerli güzel sanatlarda önemli bir rol oynayan sağlam gerçekçi temelleri ile "Rus Sanatçılar Birliği", 1923'e kadar var olan Sovyet resim okulunun oluşumunda belirli bir etkiye sahipti.

1907'de Moskova'da, Golden Fleece dergisi, Borisov-Musatov'u izleyen sanatçıların Mavi Gül adlı tek sergisini düzenledi. P. Kuznetsov, Mavi Gül'ün önde gelen sanatçısı oldu. “Mavi Ayılar”, öncelikle “dillerinde” ifade edilen sembolizme en yakın olanlardır: ruh halinin kararsızlığı, belirsiz, çevrilemez çağrışım müzikalliği, renk ilişkilerinin iyileştirilmesi. Sergiye katılanların estetik platformu da sonraki yıllarda etkisini gösterdi ve bu serginin adı 900'lü yılların ikinci yarısında tüm sanat akımının adından söz ettirdi. "Mavi Gül" ün tüm etkinliği, Art Nouveau tarzının (formların düzlem-dekoratif stilizasyonu, kaprisli doğrusal ritimler) etkisinin en güçlü izini taşır.

P. V. Kuznetsov'un (1878-1968) eserleri, Mavi Ayıların temel ilkelerini yansıtıyor. Kuznetsov, gündelik somutluktan soyutlamaya, insan ve doğanın birliğini, sonsuz yaşam ve doğa döngüsünün istikrarını, bu uyum içinde insan ruhunun doğuşunu göstermeye çalıştığı dekoratif bir panel resmi yarattı. Bu nedenle, anıtsal resim biçimlerine duyulan arzu, rüya gibi-tefekkürlü, her şeyden arınmış, evrensel, zamansız notalar, maddenin maneviyatını iletmek için sürekli bir arzu. Figür yalnızca bir kavramı ifade eden bir işarettir; renk duyguları iletmeye hizmet eder; ritim - belirli bir duyum dünyasına tanıtmak için (ikon resminde olduğu gibi - aşk, hassasiyet, üzüntü, vb. sembolü). Bu nedenle, Kuznetsov'un dekoratif etkisinin temellerinden biri olarak tuvalin tüm yüzeyi üzerinde tek tip bir ışık dağılımının alınması. Serov, P. Kuznetsov'un doğasının "nefes aldığını" söyledi. Bu, Orta Asya manzaralarında Kırgız (Bozkır) ve Buhara süitlerinde mükemmel bir şekilde ifade edilir. Kuznetsov, erken İtalyan Rönesansı olan eski Rus ikon resmi tekniklerini inceledi. Araştırmacılar tarafından doğru bir şekilde belirtildiği gibi, kendi büyük stilini arayan dünya sanatının klasik geleneklerine yapılan bu çağrı, herhangi bir geleneğin genellikle tamamen reddedildiği bir dönemde temel bir öneme sahipti.

Doğu'nun egzotizmi - İran, Mısır, Türkiye - M. S. Saryan'ın (1880-1972) manzaralarında gerçekleştirilir. Doğu, Ermeni sanatçı için doğal bir temaydı. Saryan, resminde Kuznetsov'unkinden daha parlak, daha tutkulu, daha dünyevi bir dünya yaratır ve resimsel çözüm her zaman zıt renk ilişkileri üzerine, nüanslar olmadan, keskin gölge karşılaştırmasında inşa edilir (“Date Palm, Mısır”, 1911). , haritalar. , tempera, GTG).

Saryan'ın görüntüleri, formların genelleştirilmesi, büyük renkli uçaklar, dilin genel özlülüğü nedeniyle anıtsaldır - bu, kural olarak, Mısır'ın genelleştirilmiş bir görüntüsüdür, İran, yerli Ermenistan, hayati doğallığı korurken, doğadan yazılmışsa. Saryan'ın dekoratif tuvalleri her zaman neşelidir, yaratıcılık fikrine tekabül ederler: “... bir sanat eseri mutluluğun, yani yaratıcı çalışmanın sonucudur. Sonuç olarak, izleyicide yaratıcı ateşin alevini tutuşturmalı, onun doğal mutluluk ve özgürlük arzusunun tanımlanmasına katkıda bulunmalıdır.

"Elmas Jack"

1910'da, bir dizi genç sanatçı - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova ve diğerleri - Jack of Diamonds organizasyonunda birleştiler. kendi tüzüğü, sergiler düzenledi ve kendi makale koleksiyonlarını yayınladı. “Jack of Diamonds” aslında 1917'ye kadar vardı. Post-empresyonizm, özellikle Cezanne, “izlenimciliğe tepki” olduğundan, “Jack of Diamonds”, “Mavinin” sembolik dilinin belirsizliğine, çevrilemezliğine, en ince nüanslarına karşı çıktı. Gül” ve “Sanat Dünyası”nın estetik üslubu. Dünyanın maddiliği, "maddiliği" tarafından taşınan "Elmas Knave", resmin net bir yapısını ilan etti, formun nesnelliğini, yoğunluğunu, rengin dolgunluğunu vurguladı. Manzaranın Rus Sanatçılar Birliği üyelerinin favori türü haline gelmesi gibi, natürmortun da “Valetovitler”in favori türü haline gelmesi tesadüf değildir. Ruh hallerinin değişimini aktarmadaki incelik, özelliklerin psikolojizmi, durumların yetersiz ifadesi, "Mavi Taşıyıcılar" resminin kaydileştirilmesi, romantik şiirleri "Valetovitler" tarafından reddedilir. Renklerin neredeyse kendiliğinden şenliği, kontur çiziminin ifadesi, dünyanın iyimser bir vizyonunu ileten, neredeyse komik, kare bir ruh hali yaratan sulu macunsu geniş yazı tarzı ile karşı çıkıyorlar. "Elmas Knave", popüler bir popüler baskıya, bir halk oyuncağına, boyama karolarına, bir tabelaya benzeyen formun yorumlanmasında bu tür basitleştirmelere izin verir. İlkelcilik özlemi (Latin primitivus'tan - ilkel, ilk), sanatsal algının dolaysızlığı ve bütünlüğünü kazanma arayışında, ilkel çağların - ilkel kabileler ve milliyetler - basitleştirilmiş sanat biçimlerini taklit eden çeşitli sanatçılarda kendini gösterdi. "Elmas Jack", algılarını Cezanne'den (dolayısıyla bazen "Rus Cezanneizmi" olarak anılır), hatta daha çok kübizmden (formların "değişimi") ve hatta fütürizmden (dinamikler, formun çeşitli modifikasyonları) aldı.

Formun aşırı basitleştirilmesi, tabela sanatıyla doğrudan bağlantı, özellikle M.F. "Jack of Diamonds" ın kurucularından biri olan Larionov (1881-1964), ancak zaten 1911'de onunla ayrıldı. Larionov manzaralar, portreler, natürmortlar çiziyor, Diaghilev girişiminin tiyatro sanatçısı olarak çalışıyor, sonra tür resmine dönüyor, teması bir taşra sokağının hayatı, askerlerin kışlası. Formlar düz, grotesk, sanki bir çocuğun çizimi, popüler baskı veya tabela olarak kasıtlı olarak stilize edilmiş gibi. 1913'te Larionov, "Luchism" adlı kitabını yayınladı - aslında, Rusya'da gerçek yaratıcıları V. Kandinsky ve K. Malevich olan soyut sanatın manifestolarının ilki.

Sanatçı Larionov'un karısı Goncharova (1881-1962), tür resimlerinde, çoğunlukla köylü teması üzerine aynı eğilimleri geliştirdi. İncelenen yıllarda, Larionov'un sanatından daha dekoratif ve renkli, içsel gücü ve özlülüğü açısından anıtsal olan çalışmalarında, ilkelcilik tutkusu keskin bir şekilde hissedilir. Goncharova ve Larionov'un çalışmalarını tanımlayan "neo-primitivizm" terimi sıklıkla kullanılır.

MZ Chagall (1887-1985), küçük kasaba Vitebsk yaşamının sıkıcı izlenimlerinden dönüştürülen ve naif-şiirsel ve grotesk-sembolik bir ruhla yorumlanan fanteziler yarattı. Gerçeküstü alan, parlak renkler, formun kasıtlı olarak ilkelleştirilmesiyle Chagall, hem Batı dışavurumculuğuna hem de ilkel halk sanatına yakın görünüyor (“I and the Village”, 1911, Museum of Contemporary Art, New York; “Over Vitebsk”, 1914). , col. Zak. Toronto; "Düğün", 1918, Devlet Tretyakov Galerisi).

"Gençlik birliği"

Gençlik Birliği, Jack of Diamonds (1909) ile neredeyse aynı anda kurulmuş bir St. Petersburg örgütüdür. İçindeki lider rol L. Zheverzheev tarafından oynandı. Tıpkı "valetovtsy" gibi, "Gençlik Birliği" üyeleri de teorik koleksiyonlar yayınladı. 1917'de derneğin çöküşüne kadar. "Gençlik Birliği", sembolizm ve kübizm, fütürizm ve "nesnel olmama" iddiasında bulunan belirli bir programa sahip değildi, ancak sanatçıların her birinin kendi yaratıcı yüzü vardı.

Rusya'da devrim öncesi yılların sanatı, sanatsal arayışların olağandışı karmaşıklığı ve tutarsızlığı, dolayısıyla kendi program ayarları ve üslup sempatileri ile ardışık gruplamalar ile işaretlenmiştir. Ancak o zamanın Rus sanatında soyut formlar alanındaki deneycilerle birlikte, "Sanat Dünyası" ve "Goluborozitler", "müttefikler", "elmas yontucuları" aynı zamanda çalışmaya devam etti. güçlü bir neoklasik akım akışı, bir örneği "ikinci nesil" Z. E. Serebryakova'da (1884-1967) "Mir sanatının" aktif bir üyesinin eseri olabilir. Özlü çizimleri, elle tutulur şekilde şehvetli plastik kalıplamaları ve kompozisyon dengesi ile şiirsel tür tuvallerinde Serebryakova, başta Venetsianov olmak üzere Rus sanatının yüksek ulusal geleneklerinden ve hatta eski Rus sanatından geliyor (“Köylüler”, 1914, Rus Müzesi; “Hasat”, 1915 , Odessa Sanat Müzesi; "Tuvalin beyazlatılması", 1917, Devlet Tretyakov Galerisi).

Son olarak, ulusal geleneklerin canlılığının parlak bir kanıtı olan büyük eski Rus resmi, daha sonra Sovyet döneminin en önde gelen sanat ustası olan sanatçı-düşünür K. S. Petrov-Vodkin'in (1878-1939) eseridir. Ünlü Kızıl Atı Yıkanmak (1912, Cum) adlı resimde sanatçı, mecazi bir metafora başvurdu. Doğru bir şekilde belirtildiği gibi, parlak kırmızı bir at üzerindeki genç adam, Muzaffer Aziz George'un (“Aziz Egor”) popüler imajı ve genelleştirilmiş siluet, ritmik, kompakt kompozisyon, zıt renk lekelerinin doygunluğu ile çağrışımlar uyandırır. tam güçte ses ve formların yorumlanmasındaki düzlük, eski bir Rus ikonunun anısına yol açar. Petrov-Vodkin tarafından, Rus sanatının geleneklerine yönelimini hissettiği ve ustayı gerçek bir ulusa götüren anıtsal “Volga'daki Kızlar” (1915, Devlet Tretyakov Galerisi) adlı resimde uyumlu bir şekilde aydınlatılmış bir görüntü yaratılmıştır.

Mimari

Son derece gelişmiş endüstriyel kapitalizm çağı, mimaride, özellikle de şehrin mimarisinde önemli değişikliklere neden oldu. Yeni mimari yapı türleri var: sinema - sinemaların ortaya çıkmasıyla fabrikalar, istasyonlar, dükkanlar, bankalar. Darbe, yeni yapı malzemeleri tarafından yapıldı: devasa alanları engellemeyi, devasa vitrinler yapmayı ve tuhaf bir ciltleme deseni yaratmayı mümkün kılan betonarme ve metal yapılar.

19. yüzyılın son on yılında, mimarlar, geçmişin tarihsel üsluplarını kullanırken mimarinin çıkmaza girdiğini açıkça gördü; araştırmacılara göre, araştırmacılara göre tarihi “yeniden düzenlememek” gerekliydi. tarzları değil, hızla büyüyen bir kapitalist şehrin ortamında biriken yeniyi yaratıcı bir şekilde kavramak. . 19. yüzyılın son yılları - 20. yüzyılın başları, Batı'da öncelikle Belçika, Güney Almanya ve Avusturya mimarisinde oluşan, genel olarak kozmopolit bir fenomen olan (burada Rus modernitesi Batı'dan farklı olsa da) Rusya'da modernitenin egemenliğinin zamanıdır. Avrupa, çünkü tarihsel neo-rönesans, neo-barok, neo-rokoko vb. ile bir karışımdır).

Rusya'da Art Nouveau'nun çarpıcı bir örneği F.O. Shekhtel (1859-1926). Karlı evler, konaklar, ticaret şirketlerinin ve istasyonların binaları - her türde Shekhtel el yazısını bıraktı. Binanın asimetrisi onun için etkilidir, hacimlerdeki organik artış, cephelerin farklı doğası, balkon, sundurma, cumbalı pencereler, pencerelerin üzerinde sandriks kullanımı, stilize bir zambak veya süsen görüntüsünün içeri girmesi. mimari dekor, aynı süsleme motifine sahip vitray pencerelerin kullanımı, iç tasarımda farklı malzeme dokuları. Çizgilerin kıvrımları üzerine inşa edilmiş tuhaf bir desen, binanın her yerine uzanır: Art Nouveau tarafından sevilen mozaik friz veya solmuş, çökmekte olan renklerde sırlı seramik karolardan oluşan bir kemer, vitray pencere bağlamaları, bir çit deseni, balkon kafesleri; merdivenlerin kompozisyonunda, hatta mobilyalarda vs. Kaprisli eğrisel hatlar her şeye hükmeder. Art Nouveau'da, belirli bir evrim, iki gelişme aşaması izlenebilir: ilki, süsleme, dekoratif heykel ve resim (seramik, mozaik, vitray) için özel bir tutkuyla dekoratif, ikincisi daha yapıcı, rasyonalist.

Art Nouveau, Moskova'da iyi temsil edilmektedir. Bu dönemde buraya tren istasyonları, oteller, bankalar, zengin burjuvazinin konakları, apartmanlar inşa edildi. Moskova'daki Nikitsky Kapıları'ndaki Ryabushinsky konağı (1900-1902, mimar F.O. Shekhtel), Rus Art Nouveau'nun tipik bir örneğidir.

Eski Rus mimarisinin geleneklerine hitap edin, ancak modernite teknikleri aracılığıyla, 19. yüzyılın ortalarındaki "Rus tarzının" karakteristiği olan ortaçağ Rus mimarisinin doğal ayrıntılarını kopyalamak yerine, onu özgürce değiştirmeye çalışarak, Eski Rusya'nın ruhunu iletmek, 20. yüzyılın başındaki sözde neo-Rus tarzını doğurdu. (bazen neo-romantizm denir). Art Nouveau'nun kendisinden farkı, öncelikle Art Nouveau için tipik olan, binanın iç yapısını ve karmaşık bir şekilde karmaşık süslemenin arkasındaki faydacı amacı ortaya çıkarmakta değil, kılık değiştirmededir (Moskova'daki Shekhtel - Yaroslavsky İstasyonu, 1903-1904; A.V. Shchusev). - Moskova'daki Kazansky istasyonu, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - Tretyakov Galerisi'nin eski binası, 1900-1905). Hem Vasnetsov hem de Shchusev, her biri kendi yollarıyla (ve ikincisi, birincisinin çok büyük etkisi altında), eski Rus mimarisinin, özellikle Novgorod, Pskov ve erken Moskova'nın güzelliğiyle doluydu, ulusal kimliğini takdir etti ve yaratıcı bir şekilde yorumladı. formlar.

Art Nouveau sadece Moskova'da değil, aynı zamanda "kuzey modern" olarak adlandırılan İskandinav'ın şüphesiz etkisi altında geliştiği St. Petersburg'da da geliştirildi: P.Yu. 1902-1904'te Süzör Singer şirketinin binasını Nevsky Prospekt (şimdi Kitap Evi) üzerine inşa ediyor. Binanın çatısındaki karasal kürenin, şirketin faaliyetlerinin uluslararası doğasını sembolize etmesi gerekiyordu. Cephe değerli taşlarla (granit, labradorit), bronz ve mozaiklerle kaplandı. Ancak anıtsal St. Petersburg klasisizminin gelenekleri, St. Petersburg modernizmini etkiledi. Bu, 20. yüzyılın neoklasizmi olan başka bir modernite dalının ortaya çıkması için bir itici güç olarak hizmet etti. A.A.'nın malikanesinde. Polovtsov, St. Petersburg'daki Kamenny Adası'nda (1911-1913) mimar I.A. Fomin (1872-1936) bu tarzın özelliklerini tamamen etkiledi: cephe (merkezi hacim ve yan kanatlar) İyonik düzende çözüldü ve konağın iç mekanları küçültülmüş ve daha mütevazı bir biçimde, sanki tekrar ediyor. Tauride Sarayı'nın salonunun enfilade'si, ancak kış bahçesinin yarı rotundasının devasa pencereleri, mimari detayların stilize çizimi, yüzyılın başlangıcını açıkça tanımlıyor. Yüzyılın başındaki tamamen St. Petersburg mimarlık okulunun eserleri - kiralık evler - Kamennoostrovsky (No. 1-3) Bulvarı'nın başında, Kont M.P. Fontanka'daki Tolstoy (No. 10-12), binalar b. Bolshaya Morskaya'daki Azov-Don Bankası ve Astoria Oteli, mimar F.I.'ye aittir. Lidval (1870-1945), St. Petersburg Art Nouveau'nun en önde gelen ustalarından biri.

Art Nouveau, 19. yüzyılı bitiren ve bir sonrakini açan en önemli stillerden biriydi. İçinde mimarinin tüm modern başarıları kullanıldı. Modern sadece belirli bir yapıcı sistem değildir. Klasisizm döneminden bu yana modern, bütünsel yaklaşımı, iç mekanın topluluk çözümü açısından belki de en tutarlı stildir. Art Nouveau, mobilya, mutfak eşyaları, kumaşlar, halılar, vitraylar, seramikler, camlar, mozaikler sanatını yakalayan bir stil olarak, çizilmiş konturları ve çizgileri, soluk, pastel renklerden oluşan özel renk paleti ve her yerde tanınır. en sevdiği zambak ve süsen deseni.

Heykel

19.-20. yüzyılların başında Rus heykeli. ve devrim öncesi ilk yıllar birkaç önemli isimle temsil edilir. Her şeyden önce, bu P.P. Trubetskoy (1866-1938). İlk Rus eserleri (Levitan portresi, Tolstoy'un at sırtındaki görüntüsü, her ikisi de - 1899, bronz), Trubetskoy'un izlenimci yönteminin tam bir resmini verir: formun tamamı, olduğu gibi, ışık ve hava ile nüfuz eder, dinamik, görüntüleme için tasarlanmıştır. tüm bakış açılarından ve farklı açılardan, görüntünün çok yönlü bir karakterizasyonunu yaratır. P. Trubetskoy'un Rusya'daki en dikkat çekici eseri, 1909'da St. Petersburg'da Znamenskaya Meydanı'nda dikilen III. Aleksandr'ın bronz anıtıydı. Burada Trubetskoy izlenimci tarzını bırakıyor. Araştırmacılar, Trubetskoy'un imparator imajının, Falconet'in aksine olduğu gibi çözüldüğünü ve Bronz Süvari'nin yanında, bunun neredeyse hicivli bir otokrasi görüntüsü olduğunu defalarca belirttiler. Bize öyle geliyor ki bu karşıtlık farklı bir anlama sahip; Avrupa sularına indirilmiş bir gemi gibi “arka ayakları üzerinde yükselen” Rusya değil, ağır bir atın üzerinde ağır bir şekilde oturan bu binici tarafından barış, istikrar ve güç Rusya'sı sembolize edilir.

Tuhaf, çok bireysel bir yaratıcı kırılmadaki izlenimcilik, A. S. Golubkina'nın (1864-1927) eserlerinde ifade buldu. Golubkina'nın, özellikle kadınların görüntülerinde, çok fazla ahlaki saflık, derin demokrasi var. Bunlar çoğunlukla sıradan fakir insanların görüntüleridir: yorgun kadınlar veya hasta "zindanın çocukları".

Golubkina'nın çalışmasındaki en ilginç şey, genellikle bu ustanın çalışmasının karakteristiği olan ve alışılmadık derecede çeşitli (V.F. Ern'in (ahşap, 1913, Devlet Tretyakov Galerisi) veya Andrei Bely'nin bir büstü olan, her zaman çarpıcı biçimde yoğun olan portreleridir. alçı, 1907, Devlet Tretyakov Galerisi)) .

Trubetskoy ve Golubkina'nın çalışmalarında, tüm farklılıkları için ortak bir şey var: onları yalnızca izlenimcilikle değil, aynı zamanda akıcı çizgilerin ritmi ve modernite biçimleriyle de ilişkilendiren özellikler.

Yüzyılın başındaki heykeli ele geçiren izlenimcilik, S. T. Konenkov'un (1874-1971) çalışmalarını çok az etkiledi. Yanaklarda çukurlu yuvarlak bir yüzün net bir şekilde portre (ayrıca, Slav) özelliklerine sahip mermer “Nike” (1906, Devlet Tretyakov Galerisi), Konenkov'un 1912'de Yunanistan'a yaptığı bir geziden sonra yaptığı eserleri canlandırıyor. Yunan pagan mitolojisinin görüntüleri Slav mitolojisi ile iç içe. Konenkov ahşapta çalışmaya başlar, Rus folklorundan, Rus masallarından çok şey çeker. Bu nedenle "Stribog" (ağaç, 1910, Devlet Tretyakov Galerisi), "Velikosil" (ağaç, özel, koleksiyon), dilencilerin ve yaşlıların görüntüleri ("Old Man-Polyevichok", 1910).

Ahşap heykelin canlanmasında, Konenkov'un büyük değeri. Rus destanına, Rus masalına duyulan aşk, eski Rus ikon resminin, eski Rus ahşap heykelinin, eski Rus mimarisine ilgi duyan "keşfi" ile çakıştı. Golubkina'nın aksine, Konenkov drama, zihinsel çöküşten yoksundur. Görüntüleri popüler iyimserlikle dolu.

Portrede Konenkov, yüzyılın başında renk sorununu ilk ortaya atanlardan biriydi. Malzemenin özellikleri ve plastik çözeltinin özellikleri dikkate alındığında, taş veya ahşabın rengi her zaman çok hassastır.

Yüzyılın başındaki anıtsal eserlerden N.V. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), 1909'da Moskova'da açıldı. Bu, yaşamının son yıllarında ölümcül hasta olan Gogol. Alışılmadık bir şekilde etkileyici, keskin ("Gogol") burnu olan üzgün profili, bir paltoya sarılmış ince bir figür; Andreev, heykelin özlü dilinde, büyük bir yaratıcı kişiliğin trajedisini aktardı. Çok figürlü kompozisyonlarda bir kaide üzerinde bir kısma frizinde, Gogol'un ölümsüz kahramanları tamamen farklı bir şekilde, mizahla ve hatta hicivle tasvir edilmiştir.

A.T. Matveev (1878-1960). İlk çalışmalarında öğretmeninin izlenimci etkisinin üstesinden geldi - çıplak (o yılların ana teması. Katı mimari, istikrarlı genelleştirilmiş formların özlülüğü, aydınlanma durumu, barış, uyum Matveev'i ayırt eder, çalışmalarını doğrudan heykel ile karşılaştırır. izlenimcilik.

Araştırmacıların haklı olarak belirttiği gibi, ustanın eserleri uzun, düşünceli bir algı için tasarlanmıştır, içsel bir ruh hali, "sessizlik" gerektirir ve sonra en eksiksiz ve derinden açılır. Plastik formların müzikalitesine, harika bir sanatsal zevke ve şiire sahipler. Tüm bu nitelikler, V.E.'nin mezar taşına özgüdür. Borisov-Musatov, Tarusa'da (1910, granit). Uyuyan bir çocuk figüründe, uyku ve yokluk arasındaki çizgiyi görmek zordur ve bu, 18. yüzyılın en iyi anıt heykel geleneklerinde yapılır. Kozlovsky ve Martos, ölümün bilgece sakin kabulüyle, bu da bizi daha da ileri götürerek, "cenaze ikramları" sahneleriyle arkaik antik stellere götürür. Bu mezar taşı, hala verimli bir şekilde çalışmak ve ünlü Sovyet heykeltıraşlarından biri olmak zorunda olan devrim öncesi dönemin Matveev'in çalışmalarının zirvesidir. Ekim öncesi dönemde, 1910'larda yaratıcı faaliyetlerine yeni başlayan Rus heykelinde (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, vb.) bir dizi yetenekli genç usta ortaya çıktı. Farklı yönlerde çalıştılar, ancak yeni sanata getirdikleri gerçekçi gelenekleri koruyarak oluşumunda ve gelişmesinde önemli bir rol oynadılar.

...

Benzer Belgeler

Gümüş Çağının manevi ve sanatsal kökenleri. Gümüş Çağı kültürünün yükselişi. XIX'in sonlarında Rus resminin özgünlüğü - XX yüzyılın başlarında. Sanat dernekleri ve resmin gelişimindeki rolleri. İllerin ve küçük kasabaların kültürü.

dönem ödevi, 19/01/2007 eklendi


Yirminci yüzyılın Rus kültürünün yerli ve göçmen olarak bölünmesinin nedenlerinin incelenmesi. Güzel sanatlar ve edebiyatın gelişiminde ana yönler olarak avangard, gerçekçilik ve yeraltı temsilcilerinin ve sanatsal kavramlarının karakterizasyonu.

deneme, 05/03/2010 eklendi


Sembolizmin kökenleri ve kavramı. Gümüş Çağı sanatçısının oluşumu. Rus sembolizm tarihinin dönemleri: bir gelişim kronolojisi. XIX-XX yüzyılların başında tür resminin özellikleri. Rus resminde sanat dernekleri ve sanatsal koloniler.

dönem ödevi, eklendi 06/17/2011


XIX sonlarında Rus sanatı - XX yüzyılın başlarında. Heykel. Mimari. Rus kültürü, bugün dünya evrensel kültürünün güçlü ağacının dallarından biri olarak kuruldu ve gelişiyor. Dünya kültürel gelişimine katkısı yadsınamaz.

özet, 06/08/2004 eklendi


Gümüş Çağ silüeti. "Gümüş Çağ" döneminin sanatsal yaşamının temel özellikleri ve çeşitliliği: sembolizm, acmeizm, fütürizm. Rus kültürü için Gümüş Çağın Önemi. XIX sonlarında - XX yüzyılın başlarında kültürün gelişiminin tarihsel özellikleri.

özet, eklendi 25/12/2007


16. yüzyılın sonundan 18. yüzyılın ortalarına kadar Batı Avrupa kültürünün karakteristik bir sanat tarzı olarak barok'un ortaya çıkışı ve gelişimi üzerine bir çalışma. Resim, heykel, mimari ve müzikte barok üslupların gelişiminin genel özellikleri ve analizi.

sunum, eklendi 09/20/2011


Yaratıcı içerikte Gümüş Çağı'nın yoğunluğu, yeni ifade biçimleri arayışı. "Gümüş Çağı" nın ana sanatsal eğilimleri. Edebiyatta sembolizm, acmeizm, fütürizm, resimde kübizm ve soyutlama, müzikte sembolizm.

özet, 18/03/2010 eklendi


Yirminci yüzyılın başlarında sanatsal kültür tarihi. Rus avangardının ana eğilimleri, sanatsal kavramları ve temsilcileri. Sovyet dönemi kültürünün oluşumu. Totaliter koşullarda sanatın gelişimindeki başarılar ve zorluklar; yeraltı fenomeni.

sunum, 24.02.2014 eklendi


19. yüzyılın sonlarında - XX yüzyılın başlarında manevi kültürün en parlak dönemi. Yeni akımların ve sanat gruplarının ortaya çıkışı. Soyutlamacılık, avangard, izlenimcilik, kübizm, kübo-fütürizm, rayonizm, modernizm, sembolizm ve süprematizm'in özellikleri ve farklılıkları.

sunum, eklendi 05/12/2015


Siyasal ve toplumsal olayların sanata etkisi. Kültürün farklı alanlarında yaratıcı yükseliş zamanı. Modernist acmeizm, fütürizm ve sembolizmin özünün açıklanması. Art Nouveau'nun Moskova Mimarisinde Tezahürü. Gümüş Çağı Edebiyatı.

Toplumsal ve tarihsel sorunlara ve eğilimlere bağlı olmayan değerleri ilan eden "saf" sanat, güzel ama gerçekçi olmayan bir olgudur.

Resmi ve gayri resmi - toplumda hüküm süren fikirlere dikkat etmeden, günlük yaşamdan izole olarak yaratmak imkansızdır. 20. yüzyılda Rusya sanatı, başka hiçbir ülkede bilinmeyen sosyal sistemdeki güçlü değişikliklerden etkilendi.

Yüzyılın başı, yeni fikir arayışları

20. yüzyılın 100 yılı, tüm uygarlık için eşi görülmemiş bir karışıklık dönemiydi. 20. yüzyılın sonuna gelindiğinde, bilimsel ve teknolojik ilerleme, tüm gezegen için zaman ve alanı sıkıştırdı, sınırlı bir bölgedeki sosyal çatışmalar, gezegensel karışıklıklara dönüştü. 20. yüzyılda Rusya'nın kültür ve sanatı, Avrupa ve Amerika'daki tüm sosyal faaliyetler gibi, yakın tarihin en önemli olaylarına geçici bir bağlılığa sahiptir.

Yeni bir yüzyılın başlangıcına işaret eden sayıların büyüsü, her zaman değişim beklentisini, yeni, mutlu bir zamanın başlaması umudunu doğurur. Rus kültürü için dünya çapında bir üne sahip olan on dokuzuncu yüzyıl, bir gecede ortadan kalkması mümkün olmayan gelenekleri geride bırakarak geçmişe doğru kayboluyordu.

“Sanat Dünyası”, 1898'de ortaya çıkan ve 1924'e kadar aralıklı olarak var olan sanatçılar derneğinin adıydı ve Rusya'da 20. yüzyılın ilk çeyreğinde güzel sanatları hayal etmek imkansızdı. "Sanat Dünyası", ortak bir gelişmiş stile sahip değildi - ressamlar, grafik sanatçıları, heykeltıraşların her biri kendi yollarına gitti, sanatın hedefleri ve toplumdaki rolü hakkında görüşlerinde bir anlaşmaya vardı. Bu görüşün birçok özelliği Mikhail Vrubel'in dehası tarafından ifade edildi. Resmi çekirdek, derneğin temeli L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A.P. Ostroumova-Lebedeva, K.A. Somov idi. Farklı zamanlarda Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K.A. Korovin, B.M. Kustodiev, N.K. Roerich, V.A. Serov ve diğer ustalar katıldı.

Hepsi sanatta profesyonelliğin önceliğini, yaratıcı özgürlüğün muazzam rolünü ve sanatçının toplumsal dogmalardan bağımsızlığını kabul ederken, bir yandan sanatın insan yaşamındaki değerini inkar etmiyor, bir yandan akademizmin katılığına ve öte yandan Gezginler tarafından resmin aşırı politize edilmesi. Geleneklerin destekçileri tarafından eleştirilen Sanat Dünyası, “proleter” resmin doğuşunun çalkantılı sürecine sığamadı, ancak Rusya'da 20. yüzyılın tüm güzel sanatlarında - hem de içinde çalışanlar üzerinde - büyük bir etkisi oldu. SSCB ve göçle sonuçlananlar.

Modern

On dokuzuncu yüzyılın son on yılları, güzel sanatlar ve mimarlık ustalarının eserlerinde iz bırakan yeni bir tarzın doğuşu dönemiydi. Avrupa'nın bazı bölgelerinde, hatta farklı olarak adlandırıldığı kendi özelliklerine sahipti. Belçika ve Fransa'da "Art Nouveau" adı Almanya'da - "Art Nouveau", Avusturya'da - "Secession" olarak belirlendi. Bu tarzın en ünlü sanatçıları veya bu yönde mobilya, mücevher ve diğer ürünler üreten firmalarla ilişkili diğer isimler bilinmektedir: lapa tarzı, Guimard tarzı - Fransa'da, Liberty İtalya'da, ABD'de - Tiffany tarzı, vb. Rusya'nın 20. yüzyıl, özellikle mimari, Art Nouveau olarak biliyor.

Uzun bir stilistik zamansızlık döneminden sonra Art Nouveau, en etkileyici ve görsel olarak oluşturulmuş sanatsal hareketlerden biri haline geldi. Zengin dekor çizgilerinin bitkisel, pürüzsüz karakteri, geniş hacimli geometrik olarak basit ve etkileyici formlarla birleştiğinde, sanatçıları ve mimarları tazelik ve yenilikle cezbetti.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - Rus mimari modernitesinin yıldızı. Yeteneği, esasen kozmopolit bir tarza ulusal özellikler kazandırdı, Shekhtel'in başyapıtları - Yaroslavsky tren istasyonu, Ryabushinsky konağı - hem genel olarak hem de küçük şeylerde Rus mimarın yaratımlarıdır.

Devrim öncesi avangard

Yeni sanat biçimleri ve daha fazlasını - yeni özü - arama süreci, tüm Avrupa ve Amerika'nın sanatıyla ilgiliydi. 20. yüzyılda Rusya sanatı, birkaç reformcunun çalışmalarının sanatsal düşüncenin gelişiminde yeni yönler gösterdiği birkaç gerçekten devrimci dönem içeriyor. En çarpıcı ve etkileyici olanlardan biri, 1905'ten 1917'ye kadar olan devrimler arası dönemdi. Rusya'daki avangard sanatın özelliklerine, Rus-Japon Savaşı ve 1905 Devrimi'nin trajedilerinden sonra Rus kamusal yaşamının krizi neden oldu.

O dönemde ortaya çıkan sayısız avangard hareket ve yaratıcı dernek, benzer yaratıcı nedenlere ve benzer sanatsal arayış hedeflerine sahipti. Rusya'da 20. yüzyılın belli başlı sanat türleri üzerinde güçlü bir etkiye sahip olan Fütüristler ve Kübo-Fütüristler, “Jack of Diamonds” ve “Blue Rose”, Kandinsky ve Malevich'in Suprematizm'i çeşitli şekillerde yeni dünyalar aradılar. gerçeklikle bağını yitirmiş eski sanatın krizi, küresel bir çalkantı çağının başlangıcını öngördü.

Avangard sanatçılar tarafından doğan yeni fikirler arasında, ünlü performans - yeni sanat "Güneş Üzerindeki Zafer" (1913) manifestosu gibi sayfalar içeren 20. yüzyılda Rusya düşüncesi vardı. Fütürist şairler M. Matyushin, V. Khlebnikov'un ortak çalışmasının sonucuydu ve dekorasyon Kazimir Malevich tarafından yapıldı.

20. yüzyılda Rusya sanatını arayışlarıyla zenginleştiren sanatçılar P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, dünya çapında tanınan resimlerin yazarları oldular. Ve bu tanıma, modern tarihte avangard resmin doğuşu çağında, 20. yüzyılın 10'lu yıllarında başladı.

Ekim Devrimi'nden sonra Rusya, sanat da dahil olmak üzere kamusal yaşamda tüm dünyaya yeni ufuklar açma fırsatı buldu. Ve her yetenekli kişinin değeri ölçülemez bir şekilde arttığında ilk koşullar yaratıldı, yeni yaratıcı fikirlerin üreteçleri ön plana çıktı.

Sanat tarihi o dönemi nasıl yorumluyor? 20. yüzyıl, Rusya, çalkantılı yirmili yıllar - bu, aralarında öne çıkan sayısız yaratıcı derneğin eşi görülmemiş derecede aktif bir sanatsal hayatıdır:

UNOVIS - "Yeni sanatın olumlayıcısı" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Vitebsk sanat okulu temelinde kurulan bu dernek, sanatsal avangardın savunucusuydu ve sanat için yeni temalar ve biçimler aramayı teklif etti.

- "Dört Sanat" - "Sanat Dünyası" ile uyumlu bir akış Ana hedef, mimari, heykel, grafik ve resmin muazzam ifade olanaklarını göstermektir. Yüksek profesyonellik ve yaratıcı özgürlük ihtiyacı ilan edildi. En önde gelen temsilciler: mimar A. V. Shchusev, grafik sanatçısı V. A. Favorsky, heykeltıraş V. I. Mukhina, ressamlar K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva ve diğerleri.

- "OST", "Şövale Sanatçıları Derneği". Yeni, barışçıl bir yaşamın başlangıcının işaretlerini, modern bir genç ülkenin inşasını gelişmiş bir etkileyici, ancak basit ve net bir üslupla göstermenin ana şeyi olarak kabul edildi. Liderler: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Sanatçılar Çemberi" (Leningrad). Resmi kursun ardından, "dönemin tarzını" geliştirmek. Grubun aktif üyeleri: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Devrimci Rusya Sanatçıları Derneği" - daha sonra oluşturulan SSCB Sanatçılar Birliği'nin temeli haline gelen bir dernek, sanatsal sürecin ideolojik liderliği için aktif bir yönetmen, parti propagandasının bir aracı, mirasçılar Gezginlerin. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson başındaydı.

yapılandırmacılık

En prestijli programlarda Eğitim Kurumları mimarları hazırlarken, her zaman "Rus yapılandırmacılığı - 20'lerin mimari avangardı" konulu bir çalışma vardır. İnşaat sanatını anlamak için büyük önem taşımaktadır, bu yönün liderleri tarafından ilan edilen fikirler her zaman için çok önemlidir. Konstantin Melnikov'un hayatta kalan binaları (mimarın Krivoarbatsky şeridindeki konut binası, Rusakov'un Stromynka'daki kulübü, Novoryazanskaya caddesindeki bir garaj vb.), Vesnin kardeşler, Moses Ginzburg (Narkomfin Evi Novinsky Bulvarı'ndaki Narkomfin Evi) ve Rus mimarisinin diğer yıldızları. Rus mimarisinin altın fonu.

İşlevselcilik, gereksiz süslemelerin reddedilmesi, bina yapısının estetiği, yaratılan yaşam ortamının uyumu - bu fikirler, endüstriyel tasarım olarak adlandırılmaya başlayan alanda genç mimarlar, sanatçılar ve uzmanlar için belirlenen yeni sorunları çözmenin temeli oldu. . Yeni şehirler için toplu konutlar, bireyin kapsamlı gelişimi için işçi kulüpleri inşa etmek, yeni bir kişinin çalışması ve rekreasyonu için tesisler yaratmak zorunda kaldılar. Yirmili yılların avangardının şaşırtıcı başarıları atlanamaz, sonraki tüm zamanların Rusya, Avrupa ve Amerika sanatını incelemek büyük ölçüde onlara dayanmaktadır. Bu ilerici fikirlerin anavatanlarında en az talep gören ve “Stalin İmparatorluğu tarzı” birçok kişi tarafından Sovyet mimarisinin en büyük başarısı olarak kabul edilmesi üzücü.

Totalitarizm çağının sanatı

1932'de Bolşeviklerin Tüm Birlik Komünist Partisi Merkez Komitesinin yaratıcı derneklerin çalışmaları hakkında Kararnamesi yayınlandı. Çeşitli akımların ve yönlerin çalkantılı dönemi, tek gücün güçlendiği ideolojik aygıt tarafından kontrol edilen, güç kazanan devlet makinesinin etkisi altında sona erdi. Uzun yıllar boyunca, 20. yüzyılda Rusya sanatı, ülkenin yaşamında olduğu gibi, bir kişinin görüşüne bağlı olmaya başladı - Joseph Stalin.

Yaratıcı birlikler, sanatsal düşünceyi tek tip ideolojik standartlara tabi kılmanın bir aracı haline geldi. Sosyalist çağı geldi. Yavaş yavaş, resmi rotadan herhangi bir sapma suçlu ilan edilmeye başlandı, aynı fikirde olmayanlar gerçek baskı altına girdi. Parti çizgisinden sapma suçlamaları, yaratıcı tartışmaları çözmenin bir yöntemi haline geldi. Bunun ilericiliği oldukça tartışmalıdır. Örneğin, büyük sahne reformcusu Vsevolod Meyerhold baskının kurbanı olmasaydı, 20. yüzyılda Rusya'nın tiyatro sanatı nasıl gelişirdi?

Sanatsal yeteneğin doğası karmaşık ve açıklanamaz. Liderlerin görüntüleri büyük bir beceri ve samimi duygularla somutlaştırıldı. En acımasız baskıların hiçbiri, ideolojik çerçeveden bağımsız olarak, kendilerini ifade etmenin ana şey olduğu gerçekten yetenekli sanatçıların ortaya çıkmasını engelleyemedi.

Mimaride, "Stalinist imparatorluk" zamanı geldi. Avangard sanatçılar arayışının yerini, kanıtlanmış kanonlara dönüş aldı. Komünist ideolojinin gücü, yeniden işlenmiş neoklasizmin muhteşem örneklerinde -Stalin'in "gökdelenleri"nde vücut buluyordu.

Savaş dönemi sanatı

Ülkemizin tarihinde en büyük trajedi ve benzeri görülmemiş bir ruhsal yükseliş aşaması haline gelen bir dönem var. 20-21. yüzyılda Rusya sanatı, Rus halk karakterinin büyüklüğünü, tarihsel ayaklanmalar sırasında bir bireye ve büyük kitlelere sahip olabilen duyguların derinliğini ifade etmeyi mümkün kılan ana temalardan birini aldı.

İlk günlerden itibaren Büyük Vatanseverlik Savaşı, inanılmaz gücün görsel görüntülerinde ifadesini buldu. Poster I. Toidze "Vatan Çağırıyor!" ülkenin savunmasına herhangi bir komutandan daha iyi yükseldi ve Deineka'nın "Sivastopol Savunması", paylaştığı fikirlerden bağımsız olarak herhangi bir kişiyi şok ediyor. Dmitri Shostakovich'in Yedinci Senfonisi aynı derecede etkileyici ve 20. yüzyılda Rusya'nın müzik sanatı, diğer yaratıcılık türlerinden daha az olmamak üzere, faşizme karşı savaş temasına haraç ödedi.

çözülme

Büyük Zafer'den sonra, SSCB'de kamusal yaşamı etkileyen bir sonraki en güçlü tarihsel faktör, Stalin'in ölümü (Mart 1953) ve kişilik kültünün teşhir edilmesi sorununu gündeme getiren SBKP'nin 20. Kongresiydi. Bir süredir sanatçılar için olduğu kadar tüm toplum için de yaratıcılık ve yeni fikirler özgürlüğü nefesi vardı. “Altmışlar” kuşağı çok özel bir fenomendir, onlarca yıl tekrar ölçülü, programlı, düzenli bir varoluş bataklığına dalmadan önce, kısa bir temiz hava nefesi olarak kendi hatırasını bıraktı.

"İkinci dalganın" sanatsal avangardının ilk deneyleri - E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky ve diğerlerinin eserleri - Moskova'nın 30. yıldönümüne adanmış sergide Sanatçılar Birliği şubesi, ülkenin yeni lideri N Kruşçev tarafından şahsen sert bir şekilde kınandı. Parti yeniden insanlara nasıl bir sanata ihtiyaç duyduklarını ve sanatçılara nasıl resim yapacaklarını açıklamaya başladı.

Mimariye, savaş sonrası dönemin ekonomik zorluklarıyla doğru bir şekilde açıklanan aşırılıklarla başa çıkması talimatı verildi, toplu konut inşaatı için zaman geldi, konut sorununun keskinliğini bir şekilde ortadan kaldıran, ancak şekil değiştiren “Kruşçev” zamanı. birçok şehrin görünümü.

"Gelişmiş sosyalizm" sanatı

Birçok yönden, 20. yüzyılın ikinci yarısındaki Rusya sanatı, büyük ölçüde sanatsal bir kişilik ile egemen ideoloji arasındaki bir yüzleşme hikayesidir. Ancak, manevi alanın her parçasının ideolojik olarak düzenlendiği bir atmosferde bile, birçok sanatçı, sosyalist gerçekçiliğin öngörülen yöntemini hafifçe değiştirmenin yollarını buldu.

Bu nedenle, gençler için gerçek bir örnek, yirmili yıllarda inançlarını oluşturan ustalardı: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov ve diğerleri. Sanat derneği eski üyesi "OST" Y. Pimenov'un 1962'de yazdığı "Yarının Sokağında Düğün" resmi, toplumun yenilenme umutlarının bir simgesi oldu.

O zamanın Sovyet resminde bir başka çarpıcı fenomen de “şiddetli bir üslup” oluşumuydu. Bu terim, G. Korzhov, P. Ossovsky, Smolin kardeşler, P. Nikonov ve diğerlerinin çalışmalarını ifade ediyordu.Farklı türlerde (günlük, tarihi) yazılmış resimlerinde, talimatlara ihtiyaç duymayan, bir kahramanla meşgul olan bir kahraman ortaya çıktı. anlaşılır ve gerekli bir iş. Gereksiz ayrıntılar ve renkli fırfırlar olmadan, geniş ve etkileyici bir şekilde tasvir edildi.

Tuvallerinin sivil sesi, Sovyet sanatı için nadir bir genel hümanist, neredeyse dini mesaj içerdiğinden ve resim stilinin kökleri İtalyan Rönesansına dayandığından, böyle bir ustanın eseri özellikle önemlidir.

uyumsuzluk

"Sosyalist gerçekçiliğin" resmi egemenliği, enformel sanatçıları izleyiciye ulaşmaya ya da göçe başvurmaya zorladı. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny ve diğerleri ayrıldı. Bunlar, yüzyılın başındaki avangardın doğduğu manevi değerlerin taşıyıcıları olan ve komünist ideolojinin çöküşünden sonra anavatanlarına dönen Rusya'da 20. yüzyılın sanatçılarıydı.

Ve saltanatı sırasında, otoriteler ve yaratıcı sendikaların liderliği tarafından zulme uğrayan, ancak bağımsız Batılı uzmanlar tarafından çok değer verilen çılgın, ebediyen sarhoş bir sanatçı, akıl hastanelerinde yaşayan popüler motife yol açan iç göç ortaya çıktı. Böyle bir görüntünün tipik bir taşıyıcısı, gelişmiş sosyalizm çağında Moskova için efsanevi bir figür olan A. Zverev'di.

Çok biçimlilik ve çoğulculuk

Rusya'da 20. yüzyılın güzel sanatları, Sovyet döneminin devlet dayatmalarından kurtularak, ortak özellikleri ve eğilimleriyle, küresel sürece ayrılmaz bir parçası olarak girdi. Batı'ya uzun süredir aşina olan birçok yaratıcılık biçimi, yerli sanatçılar tarafından hızla ustalaştı. "Performans", "video yerleştirme" vb. kelimeler konuşmamıza aşina hale geldi ve dünya çapında üne sahip en önemli çağdaş ustalar arasında yön açısından taban tabana sahip sanatçılar var: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov ve diğerleri.

Dünya topraklarının altıda birini işgal eden ülkenin fırtınalı, öngörülemeyen yakın tarihi, aynasına - 20. yüzyılın Rusya'sının sanatına - bakıyor ve binlerce unutulmaz görüntü ile yansıyor ...

1. 20. yüzyılın sonunda Rusya Sanatı. Rusya'da 20. yüzyılın son on yılı, ülkedeki durumu kökten değiştiren siyasi ve ekonomik olaylarla doluydu. Birliğin 1991'de çöküşü ve siyasi gidişatta bir değişiklik, piyasa ilişkilerine geçiş ve Batılı ekonomik kalkınma modeline açık bir yönelim ve nihayet ideolojik kontrolün tamamen ortadan kaldırılmasına kadar zayıflaması - tüm bunlar 1990'ların başı, kültürel ortamın hızla değişmeye başlamasına katkıda bulundu. Ülkenin liberalleşmesi ve demokratikleşmesi, ulusal sanatta yeni eğilimlerin ve yönelimlerin gelişmesine ve kurulmasına katkıda bulundu. 1990'larda Rusya'da sanatın evrimi, postmodernizmin doğasında var olan eğilimlerin ortaya çıkmasıyla, aşağıdaki gibi alanlarda çalışan yeni nesil genç sanatçıların ortaya çıkmasıyla gerçekleşir: kavramsalcılık, bilgisayar grafikleri, neoklasizm Rusya'da bilgisayar teknolojisinin gelişimi ile ilgili. Kökeni klasik eklektizmden gelen "Yeni Rus neoklasizmi", modernizm çağından önce "klasiklere" ait olmayan çeşitli eğilimleri birleştiren "çok yönlü bir elmas" haline geldi. neoklasizm- bu, sanatçıların klasik resim, grafik, heykel geleneklerini canlandırdığı, ancak aynı zamanda en son teknolojileri aktif olarak kullandıkları bir sanat yönüdür. İngiliz tarihçi ve sanat kuramcısı Edward Lucy Smith Rus neoklasizmini "Kazimir Malevich'ten sonra dünya sanat sürecini etkileyen Rus kültürünün ilk çarpıcı olgusu" olarak adlandırdı. Neoklasizm, antik çağa karşı klasikçilerinkinden farklı bir tutum talep etti. Yunan kültürünün tarihsel görüşü, eski eserleri mutlak değil, somut bir tarihsel ideal haline getirdi, bu nedenle Yunanlıların taklidi farklı bir anlam kazandı: antik sanatın algılanmasında öne çıkan normatifliği değil, özgürlüğüydü. , daha sonra kanon olacak kuralların koşulluluğu, insanların gerçek hayatı. D.V. Sarabyanov neoklasizmi modernitenin bir tür "karmaşıklığı" olarak bulur. Aynı olasılıkla, neoklasizm hem geç modern hem de bağımsız bir eğilim olarak kabul edilebilir. "Yeni sanatçıların" çalışmalarında saf modernite veya ayrı bir neoklasizm yoktur, her zaman birbirine bağlı hareket ederler, yeni akademinin sanatçıları görsel sanatlardaki çeşitli eğilimleri aynı anda birleştirdi: avangard, postmodernizm, " kolaj alanı". "Yeni sanatçıların" eserleri, bilgisayar grafikleri, gravür, resim ve fotoğrafçılığı birleştiren eklektiktir. Sanatçılar bitmiş eserleri dijitalleştirdi, gerekli parçaları seçti ve kolajlar yarattı, antik çağın kostümlerini ve dekorunu ustaca restore etti. Geleneksel yöntemlerin bilgisayar grafik programlarının yetenekleriyle birleşimi, sanatçıların yaratıcı potansiyelini genişletti. Kolajlar taranan malzemeden bir araya getirildi, onlara sanatsal özel efektler uygulandı, deforme edildi, hayali kompozisyonlar oluşturuldu. 1990'ların başında St. Petersburg neoklasizminin en önde gelen temsilcileri şunlardı: O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. neoklasizm Toberlutlar romantizmin tezahürlerinden biridir. Eserleri, bir insanın duygularını, hayallerini, asaleti, coşkulu bir şeyi somutlaştırıyor ve gerçekleştirilemez bir ideale dönüşüyor. . Sanatçı, eserlerinin kahramanı olur. Stilistik olarak, O. Toberluts'un çalışması, antik tapınakları, Rönesans iç mekanlarını, Hollanda yel değirmenlerini ve tasarımcı K. Goncharov'un kostümlerini modernitenin bir dokunuşu olarak gösteren eklektik bir dünya olarak postmodern bilinçten geçen neoklasizm olarak tanımlanabilir. Bilgisayar grafiklerinin sınırsız olanakları O.Tobreluts'un eserlerini fantastik ve doğaüstü kılıyor. Bilgisayar teknolojisi yardımıyla E. Sheff kolajlarında antik mitolojinin görüntülerini yaratarak antik Yunanistan'a, ardından antik Roma'ya döner. seri halinde "Ludwig'in Mitleri" sanatçı, antik çağın etkilerini üst üste bindiren Yunan heykellerinin, mimari yapıların fotoğraflarını kullandı. Bilgisayar teknolojisinin yardımıyla sanatçı, Kolezyum'un özgünlüğünü restore ederek çevresinde heyecan verici geziler yapıyor. Dijital boyama Şutov birçok hobisinin duygusal eşdeğerini temsil eder. Hem Yunan klasiklerini hem de etnografik araştırmaların yankılarını ve gençlik alt kültürünün unsurlarını içerir.Bu nedenle, 20. yüzyılın sonunun sadece Rusya'nın siyasi ve ekonomik yaşamında değil, aynı zamanda Rusya'da da bir dönüm noktası olduğu belirtilebilir. Sanat. 1990'larda görsel sanatlarda güçlü bir trend olan "yeni Rus neoklasizmi" kuruldu. Rusya'da bilgisayar teknolojilerinin gelişimi, sanatçıların yaratıcı potansiyelini genişletti, yeni sanatçılar, yeni teknolojileri kullanarak klasik eserler yarattı. Ana şey teknik ve teknoloji değil, estetiktir. Modern sanat da klasik olabilir. 2. 21. yüzyılın başında Rusya sanatı. 20. - 21. yüzyılların başında güzel sanatların bir özelliği, sansür baskısından, devletin etkisinden, piyasa ekonomisinden değil, özgürleşmesidir. Sovyet döneminde profesyonel sanatçılara bir sosyal güvence paketi sağlandıysa, resimleri ulusal sergiler ve galeriler için satın alındı, ancak şimdi yalnızca kendi güçlerine güvenebilirler. Ancak Rus resmi ölmedi ve Batı Avrupa ve Amerikan sanatının bir görünümüne dönüşmedi, Rus gelenekleri temelinde gelişmeye devam ediyor. Çağdaş sanat, çağdaş sanat galerileri, özel koleksiyoncular, ticari şirketler, devlet sanat organizasyonları, çağdaş sanat müzeleri, sanat stüdyoları veya sanatçıların kendileri tarafından sanatçılar tarafından işletilen alanda sergilenmektedir. Çağdaş sanatçılar hibeler, ödüller ve ödüller yoluyla finansal destek alır ve ayrıca çalışmalarının satışından fon alır. Rus pratiği bu bakımdan Batı pratiğinden biraz farklıdır. Müzeler, Bienaller, festivaller ve çağdaş sanat fuarları yavaş yavaş sermaye çekmek, turizm işine yatırım yapmak veya hükümet politikasının bir parçası haline geliyor. Özel koleksiyoncuların tüm çağdaş sanat sistemi üzerinde büyük etkisi vardır. Rusya'da, çağdaş sanatın en büyük koleksiyonlarından biri, St. Petersburg'daki devlet dışı Erarta Çağdaş Sanat Müzesi tarafından düzenlenmektedir. Çağdaş sanatta eğilimler: muhteşem olmayan sanat- çağdaş sanatta gösteriyi ve teatralliği reddeden bir eğilim. Bu tür sanatın bir örneği, Polonyalı sanatçı Pavel Althamer'in 2000 yılında "Manifesta" sergisindeki "Script Outline" performansıdır. Rusya'da, muhteşem olmayan sanatın kendi versiyonunu sundu. Anatoly Osmolovsky Sokak sanatı(İngilizce) Sokak sanatı- sokak sanatı) - ayırt edici bir özelliği belirgin bir kentsel stil olan güzel sanatlar. Sokak sanatının ana kısmı grafitidir (aksi takdirde sprey sanatı), ancak sokak sanatının grafiti olduğu düşünülemez. Sokak sanatı ayrıca posterleri (ticari olmayan), şablonları, çeşitli heykel yerleştirmelerini vb. İçerir. Sokak sanatında her ayrıntı, önemsiz, gölge, renk, çizgi önemlidir. Sanatçı kendi stilize logosunu yaratır - "benzersiz bir işaret" ve onu kentsel peyzajın bazı kısımlarında tasvir eder. Sokak sanatında en önemli şey, alana sahip olmak değil, izleyiciyi bir diyaloga dahil etmek ve farklı bir olay örgüsü programı göstermektir. Son on yıl, sokak sanatının seçtiği yön çeşitliliğine işaret ediyor. Eski kuşağa hayran olan genç yazarlar, kendi tarzlarını geliştirmenin öneminin farkındalar. Bu şekilde, hareket için zengin bir gelecek öngören yeni dallar ortaya çıkıyor. Sokak sanatının yeni çeşitli biçimleri bazen daha önce yaratılmış olan her şeyi kapsam olarak aşar. aerografi - herhangi bir yüzeye basınçlı hava kullanarak sıvı veya toz boya uygulamak için bir araç olarak bir airbrush kullanarak güzel sanatların boyama tekniklerinden biri. Sprey boya da kullanılabilir. Airbrushing'in yaygın kullanımı ve çok sayıda farklı boya ve bileşimin ortaya çıkması nedeniyle, airbrushing, gelişme için yeni bir ivme kazandı. Şimdi airbrushing, resimler, fotoğraf rötuşları, tahnitçilik, modelleme, tekstil boyama, duvar boyama, vücut sanatı, tırnak boyama, hediyelik eşya ve oyuncak boyama, tabak boyama yapmak için kullanılıyor. Genellikle arabalarda, motosikletlerde, diğer ekipmanlarda, baskıda, tasarımda vb. Resim çizmek için kullanılır. İnce boya tabakası ve yüzeye düzgün bir şekilde püskürtülmesi nedeniyle, mükemmel dekoratif efektler elde etmek mümkündür, pürüzsüz renk geçişleri, üç boyutluluk, ortaya çıkan görüntünün fotoğrafik gerçekçiliği, ideal bir yüzey pürüzsüzlüğü ile pürüzlü bir dokunun taklidi gibi.

Seminer konuları ve soruları;

konu 1. Sanat tarihi ve sanat tarihi ile ilgili temel kavramlar.

Sorular:

1. Sanatların sınıflandırılması sorunu.

2. "Sanat eseri" kavramı. Bir sanat eserinin ortaya çıkışı ve görevi. İş ve sanat.

3. Sanatın özü, amaçları, görevleri.

4. Sanatın işlevleri ve anlamı.

5. "Stil" kavramı. Sanatsal tarz ve zamanı.

6. Sanatların sınıflandırılması.

7. Sanat tarihinin ortaya çıkış ve oluşum tarihi.

Tartışma konuları:

1. Sanatın 5 tanımı vardır. Her birinin özelliği nedir? Hangi tanımı takip ediyorsunuz? Sanat tanımınızı formüle edebilir misiniz?

2. Sanatın amacı nedir?

3. Bir sanat eserini nasıl tanımlarsınız? "Sanat eseri" ve "sanat eseri" nasıl bir arada var olur? Bir sanat eserinin ortaya çıkış sürecini açıklar (I. On'a göre). Bir sanat eserinin görevi nedir (P.P. Gnedich'e göre)?

4. Sanatın 4 ana işlevini (I.P. Nikitina'ya göre) ve dördünü listeleyin.

sanatın anlamının olası anlaşılması.

5. "Stil" kavramının anlamını tanımlayın. Avrupa sanatının hangi tarzlarını biliyorsun? "Sanatsal tarz", "sanatsal alan" nedir?

6. Sanat türlerini listeleyin ve kısaca tanımlayın: uzamsal, zamansal, uzay-zaman ve gösteri sanatları.

7. Sanat tarihinin konusu nedir?

8. Sanat tarihi eserlerinin incelenmesinde müzelerin, sergilerin, galerilerin, kütüphanelerin rolü nedir sizce?

9. Eski sanat düşüncesinin özellikleri: Sanat üzerine edebiyatın ilk örnekleri hakkında günümüze ulaşan bilgiler ("Canon", Polykleitos, Duris'in incelemeleri, Xenocrates). Sanatla ilgili literatürde "topografik" yön: Pausanias'ın "Hellas'ın Tanımı". Lucian'ın sanat eserlerinin tanımı. "Uyum ve sayı" yasalarına tabi olan uyumlu bir bütün olarak Pisagor "kozmos" kavramı ve mimarlık teorisinin başlangıcı için önemi. Mimarlık ve şehir planlamasında düzen ve orantı fikri. Platon (Yasaların altıncı kitabı, Critias diyalogu) ve Aristoteles'in (Politika'nın yedinci kitabı) yazılarında ideal şehir imgeleri. Antik Roma'da Sanatı Anlamak. Eski sanat tarihi hakkında ana bilgi kaynağı olarak Yaşlı Pliny (MS 1. yüzyıl) tarafından "Doğal Tarih". Vitruvius'un İncelemesi: Klasik mimari teorisinin sistematik bir açıklaması.

10. Orta Çağ'daki eski geleneklerin kaderi ve sanatla ilgili ortaçağ fikirlerinin özellikleri: Orta Çağ'ın estetik görüşleri (Augustine, Thomas Aquinas), önde gelen estetik fikir: Tanrı güzelliğin kaynağıdır (Augustine) ve onun için önemi Sanatsal teori ve pratik. "Prototip" fikri. Sanat üzerine ortaçağ edebiyatının özellikleri. Pratik-teknolojik, reçeteli kılavuzlar: Afaon Dağı Dionysius Furnagrafiot'tan “Ressamların Kılavuzu”, Herakleios'un “Romalıların Renkleri ve Sanatları Üzerine”, Theophilus'un “Schedula” (Schedula - Student). Kroniklerdeki mimari anıtların tanımı ve azizlerin yaşamları.

11. Avrupa sanat ve sanat tarihinin gelişim tarihinde bir dönüm noktası olarak Rönesans. Antik çağa yeni tutum (antik çağ anıtlarının incelenmesi). Laik bir dünya görüşünün gelişimi ve deneysel bilimin ortaya çıkışı. Sanat olgusunun tarihsel ve eleştirel yorumuna yönelik bir eğilimin oluşumu: Lorenzo Ghiberti'nin "Yorumları" Özel konularda incelemeler - kentsel planlama (Filaret), mimaride orantılar (Francesco di Giorgio), resimde perspektif (Piero dela Francesca). Sanatın gelişmesinde Rönesans dönüm noktasının teorik anlayışı ve Leon Batista Alberti'nin (“Heykel Üzerine”, 1435, “Resim Üzerine”, 1435-36, “Mimarlık Üzerine”) tezlerinde antik mirasın hümanist çalışma deneyimi ”), Leonardo da Vinci (“Resim Üzerine İnceleme”, ölümünden sonra yayınlandı), Albrecht Dürer (İnsan Oranları Üzerine Dört Kitap, 1528). Leon Baptiste Alberti'nin "Mimarlık Üzerine On Kitap"ta (1485) Vitruvius'un mimari teorisinin eleştirisi. Vitruvius "Yiğitlik Akademisi" ve Vitruvius'un çalışmalarının incelenmesi ve tercüme edilmesindeki faaliyetleri. Giacomo da Vignola'nın "Mimarlığın Beş Düzeninin Kuralı" (1562) adlı eseri. Andrea Palladio'nun Mimarlık Üzerine Dört Kitabı (1570), Rönesans mimarisi tarihinde klasik bir sonsözdür. Palladio'nun barok ve klasisizm mimari fikirlerinin gelişimindeki rolü. Palladio ve Palladyanizm.

12. Modern zamanlarda tarihsel sanat tarihinin oluşumundaki ana aşamalar: Vasari'den Winckelmann'a: Oluşum tarihinde bir dönüm noktası olan Giorgio Vasari (1550, 1568) "En önde gelen ressam, heykeltıraş ve mimarların yaşamları" sanat eleştirisi. Vasari'nin Hollanda resminin malzemesine dayanan biyografilerinin bir devamı olarak Karel Van Mander'in "Sanatçıların Kitabı".

13. Sanatta üslup oluşumu sorunları, sanatsal yöntemler, sanatçının toplumdaki yeri ve rolü üzerine 18. yüzyıl düşünürleri: Sanat tarihinde akılcılık. Nicolas Poussin'in klasik teorisi. Nicolas Buallo'nun (1674) "Şiirsel Sanatta" klasisizmin teorik programı ve A. Feliben'in (1666-1688) "En ünlü ressamlar, eski ve yeni hakkında konuşmalar".

14. Aydınlanma Çağı (18. yüzyıl) ve sanatın kuramsal ve metodolojik sorunları. Genel sanat teorisi çerçevesinde ulusal okulların oluşumu. Fransa'da sanat eleştirisinin gelişimi. Salonların Fransız sanat hayatındaki rolü. Güzel sanatlar üzerine eleştirel literatürün önde gelen biçimleri olarak Salonların İncelemeleri. Sanat eleştirisinin görevleri hakkında anlaşmazlıklar (yaratıcılığın değerlendirilmesi veya halkın eğitimi). Alman sanat tarihinin özellikleri. Gotthold Ephraim Lessing'in güzel sanatlar teorisine katkısı. "Laocoön" (1766) incelemesi ve resim ve şiirin sınırları sorunu. "Güzel sanatlar" yerine "güzel sanatlar" kavramının tanıtılması (vurguyu güzellikten gerçeğe kaydırmak ve sanatın figüratif-gerçekçi işlevini öne çıkarmak). Johann Joachim Winckelmann'ın faaliyetlerinin tarihsel sanat biliminin gelişimi için önemi. Winckelmann'ın antik sanat anlayışı ve gelişiminin dönemselleştirilmesi.

15. Sanatla ilgili Rus düşüncesinin kökenleri. Rus ortaçağ kroniklerinde ve mektup kaynaklarında sanatçılar ve sanatsal anıtlar hakkında bilgiler. 16. yüzyılın sosyal ve politik yaşamında sanatla ilgili sorular sormak. (1551'deki Stoglavy Katedrali ve diğer katedraller) eleştirel düşüncenin uyanışının ve çeşitli ideolojik eğilimlerin mücadelesinin kanıtı olarak.

16. 17. yüzyılın Rus sanatında radikal bir değişiklik: laik bir dünya görüşünün başlangıcının oluşumu ve Avrupa sanatsal kültür biçimleriyle ilk tanışma. Sanatsal ve kuramsal düşüncenin oluşumu. Avvakum'un "Hayatı"ndaki "İkonografi Üzerine" Bölümü. Joseph Vladimirov'un (1665-1666) "Sanat Üzerine Deneme" ve Simon Ushakov'un (1666-1667) "Meraklı İkon Resmine Söz", sanat teorisi üzerine ilk Rus eserleridir.

17. 18. yüzyılda yeni seküler kültür biçimlerinin aktif oluşumu. Notlar

J. von Stehlin, Rus sanat tarihi yaratmaya yönelik ilk girişimdir.

18. K.N.'nin eleştirel makalelerinde yeni romantik sanat anlayışı. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoyevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. 19. Yüzyıl Sonu - 20. Yüzyıl Sanat Tarihi: Resmi Okulun Başarılarını Eleştirmenlerinin Kavramlarıyla Sentezleme Girişimleri - sanatsal üslupların “yapısal bilimi”. Sanat tarihinde göstergebilimsel yaklaşım. Yu.M.'nin eserlerinde güzel sanat eserlerinin semiyotik çalışmasının özellikleri. Lotman, S.M. Daniel, BA Uspensky. Modern ev biliminde sanatı incelemek için çeşitli yöntemler. Bir sanat eserinin analiz ilkeleri ve M. Alpatov'un eserlerinde sanat tarihi çalışmasına sorunlu bir yaklaşım (“Antik Yunan sanatının sanatsal sorunları”, “İtalyan Rönesansının sanatsal sorunları”). V. Lazarev tarafından metodolojik yaklaşımların sentezi (biçimsel üslup, ikonografik, ikonolojik, sosyolojik). D. Sarabyanov'un eserlerinde karşılaştırmalı-tarihsel araştırma yöntemi (“Avrupa okulları arasında 19. yüzyılın Rus resmi. Karşılaştırmalı araştırma deneyimi”). Sanata sistematik yaklaşım ve özellikleri.

1. Alekseev V.V. Sanat nedir? Bir ressam, grafik sanatçısı ve heykeltıraşın dünyayı nasıl tasvir ettiği hakkında. – M.: Sanat, 1991.

2. Valeri P. Sanat hakkında. Toplamak. – M.: Sanat, 1993.

3. Engerek B.R. Sanatın tarihsel çalışmasına giriş. – M.: Görsel sanatlar, 1985.

4.Vlasov V.G. Sanatta stiller - St. Petersburg: 1998.

5.Zis A.Ya. Sanat türleri. – M.: Bilgi, 1979.

6.Kon-Wiener. Güzel Sanatlar Tarzlarının Tarihi. - M.: Svarog ve K, 1998.

7. Melik-Paşayev A.A. Sanat üzerine modern sözlük referans kitabı. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Sanat tarihinin temelleri. – M.: Sanat, 2001.

Tema 2. Antik Dünyanın Sanatı. İlkel komünal sistem ve Eski Doğu çağının sanatı.

Sorular:

1. İlkel toplum sanatının dönemselleştirilmesi. Dönemin ilkel sanatının özellikleri: Paleolitik, Mezolitik, Neolitik, Bronz.

2. İlkel sanatta senkretizm kavramı, örnekleri.

3. Eski Doğu sanatının genel yasaları ve ilkeleri.

4. Eski Mezopotamya Sanatı.

5. Eski Sümerlerin sanatı.

6. Eski Babil ve Asur sanatı.

Tartışma konuları:

1. İlkel sanatın dönemselleştirilmesine kısa bir genel bakış verin. Her dönemin sanatının özellikleri nelerdir?

2. İlkel sanatın temel özelliklerini tanımlayın: senkretizm, fetişizm, animizm, totemizm.

3. Eski Doğu sanatında (Mısır ve Mezopotamya) bir kişinin tasvirindeki kanonları karşılaştırın.

4. Eski Mezopotamya güzel sanatlarının özellikleri nelerdir?

5. Belirli anıtlar örneğinde bize Mezopotamya mimarisinden bahsedin:

Ur'daki Etemenniguru zigguratı ve Yeni Babil'deki Etemenanki zigguratı.

6. Belirli anıtlar örneğinde bize Mezopotamya heykelinden bahsedin: Alayı Yolu boyunca duvarlar, İştar Kapısı, Aşurnasirpal Sarayı'ndan kabartmalar.

7. Mezopotamya'nın heykelsi kabartma görüntülerinin teması nedir?

8. İlk Babil mimari anıtlarının adı neydi? onların neydi

randevu?

9. Sümer-Akad kültürünün kozmogonisinin özelliği nedir?

10. Sümer-Akad uygarlığının sanatındaki başarıları listeleyin.

1. Vinogradova N.A. Doğu'nun geleneksel sanatı. - M.: Sanat, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Sanatın kısa tarihi. Sorun. 1: Antik çağlardan 16. yüzyıla kadar. Denemeler. – M.: Sanat, 1985.

3. Eski Doğu Sanatı (Dünya sanatının anıtları). – M.: Sanat, 1968.

4. Eski Mısır Sanatı. Resim, heykel, mimari, uygulamalı sanatlar. – M.: Görsel sanatlar, 1972.

5. Antik Dünya Sanatı. – E.: 2001.

6. Sanat tarihi. İlk uygarlıklar - Barselona-Moskova: OSEANO - Beta-Servis, 1998.

7. Dünya sanatının anıtları. Sayı III, ilk seri. Antik Doğu Sanatı. - M.: Sanat, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Eski Mısır sanatının estetik temelleri. – M.: Sanat, 1985.

9. Stolyar A.D. Güzel sanatların kökeni. – M.: Sanat, 1985.

Bu makale, 20. yüzyılın ana sanat stillerinin kısa bir tanımını içermektedir. Hem sanatçıları hem de tasarımcıları tanımak faydalı olacaktır.

Modernizm (Fransızca moderne modernden)

sanatta, 19. yüzyılın ikinci yarısında kendilerini doğanın ve geleneğin ruhuna çok fazla bağlılığın değil, ustanın özgür görüşünün hakim olduğu yeni yaratıcılık biçimleri biçiminde kuran sanatsal eğilimlerin kümülatif adı kişisel izlenim, iç fikir veya mistik rüyayı izleyerek görünür dünyayı kendi takdirine bağlı olarak değiştirmekte özgürdür (bu eğilimler büyük ölçüde romantizm çizgisini sürdürdü). İzlenimcilik, sembolizm ve modernizm, onun en önemli, genellikle aktif olarak etkileşime giren yönleriydi.Sovyet eleştirisinde, “modernizm” kavramı, 20. yüzyılın sosyalist gerçekçiliğin kanonlarına tekabül etmeyen tüm sanat hareketlerine anti-tarihsel olarak uygulandı. .

soyutlamacılık("sıfır formlar" işareti altındaki sanat, nesnel olmayan sanat) - 20. yüzyılın ilk yarısının sanatında oluşturulmuş, gerçek görünür dünyanın biçimlerini yeniden üretmeyi tamamen reddeden sanatsal bir yön. Soyutlamacılığın kurucuları olarak kabul edilir. V. Kandinsky, P. Mondrian ve K. Malevich. W. Kandinsky, empresyonist ve "vahşi" noktaları herhangi bir nesnellik belirtisinden kurtararak kendi türde bir soyut resim yarattı. Piet Mondrian, Cezanne ve Kübistler tarafından başlatılan doğanın geometrik stilizasyonu yoluyla anlamsızlığına ulaştı. Soyutlamacılığa odaklanan 20. yüzyılın modernist eğilimleri, geleneksel ilkelerden tamamen ayrılarak gerçekçiliği reddeder, ancak aynı zamanda sanat çerçevesinde kalır. Soyutlamacılığın gelişiyle sanat tarihi bir devrim yaşadı. Ancak bu devrim tesadüfen değil, tamamen doğal olarak ortaya çıktı ve Platon tarafından tahmin edildi! Daha sonraki çalışmasında Philebus, çizgilerin, yüzeylerin ve kendi içlerindeki uzamsal biçimlerin güzelliği hakkında, görünür nesnelerin herhangi bir taklidi, herhangi bir mimesisten bağımsız olarak yazdı. Platon'a göre, doğal “düzensiz” formların güzelliğinin aksine, bu tür geometrik güzellik göreceli değil koşulsuz, mutlaktır.

Fütürizm- 1910'ların sanatında edebi ve sanatsal eğilim. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Fütürizmin önemli bir sanatsal fikri, modern yaşamın hızının ana işareti olarak hareketin hızının plastik bir ifadesini aramaktı. Fütürizmin Rus versiyonuna kybofuturism adı verildi ve Fransız kübizminin plastik ilkeleri ile fütürizmin Avrupa genel estetik enstalasyonlarının bir kombinasyonuna dayanıyordu. Sanatçılar, kesişimleri, kaymaları, çarpışmaları ve form akışlarını kullanarak, çağdaş bir insanın, bir şehir sakininin ezici çoğulluğunu ifade etmeye çalıştılar.

Kübizm- "Rönesans'tan bu yana en eksiksiz ve radikal sanatsal devrim" (J. Golding). Ressamlar: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kübizm - (Fransız kübizmi, küp - küpten) 20. yüzyılın ilk çeyreğinin sanatında bir yön. Kübizm plastik dili, nesnelerin deformasyonu ve geometrik düzlemlere ayrıştırılması, formun plastik kayması üzerine kuruluydu. Pek çok Rus sanatçı, Kübizm'in ilkelerini genellikle diğer modern sanat akımlarının - fütürizm ve ilkelcilik - teknikleriyle birleştirerek büyülendi. Küb-fütürizm, kübizmin Rus topraklarında yorumlanmasının özel bir çeşidi haline geldi.

saflık- (Fransız saflığı, Latince purus'tan - temiz) 1910'ların ve 20'lerin Fransız resminde bir eğilim. Ana temsilciler sanatçıdır. A. Ozanfan ve mimar C.E. Jeanneret (Le Corbusier). Kübizm ve 1910'ların diğer avangard hareketlerinin dekoratif eğilimlerini, benimsedikleri doğanın deformasyonunu reddeden püristler, istikrarlı ve özlü nesne biçimlerinin, sanki ayrıntılardan "temizlenmiş" gibi, rasyonalist bir şekilde düzenli bir şekilde aktarılması için çabaladılar. "birincil" unsurlar. Sadelikçilerin eserleri, düzlük, hafif silüetlerin pürüzsüz ritmi ve aynı tipteki nesnelerin (sürahi, bardak vb.) Konturları ile karakterize edilir. Şövale formlarında gelişme görmemiş olan, esasen yeniden düşünülmüş sanatsal ilkeler, modern mimariye, özellikle de Le Corbusier'in binalarına kısmen yansımıştır.

serrealizm- 1924'te Fransa'da ortaya çıkan ve 1969'da resmen varlığını sona erdiren edebiyat, resim ve sinemada kozmopolit bir hareket. Modern insanın bilincinin oluşumuna büyük katkıda bulundu. Hareketin ana figürleri Andre Breton- hareketin yazarı, lideri ve ideolojik ilham kaynağı, Louis Aragon- daha sonra tuhaf bir şekilde komünizmin şarkıcısına dönüşen gerçeküstücülüğün kurucularından biri, Salvador Dali- hareketin özünü "Sürrealizm benim!" sözleriyle tanımlayan sanatçı, teorisyen, şair, senarist, son derece sürrealist bir görüntü yönetmeni Luis Bunuel, ressam Juan Miro- Breton ve dünyadaki diğer birçok sanatçının dediği gibi "gerçeküstücülüğün şapkasındaki en güzel tüy".

Fovizm(Fransızca les fauves - vahşi (hayvanlar)) Erken resimde yerel yön. 20. yüzyıl F. adı, bir grup genç Parisli sanatçıya alay konusu olarak verildi ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), 1905'teki ilk sergilerinden sonra 1905-1907'de bir dizi sergiye ortak olarak katıldı. Adı grubun kendisi tarafından benimsendi ve arkasında sağlam bir şekilde yerleşti. Yönün açıkça formüle edilmiş bir programı, manifestosu veya kendi teorisi yoktu ve uzun sürmedi, ancak sanat tarihinde gözle görülür bir iz bıraktı. Katılımcıları, o yıllarda, yalnızca son derece parlak bir açık renk yardımıyla sanatsal görüntüler yaratma arzusuyla birleşti. Post-Empresyonistlerin sanatsal başarılarını geliştirmek ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), İzlenimciler zamanından beri Fransa'nın sanat çevrelerinde popüler olan ortaçağ sanatının (vitray, Romanesk sanatı) ve Japon gravürünün bazı resmi tekniklerine dayanarak, Fauvistler, resmin renk olasılıklarının kullanımını en üst düzeye çıkarmaya çalıştılar.

DIŞAVURUMCULUK(Fransızca ifadeden - ifadeden) - Batı Avrupa sanatında, özellikle Almanya'da, 20. yüzyılın ilk üçte birinde, belirli bir tarihsel dönemde gelişen - Birinci Dünya Savaşı arifesinde modernist bir eğilim. Dışavurumculuğun ideolojik temeli, çirkin dünyaya, insanın dünyadan artan yabancılaşmasına, evsizlik duygularına, çöküşe ve Avrupa kültürünün çok sıkı bir şekilde dayandığı görünen bu ilkelerin dağılmasına karşı bireysel bir protestoydu. Dışavurumcular mistisizme ve karamsarlığa yönelme eğilimindedir. Dışavurumculuğun karakteristik sanatsal teknikleri: yanıltıcı alanın reddedilmesi, nesnelerin düzlemsel bir şekilde yorumlanması arzusu, nesnelerin deformasyonu, keskin renkli uyumsuzluklara duyulan aşk, kıyamet dramasını somutlaştıran özel bir renk. Sanatçılar yaratıcılığı duyguları ifade etmenin bir yolu olarak algıladılar.

Süprematizm(lat. supremus'tan - en yüksek, en yüksek; ilk; son, aşırı, görünüşe göre, Polonya üstünlüğü aracılığıyla - üstünlük, üstünlük) 20. yüzyılın ilk üçte birinin avangard sanatının yönü, yaratıcı, ana temsilci ve teorisyen hangisi bir Rus sanatçıydı Kazimir Maleviç. Terimin kendisi Süprematizmin özünü yansıtmaz. Aslında, Maleviç'in anlayışında bu, tahmini bir özelliktir. Süprematizm, sanatsal olmayan her şeyden kurtulma yolunda, herhangi bir sanatın özü olarak nesnel olmayanın nihai ifşasına giden yolda sanatın gelişimindeki en yüksek aşamadır. Bu anlamda Malevich, ilkel süs sanatını Suprematist (veya “yüce-benzeri”) olarak da değerlendirdi. Bu terimi ilk olarak, Petrograd Fütürist sergisi "sıfır-sıfır"da sergilenen beyaz bir arka plan üzerinde ünlü "Siyah Kare", "Kara Haç" vb. dahil olmak üzere geometrik soyutlamaları betimleyen büyük bir resim grubuna (39 veya daha fazla) uyguladı. Malevich'in kendisi, 20'li yılların birçok eserine atıfta bulunmasına rağmen, bu ve benzeri geometrik soyutlamaların arkasında, Suprematizm adının eklendiği yerdi. "Suprematist ruh". Ve aslında, Malevich'in sonraki teorik gelişmeleri, Süprematizmi (en azından Malevich'in kendisini) yalnızca geometrik soyutlamalara indirgemek için temel oluşturmaz, ancak bunlar elbette onun özünü, özünü ve hatta (siyah ve beyaz ve beyaz ve beyaz) oluştururlar. Süprematizm), resmi genel olarak bir sanat biçimi olarak varlığının sınırına, yani ötesinde artık gerçek resmin olmadığı resimsel sıfıra getirir. Yüzyılın ikinci yarısında bu yol, sanat etkinliklerinde fırça, boya ve tuvali terk eden sayısız yönle devam etti.

Rusça avangard 1910'lar oldukça karmaşık bir tablo sunuyor. Stillerde ve trendlerde hızlı bir değişim, her biri kendi yaratıcılık kavramını ilan eden çok sayıda grup ve sanatçı dernekleri ile karakterizedir. Yüzyılın başında Avrupa resminde de benzer bir şey oldu. Bununla birlikte, stillerin karıştırılması, akımların ve yönlerin "karışıklığı", yeni biçimlere doğru hareketin daha tutarlı olduğu Batı tarafından bilinmiyordu. Genç neslin birçok ustası, olağanüstü bir hızla üsluptan üsluba, sahneden sahneye, izlenimcilikten moderniteye, sonra ilkelciliğe, kübizme veya dışavurumculuğa geçti ve Fransız veya Alman resminin ustaları için tamamen atipik olan birçok adımdan geçti. . Rus resminde gelişen durum, büyük ölçüde ülkedeki devrim öncesi atmosferden kaynaklanıyordu. Bir bütün olarak tüm Avrupa sanatının doğasında var olan çelişkilerin çoğunu şiddetlendirdi, çünkü. Avrupa modelleri üzerinde çalışan Rus sanatçılar, çeşitli okullar ve resimsel eğilimler hakkında bilgi sahibiydi. Sanatsal yaşamda bir tür Rus "patlaması" böylece tarihsel bir rol oynadı. 1913'te yeni sınırlara ve ufuklara ulaşan Rus sanatıydı. Tamamen yeni bir nesnel olmama olgusu ortaya çıktı - Fransız Kübistlerinin ötesine geçmeye cesaret edemediği bir çizgi. Bu çizgiyi birer birer geçiyorlar: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kübofütürizm 20. yüzyılın başlarındaki Rus avangardında (resim ve şiirde) yerel eğilim. Görsel sanatlarda kübo-fütürizm, resimsel bulguların, kübizm, fütürizm ve Rus neo-primitivizminin yeniden düşünülmesi temelinde ortaya çıktı. Ana eserler 1911-1915 döneminde oluşturuldu. Kübo-fütürizmin en karakteristik resimleri K. Malevich'in fırçasının altından çıktı ve ayrıca Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter tarafından yazıldı. Malevich'in ilk kübo-fütüristik eserleri 1913'teki ünlü sergide sergilendi. Larionov'un Luchism'inin de çıkış yaptığı "Hedef". Görünüşte, kübo-fütüristik eserler, aynı zamanda F. Leger tarafından oluşturulan kompozisyonlarla ortak bir noktaya sahiptir ve silindir-, koni-, şişe-, kabuk şeklinde içi boş hacimsel renkli formlardan oluşan yarı-objektif kompozisyonlardır. genellikle metalik bir parlaklık ile. Zaten Malevich'in bu tür ilk eserlerinde, makine dünyasının doğal ritimden tamamen mekanik ritimlerine geçiş konusunda gözle görülür bir eğilim vardır (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Klyun'un Portresi, 1913).

neoplastikizm- soyut sanatın en eski çeşitlerinden biri. 1917 tarafından Hollandalı ressam P. Mondrian ve Stil derneğinin bir parçası olan diğer sanatçılar tarafından yaratıldı. Neoplastikizm, yaratıcılarına göre, büyük dikdörtgen şekillerin kesinlikle dengeli kombinasyonlarında ifade edilen, dikey siyah çizgilerle açıkça ayrılmış ve ana spektrumun yerel renkleriyle boyanmış (beyaz ve eklenerek) "evrensel uyum" arzusuyla karakterize edilir. gri tonları). Neo-plastisite (Nouvelle plastique) Bu terim 20. yüzyılda Hollanda'da ortaya çıktı. Piet Mondrian grup ve 1917'de Leiden'de kurulan "Style" ("De Stiji") dergisi tarafından sistematik hale getirilen ve savunulan plastik kavramlarını tanımladı. Neoplastikizmin ana özelliği, ifade araçlarının katı kullanımıydı. Neoplastikizm, yalnızca yatay ve dikey çizgilerin biçim oluşturmasına izin verir. Çizgileri dik açılarla geçmek ilk prensiptir. 1920 civarında, konturu kaldıran ve düzlemi vurgulayan, renkleri kırmızı, mavi ve sarı ile sınırlayan, yani. sadece beyaz ve siyahın eklenebildiği üç saf ana renk. Bu titizliğin yardımıyla neoplastikizm, evrenselliğe ulaşmak ve böylece dünyanın yeni bir resmini yaratmak için bireyselliğin ötesine geçmeyi amaçladı.

Resmi "vaftiz" orfizm 1913'te Salon des Indépendants'da oldu. Eleştirmen Roger Allard, Salon hakkındaki raporunda şöyle yazdı: "... geleceğin tarihçileri için 1913'te yeni bir Orfizm okulunun doğduğunu not ediyoruz ..." ("La Cote" Paris 19 Mart 1913). Başka bir eleştirmen Andre Varno tarafından tekrarlandı: "1913 Salonu, Orphic okulunun yeni bir okulunun doğuşuyla kutlandı" ("Comoedia" Paris 18 Mart 1913). Nihayet Guillaume Apollinaire gururla haykırarak bu ifadeyi pekiştirdi: “Bu Orfizm. Burada, ilk kez, tahmin ettiğim bu eğilim ortaya çıktı” (“Montjoie!” Paris Eki, 18 Mart 1913). Gerçekten de, terim icat edildi Apollinaire(Orpheus kültü olarak Orfizm) ve ilk olarak modern resim üzerine bir konferans sırasında halka duyuruldu ve Ekim 1912'de okundu. Ne demek istedi? Bunu kendisi bilmiyor gibi görünüyor. Üstelik bu yeni yönün sınırlarını nasıl belirleyeceğini bilmiyordu. Aslında bugüne kadar hakim olan kafa karışıklığı, Apollinaire'in elbette birbiriyle bağlantılı iki sorunu bilinçsizce birbirine karıştırmış olmasından kaynaklanıyordu, ama onları birbirine bağlamaya çalışmadan önce aralarındaki farklılıkları vurgulaması gerekirdi. Bir yandan yaratılış Delaunay resimsel anlatım, tamamen renge dayalıdır ve diğer yandan, kübizmin birkaç farklı yönün ortaya çıkmasıyla genişlemesidir. 1912 yazının sonunda Marie Laurencin ile ara verdikten sonra Apollinaire, onu Rue Grand-Augustin'deki atölyelerinde dostane bir anlayışla karşılayan Delaunay ailesinden sığındı. Daha bu yaz, Robert Delaunay ve eşi, daha sonra resmin “yıkıcı dönemi” olarak adlandırdığı, yalnızca renk kontrastlarının yapıcı ve uzamsal-zamansal niteliklerine dayanan derin bir estetik evrim yaşadı.

Postmodernizm (postmodern, postavangard) -

(Lat. post "sonra" ve modernizmden), özellikle 1960'larda belirginleşen ve modernizmin ve avangardın konumunun radikal bir revizyonuyla karakterize edilen sanatsal eğilimlerin ortak adı.

soyut dışavurumculuk soyut sanatın gelişiminde savaş sonrası (40'ların sonu - XX yüzyılın 50'leri) aşaması. Terimin kendisi 1920'lerde bir Alman sanat eleştirmeni tarafından tanıtıldı. E. von Sydow (E. von Sydow) Ekspresyonist sanatın belirli yönlerine atıfta bulunmak için. 1929'da Amerikan Barr bunu Kandinsky'nin ilk eserlerini karakterize etmek için kullandı ve 1947'de eserleri "soyut dışavurumcu" olarak adlandırdı. Willem de Kooning ve Pollock. O zamandan beri, soyut dışavurumculuk kavramı, 50'lerde hızla gelişen, oldukça geniş, stilistik ve teknik olarak alacalı bir soyut resim (ve daha sonra heykel) alanının arkasında konsolide olmuştur. ABD'de, Avrupa'da ve daha sonra tüm dünyada. Soyut dışavurumculuğun doğrudan ataları, erken dönem olarak kabul edilir. Kandinsky, dışavurumcular, orfistler, zihinsel otomatizm ilkeleriyle kısmen dadaistler ve sürrealistler. Soyut dışavurumculuğun felsefi ve estetik temeli, büyük ölçüde savaş sonrası dönemde popüler olan varoluşçuluk felsefesiydi.

Hazır(İngilizce hazır - hazır) Terim, sanat tarihi sözlüğüne ilk kez sanatçı tarafından girmiştir. Marcel Duchamp faydacı kullanım nesnesi olan, normal işleyiş ortamından uzaklaştırılan ve bir sanat sergisinde hiçbir değişiklik yapılmadan sergilenen eserlerini sanat eseri olarak adlandırmak. Ready-Made, şeye ve şeye yeni bir bakış attı. Faydacı işlevlerini yerine getirmeyi bırakan ve sanat alanı bağlamına dahil olan, yani faydacı olmayan bir tefekkür nesnesi haline gelen bir nesne, hem geleneksel sanatta hem de sanatta bilinmeyen bazı yeni anlamlar ve çağrışımsal hareketler ortaya çıkarmaya başladı. gündelik-faydacı varlık alanı. Estetik ve faydacının göreliliği sorunu keskin bir şekilde ortaya çıktı. İlk Hazır Duchamp 1913'te New York'ta sergilendi. Hazır-Made'sinin en meşhuru. çelik "Bisikletten tekerlek" (1913), "Şişe kurutucu" (1914), "Çeşme" (1917) - sıradan bir pisuar bu şekilde belirlendi.

Pop sanat.İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, Amerika'da kendileri için özellikle önemli olmayan malları satın almak için yeterli para kazanan geniş bir sosyal tabaka oluştu. Örneğin, mal tüketimi: Coca cola veya Levi's jeans bu toplumun önemli bir özelliği haline geliyor. Bunu veya bu ürünü kullanan bir kişi, belirli bir sosyal tabakaya ait olduğunu gösterir. Güncel kitle kültürü oluştu. Şeyler semboller, stereotipler haline geldi. Pop art mutlaka stereotipler ve semboller kullanır. Pop sanat(Pop Art), Duchamp'ın yaratıcı ilkelerine dayanan yeni Amerikalıların yaratıcı arayışını somutlaştırdı. BT: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, ve diğerleri. Pop art, kitle kültürünün önemini üstleniyor, bu nedenle Amerika'da şekillenmesi ve bir sanat hareketi haline gelmesi şaşırtıcı değil. Müttefikleri: Hamelton R, Ton Çin otorite olarak seçilen Kurt Schwieters. Pop art, bir çalışma ile karakterize edilir - nesnenin özünü açıklayan bir oyun yanılsaması. Örnek: pasta K. Oldenburgçeşitli şekillerde tasvir edilmiştir. Bir sanatçı bir pastayı tasvir etmeyebilir, ancak illüzyonları ortadan kaldırabilir, bir kişinin gerçekten gördüğünü gösterir. R. Rauschenberg de özgün: tuvale çeşitli fotoğraflar yapıştırdı, ana hatlarını çizdi ve işe doldurulmuş bir hayvan ekledi. Ünlü eserlerinden biri içi doldurulmuş bir kirpidir. Kenedy'nin fotoğraflarını kullandığı tablosu da iyi bilinmektedir.

Primitivizm (Naif Sanat). Bu kavram birkaç anlamda kullanılmaktadır ve aslında kavramla özdeştir. "ilkel sanat". Farklı dillerde ve farklı bilim adamları tarafından, bu kavramlar en sık sanatsal kültürde aynı fenomen yelpazesine atıfta bulunmak için kullanılır. Rusça'da (bazılarında olduğu gibi), "ilkel" teriminin biraz olumsuz bir anlamı vardır. Bu nedenle, konsepte odaklanmak daha uygundur. saf sanat. En geniş anlamda, bu, resimsel ve ifade edici dilin sadeliği (veya basitleştirilmesi), netliği ve resmi dolaysızlığı ile ayırt edilen güzel sanatlara atıfta bulunur; bu sayede, medeniyet gelenekleri tarafından yüklenmeyen özel bir dünya vizyonunu ifade eder. . Konsept, son yüzyılların yeni Avrupa kültüründe ortaya çıktı, bu nedenle kendisini gelişimin en yüksek aşaması olarak gören bu kültürün profesyonel konumlarını ve fikirlerini yansıtıyor. Bu konumlardan, naif sanat aynı zamanda eski halkların (Mısır öncesi veya Yunan öncesi medeniyetler), örneğin ilkel sanatın arkaik sanatı anlamına gelir; kültürel ve uygarlık gelişmelerinde geciken halkların sanatı (Afrika'nın yerli nüfusu, Okyanusya, Amerika Kızılderilileri); en geniş ölçekte amatör ve profesyonel olmayan sanat (örneğin, Katalonya'nın ünlü ortaçağ freskleri veya Avrupa'dan ilk Amerikalı göçmenlerin profesyonel olmayan sanatı); sözde "uluslararası Gotik"in birçok eseri; Halk sanatı; ve son olarak, profesyonel bir sanat eğitimi almamış, ancak sanatsal yaratıcılığın armağanını kendilerinde hisseden ve kendilerini sanatta bağımsız olarak gerçekleştirmeye adayan 20. yüzyılın yetenekli ilkel sanatçılarının sanatı. Bazıları (Fransızca A. Russo, K. Bombois, Gürcü N. Pirosmanishvili, Hırvatça I. Generalich, Amerikan AM Robertson ve diğerleri) dünya sanatının hazinesinin bir parçası haline gelen gerçek sanatsal şaheserler yarattılar.Dünya vizyonu ve sanatsal sunum yöntemleri açısından naif sanat, bir yandan çocukların sanatına biraz yakındır. yandan, diğer yandan akıl hastasının işine. Ancak özünde her ikisinden de farklıdır. Dünya görüşü açısından çocuk sanatına en yakın şey, Okyanusya ve Afrika'nın arkaik halklarının ve yerlilerinin Naif sanatıdır. Çocuk sanatından temel farkı, derin kutsallığı, gelenekçiliği ve kanonikliğinde yatmaktadır.

sanat yok(Net Art - İngiliz ağından - ağ, sanat - sanat) Bilgisayar ağlarında, özellikle internette gelişen en yeni sanat biçimi, modern sanat uygulamaları. Rusya'daki araştırmacıları, gelişimine katkıda bulunan O. Lyalina, A. Shulgin, Net-art'ın özünün, Web'de iletişim ve yaratıcı alanların yaratılmasına bağlı olduğuna ve herkese tam bir ağ varlığı özgürlüğü sağladığına inanıyor. Bu nedenle, Net-art'ın özü. temsil değil, iletişimdir ve özgün sanat birimi elektronik bir mesajdır. 80'li ve 90'lı yıllarda ortaya çıkan Net-art'ın gelişiminde en az üç aşama var. 20. yüzyıl İlki, hevesli web sanatçılarının bilgisayar klavyesinde bulunan harflerden ve simgelerden resimler oluşturmasıydı. İkincisi, yeraltı sanatçıları ve çalışmalarından bir şeyler göstermek isteyen herkesin internete gelmesiyle başladı.

OPART(İng. Op-art - optik sanatın kısaltılmış bir versiyonu - optik sanat) - 20. yüzyılın ikinci yarısının, düz ve mekansal figürlerin algı özelliklerine dayanan çeşitli görsel yanılsamalar kullanan sanatsal bir hareket. Akım, teknikçiliğin (modernizm) rasyonalist çizgisini sürdürüyor. Temsili olan sözde "geometrik" soyutlamacılığa geri döner. V. Vasarely(1930'dan 1997'ye kadar Fransa'da çalıştı) - op art'ın kurucusu. Op-art'ın olanakları endüstriyel grafiklerde, posterlerde ve tasarım sanatında bir miktar uygulama bulmuştur. Op sanatının (optik sanat) yönü, bu sefer farklı bir çeşitlilikte - geometrik soyutlama olmasına rağmen, soyutlamacılık içinde 50'li yıllarda ortaya çıktı. Güncel olarak dağılımı 60'lı yıllara dayanmaktadır. 20. yüzyıl

Duvar yazısı(grafiti - arkeolojide, herhangi bir yüzeye çizilmiş herhangi bir çizim veya harf, İtalyan graffisinden - sıfırdan) Bu, çeşitli kullanılarak yapılan kamu binalarının, yapıların, ulaşımın duvarlarında ağırlıklı olarak geniş formatlı görüntüler olan alt kültür eserlerinin belirlenmesidir. sprey tabanca çeşitleri, aerosol boya kutuları. Bu nedenle diğer adı "sprey sanatı" - Sprey sanatı. Kökeni, grafitinin kitlesel görünümü ile ilişkilidir. 70'lerde. New York metro arabalarında ve ardından kamu binalarının duvarlarında panjurları saklayın. Grafitinin ilk yazarları. çoğunlukla Porto Rikolular başta olmak üzere etnik azınlıkların genç işsiz sanatçıları vardı, bu nedenle, ilk Graffiti'de Latin Amerika halk sanatının bazı stilistik özellikleri ortaya çıktı ve bunun için amaçlanmayan yüzeylerde görünmeleri gerçeği, yazarları protestolarına karşı çıktılar. güçsüz pozisyon 80'lerin başında. neredeyse profesyonel ustalar G.'nin bütün bir eğilimi oluştu, daha önce takma adlar altında gizlenmiş gerçek isimleri biliniyordu ( KAZA, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, GÖRÜLDÜ, DAZE). Bazıları tekniğini tuvale aktardı ve New York'taki galerilerde sergilemeye başladı ve kısa süre sonra grafiti Avrupa'da ortaya çıktı.

HİPERREALİZM(hiperrealizm - İngilizce) veya fotogerçekçilik (fotogerçekçilik - İngilizce) - sanatçı. resim ve heykelde fotoğrafa dayalı hareket, gerçeğin yeniden üretimi. Hem pratiğinde hem de natüralizme ve pragmatizme yönelik estetik yönelimlerinde hiperrealizm pop art'a yakındır. öncelikle figüratifliğe dönüşle birleşirler. Sadece temsilden kopmakla kalmayıp aynı zamanda sanatın maddi gerçekleşmesi ilkesini sorgulayan kavramsalcılığın bir antitezi olarak hareket eder. kavram.

arazi sanatı(İngiliz kara sanatından - toprak sanatından), son üçte bir sanatta bir yönXXYüzyıl, gerçek bir peyzajın ana sanatsal malzeme ve nesne olarak kullanılmasına dayanmaktadır. Sanatçılar siperler kazar, tuhaf taş yığınları yaratır, kayaları boyar, eylemleri için genellikle ıssız yerleri seçer - bozulmamış ve vahşi manzaralar, böylece sanatı doğaya döndürmeye çalışırlar. onun sayesinde<первобытному>Görünüşte, bu tür birçok eylem ve nesne, fotoğraf sanatına olduğu kadar arkeolojiye de yakındır, çünkü halkın çoğunluğu onları yalnızca bir dizi fotoğrafta düşünebilir. Görünüşe göre Rus dilinde bir başka barbarlıkla daha uzlaşmamız gerekecek. Bu terimin tesadüf olup olmadığını bilmiyorum.<лэнд-арт>sonunda ortaya çıktı 60'lar gelişmiş toplumlarda öğrenci topluluğunun asi ruhunun güçlerini yerleşik değerleri devirmeye yönlendirdiği bir zamanda.

MİNİMALİZM(minimal sanat - İngilizce: minimal sanat) - sanatçı. yaratıcılık sürecinde kullanılan malzemelerin minimal dönüşümünden kaynaklanan akış, formların sadeliği ve tekdüzeliği, monokrom, yaratıcı. sanatçının kendini kısıtlaması. Minimalizm, öznelliğin, temsilin, illüzyonizmin reddi ile karakterizedir. klasiği reddetmek yaratıcılık ve gelenek. sanatsal malzemeler, minimalistler, basit geometrik endüstriyel ve doğal malzemeleri kullanır. endüstriyel üretimde şekiller ve nötr renkler (siyah, gri), küçük hacimli, seri, konveyör yöntemleri kullanılmaktadır. Minimalist yaratıcılık kavramındaki bir eser, üretim sürecinin önceden belirlenmiş bir sonucudur. Resim ve heykelde en eksiksiz gelişmeyi alan minimalizm, geniş anlamda sanatçının ekonomisi olarak yorumlanır. fonlar, başta tiyatro ve sinema olmak üzere diğer sanat dallarında uygulama buldu.

Minimalizm, Amerika Birleşik Devletleri'nde trans olarak ortaya çıktı. zemin. 60'lar Kökenleri yapılandırmacılık, üstünlükçülük, dadaizm, soyutlamacılık, biçimci Amer'dedir. 1950'lerin resmi, pop art. doğrudan minimalizmin öncüsü. bir Amer'dir. ressam F. Stella 1959-60 yıllarında düzenli düz çizgilerin hakim olduğu bir dizi "Siyah Tablolar" sundu. İlk minimalist eserler 1962-63'te ortaya çıktı "Minimalizm" terimi. yaratıcılığın analizi ile ilgili olarak tanıtan R. Walheim'a aittir. M. Duchamp ve pop sanatçıları, sanatçının çevreye müdahalesini en aza indirir. Eş anlamlıları "havalı sanat", "ABC sanatı", "seri sanat", "birincil yapılar", "süreç olarak sanat", "sistematik sanat"tır. tablo". En temsili minimalistler arasında - C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Eseri çevreye uydurma, malzemelerin doğal dokusunu yenme arzusuyla birleşirler. D. Yeşim"spesifik" olarak tanımlar. nesne”, klasik olandan farklıdır. plastik işler. sanat. Bağımsız, aydınlatma, minimalist sanat yaratmanın bir yolu olarak rol oynar. durumlar, özgün mekansal çözümler; eserlerin yaratılması için bilgisayar yöntemleri kullanılır.