ธีมโบราณในศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 20 วิจิตรศิลป์ของรัสเซียในศตวรรษที่ XX ทิศทางหลักของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ยี่สิบ

เวลานี้ถือเป็นจุดสูงสุดของการวาดภาพรัสเซียและการนำความสมจริงเข้ามา ปรากฏการณ์ทางสังคมและการปฏิวัติในประเทศมีอิทธิพลต่อศิลปะเป็นพิเศษ มีการเซ็นเซอร์และวิจารณ์ในการวาดภาพอยู่แล้ว รอยประทับที่สำคัญถูกทิ้งไว้ในผลงานของจิตรกรโดยเจ้าหน้าที่ในเวลานั้น ศิลปินในประเทศเกือบทุกคนจำเป็นต้องวาดภาพอย่างน้อยหนึ่งภาพที่อุทิศให้กับการเมืองใหม่และระเบียบสังคมใหม่

ทิศทางหลักของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ยี่สิบ

ในช่วงศตวรรษที่ 20 มันเป็นจุดสิ้นสุดของสัจนิยมรัสเซียในการวาดภาพและจุดเริ่มต้นของโซเวียตหรือสังคมนิยม ช่วงเวลาของมหาสงครามถือเป็นเรื่องพิเศษซึ่งแตกต่างจากการเคลื่อนไหวของพรรคและประชาชน ภาพวาดทางทหารได้รับความนิยมและมีความเกี่ยวข้องในยุคปัจจุบัน กระแสสังคมนิยมของประเภทภูมิทัศน์ได้รับผลกระทบน้อยที่สุด

เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย

คำว่า "เปรี้ยวจี๊ด" หมายถึง นวัตกรรม การเคลื่อนไหวขั้นสูง เปรี้ยวจี๊ดในประเทศผสมผสานกระแสการวาดภาพที่รุนแรง ในตอนแรกมันถูกเรียกว่า modernism, new art, abstractionism และชื่ออื่นๆ แวบแรกในทิศทางนั้นปรากฏขึ้นในปีก่อนสงคราม เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียผสมผสานช่วงเวลาเช่นการปฏิเสธอย่างเด็ดขาดของอดีตในวัฒนธรรมและการรวมกันของกระบวนการทำลายล้างและการสร้าง ในการวาดภาพมีสถานที่ในเวลาเดียวกันสำหรับการรุกรานความปรารถนาที่จะทำลายคุณค่าทางศิลปะแบบเก่าและการสร้างสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในทิศทางนี้ ก่อนอื่นควรเน้นที่ Wassily Kandinsky ผู้วาดภาพ "Colorful Life", "Song of the Volga", "White Oval", "Moscow" จัตุรัสแดง". แนวหน้ายังรวมถึง Kazimir Malevich ซึ่งเป็นตัวแทนของ supermatism ซึ่งเป็นหนึ่งในขบวนการแนวหน้า ปัจจุบันนี้เป็นลักษณะของขั้นตอนสุดท้ายของศิลปะ การไม่มีวัตถุ พวกเขาเริ่มพูดถึงเขาเป็นครั้งแรกหลังจากการปรากฏตัวของผืนผ้าใบที่มีนามธรรมทางเรขาคณิต

ความสมจริงแบบสังคมนิยม

หลังจากการปฏิวัติเกิดขึ้นและเกิดกลียุคและการเปลี่ยนแปลงมากมาย ช่วงเวลาใหม่และทิศทางใหม่เริ่มขึ้นในทัศนศิลป์ สอดคล้องกับเวลานั้นและถูกเรียกว่าสัจนิยมสังคมนิยม เรียกร้องจากรัฐบาลและประชาชน ความสมจริงแบบสังคมนิยมนั้นแตกต่างจากการปรากฏตัวของความกล้าหาญ, ผู้นำที่แสดงออก, ผู้คน, เหตุการณ์, ความจริงของพรรค, ไม่ใช่วิสัยทัศน์ของศิลปินเอง สังคมเผด็จการได้เปลี่ยนภาพวาดของรัสเซียจนจำไม่ได้ ส่วนใหญ่ประกอบด้วยภาพวาดที่อุทิศให้กับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในช่วงเวลานั้น วีรบุรุษและผู้นำของรัฐ ตลอดจนชีวิตประจำวันของคนงานธรรมดาๆ

หลายคนเรียกมันว่า "สไตล์ที่รุนแรง" เพราะไม่มีภาพลวงตา การคาดเดา ความประมาทเลินเล่อแบบเด็กๆ มีเพียงความจริงที่ไร้ความปรานีเท่านั้นที่ปรากฏบนผืนผ้า ความกล้าหาญในครั้งนั้นเกิดจากความตึงเครียดภายในและความพยายามของผู้นำ ในความเป็นจริงสังคมนิยม งานคืออาชีพ และวีรบุรุษคือผู้บุกเบิกและผู้สร้าง ในตอนท้ายของศตวรรษพร้อมกับการล่มสลายของวัฒนธรรมโซเวียต ทิศทางใหม่ในการวาดภาพของรัสเซียก็มาถึง

ลัทธิหลังสมัยใหม่

ทิศทางใหม่ในการวาดภาพของรัสเซียเข้ามาแทนที่สมัยใหม่ซึ่งไม่ชัดเจนในสังคม ลัทธิหลังสมัยใหม่มีลักษณะเฉพาะด้วยภาพถ่าย ภาพวาดใกล้เคียงกับต้นฉบับมากที่สุด สไตล์นี้โดดเด่นด้วยคุณสมบัติการจำแนกประเภท ก่อนอื่นแบบฟอร์มสำเร็จรูป จิตรกรใช้ภาพคลาสสิก แต่ตีความในรูปแบบใหม่ให้ความพิเศษ บ่อยครั้งที่ตัวแทนของลัทธิหลังสมัยใหม่ผสมผสานรูปแบบจากหลาย ๆ ทิศทางทำให้เกิดภาพประชดประชันเล็กน้อยและรองลงมา

คุณสมบัติอื่นของทิศทางคือการไม่มีกฎ ในยุคหลังสมัยใหม่ ศิลปินสามารถควบคุมการเลือกรูปแบบและมารยาทในการวาดภาพของเขาได้อย่างสมบูรณ์ เสรีภาพบางอย่างทำให้ศิลปะโดยทั่วไปมีลมหายใจสดชื่น มีการติดตั้งงานศิลปะและการแสดง ลัทธิโปสตมอเดร์นิสมในการวาดภาพยังมีลักษณะเฉพาะโดยขาดเทคนิคที่ชัดเจนและความนิยมทั่วไปทั่วโลก ความมั่งคั่งของทิศทางนี้เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 20 ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือศิลปินต่อไปนี้: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik

ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา บัณฑิต นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณมาก

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

หน่วยงานกลางเพื่อการศึกษา

สถาบันการศึกษาของรัฐ

การศึกษาวิชาชีพที่สูงขึ้น

ประวัติศาสตร์ศิลปะ

งานหลักสูตรควบคุม

ศิลปะรัสเซียช่วงปลายศตวรรษที่ 19-ต้นศตวรรษที่ 20

การแนะนำ

จิตรกรรม

คอนสแตนติน อเล็กเซวิช โคโรวิน

วาเลนติน อเล็กซานโดรวิช เซรอฟ

มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช วรูเบล

"โลกแห่งศิลปะ"

"สหภาพศิลปินรัสเซีย"

"แจ็คเพชร"

"สหภาพเยาวชน"

สถาปัตยกรรม

ประติมากรรม

บรรณานุกรม

การแนะนำ

วัฒนธรรมรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ XX เป็นช่วงเวลาที่ซับซ้อนและขัดแย้งกันในการพัฒนาสังคมรัสเซีย วัฒนธรรมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษมักมีองค์ประกอบของยุคเปลี่ยนผ่านเสมอ ซึ่งรวมถึงประเพณีของวัฒนธรรมในอดีตและแนวโน้มนวัตกรรมของวัฒนธรรมที่เกิดขึ้นใหม่ มีการถ่ายโอนประเพณีและไม่ใช่แค่การถ่ายโอน แต่เป็นการเกิดขึ้นของสิ่งใหม่ ๆ ทั้งหมดนี้เชื่อมโยงกับกระบวนการที่ปั่นป่วนในการค้นหาวิธีการใหม่ ๆ ในการพัฒนาวัฒนธรรมซึ่งแก้ไขโดยการพัฒนาสังคมในยุคนี้ ช่วงเปลี่ยนศตวรรษในรัสเซียเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้น การเปลี่ยนแปลงในระบบรัฐ การเปลี่ยนแปลงจากวัฒนธรรมคลาสสิกของศตวรรษที่ 19 ไปสู่วัฒนธรรมใหม่ของศตวรรษที่ 20 การค้นหาวิธีการใหม่ในการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับการหลอมรวมของแนวโน้มที่ก้าวหน้าในวัฒนธรรมตะวันตก ทิศทางและโรงเรียนที่หลากหลายเป็นคุณลักษณะของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เทรนด์ตะวันตกผสมผสานและเสริมด้วยเทรนด์สมัยใหม่ซึ่งเต็มไปด้วยเนื้อหาภาษารัสเซียโดยเฉพาะ คุณลักษณะของวัฒนธรรมในยุคนี้คือการวางแนวไปสู่ความเข้าใจเชิงปรัชญาของชีวิต ความจำเป็นในการสร้างภาพองค์รวมของโลก ซึ่งศิลปะและวิทยาศาสตร์มีบทบาทอย่างมาก จุดเน้นของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 คือบุคคลที่กลายเป็นจุดเชื่อมโยงในโรงเรียนที่หลากหลายและสาขาวิทยาศาสตร์และศิลปะในแง่หนึ่งและเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการวิเคราะห์ทั้งหมด สิ่งประดิษฐ์ทางวัฒนธรรมที่หลากหลายที่สุด ดังนั้นรากฐานทางปรัชญาที่ทรงพลังซึ่งรองรับวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ

การเน้นลำดับความสำคัญที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ XX เราไม่สามารถเพิกเฉยต่อลักษณะที่สำคัญที่สุดได้ การสิ้นสุดของวันที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมรัสเซียมักเรียกว่า Russian Renaissance หรือเมื่อเปรียบเทียบกับยุคทองของ Pushkin ซึ่งเป็นยุคเงินของวัฒนธรรมรัสเซีย

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ รูปแบบได้พัฒนาขึ้นซึ่งส่งผลต่อศิลปะพลาสติกทั้งหมด โดยเริ่มจากสถาปัตยกรรมเป็นหลัก (ซึ่งลัทธิผสมผสานครอบงำมาเป็นเวลานาน) และลงท้ายด้วยกราฟิก ซึ่งเรียกว่าสไตล์อาร์ตนูโว ปรากฏการณ์นี้ไม่คลุมเครือ ในความทันสมัยยังมีความเสแสร้งเสื่อมโทรม ความเสแสร้ง ซึ่งออกแบบมาเพื่อรสนิยมของชนชั้นกลางเป็นหลัก แต่ก็มีความปรารถนาที่จะมีสไตล์ที่เป็นเอกภาพซึ่งมีความสำคัญในตัวมันเองเช่นกัน สไตล์อาร์ตนูโวเป็นเวทีใหม่ในการสังเคราะห์สถาปัตยกรรม จิตรกรรม และมัณฑนศิลป์

ในทัศนศิลป์ Art Nouveau แสดงให้เห็น: ในประติมากรรม - โดยความลื่นไหลของรูปแบบ, การแสดงออกพิเศษของภาพเงา, พลวัตขององค์ประกอบ; ในการวาดภาพ - สัญลักษณ์ของภาพ, การเสพติดเรื่องเปรียบเทียบ สัญลักษณ์เงินเปรี้ยวจี๊ดที่ทันสมัย

นักสัญลักษณ์ชาวรัสเซียมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาสุนทรียภาพแห่งยุคเงิน สัญลักษณ์ที่เป็นปรากฏการณ์ในวรรณคดีและศิลปะปรากฏขึ้นครั้งแรกในฝรั่งเศสในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 และในปลายศตวรรษนี้ได้แพร่กระจายไปยังยุโรปส่วนใหญ่ แต่หลังจากฝรั่งเศสแล้ว ในรัสเซียสัญลักษณ์ได้รับการยอมรับว่าเป็นปรากฏการณ์ขนาดใหญ่ที่สำคัญและเป็นต้นฉบับที่สุดในวัฒนธรรม สัญลักษณ์ของรัสเซียในตอนแรกมีข้อกำหนดเบื้องต้นเช่นเดียวกับสัญลักษณ์ของตะวันตก: "วิกฤตการณ์ของโลกทัศน์เชิงบวกและศีลธรรม" หลักการสำคัญของนักสัญลักษณ์ชาวรัสเซียคือการทำให้ชีวิตมีสุนทรียภาพและความปรารถนาที่จะทดแทนสุนทรียศาสตร์ในรูปแบบต่างๆด้วยเหตุผลและศีลธรรม ประการแรกสัญลักษณ์ของรัสเซียโดดเด่นด้วยการแบ่งเขตตามประเพณีของ "อายุหกสิบเศษ" ปฏิวัติประชาธิปไตยและประชานิยมโดยมีอุดมการณ์ต่ำช้า ลัทธินิยม ตามสัญลักษณ์รัสเซียพวกเขาสอดคล้องกับหลักการของศิลปะเสรี "บริสุทธิ์"

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นอีกอย่างหนึ่งของยุคเงินที่มีความสำคัญระดับโลกคือศิลปะและสุนทรียศาสตร์ของอาว็อง-การ์ด ในพื้นที่ของจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์ที่ระบุไว้แล้วศิลปินแนวหน้ามีความโดดเด่นด้วยตัวละครที่ดื้อรั้นอย่างเด่นชัด พวกเขารับรู้วิกฤตของวัฒนธรรมคลาสสิก ศิลปะ ศาสนา สังคม ความเป็นรัฐด้วยความยินดีว่าเป็นสิ่งที่ตายตามธรรมชาติ การทำลายของเก่า ล้าสมัย ไม่เกี่ยวข้อง โดยทั่วไปแล้วทุกอย่างใหม่เป็นการแข่งขันที่เกิดขึ้นใหม่ แนวคิดของ Nietzsche เกี่ยวกับซูเปอร์แมนซึ่งพัฒนาโดย P. Uspensky นั้นถูกนำไปใช้โดยศิลปินแนวหน้าหลายคนและทดลองโดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยนักอนาคตศาสตร์

ดังนั้นความขบถและความอุกอาจ ความปรารถนาในสิ่งใหม่โดยพื้นฐานในวิถีทางของการแสดงออกทางศิลปะ ในหลักการของแนวทางศิลปะ แนวโน้มที่จะขยายขอบเขตของศิลปะจนกระทั่งมันมีชีวิต แต่บนหลักการที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงกับหลักการของตัวแทน ของความงามทางศัลยกรรม ชีวิตสำหรับเปรี้ยวจี๊ดแห่งยุค 10 ศตวรรษที่ 20 - นี่คือการก่อจลาจลของการปฏิวัติ การก่อจลาจลของผู้นิยมอนาธิปไตย เป็นครั้งแรกที่ความไร้เหตุผล ความสับสนอลหม่าน อนาธิปไตย เป็นคำพ้องความหมายของความทันสมัย ​​และเป็นหลักการเชิงบวกอย่างสร้างสรรค์บนพื้นฐานของการปฏิเสธโดยสมบูรณ์ของหลักเหตุผลในศิลปะและลัทธิของผู้ไร้เหตุผล หยั่งรู้ หมดสติ ไร้ความหมาย ลึกซึ้ง ไร้รูปแบบ ฯลฯ . ทิศทางหลักของรัสเซียเปรี้ยวจี๊ดคือ: abstractionism (Vasily Kandinsky), Suprematism (Kazimir Malevich), คอนสตรัคติวิสต์ (Vladimir Tatlin), Cubofuturism (Cubism, Futurism) (Vladimir Mayakovsky)

จิตรกรรม

สำหรับจิตรกรในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ วิธีการแสดงออกอื่นๆ นั้นมีลักษณะเฉพาะมากกว่าของพเนจร ซึ่งเป็นรูปแบบอื่นๆ ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ - ในภาพที่มีความขัดแย้ง ซับซ้อน และสะท้อนถึงความทันสมัยโดยปราศจากภาพประกอบและการเล่าเรื่อง ศิลปินต่างแสวงหาความกลมกลืนและความสวยงามอย่างเจ็บปวดในโลกที่โดยพื้นฐานแล้วต่างไปจากทั้งความกลมกลืนและความสวยงาม นั่นคือเหตุผลที่หลายคนเห็นภารกิจของพวกเขาในการบ่มเพาะความรู้สึกด้านความงาม ช่วงเวลาแห่ง "อีฟ" นี้ ความคาดหวังของการเปลี่ยนแปลงในชีวิตสาธารณะ ก่อให้เกิดแนวโน้ม สมาคม กลุ่ม การปะทะกันของโลกทัศน์และรสนิยมมากมาย แต่มันก็ก่อให้เกิดความเป็นสากลของศิลปินทั้งรุ่นที่ก้าวไปข้างหน้าหลังจาก Wanderers "คลาสสิก"

บทเรียนอิมเพรสชันนิสม์ในการวาดภาพทางอากาศแบบธรรมดาองค์ประกอบของ "กรอบสุ่ม" ลักษณะภาพกว้างฟรี - ทั้งหมดนี้เป็นผลมาจากวิวัฒนาการในการพัฒนาวิธีการถ่ายภาพในทุกประเภทของช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ในการค้นหา "ความงามและความกลมกลืน" ศิลปินลองใช้เทคนิคและรูปแบบศิลปะที่หลากหลาย ตั้งแต่การวาดภาพที่ยิ่งใหญ่และฉากละครไปจนถึงการออกแบบหนังสือและงานศิลปะและงานฝีมือ

ประเภทจิตรกรรมพัฒนาขึ้นในทศวรรษที่ 1990 แต่มีการพัฒนาแตกต่างไปจากการเคลื่อนไหวพเนจร "คลาสสิก" ของทศวรรษที่ 1970 และ 1980 อยู่บ้าง ดังนั้นธีมชาวนาจึงถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ S. A. Korovin (1858-1908) แสดงให้เห็นความแตกแยกในชุมชนชนบทในภาพวาด "On the World" (1893)

เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เส้นทางที่ค่อนข้างแปลกประหลาดได้ถูกร่างขึ้นในธีมประวัติศาสตร์ ตัวอย่างเช่น A.P. Ryabushkin (2404-2447) ทำงานในประเภทประวัติศาสตร์มากกว่าในประเภทประวัติศาสตร์ล้วน "ผู้หญิงรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ในโบสถ์" (2442), "รถไฟแต่งงานในมอสโกว ศตวรรษที่ XVII” (1901) - ฉากเหล่านี้ในชีวิตประจำวันจากชีวิตของมอสโกในศตวรรษที่ XVII สไตล์ของ Ryabushkin สะท้อนให้เห็นในความเรียบของภาพในระบบพิเศษของพลาสติกและจังหวะเชิงเส้นในโทนสีที่สร้างขึ้นจากสีหลักที่สดใสในโซลูชันการตกแต่งทั่วไป Ryabushkin แนะนำสีท้องถิ่นอย่างกล้าหาญในภูมิทัศน์กลางแจ้งเช่นใน "The Wedding Train ... " - สีแดงของเกวียน, เสื้อผ้าเทศกาลขนาดใหญ่ตัดกับพื้นหลังของอาคารมืดและหิมะ, อย่างไรก็ตาม, ในความแตกต่างของสีที่ดีที่สุด ภูมิทัศน์บ่งบอกถึงความงามของธรรมชาติของรัสเซียในบทกวีเสมอ

ภาพวาดประเภทใหม่ซึ่งประเพณีทางศิลปะของชาวบ้านได้รับการฝึกฝนในลักษณะพิเศษอย่างสมบูรณ์และแปลเป็นภาษาศิลปะสมัยใหม่สร้างโดย F. A. Malyavin (2412-2483 ภาพ "ผู้หญิง" และ "เด็กผู้หญิง" ของเขามีบางอย่าง ความหมายเชิงสัญลักษณ์ - ดินที่มีสุขภาพดี รัสเซีย ภาพวาดของเขาแสดงออกอยู่เสมอและแม้ว่าสิ่งเหล่านี้จะเป็นงานขาตั้ง ,“ Whirlwind” (1906,) เป็นภาพที่เหมือนจริงของสาวชาวนาหัวเราะเสียงดังติดต่อกันหรือวิ่งไปรอบ ๆ อย่างไร้การควบคุม แต่ความสมจริงนี้แตกต่างจากในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ผืนผ้าใบทั้งหมด

M. V. Nesterov (1862-1942) พูดถึงธีมของ Ancient Rus แต่ภาพของ Rus ปรากฏในภาพวาดของศิลปินว่าเป็นโลกในอุดมคติที่เกือบจะน่าหลงใหล กลมกลืนกับธรรมชาติ แต่หายไปตลอดกาลเหมือนเมืองในตำนานของ Kitezh . ความรู้สึกที่เฉียบคมของธรรมชาติ ความสุขในโลก ต่อหน้าต้นไม้ทุกต้นและใบหญ้านั้นเด่นชัดเป็นพิเศษในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของ Nesterov ในช่วงก่อนการปฏิวัติ - "The Vision of the Young Bartholomew" (1889-1890, ). ในการเปิดเผยเนื้อเรื่องของภาพมีลักษณะโวหารเช่นเดียวกับของ Ryabushkin แต่ความรู้สึกที่ลึกซึ้งของความงามของธรรมชาตินั้นแสดงออกอย่างสม่ำเสมอซึ่งแสดงถึงจิตวิญญาณที่สูงส่งของตัวละครการตรัสรู้ความแปลกแยกจาก มีการถ่ายทอดความวุ่นวายทางโลก

เอ็ม.วี. Nesterov วาดภาพอนุสาวรีย์ทางศาสนามากมาย ภาพจิตรกรรมฝาผนังนั้นอุทิศให้กับธีมรัสเซียโบราณเสมอ (เช่นในจอร์เจีย - ถึง Alexander Nevsky) ในภาพวาดฝาผนังของ Nesterov มีสัญญาณจริงมากมายที่สังเกตได้โดยเฉพาะในแนวนอน ภาพบุคคล - ในรูปของนักบุญ ในความพยายามของศิลปินในการตีความองค์ประกอบของความสง่างาม การประดับ ความซับซ้อนที่ประณีตของจังหวะพลาสติก อิทธิพลของอาร์ตนูโวที่ไม่อาจปฏิเสธได้แสดงออกมา

ประเภทภูมิทัศน์นั้นพัฒนาขึ้นในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 ในรูปแบบใหม่เช่นกัน ในความเป็นจริง Levitan เสร็จสิ้นการค้นหาผู้พเนจรในแนวนอน คำใหม่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษจะถูกกล่าวโดย K.A. โคโรวิน, เวอร์จิเนีย Serov และ M.A. วรูเบล.

คอนสแตนติน อเล็กเซวิช โคโรวิน

สำหรับ Korovin นักวาดสีผู้ปราดเปรื่อง โลกนี้ดูเหมือน "การจลาจลแห่งสีสัน" ด้วยพรสวรรค์จากธรรมชาติที่เอื้อเฟื้อเผื่อแผ่ Korovin มีส่วนร่วมในทั้งการถ่ายภาพบุคคลและหุ่นนิ่ง แต่ไม่ผิดที่จะกล่าวว่าภาพทิวทัศน์ยังคงเป็นแนวที่เขาชื่นชอบ เขานำประเพณีที่สมจริงที่แข็งแกร่งของอาจารย์ของเขาจากโรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมมอสโก - Savrasov และ Polenov มาสู่งานศิลปะ แต่เขามีมุมมองที่แตกต่างออกไปเกี่ยวกับโลกเขากำหนดงานอื่น ๆ เขาเริ่มวาดภาพในอากาศตั้งแต่เนิ่นๆ แล้วในภาพเหมือนของหญิงสาวนักร้องประสานเสียงในปี พ.ศ. 2426 เราสามารถเห็นการพัฒนาที่เป็นอิสระของเขาเกี่ยวกับหลักการของอากาศนิยมแบบไร้อากาศ ซึ่งรวมอยู่ในภาพบุคคลหลายภาพที่สร้างขึ้นในที่ดินของ S. Mamontov ใน Abramtsevo (“ในเรือ” ภาพเหมือนของ T.S. Lyubatovich และอื่น ๆ ) ในภูมิประเทศทางตอนเหนือ ดำเนินการระหว่างการเดินทางของ S. Mamontov ไปทางเหนือ (“Winter in Lapland”,) ทิวทัศน์ในฝรั่งเศสของเขาที่รวมกันในชื่อ "Parisian Lights" เป็นภาพวาดแนวอิมเพรสชันนิสม์อย่างสมบูรณ์อยู่แล้ว โดยมีวัฒนธรรมความเอร็ดอร่อยสูงสุด ความประทับใจในทันทีทันใดของชีวิตในเมืองใหญ่: ถนนที่เงียบสงบในช่วงเวลาต่างๆ ของวัน วัตถุที่ละลายในสภาพแวดล้อมที่มีอากาศเบาบาง หล่อหลอมด้วยไดนามิก "สั่น" จังหวะการสั่น กระแสของจังหวะดังกล่าวที่สร้าง ภาพลวงตาของม่านฝนหรืออากาศในเมืองที่เต็มไปด้วยไอระเหยต่างๆ นับพัน - ลักษณะที่ชวนให้นึกถึงภูมิทัศน์ของ Manet, Pissarro, Monet Korovin เป็นคนเจ้าอารมณ์ อารมณ์ หุนหันพลันแล่น ชอบแสดงละคร ดังนั้นทิวทัศน์ของเขาจึงสดใสและโรแมนติก (“Paris. Capuchin Boulevard”, 1906, State Tretyakov Gallery; “Paris at night. Italian Boulevard”, 1908,) Korovin ยังคงคุณสมบัติเดิมของอิมเพรสชันนิสต์ etude, จิตรกรชั้นยอด, ศิลปะที่โดดเด่นในประเภทอื่น ๆ ทั้งหมด, หลักในการถ่ายภาพบุคคลและหุ่นนิ่ง, แต่ยังรวมถึงแผงตกแต่ง, ในศิลปะประยุกต์, ในฉากละครซึ่งเขามีส่วนร่วมตลอดชีวิตของเขา (ภาพบุคคล ของ Chaliapin, 1911, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย "ปลา, ไวน์และผลไม้" 1916, State Tretyakov Gallery)

ของขวัญมากมายของ Korovin สำหรับการวาดภาพแสดงออกมาอย่างยอดเยี่ยมในการแสดงละครและการวาดภาพตกแต่ง ในฐานะจิตรกรโรงละคร เขาทำงานให้กับ Abramtsevo Theatre (และ Mamontov อาจเป็นคนกลุ่มแรกที่ชื่นชมเขาในฐานะศิลปินละคร) สำหรับ Moscow Art Theatre สำหรับ Moscow Private Russian Opera ซึ่งเขาเริ่มต้นมิตรภาพตลอดชีวิตกับ Chaliapin สำหรับ กิจการ Diaghilev Korovin ได้ยกระดับฉากการแสดงละครและความสำคัญของศิลปินในโรงละครขึ้นสู่ระดับใหม่ เขาทำการปฏิวัติทั้งหมดเพื่อทำความเข้าใจบทบาทของศิลปินในโรงละคร และมีอิทธิพลอย่างมากต่อคนร่วมสมัยของเขาด้วยทิวทัศน์ที่ "ตระการตา" ที่มีสีสันของเขา เผยให้เห็นแก่นแท้ของการแสดงดนตรี

วาเลนติน อเล็กซานโดรวิช เซรอฟ

หนึ่งในศิลปินที่ใหญ่ที่สุดซึ่งเป็นผู้ริเริ่มการวาดภาพรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษคือ Valentin Alexandrovich Serov (2408-2454) Serov ถูกเลี้ยงดูมาท่ามกลางบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซีย (พ่อของเขาเป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง แม่ของเขาเป็นนักเปียโน) เขาเรียนกับ Repin และ Chistyakov

Serov มักจะวาดภาพตัวแทนของปัญญาชนทางศิลปะ: นักเขียน, ศิลปิน, ศิลปิน (ภาพเหมือนของ K. Korovin, 1891, State Tretyakov Gallery; Levitan, 1893, State Tretyakov Gallery; Yermolova, 1905, State Tretyakov Gallery) พวกเขาทั้งหมดแตกต่างกัน เขาตีความพวกเขาทั้งหมดอย่างลึกซึ้งเป็นรายบุคคล แต่แสงของความพิเศษทางปัญญาและชีวิตสร้างสรรค์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจะส่องมาที่พวกเขาทั้งหมด

ภาพบุคคล ทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ภายในประเทศ จิตรกรรมประวัติศาสตร์ น้ำมัน, gouache, อุบาทว์, ถ่าน - เป็นการยากที่จะหาทั้งประเภทรูปภาพและกราฟิกที่ Serov ไม่สามารถใช้งานได้และวัสดุที่เขาจะไม่ใช้

ธีมพิเศษในงานของ Serov คือชาวนา ในประเภทชาวนาของเขาไม่มีความคมชัดทางสังคมในการเดินทาง แต่มีความรู้สึกของความงามและความกลมกลืนของชีวิตชาวนาชื่นชมความงามที่ดีต่อสุขภาพของชาวรัสเซีย (“ ในหมู่บ้าน ผู้หญิงกับม้า” บนแผนที่ , สีพาสเทล, 2441, State Tretyakov Gallery) ทิวทัศน์ฤดูหนาวงดงามเป็นพิเศษด้วยเฉดสีเงิน-มุกอันหลากหลาย

Serov ตีความธีมทางประวัติศาสตร์ในแบบของเขาเอง: "การตามล่าของราชวงศ์" ด้วยการเดินอย่างเพลิดเพลินของเอลิซาเบธและแคทเธอรีนที่ 2 ถูกถ่ายทอดโดยศิลปินแห่งยุคใหม่ แดกดัน แต่ยังชื่นชมความงามของชีวิตในศตวรรษที่ 18 อย่างสม่ำเสมอ ความสนใจของ Serov ในศตวรรษที่ 18 เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของ The World of Art และเกี่ยวข้องกับงานตีพิมพ์ The History of the Grand Duke, Tsar and Imperial Hunting in Rus'

Serov เป็นศิลปินที่มีความคิดลึกซึ้ง มองหารูปแบบศิลปะใหม่ๆ แรงบันดาลใจจากแนวคิดอาร์ตนูโวเกี่ยวกับความเรียบและการตกแต่งที่เพิ่มขึ้นนั้นไม่เพียงสะท้อนให้เห็นในองค์ประกอบทางประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังสะท้อนให้เห็นในภาพวาดของนักเต้น Ida Rubinstein ในภาพร่างของเขาสำหรับ The Abduction of Europa และ The Odyssey และ Navzikai (ทั้งปี 1910, State Tretyakov Gallery, กระดาษแข็งอุบาทว์). เป็นเรื่องสำคัญที่ Serov จะเปลี่ยนไปสู่โลกยุคโบราณในบั้นปลายชีวิต ในตำนานบทกวีที่เขาตีความอย่างอิสระนอกหลักการคลาสสิกเขาต้องการค้นหาความกลมกลืนซึ่งเป็นการค้นหาที่ศิลปินอุทิศให้กับงานทั้งหมดของเขา

มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช วรูเบล

เส้นทางที่สร้างสรรค์ของ Mikhail Alexandrovich Vrubel (พ.ศ. 2399-2453) นั้นตรงกว่าแม้ว่าจะซับซ้อนผิดปกติก็ตาม ก่อน Academy of Arts (1880) Vrubel จบการศึกษาจากคณะนิติศาสตร์แห่งมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในปี พ.ศ. 2427 เขาไปที่เคียฟเพื่อดูแลการบูรณะจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์เซนต์ซีริล และสร้างองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่หลายชิ้นด้วยตัวเขาเอง เขาสร้างภาพร่างสีน้ำของภาพจิตรกรรมฝาผนังของวิหารวลาดิมีร์ ภาพสเก็ตช์ไม่ได้ถูกถ่ายโอนไปที่ผนัง เนื่องจากลูกค้ารู้สึกหวาดกลัวกับความไม่เป็นไปตามมาตรฐานและการแสดงออก

ในช่วงทศวรรษที่ 90 เมื่อศิลปินตั้งรกรากอยู่ในมอสโกว รูปแบบการเขียนของ Vrubel ที่เต็มไปด้วยความลึกลับและพลังแห่งปีศาจเกือบจะถูกสร้างขึ้นซึ่งไม่สามารถสับสนกับสิ่งอื่นได้ เขาปั้นรูปร่างเหมือนกระเบื้องโมเสคจากชิ้นส่วน "เหลี่ยมเพชรพลอย" ที่คมชัดซึ่งมีสีต่างกันราวกับเปล่งประกายจากภายใน ("หญิงสาวกับฉากหลังของพรมเปอร์เซีย", 2429, KMRI; "Fortuneteller", 2438, State Tretyakov Gallery) . การผสมสีไม่ได้สะท้อนความเป็นจริงของความสัมพันธ์ของสี แต่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์ ธรรมชาติไม่มีอำนาจเหนือ Vrubel เขารู้จักเธอ เป็นเจ้าของเธออย่างสมบูรณ์ แต่สร้างโลกแฟนตาซีของเขาเอง ไม่เหมือนความเป็นจริง เขาสนใจเรื่องวรรณกรรมซึ่งเขาตีความในเชิงนามธรรม โดยพยายามสร้างภาพลักษณ์อันเป็นนิรันดร์ของพลังทางวิญญาณอันยิ่งใหญ่ ดังนั้นหลังจากวาดภาพ "The Demon" ในไม่ช้าเขาก็ออกจากหลักการของภาพประกอบโดยตรง ("Tamara's Dance", "อย่าร้องไห้เด็กอย่าร้องไห้โดยเปล่าประโยชน์", "Tamara ในโลงศพ" ฯลฯ ). ภาพของปีศาจคือภาพหลักของงานทั้งหมดของ Vrubel ซึ่งเป็นธีมหลักของเขา ในปี 1899 เขาเขียนเรื่อง "The Flying Demon" ในปี 1902 - "The Downcast Demon" ก่อนอื่นปีศาจของ Vrubel เป็นสิ่งมีชีวิตที่ทนทุกข์ ความทุกข์ทรมานครอบงำความชั่วร้ายในนั้นและนี่คือลักษณะเฉพาะของการตีความภาพรัสเซียระดับชาติ ตามที่ระบุไว้อย่างถูกต้องผู้ร่วมสมัยใน "ปีศาจ" ของเขาเป็นสัญลักษณ์ของชะตากรรมของปัญญาชน - โรแมนติกพยายามที่จะหลบหนีจากความเป็นจริงที่ไร้ความกลมกลืนไปสู่โลกแห่งความฝันที่ไม่จริง แต่กระโจนเข้าสู่ความเป็นจริงที่หยาบของโลก

Vrubel สร้างผลงานภาพวาดและกราฟิกที่โตเต็มที่ที่สุดของเขาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ - ในรูปแบบของภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพประกอบหนังสือ ในการจัดระเบียบและการตีความเชิงระนาบการตกแต่งของผืนผ้าใบหรือแผ่นงาน ในการผสมผสานระหว่างของจริงและความมหัศจรรย์ ในความมุ่งมั่นที่จะประดับประดา การแก้ปัญหาที่ซับซ้อนเป็นจังหวะในผลงานของเขาในยุคนี้

เช่นเดียวกับ K. Korovin Vrubel ทำงานในโรงละครเป็นจำนวนมาก ฉากที่ดีที่สุดของเขาแสดงให้กับโอเปร่าของ Rimsky-Korsakov เรื่อง The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan และเรื่องอื่น ๆ บนเวทีของ Moscow Private Opera นั่นคือสำหรับงานเหล่านั้นที่ทำให้เขามีโอกาส "สื่อสาร" กับนิทานพื้นบ้านรัสเซีย ,เทพนิยาย,ตำนาน.

ความเป็นสากลของความสามารถ, จินตนาการอันไร้ขอบเขต, ความหลงใหลที่ไม่ธรรมดาในการยืนยันอุดมคติอันสูงส่งทำให้ Vrubel แตกต่างจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันหลายคน

วิคเตอร์ เอลปิดิโฟโรวิช โบริซอฟ-มูซาตอฟ

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) เป็นสัญลักษณ์โดยตรงของสัญลักษณ์ภาพ ผลงานของเขาคือความโศกเศร้าที่งดงามสำหรับ "รังอันสูงส่ง" เก่า ๆ ที่ว่างเปล่าและ "สวนเชอร์รี่" ที่กำลังจะตาย สำหรับหญิงสาวสวยที่มีจิตวิญญาณ เกือบจะพิสดาร แต่งกายด้วยเครื่องแต่งกายอมตะบางประเภทที่ไม่มีสัญลักษณ์ภายนอกของสถานที่และเวลา

ขาตั้งของเขาส่วนใหญ่ไม่เหมือนกับแผงตกแต่ง แต่เป็นพรม พื้นที่ได้รับการแก้ไขด้วยวิธีระนาบที่มีเงื่อนไขอย่างมากตัวเลขเกือบจะไม่มีตัวตนเช่นเด็กผู้หญิงริมสระน้ำในภาพวาด "Pond" (1902, อุบาทว์, State Tretyakov Gallery) แช่อยู่ในการทำสมาธิในฝัน การไตร่ตรองอย่างลึกซึ้ง เฉดสีเทาจางๆ ซีดๆ ช่วยเสริมความประทับใจโดยรวมของความงามที่เปราะบาง แปลกประหลาด และโลหิตจาง น่ากลัว ซึ่งไม่เพียงขยายไปถึงภาพมนุษย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงธรรมชาติที่เขาแสดงด้วย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Borisov-Musatov เรียกผลงานชิ้นหนึ่งของเขาว่า "Ghosts" (1903, อุบาทว์, State Tretyakov Gallery): ร่างผู้หญิงที่เงียบและไม่ใช้งาน, รูปปั้นหินอ่อนข้างบันได, ต้นไม้ครึ่งท่อนเปลือย - ช่วงสีน้ำเงินจางๆ โทนสีเทาและสีม่วงช่วยเพิ่มความน่ากลัวให้กับภาพที่ปรากฎ

"โลกแห่งศิลปะ"

"World of Art" - องค์กรที่เกิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2441 และรวมผู้เชี่ยวชาญด้านวัฒนธรรมศิลปะที่สูงที่สุดซึ่งเป็นชนชั้นนำทางศิลปะของรัสเซียในช่วงหลายปีที่ผ่านมา "โลกแห่งศิลปะ" กลายเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่ใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย ศิลปินที่มีชื่อเสียงเกือบทั้งหมดเข้าร่วมในสมาคมนี้

ในบทความบรรณาธิการของฉบับแรกของวารสาร บทบัญญัติหลักของ "World of Art" เกี่ยวกับเอกราชของศิลปะ ว่าปัญหาของวัฒนธรรมสมัยใหม่เป็นปัญหาเฉพาะของรูปแบบศิลปะ และงานหลักของศิลปะคือการ ให้ความรู้แก่รสนิยมทางสุนทรียะของสังคมรัสเซียโดยหลัก ๆ แล้วจะทำความคุ้นเคยกับผลงานศิลปะระดับโลก เราต้องให้เวลากับพวกเขา: ต้องขอบคุณ World of Art ศิลปะอังกฤษและเยอรมันได้รับการชื่นชมในรูปแบบใหม่และที่สำคัญที่สุดคือภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 18 และสถาปัตยกรรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กคลาสสิกกลายเป็นสิ่งที่ค้นพบสำหรับหลาย ๆ คน "World of Art" ต่อสู้เพื่อ "การวิจารณ์ในฐานะศิลปะ" โดยประกาศอุดมคติของนักวิจารณ์-ศิลปินที่มีวัฒนธรรมและความเป็นมืออาชีพสูง ประเภทของนักวิจารณ์ดังกล่าวเป็นตัวเป็นตนโดยหนึ่งในผู้สร้าง The World of Art, A.N. เบอนัวต์

"Miriskusniki" จัดนิทรรศการ คนแรกยังเป็นนานาชาติคนเดียวที่รวมตัวกันนอกเหนือจากชาวรัสเซีย, ศิลปินจากฝรั่งเศส, อังกฤษ, เยอรมนี, อิตาลี, เบลเยียม, นอร์เวย์, ฟินแลนด์และอื่น ๆ ทั้งจิตรกรและศิลปินกราฟิกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก แต่รอยร้าวระหว่างสองโรงเรียนนี้ - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก - เห็นได้ชัดตั้งแต่วันแรก ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2446 นิทรรศการ World of Art ครั้งที่ 5 ครั้งสุดท้ายปิดลง ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2447 นิตยสาร World of Art ฉบับสุดท้ายได้รับการตีพิมพ์ ศิลปินส่วนใหญ่ย้ายไปที่ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" ซึ่งจัดขึ้นบนพื้นฐานของนิทรรศการมอสโก "36" นักเขียน - ไปที่นิตยสาร New Way ที่เปิดโดยกลุ่มของ Merezhkovsky นักสัญลักษณ์มอสโกรวมตัวกันรอบนิตยสาร "Vesy" นักดนตรีจัด " ตอนเย็นของดนตรีร่วมสมัย” Diaghilev เข้าสู่บัลเล่ต์และโรงละครโดยสิ้นเชิง

ในปี 1910 มีความพยายามที่จะชุบชีวิตให้กลับคืนสู่ "โลกแห่งศิลปะ" (นำโดย Roerich) ชื่อเสียงมาถึง "โลกแห่งศิลปะ" แต่โดยพื้นฐานแล้ว "โลกแห่งศิลปะ" ไม่มีอยู่จริง แม้ว่าสมาคมจะดำรงอยู่อย่างเป็นทางการจนถึงต้นทศวรรษที่ 1920 (พ.ศ. 2467) - โดยขาดความสมบูรณ์อย่างสมบูรณ์ บนความอดทนที่ไร้ขอบเขตและความยืดหยุ่นของตำแหน่ง รุ่นที่สองของ "World of Art" ไม่ค่อยยุ่งกับปัญหาของการวาดภาพขาตั้ง ความสนใจของพวกเขาอยู่ที่กราฟิก หนังสือเป็นหลัก และศิลปะการละครและมัณฑนศิลป์ ในทั้งสองด้านพวกเขาทำการปฏิรูปศิลปะอย่างแท้จริง ใน "World of Art" รุ่นที่สองยังมีบุคคลสำคัญ (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin ฯลฯ ) แต่ไม่มีศิลปินที่สร้างสรรค์เลย

ศิลปินชั้นนำของ "World of Art" คือ K. A. Somov (2412-2482) ลูกชายของหัวหน้าภัณฑารักษ์ของ Hermitage ซึ่งจบการศึกษาจาก Academy of Arts และเดินทางไปทั่วยุโรป Somov ได้รับการศึกษาที่ยอดเยี่ยม ความเป็นผู้ใหญ่ที่สร้างสรรค์มาหาเขาตั้งแต่เนิ่นๆ แต่ตามที่นักวิจัย (V.N. Petrov) กล่าวไว้อย่างถูกต้อง เขามักมีความเป็นสองด้านเสมอ นั่นคือการต่อสู้ระหว่างสัญชาตญาณอันทรงพลังและโลกทัศน์ทางอารมณ์ที่เจ็บปวด

ดังที่เรารู้จัก Somov ปรากฏในภาพวาดของศิลปิน Martynova (“ Lady in Blue”, 1897-1900, State Tretyakov Gallery) ในภาพวาดบุคคล“ Echo of the Past Time” (1903, บนแผนที่, น้ำ , gouache, State Tretyakov Gallery ) ซึ่งเขาสร้างลักษณะบทกวีของความงามของผู้หญิงที่เปราะบางและโลหิตจางของนางแบบที่เสื่อมโทรมโดยปฏิเสธที่จะถ่ายทอดสัญญาณประจำวันที่แท้จริงของความทันสมัย เขาแต่งตัวนางแบบในชุดโบราณให้ลักษณะของความทุกข์ทรมานความลับความโศกเศร้าและความฝันความแตกแยกอันเจ็บปวด

Somov เป็นเจ้าของชุดภาพกราฟิกของผู้ร่วมสมัยของเขา - ชนชั้นสูงทางปัญญา (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky ฯลฯ ) ซึ่งเขาใช้เทคนิคทั่วไปอย่างหนึ่ง: บนพื้นหลังสีขาว - ในอมตะ ทรงกลม - เขาวาดใบหน้าซึ่งมีความคล้ายคลึงกันซึ่งไม่ได้มาจากการแปลงสัญชาติ แต่โดยการวางลักษณะทั่วไปที่เป็นตัวหนาและการเลือกรายละเอียดลักษณะที่เหมาะสม การขาดสัญญาณของเวลานี้สร้างความประทับใจให้กับความคงที่ ความแข็ง ความหนาวเย็น ความอ้างว้างอันน่าสลดใจ

ก่อนใครในโลกแห่งศิลปะ Somov หันไปใช้ธีมของอดีตเพื่อตีความศตวรรษที่ 18 ("จดหมาย", 2439; "ความลับ", 2440) เป็นผู้บุกเบิกภูมิทัศน์แวร์ซายส์ของเบอนัวส์ เขาเป็นคนแรกที่สร้างโลกเหนือจริง ถักทอจากลวดลายของชนชั้นสูง ทรัพย์สิน และวัฒนธรรมในราชสำนัก และความรู้สึกทางศิลปะที่เป็นอัตวิสัยของเขาเอง แฝงไปด้วยความประชดประชัน ประวัติศาสตร์นิยมของ "โลกแห่งศิลปะ" เป็นการหลบหนีจากความเป็นจริง ไม่ใช่อดีต แต่เป็นการแสดงละครที่โหยหาสิ่งที่แก้ไขไม่ได้ - นี่คือแรงจูงใจหลักของพวกเขา ไม่สนุกจริง แต่เป็นเกมที่สนุกกับการจูบในตรอกซอกซอย - นั่นคือ Somov

ผู้นำทางอุดมการณ์ของ "โลกแห่งศิลปะ" คือ A. N. Benois (พ.ศ. 2413-2503) ซึ่งเป็นผู้มีพรสวรรค์ที่หลากหลายผิดปกติ จิตรกร, ศิลปินกราฟิกขาตั้งและนักวาดภาพประกอบ, ศิลปินโรงละคร, ผู้กำกับ, ผู้ประพันธ์บทบัลเลต์, นักทฤษฎีศิลปะและนักประวัติศาสตร์, บุคคลสำคัญทางดนตรี ในคำพูดของ A. Bely นักการเมืองหลักและนักการทูตของ "World of Art" ในฐานะศิลปิน เขามีความสัมพันธ์กับโซมอฟด้วยแนวโวหารและการเสพติดอดีต (“ฉันมัวเมากับแวร์ซายส์ นี่คือความเจ็บป่วย ความรัก ความหลงใหลทางอาญา... . ในภูมิประเทศของแวร์ซาย เบอนัวส์ได้รวมเอาการสร้างใหม่ทางประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 17 เข้าด้วยกัน และความประทับใจร่วมสมัยของศิลปิน การรับรู้ของเขาเกี่ยวกับลัทธิคลาสสิกแบบฝรั่งเศส การแกะสลักแบบฝรั่งเศส ดังนั้นองค์ประกอบที่ชัดเจน พื้นที่ว่างที่ชัดเจน ความยิ่งใหญ่และความรุนแรงของจังหวะ การต่อต้านระหว่างความยิ่งใหญ่ของอนุสรณ์สถานทางศิลปะกับความเล็กของหุ่นมนุษย์ ซึ่งเป็นเพียงบุคลากรในหมู่พวกเขา (ชุดแวร์ซายส์ชุดที่ 1 ปี 1896-1898 ภายใต้ชื่อเรื่อง "การเดินครั้งสุดท้ายของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14") ในชุดแวร์ซายชุดที่สอง (พ.ศ. 2448-2449) การประชดประชันซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของแผ่นงานแรกนั้นถูกแต่งแต้มด้วยบันทึกที่น่าเศร้าเกือบทั้งหมด (“The King's Walk”, c., gouache, aqua, gold, silver, pen, 1906 , หอศิลป์ State Tretyakov) ความคิดของเบอนัวส์คือความคิดของศิลปินการแสดงละครที่เป็นเลิศ ซึ่งรู้จักและสัมผัสโรงละครเป็นอย่างดี

เบอนัวส์รับรู้ธรรมชาติโดยเชื่อมโยงกับประวัติศาสตร์ (มุมมองของ Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo ซึ่งดำเนินการโดยเขาด้วยเทคนิคสีน้ำ)

Benois นักวาดภาพประกอบ (Pushkin, Hoffman) เป็นทั้งหน้าในประวัติศาสตร์ของหนังสือ Benois สร้างภาพประกอบการเล่าเรื่องซึ่งแตกต่างจาก Somov ระนาบของหน้าไม่ใช่จุดสิ้นสุดสำหรับเขา ผลงานชิ้นเอกของภาพประกอบหนังสือคือการออกแบบกราฟิกของ The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, หมึกและสีน้ำเลียนแบบแม่พิมพ์สี) ในชุดภาพประกอบสำหรับบทกวีที่ยิ่งใหญ่ ตัวละครหลักคือภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งตอนนี้เคร่งขรึม น่าสมเพช ตอนนี้สงบสุข ตอนนี้น่ากลัว ซึ่งร่างของยูจีนดูเหมือนไม่มีนัยสำคัญยิ่งกว่า นี่คือวิธีที่เบอนัวส์แสดงออกถึงความขัดแย้งที่น่าเศร้าระหว่างชะตากรรมของความเป็นรัฐของรัสเซียและชะตากรรมส่วนตัวของชายร่างเล็ก (“และตลอดทั้งคืนคนบ้าผู้น่าสงสาร / ไม่ว่าเขาจะหันเท้าไปที่ใด / นักขี่ม้าสีบรอนซ์อยู่กับเขาทุกที่ / ด้วย กระทืบหนักควบ”)

ในฐานะศิลปินโรงละครเบอนัวส์ออกแบบการแสดงของ "Russian Seasons" ซึ่งมีชื่อเสียงที่สุดคือบัลเล่ต์ "Petrushka" กับดนตรีของ Stravinsky เขาทำงานมากมายที่ Moscow Art Theatre และต่อมา - เกือบทุกสาขาวิชา เวทียุโรป

สถานที่พิเศษใน "โลกแห่งศิลปะ" ถูกครอบครองโดย N. K. Roerich (พ.ศ. 2417-2490) นักเลงปรัชญาและชาติพันธุ์วิทยาแห่งตะวันออก นักโบราณคดี-นักวิทยาศาสตร์ Roerich ได้รับการศึกษาที่ยอดเยี่ยม เริ่มแรกที่บ้าน จากนั้นที่คณะนิติศาสตร์และประวัติศาสตร์-ปรัชญาของมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก จากนั้นที่ Academy of Arts ในการประชุมเชิงปฏิบัติการ ของ Kuindzhi และในปารีสในสตูดิโอของ F. Cormon ในช่วงต้นเขาได้รับอำนาจของนักวิทยาศาสตร์ เขาเกี่ยวข้องกับ "โลกแห่งศิลปะ" ด้วยความรักแบบเดียวกันในการหวนกลับ แต่ไม่ใช่ในศตวรรษที่ 17-18 แต่ในสมัยโบราณชาวสลาฟและสแกนดิเนเวียนอกรีตใน Ancient Rus '; แนวโน้มโวหารการตกแต่งละคร (“ Messenger”, 1897, State Tretyakov Gallery; “ The Elders Converge”, 1898, Russian Museum; “ Sinister”, 1901, Russian Museum) Roerich มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดมากที่สุดกับปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของสัญลักษณ์รัสเซีย แต่งานศิลปะของเขาไม่เข้ากับกรอบของกระแสนิยมที่มีอยู่ เพราะตามโลกทัศน์ของศิลปิน มนุษยชาติทั้งหมดก็เปลี่ยนไปตามเดิม เรียกร้องความสามัคคีของทุกคน ดังนั้นลักษณะมหากาพย์พิเศษของภาพวาดของเขา

หลังจากปี พ.ศ. 2448 อารมณ์ของลัทธิเวทย์มนต์แบบแพนธีติกก็เพิ่มขึ้นในงานของ Roerich ธีมทางประวัติศาสตร์หลีกทางให้กับตำนานทางศาสนา (The Heavenly Battle, 1912, Russian Museum) ไอคอนของรัสเซียมีอิทธิพลอย่างมากต่อ Roerich: แผงตกแต่งของเขา The Battle of Kerzhents (1911) ถูกจัดแสดงระหว่างการแสดงชิ้นส่วนชื่อเดียวกันจากโอเปร่าของ Rimsky-Korsakov เรื่อง The Tale of the Invisible City of Kitezh และ Maiden Fevronia ใน ฤดูกาลของรัสเซียในปารีส

“โลกแห่งศิลปะ” เป็นการเคลื่อนไหวทางสุนทรียะที่สำคัญในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ซึ่งประเมินค่าวัฒนธรรมศิลปะสมัยใหม่ทั้งหมดสูงเกินไป ยอมรับรสนิยมและปัญหาใหม่ ๆ กลับมาสู่ศิลปะ - ในระดับมืออาชีพสูงสุด - รูปแบบที่หายไป กราฟิกหนังสือและภาพวาดการแสดงละครและการตกแต่งซึ่งได้รับการยอมรับจากทั่วยุโรปด้วยความพยายามของพวกเขาได้สร้างการวิจารณ์ศิลปะใหม่ ๆ ส่งเสริมศิลปะรัสเซียในต่างประเทศ ในความเป็นจริงแม้กระทั่งเปิดบางขั้นตอนเช่นศตวรรษที่ 18 ของรัสเซีย "โลกแห่งศิลปะ" ได้สร้างภาพวาดประวัติศาสตร์ ภาพบุคคล ทิวทัศน์ประเภทใหม่ที่มีลักษณะโวหารของตัวเอง (แนวโน้มโวหารที่แตกต่าง ความเด่นของเทคนิคกราฟิกเหนือภาพ ความเข้าใจในการตกแต่งอย่างหมดจดของสี ฯลฯ) สิ่งนี้กำหนดความสำคัญของศิลปะรัสเซีย

จุดอ่อนของ "World of Art" ส่วนใหญ่สะท้อนให้เห็นในความแตกต่างและความไม่ลงรอยกันของโปรแกรม โดยประกาศรูปแบบ "อย่างใดอย่างหนึ่ง Böcklin แล้วก็ Manet"; ในมุมมองเชิงอุดมคติเกี่ยวกับศิลปะ ในความไม่แยแสต่องานศิลปะของพลเมือง ความไม่แยแสแบบโปรแกรม ในการสูญเสียความสำคัญทางสังคมของภาพ ความใกล้ชิดของ "โลกแห่งศิลปะ" สุนทรียศาสตร์อันบริสุทธิ์นั้นกำหนดช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์สั้น ๆ ในชีวิตของเขาในยุคแห่งโศกนาฏกรรมที่น่าเกรงขามของการปฏิวัติที่กำลังจะเกิดขึ้น นี่เป็นเพียงก้าวแรกบนเส้นทางของการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ และในไม่ช้า เยาวชนเหล่านี้ก็แซงหน้านักเรียน World of Art

"สหภาพศิลปินรัสเซีย"

ในปี พ.ศ. 2446 มีการก่อตั้งสหภาพศิลปินรัสเซียซึ่งเป็นหนึ่งในสมาคมนิทรรศการที่ใหญ่ที่สุดแห่งต้นศตวรรษ ในตอนแรกบุคคลสำคัญเกือบทั้งหมดของ "World of Art" - Benois, Bakst, Somov เข้าร่วมในนิทรรศการครั้งแรก Vrubel, Borisov-Musatov ผู้ริเริ่มการสร้างสมาคมคือศิลปินมอสโกที่เกี่ยวข้องกับ "World of Art" แต่ถูกชั่งน้ำหนักโดยสุนทรียศาสตร์แบบโปรแกรมของชาวปีเตอร์สเบิร์ก

ภูมิทัศน์แห่งชาติภาพวาดชาวนารัสเซียด้วยความรักซึ่งเป็นหนึ่งในประเภทหลักของศิลปินของ "Union" ซึ่ง "Russian Impressionism" แสดงออกในลักษณะที่แปลกประหลาดโดยมีลวดลายชนบทเป็นหลักมากกว่าลวดลายในเมือง ดังนั้นภูมิทัศน์ของ I.E. Grabar (พ.ศ. 2414-2503) ด้วยอารมณ์โคลงสั้น ๆ พร้อมความแตกต่างของภาพที่ดีที่สุดซึ่งสะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงในทันทีในธรรมชาติที่แท้จริง เป็นสิ่งที่ขนานกันบนดินรัสเซียกับภูมิทัศน์แนวอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส (“หิมะเดือนกันยายน”, 1903, State Tretyakov Gallery) ความสนใจของ Grabar ในการสลายสีที่มองเห็นเป็นสเปกตรัมสีบริสุทธิ์ของจานสียังทำให้เขาเกี่ยวข้องกับลัทธินีโออิมเพรสชันนิสม์กับ J. Seurat และ P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretyakov Gallery) การเล่นสีในธรรมชาติ เอฟเฟกต์สีที่ซับซ้อนกลายเป็นหัวข้อของการศึกษาอย่างใกล้ชิดของ "พันธมิตร" ผู้ซึ่งสร้างโลกที่เป็นรูปเป็นร่างด้วยภาพและพลาสติกบนผืนผ้าใบ ปราศจากการเล่าเรื่องและภาพประกอบ

ด้วยความสนใจทั้งหมดในการส่งผ่านแสงและอากาศในภาพวาดของปรมาจารย์ของ "Union" จึงไม่เคยสังเกตเห็นการละลายของวัตถุในตัวกลางอากาศที่มีแสง สีกลายเป็นของตกแต่ง

"พันธมิตร" ซึ่งตรงกันข้ามกับชาวปีเตอร์สเบิร์ก - ศิลปินกราฟิกของ "World of Art" - ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรที่มีการตกแต่งสีที่มีความคิดริเริ่ม ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมคือภาพวาดของ F.A. มาลยาวิน.

โดยรวมแล้ว พันธมิตรไม่เพียงมุ่งความสนใจไปที่การศึกษาทางอากาศเท่านั้น แต่ยังมุ่งสู่รูปแบบภาพที่ยิ่งใหญ่ด้วย ในปีพ. ศ. 2453 ช่วงเวลาของการแตกแยกและการก่อตัวครั้งที่สองของ "World of Art" ที่นิทรรศการของ "สหภาพ" เราสามารถเห็นภูมิทัศน์ที่ใกล้ชิด (Vinogradov, Yuon ฯลฯ ) ภาพวาดใกล้กับการแบ่งแยกฝรั่งเศส (Grabar , Larionov ต้น) หรือใกล้เคียงกับสัญลักษณ์ ( P. Kuznetsov, Sudeikin); พวกเขายังเข้าร่วมโดยศิลปินของ "World of Art" ของ Diaghilev - Benois, Somov, Bakst

"สหภาพศิลปินรัสเซีย" ซึ่งมีรากฐานที่มั่นคงและสมจริง ซึ่งมีบทบาทสำคัญในงานวิจิตรศิลป์ในประเทศ มีผลกระทบบางอย่างต่อการก่อตัวของโรงเรียนจิตรกรรมแห่งสหภาพโซเวียต ซึ่งมีอยู่จนถึงปี พ.ศ. 2466

ในปีพ. ศ. 2450 ในมอสโกนิตยสาร Golden Fleece ได้จัดนิทรรศการเฉพาะของศิลปินหลังจาก Borisov-Musatov เรียกว่า Blue Rose P. Kuznetsov กลายเป็นศิลปินชั้นนำของ Blue Rose "หมีสีน้ำเงิน" ใกล้เคียงกับสัญลักษณ์มากที่สุด ซึ่งแสดงออกมาใน "ภาษา" เป็นหลัก ได้แก่ ความไม่มั่นคงของอารมณ์ คลุมเครือ การแสดงดนตรีที่แปลไม่ได้ของความสัมพันธ์ การปรับแต่งความสัมพันธ์ของสี แพลตฟอร์มสุนทรียะของผู้เข้าร่วมนิทรรศการก็มีผลในปีต่อๆ มา และชื่อของนิทรรศการนี้ก็กลายเป็นชื่อที่ใช้ในครัวเรือนสำหรับกระแสศิลปะทั้งหมดในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 900 กิจกรรมทั้งหมดของ "Blue Rose" ยังมีตราประทับที่แข็งแกร่งที่สุดของอิทธิพลของสไตล์อาร์ตนูโว

ผลงานของ P. V. Kuznetsov (2421-2511) สะท้อนหลักการพื้นฐานของหมีสีน้ำเงิน Kuznetsov สร้างภาพแผงตกแต่งซึ่งเขาพยายามแยกออกจากความเป็นรูปธรรมในชีวิตประจำวันเพื่อแสดงความเป็นเอกภาพของมนุษย์และธรรมชาติความมั่นคงของวัฏจักรชีวิตและธรรมชาติอันเป็นนิรันดร์การกำเนิดของจิตวิญญาณมนุษย์ในความสามัคคีนี้ ดังนั้นความปรารถนาสำหรับรูปแบบการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่, การครุ่นคิดเหมือนฝัน, บริสุทธิ์จากทุกสิ่งในทันที, เป็นสากล, บันทึกที่ไร้กาลเวลา, ความปรารถนาอย่างต่อเนื่องที่จะถ่ายทอดจิตวิญญาณของสสาร ตัวเลขเป็นเพียงสัญลักษณ์ที่แสดงแนวคิด สีทำหน้าที่ถ่ายทอดความรู้สึก จังหวะ - เพื่อแนะนำโลกแห่งความรู้สึกบางอย่าง (เช่นในภาพวาดไอคอน - สัญลักษณ์ของความรัก ความอ่อนโยน ความเศร้าโศก ฯลฯ) ดังนั้นการรับแสงที่สม่ำเสมอทั่วทั้งพื้นผิวของผืนผ้าใบจึงเป็นหนึ่งในรากฐานของการตกแต่งของ Kuznetsov Serov กล่าวว่าธรรมชาติของ P. Kuznetsov "หายใจ" สิ่งนี้แสดงออกได้อย่างสมบูรณ์แบบในห้องสวีทคีร์กีซ (ทุ่งหญ้าสเตปป์) และบูคาราในภูมิประเทศของเอเชียกลาง Kuznetsov ศึกษาเทคนิคการวาดภาพไอคอนรัสเซียโบราณ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีตอนต้น การดึงดูดความสนใจต่อประเพณีคลาสสิกของศิลปะโลกเพื่อค้นหารูปแบบที่ยอดเยี่ยมของมันเองตามที่นักวิจัยระบุอย่างถูกต้อง มีความสำคัญพื้นฐานในยุคที่ประเพณีใด ๆ มักจะถูกปฏิเสธโดยสิ้นเชิง

ความแปลกใหม่ของตะวันออก - อิหร่าน, อียิปต์, ตุรกี - รับรู้ในภูมิประเทศของ M. S. Saryan (พ.ศ. 2423-2515) ตะวันออกเป็นธีมธรรมชาติสำหรับศิลปินชาวอาร์เมเนีย Saryan สร้างโลกที่เต็มไปด้วยการตกแต่งที่สดใส น่าหลงใหล เป็นธรรมชาติมากกว่าโลกของ Kuznetsov ในภาพวาดของเขา และวิธีแก้ปัญหาของภาพนั้นสร้างขึ้นจากความสัมพันธ์ของสีที่ตัดกันเสมอ โดยไม่มีความแตกต่างในการเปรียบเทียบเงาที่คมชัด (“Date Palm, Egypt”, 1911, 1911) , แผนที่. , อุบาทว์, GTG).

ภาพของ Saryan เป็นอนุสรณ์เนื่องจากรูปแบบทั่วไป, เครื่องบินสีสันสดใสขนาดใหญ่, ความเจียมเนื้อเจียมตัวทั่วไปของภาษา - นี่คือภาพทั่วไปของอียิปต์ไม่ว่าจะเป็นเปอร์เซียอาร์เมเนียพื้นเมืองในขณะที่ยังคงรักษาความเป็นธรรมชาติที่สำคัญเช่น ถ้าเขียนจากธรรมชาติ ผืนผ้าใบตกแต่งของ Saryan นั้นร่าเริงอยู่เสมอซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดเรื่องความคิดสร้างสรรค์ของเขา: "... งานศิลปะเป็นผลมาจากความสุขนั่นคืองานสร้างสรรค์ ดังนั้น มันควรจะจุดประกายไฟแห่งการสร้างสรรค์ในตัวผู้ชม นำไปสู่การระบุความปรารถนาตามธรรมชาติของเขาเพื่อความสุขและอิสระ

"แจ็คเพชร"

ในปี 1910 ศิลปินหนุ่มจำนวนหนึ่ง - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova และคนอื่น ๆ - รวมกันในองค์กร Jack of Diamonds ซึ่งมี เช่าเหมาลำจัดนิทรรศการและตีพิมพ์บทความของตนเอง “Jack of Diamonds” มีอยู่จริงจนถึงปี 1917 ในฐานะลัทธิหลังอิมเพรสชั่นนิสม์ โดยเฉพาะ Cezanne เป็น “ปฏิกิริยาต่ออิมเพรสชันนิสม์” ดังนั้น “Jack of Diamonds” จึงต่อต้านความคลุมเครือ แปลไม่ได้ ความแตกต่างเล็กน้อยที่สุดของภาษาสัญลักษณ์ของ “Blue กุหลาบ” และสไตล์สุนทรีย์แห่ง “โลกแห่งศิลปะ” . "Knave of Diamonds" ซึ่งดำเนินไปด้วยความเป็นรูปธรรม "ความเป็นวัตถุ" ของโลกแสดงให้เห็นถึงการสร้างภาพที่ชัดเจนโดยเน้นความเป็นกลางของรูปแบบความเข้มความสมบูรณ์ของสี ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หุ่นนิ่งกลายเป็นประเภทที่ชื่นชอบของ "Valetovites" เช่นเดียวกับที่ภูมิทัศน์กลายเป็นประเภทที่ชื่นชอบของสมาชิกสหภาพศิลปินรัสเซีย ความละเอียดอ่อนในการถ่ายทอดการเปลี่ยนแปลงของอารมณ์, จิตวิทยาของลักษณะ, การพูดน้อยของรัฐ, การทำให้เป็นรูปเป็นร่างของภาพวาดของ "Blue Bearers", บทกวีโรแมนติกของพวกเขาถูกปฏิเสธโดย "Valetovites" สิ่งเหล่านี้ถูกต่อต้านด้วยสีสันที่เกือบจะเกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ การแสดงออกของเส้นโครงร่าง ลักษณะการเขียนกว้างๆ แบบแป้งเปียกชุ่มฉ่ำ ซึ่งสื่อถึงการมองเห็นโลกในแง่ดี สร้างอารมณ์ที่เกือบจะตลกขบขันและเป็นสี่เหลี่ยมจตุรัส "Knave of Diamonds" ช่วยให้การตีความรูปแบบง่ายขึ้นซึ่งคล้ายกับภาพพิมพ์ยอดนิยมของเล่นพื้นบ้านภาพวาดกระเบื้องป้าย ความอยากสำหรับลัทธิดั้งเดิม (จากภาษาละติน primitivus - ดั้งเดิม, เริ่มต้น) แสดงออกในศิลปินหลายคนที่เลียนแบบรูปแบบศิลปะที่เรียบง่ายของยุคดึกดำบรรพ์ที่เรียกว่า - ชนเผ่าดั้งเดิมและสัญชาติ - เพื่อค้นหาความฉับไวและความสมบูรณ์ของการรับรู้ทางศิลปะ "Jack of Diamonds" ได้รับการรับรู้จาก Cezanne (บางครั้งเรียกว่า "Cezanneism ของรัสเซีย") ยิ่งไปกว่านั้นจากลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ("การเปลี่ยนแปลง" ของรูปแบบ) และแม้กระทั่งจากลัทธิอนาคต (พลวัต การปรับเปลี่ยนรูปแบบต่างๆ

ความเรียบง่ายของรูปแบบการเชื่อมต่อโดยตรงกับศิลปะของป้ายเป็นสิ่งที่เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษใน M.F. Larionov (2424-2507) หนึ่งในผู้ก่อตั้ง "Jack of Diamonds" แต่แล้วในปี 2454 ได้เลิกรากับเขา Larionov วาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล หุ่นนิ่ง ทำงานเป็นศิลปินโรงละครของ Diaghilev entreprise จากนั้นหันไปวาดภาพประเภทต่างๆ ธีมของเขาคือชีวิตของถนนต่างจังหวัด ค่ายทหาร แบบฟอร์มมีลักษณะแบน พิลึกกึกกือ ราวกับจงใจทำให้เป็นรูปวาดของเด็ก ภาพพิมพ์ยอดนิยมหรือป้ายโฆษณา ในปีพ. ศ. 2456 Larionov ตีพิมพ์หนังสือของเขา "Luchism" - ในความเป็นจริงเป็นครั้งแรกของการประกาศของศิลปะนามธรรมผู้สร้างที่แท้จริงในรัสเซียคือ V. Kandinsky และ K. Malevich

ศิลปิน น.ส. กอนชาโรวา (พ.ศ. 2424-2505) ภรรยาของลาริโอนอฟ มีแนวโน้มเช่นเดียวกันกับภาพวาดประเภทของเธอ โดยส่วนใหญ่เป็นธีมชาวนา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาผลงานของเธอมีการตกแต่งและมีสีสันมากกว่างานศิลปะของ Larionov ซึ่งมีความโดดเด่นในด้านความแข็งแกร่งภายในและความพูดน้อย เมื่ออธิบายถึงผลงานของ Goncharova และ Larionov มักจะใช้คำว่า "neo-primitivism"

M.Z. Chagall (1887-1985) สร้างจินตนาการที่เปลี่ยนจากความประทับใจที่น่าเบื่อของชีวิต Vitebsk ในเมืองเล็ก ๆ และตีความด้วยจิตวิญญาณเชิงสัญลักษณ์ที่ไร้เดียงสาและแปลกประหลาด ด้วยพื้นที่ที่เหนือจริง สีสันที่สดใส การปรับรูปแบบให้เป็นรูปแบบดั้งเดิมโดยเจตนา Chagall กลายเป็นว่ามีความใกล้เคียงกับทั้งการแสดงออกทางตะวันตกและศิลปะพื้นบ้านแบบดั้งเดิม (“I and the Village”, 1911, Museum of Contemporary Art, New York; “Over Vitebsk”, 1914 คอล แซค โตรอนโต "งานแต่งงาน", 2461, State Tretyakov Gallery)

"สหภาพเยาวชน"

Union of Youth เป็นองค์กรในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่ก่อตั้งเกือบจะพร้อมกันกับ Jack of Diamonds (1909) บทบาทนำในเรื่องนี้เล่นโดย L. Zheverzheev เช่นเดียวกับ "valetovtsy" สมาชิกของ "Union of Youth" ได้เผยแพร่คอลเล็กชันทางทฤษฎี จนกระทั่งการล่มสลายของสมาคมในปี พ.ศ. 2460 "Union of Youth" ไม่มีโปรแกรมเฉพาะโดยอ้างสัญลักษณ์และลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและลัทธิแห่งอนาคตและ "ไม่เที่ยงธรรม" แต่ศิลปินแต่ละคนมีใบหน้าที่สร้างสรรค์ของตัวเอง

ศิลปะในช่วงก่อนการปฏิวัติในรัสเซียถูกทำเครื่องหมายด้วยความซับซ้อนที่ผิดปกติและความไม่สอดคล้องกันของการค้นหาทางศิลปะ ดังนั้นการจัดกลุ่มต่อเนื่องด้วยการตั้งค่าโปรแกรมของตนเองและความเห็นอกเห็นใจทางโวหาร แต่ร่วมกับผู้ทดลองในด้านรูปแบบนามธรรมในศิลปะรัสเซียในเวลานั้น "World of Art" และ "Goluborozites", "พันธมิตร", "มีดเพชร" ยังคงทำงานในเวลาเดียวกัน กระแสนีโอคลาสสิกที่ทรงพลังตัวอย่างที่สามารถเป็นผลงานของสมาชิกที่กระตือรือร้นของ "Mir art" ใน "รุ่นที่สอง" ของเขา Z. E. Serebryakova (2427-2510) ในผืนผ้าใบประเภทกวีของเธอด้วยภาพวาดที่พูดน้อย การปั้นพลาสติกที่เย้ายวนใจ และความสมดุลขององค์ประกอบ Serebryakova มาจากประเพณีชั้นสูงของศิลปะรัสเซีย โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Venetsianov และยิ่งไปกว่านั้น - ศิลปะรัสเซียโบราณ (“Peasants”, 1914, Russian Museum; “ การเก็บเกี่ยว” พ.ศ. 2458 พิพิธภัณฑ์ศิลปะโอเดสซา “ การฟอกสีผ้าใบ” พ.ศ. 2460 หอศิลป์ State Tretyakov)

ในที่สุด ผลงานของ K. S. Petrov-Vodkin (พ.ศ. 2421-2482) ศิลปินนักคิดซึ่งต่อมาได้กลายเป็นปรมาจารย์ด้านศิลปะที่โดดเด่นที่สุดในยุคโซเวียต เป็นหลักฐานอันยอดเยี่ยมที่แสดงให้เห็นถึงความมีชีวิตชีวาของประเพณีของชาติ ซึ่งเป็นภาพวาดรัสเซียโบราณที่ยิ่งใหญ่ ในภาพวาดที่มีชื่อเสียงเรื่อง Bathing the Red Horse (พ.ศ. 2455) ศิลปินใช้คำอุปมาเปรียบเทียบ ตามที่ระบุไว้อย่างถูกต้อง ชายหนุ่มบนหลังม้าสีแดงสดทำให้เกิดความสัมพันธ์กับภาพยอดนิยมของนักบุญจอร์จผู้ได้รับชัยชนะ ("นักบุญ Egor") และภาพเงาทั่วไป จังหวะ องค์ประกอบที่กะทัดรัด ความอิ่มตัวของจุดสีที่ตัดกัน เสียงเต็มกำลังและความเรียบในการตีความรูปแบบนำไปสู่ความทรงจำของไอคอนรัสเซียโบราณ Petrov-Vodkin สร้างภาพที่สว่างไสวอย่างกลมกลืนในภาพวาด "Girls on the Volga" (1915, State Tretyakov Gallery) ซึ่งเขายังรู้สึกถึงการปฐมนิเทศต่อประเพณีของศิลปะรัสเซียซึ่งนำอาจารย์ไปสู่สัญชาติที่แท้จริง

สถาปัตยกรรม

ยุคของทุนนิยมอุตสาหกรรมที่พัฒนาอย่างมากทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในสถาปัตยกรรม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสถาปัตยกรรมของเมือง มีโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมประเภทใหม่: โรงงาน, สถานี, ร้านค้า, ธนาคาร, ด้วยการกำเนิดของโรงภาพยนตร์ - โรงภาพยนตร์ การรัฐประหารเกิดขึ้นจากวัสดุก่อสร้างใหม่: คอนกรีตเสริมเหล็กและโครงสร้างโลหะ ซึ่งทำให้สามารถปิดกั้นพื้นที่ขนาดมหึมา สร้างหน้าต่างร้านค้าขนาดใหญ่ และสร้างรูปแบบการผูกที่แปลกประหลาด

ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 เป็นที่ชัดเจนสำหรับสถาปนิกว่าในการใช้รูปแบบทางประวัติศาสตร์ของอดีต สถาปัตยกรรมมาถึงทางตัน ตามรายงานของนักวิจัย นักวิจัยกล่าวว่ามีความจำเป็นที่จะไม่ "จัดเรียง" ประวัติศาสตร์ใหม่ แต่เป็นการสร้างสรรค์เพื่อเข้าใจสิ่งใหม่ๆ ที่สะสมอยู่ในสภาพแวดล้อมของเมืองทุนนิยมที่เติบโตอย่างรวดเร็ว . ปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาของการครอบงำของความทันสมัยในรัสเซียซึ่งก่อตัวขึ้นทางตะวันตกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในสถาปัตยกรรมเบลเยียม เยอรมันใต้ และออสเตรีย ซึ่งเป็นปรากฏการณ์ในสากลทั่วไป (แม้ว่าที่นี่ ความทันสมัยของรัสเซียจะแตกต่างจากตะวันตก ยุโรปเพราะเป็นส่วนผสมของประวัติศาสตร์นีโอเรอเนซองส์ นีโอบาโรก นีโอโรโคโค ฯลฯ)

ตัวอย่างที่โดดเด่นของอาร์ตนูโวในรัสเซียคือผลงานของ F.O. เชคเทล (2402--2469) บ้านที่ทำกำไร คฤหาสน์ อาคารของบริษัทการค้าและสถานีต่างๆ - Shekhtel เขียนด้วยลายมือของเขาในทุกประเภท ความไม่สมมาตรของอาคารมีผลสำหรับเขา, ปริมาณที่เพิ่มขึ้นตามธรรมชาติ, ลักษณะที่แตกต่างกันของอาคาร, การใช้ระเบียง, เฉลียง, หน้าต่างที่ยื่นจากผนัง, แซนดริกเหนือหน้าต่าง, การแนะนำภาพดอกลิลลี่หรือดอกไอริสที่มีสไตล์ การตกแต่งทางสถาปัตยกรรม การใช้หน้าต่างกระจกสีที่มีลวดลายประดับแบบเดียวกัน พื้นผิวของวัสดุที่แตกต่างกันในการออกแบบตกแต่งภายใน ลวดลายแปลกประหลาดที่สร้างขึ้นจากการบิดของเส้นขยายไปทั่วทุกส่วนของอาคาร: ผนังโมเสกอันเป็นที่รักของอาร์ตนูโว หรือเข็มขัดกระเบื้องเซรามิกเคลือบสีเสื่อมโทรม การผูกหน้าต่างกระจกสี ลวดลายรั้ว ระแนงระเบียง ในองค์ประกอบของบันไดแม้กระทั่งบนเฟอร์นิเจอร์ ฯลฯ โครงร่างเส้นโค้งตามอำเภอใจครอบงำทุกสิ่ง ใน Art Nouveau เราสามารถติดตามวิวัฒนาการบางอย่างได้ สองขั้นตอนของการพัฒนา: ขั้นแรกคือการตกแต่งด้วยความหลงใหลเป็นพิเศษในเครื่องประดับ ประติมากรรมตกแต่งและภาพวาด (เซรามิก โมเสก กระจกสี) ขั้นที่สองคือความสร้างสรรค์และมีเหตุผลมากกว่า

Art Nouveau เป็นตัวแทนที่ดีในมอสโก ในช่วงเวลานี้ สถานีรถไฟ โรงแรม ธนาคาร คฤหาสน์ของชนชั้นนายทุนผู้มั่งคั่ง ตึกแถวถูกสร้างขึ้นที่นี่ คฤหาสน์ Ryabushinsky ที่ Nikitsky Gates ในมอสโก (1900-1902 สถาปนิก F.O. Shekhtel) เป็นตัวอย่างทั่วไปของ Russian Art Nouveau

ดึงดูดประเพณีของสถาปัตยกรรมรัสเซียโบราณ แต่ด้วยเทคนิคของความทันสมัยไม่ได้คัดลอกรายละเอียดทางธรรมชาติของสถาปัตยกรรมรัสเซียยุคกลางซึ่งเป็นลักษณะของ "สไตล์รัสเซีย" ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แต่พยายามเปลี่ยนแปลงอย่างอิสระ สื่อถึงจิตวิญญาณของมาตุภูมิโบราณ ก่อให้เกิดสไตล์นีโอรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 (บางครั้งเรียกว่านีโอโรแมนติก) ความแตกต่างจาก Art Nouveau เป็นหลักโดยปลอมตัวและไม่เปิดเผยซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับ Art Nouveau โครงสร้างภายในของอาคารและวัตถุประสงค์ที่เป็นประโยชน์เบื้องหลังการตกแต่งที่ซับซ้อนอย่างประณีต (Shekhtel - Yaroslavsky Station ในมอสโกว 2446-2447; A.V. Shchusev - สถานี Kazansky ในมอสโกว 2456-2469; V. M. Vasnetsov - อาคารเก่าของ Tretyakov Gallery, 2443-2448) ทั้ง Vasnetsov และ Shchusev ต่างก็มีวิถีของตัวเอง (และอย่างที่สองก็ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากสิ่งแรก) ต่างก็ประทับใจในความงามของสถาปัตยกรรมรัสเซียโบราณ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Novgorod, Pskov และมอสโกในยุคแรกต่างชื่นชมเอกลักษณ์ของชาติและตีความอย่างสร้างสรรค์ แบบฟอร์ม

อาร์ตนูโวได้รับการพัฒนาไม่เพียง แต่ในมอสโกว แต่ยังรวมถึงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กด้วยซึ่งได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลของสแกนดิเนเวียอย่างไม่ต้องสงสัยซึ่งเรียกว่า ซูซอร์ในปี 1902-1904 สร้างอาคารของบริษัท Singer บน Nevsky Prospekt (ปัจจุบันคือ Book House) ทรงกลมบนหลังคาของอาคารควรเป็นสัญลักษณ์ของกิจกรรมระหว่างประเทศของบริษัท ด้านหน้าประดับด้วยหินมีค่า (หินแกรนิต ลาบราดอไรต์) บรอนซ์ และโมเสก แต่ประเพณีของลัทธิคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีอิทธิพลต่อความทันสมัยของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก สิ่งนี้ทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันให้เกิดสาขาใหม่อีกแขนงหนึ่ง นั่นคือ นีโอคลาสซิซิสซึ่มแห่งศตวรรษที่ 20 ในคฤหาสน์ของอ. Polovtsov บนเกาะ Kamenny ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (2454-2456) สถาปนิก I.A. Fomin (พ.ศ. 2415-2479) ได้รับผลกระทบอย่างเต็มที่ต่อคุณลักษณะของสไตล์นี้: ส่วนหน้า (ปริมาตรกลางและปีกด้านข้าง) ได้รับการแก้ไขตามลำดับไอออนิกและการตกแต่งภายในของคฤหาสน์ในรูปแบบที่ลดลงและเจียมเนื้อเจียมตัวมากขึ้นเหมือนเดิม ทำซ้ำ ล้อมรอบห้องโถงของ Tauride Palace แต่หน้าต่างบานใหญ่ของสวนฤดูหนาวกึ่งทรงกลม การวาดภาพที่มีสไตล์ของรายละเอียดทางสถาปัตยกรรมกำหนดเวลาของต้นศตวรรษอย่างชัดเจน ผลงานของโรงเรียนสถาปัตยกรรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กล้วน ๆ ในช่วงต้นศตวรรษ - ตึกแถว - ที่จุดเริ่มต้นของ Kamennoostrovsky (หมายเลข 1-3) Avenue, Count M.P. Tolstoy บน Fontanka (หมายเลข 10-12) อาคาร b. ธนาคาร Azov-Don บน Bolshaya Morskaya และ Astoria Hotel เป็นของสถาปนิก F.I. Lidval (2413-2488) หนึ่งในปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอาร์ตนูโว

อาร์ตนูโวเป็นหนึ่งในรูปแบบที่สำคัญที่สุดซึ่งสิ้นสุดในศตวรรษที่ 19 และเปิดขึ้นในครั้งต่อไป ความสำเร็จทางสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ทั้งหมดถูกนำมาใช้ในนั้น สมัยใหม่ไม่ได้เป็นเพียงระบบที่สร้างสรรค์เท่านั้น ตั้งแต่สมัยยุคคลาสสิก ความทันสมัยอาจเป็นรูปแบบที่สอดคล้องกันมากที่สุดในแง่ของแนวทางแบบองค์รวม ซึ่งเป็นแนวทางที่ผสมผสานกันของการตกแต่งภายใน อาร์ตนูโวเป็นสไตล์ที่จับเอาศิลปะของเฟอร์นิเจอร์ เครื่องใช้ ผ้า พรม หน้าต่างกระจกสี เซรามิก แก้ว โมเสก เป็นที่จดจำได้ทุกที่สำหรับรูปทรงและเส้นที่วาดไว้ จานสีพิเศษของสีซีดจาง สีพาสเทล และ ลวดลายดอกลิลลี่และดอกไอริสที่เขาชื่นชอบ

ประติมากรรม

ประติมากรรมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 และปีแรกก่อนการปฏิวัติจะแสดงด้วยชื่อหลักหลายชื่อ ก่อนอื่นนี่คือ P.P. ทรูเบ็ตสคอย (2409-2481) ผลงานรัสเซียยุคแรกของเขา (ภาพเหมือนของ Levitan, ภาพของ Tolstoy บนหลังม้า, ทั้งคู่ - 1899, สีบรอนซ์) ให้ภาพที่สมบูรณ์ของวิธีการแบบอิมเพรสชันนิสต์ของ Trubetskoy: รูปทรงเหมือนเดิมทั้งหมดเต็มไปด้วยแสงและอากาศ ไดนามิก ออกแบบมาเพื่อการรับชม จากทุกมุมมองและจากมุมต่างๆ ทำให้เกิดลักษณะของภาพที่หลากหลาย งานที่โดดเด่นที่สุดของ P. Trubetskoy ในรัสเซียคืออนุสาวรีย์ทองสัมฤทธิ์ของ Alexander III ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1909 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบนจัตุรัส Znamenskaya Trubetskoy ทิ้งสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ของเขาไว้ที่นี่ นักวิจัยตั้งข้อสังเกตซ้ำแล้วซ้ำอีกว่าภาพลักษณ์ของจักรพรรดิ Trubetskoy ได้รับการแก้ไขซึ่งตรงกันข้ามกับของ Falconet และถัดจาก The Bronze Horseman นี่เป็นภาพที่เกือบจะเสียดสีของระบอบเผด็จการ สำหรับเราแล้วดูเหมือนว่าความแตกต่างนี้มีความหมายต่างกัน ไม่ใช่รัสเซียที่ "ยกขาหลังขึ้น" เหมือนเรือที่แล่นออกสู่น่านน้ำยุโรป แต่รัสเซียแห่งสันติภาพ ความมั่นคง และความแข็งแกร่งเป็นสัญลักษณ์ของนักขี่ม้าผู้นี้ซึ่งนั่งบนม้าหนักอย่างหนักหน่วง

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการหักเหความคิดสร้างสรรค์ที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาดพบการแสดงออกในผลงานของ A. S. Golubkina (2407-2470) ในภาพของ Golubkina โดยเฉพาะอย่างยิ่งผู้หญิงมีความบริสุทธิ์ทางศีลธรรมสูงประชาธิปไตยที่ลึกซึ้ง ภาพเหล่านี้มักเป็นภาพของคนจนทั่วไป: ผู้หญิงที่เหนื่อยล้าหรือ "เด็กแห่งคุกใต้ดิน" ที่ป่วย

สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในงานของ Golubkina คือภาพบุคคลของเธอซึ่งมีความเข้มข้นอย่างมากซึ่งโดยทั่วไปเป็นลักษณะเฉพาะของงานของอาจารย์คนนี้และมีความหลากหลายผิดปกติ (ภาพเหมือนของ V.F. Ern (ไม้, 2456, State Tretyakov Gallery) หรือรูปปั้นครึ่งตัวของ Andrei Bely ( ยิปซั่ม, 2450, State Tretyakov Gallery)) .

ในงานของ Trubetskoy และ Golubkina มีบางสิ่งที่เหมือนกันสำหรับความแตกต่างทั้งหมด: คุณลักษณะที่ทำให้พวกเขาเกี่ยวข้องไม่เพียง แต่กับอิมเพรสชันนิสม์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงจังหวะของเส้นของเหลวและรูปแบบของความทันสมัยด้วย

อิมเพรสชันนิสต์ซึ่งจับภาพประติมากรรมของต้นศตวรรษ ส่งผลกระทบต่องานของ S. T. Konenkov (พ.ศ. 2417-2514) เพียงเล็กน้อย หินอ่อน “Nike” (1906, State Tretyakov Gallery) ที่มีรูปเหมือนชัดเจน (ยิ่งกว่านั้นคือภาษาสลาฟ) ของใบหน้ากลมที่มีลักยิ้มบนแก้มแสดงถึงผลงานที่ Konenkov แสดงหลังจากเดินทางไปกรีซในปี 1912 รูปภาพของตำนานนอกศาสนากรีกคือ เกี่ยวพันกับตำนานสลาฟ โคเนนคอฟเริ่มทำงานไม้ ดึงเรื่องราวมากมายจากนิทานพื้นบ้านรัสเซีย เทพนิยายรัสเซีย ดังนั้น "Stribog" ของเขา (ต้นไม้, 2453, State Tretyakov Gallery), "Velikosil" (ต้นไม้, ส่วนตัว, คอล) ภาพขอทานและคนชรา ("Old Man-Polyevichok", 2453)

ในการฟื้นฟูประติมากรรมไม้ บุญคุณอันยิ่งใหญ่ของโคเนนคอฟ ความรักในมหากาพย์รัสเซียสำหรับเทพนิยายรัสเซียนั้นใกล้เคียงกับ "การค้นพบ" ภาพวาดไอคอนรัสเซียโบราณ ประติมากรรมไม้รัสเซียโบราณที่มีความสนใจในสถาปัตยกรรมรัสเซียโบราณ ซึ่งแตกต่างจาก Golubkina Konenkov ขาดความดราม่าและสภาพจิตใจ ภาพลักษณ์ของเขาเต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ดี

ในภาพเหมือน Konenkov เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกที่ก่อให้เกิดปัญหาเรื่องสีในตอนต้นของศตวรรษ การระบายสีหินหรือไม้ของเขานั้นละเอียดอ่อนมากโดยคำนึงถึงลักษณะของวัสดุและลักษณะของสารละลายพลาสติก

ในงานอนุสรณ์แห่งต้นศตวรรษจำเป็นต้องสังเกตอนุสาวรีย์ของ N.V. โกกอล N.A. Andreev (2416-2475) เปิดในมอสโกในปี 2452 นี่คือโกกอลในปีสุดท้ายของชีวิตที่ป่วยหนัก การแสดงออกที่ผิดปกติคือโปรไฟล์ที่น่าเศร้าของเขาด้วยจมูกที่แหลมคม ("โกกอล") รูปร่างผอมห่อด้วยเสื้อคลุม ในภาษาช่างเจียระไนของประติมากรรม Andreev ถ่ายทอดโศกนาฏกรรมของบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยม ในภาพนูนต่ำนูนสูงบนแท่นที่ประกอบขึ้นจากหลายร่าง วีรบุรุษผู้เป็นอมตะของโกกอลได้รับการพรรณนาด้วยวิธีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ด้วยอารมณ์ขันหรือแม้แต่การเหน็บแนม

A. T. Matveev (2421-2503) เขาเอาชนะอิทธิพลอิมเพรสชันนิสต์ของอาจารย์ในผลงานยุคแรกของเขา - ในภาพเปลือย (ธีมหลักของช่วงหลายปีที่ผ่านมา สถาปัตยกรรมที่เข้มงวด, ความรัดกุมของรูปแบบทั่วไปที่มั่นคง, สถานะของการตรัสรู้, ความสงบ, ความกลมกลืนทำให้ Matveev แตกต่างโดยตรงกับงานประติมากรรมของเขา อิมเพรสชันนิสม์

ตามที่นักวิจัยระบุไว้อย่างถูกต้อง ผลงานของอาจารย์ได้รับการออกแบบมาสำหรับการรับรู้ที่ยาวนานและรอบคอบ พวกเขาต้องการอารมณ์ภายใน "ความเงียบ" จากนั้นพวกเขาก็เปิดอย่างเต็มที่และลึกซึ้งที่สุด พวกเขามีความไพเราะของรูปแบบพลาสติก รสนิยมทางศิลปะและบทกวีที่ยอดเยี่ยม คุณสมบัติทั้งหมดนี้มีอยู่ในป้ายหลุมศพของ V.E. Borisov-Musatov ใน Tarusa (1910, หินแกรนิต) ในรูปของเด็กชายนอนหลับ เป็นการยากที่จะเห็นเส้นแบ่งระหว่างการนอนหลับกับการไม่มีอยู่จริง และนี่คือประเพณีที่ดีที่สุดของงานประติมากรรมอนุสรณ์แห่งศตวรรษที่ 18 Kozlovsky และ Martos ด้วยการยอมรับความตายอย่างสุขุมเยือกเย็นของเธอ ซึ่งนำเราไปไกลกว่านั้น ไปสู่ฉากของ "พิธีศพ" โบราณคร่ำครึ หลุมฝังศพนี้เป็นจุดสุดยอดในการทำงานของ Matveev ในยุคก่อนการปฏิวัติซึ่งยังคงต้องทำงานอย่างมีประสิทธิภาพและกลายเป็นหนึ่งในประติมากรโซเวียตที่มีชื่อเสียง ในช่วงก่อนเดือนตุลาคม ปรมาจารย์รุ่นใหม่ที่มีความสามารถจำนวนหนึ่งปรากฏตัวในประติมากรรมของรัสเซีย (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr ฯลฯ ) ซึ่งเพิ่งเริ่มกิจกรรมสร้างสรรค์ในปี 1910 พวกเขาทำงานในทิศทางที่แตกต่างกัน แต่ยังคงไว้ซึ่งประเพณีที่เหมือนจริงซึ่งนำมาสู่งานศิลปะใหม่ โดยมีบทบาทสำคัญในการก่อตัวและการพัฒนา

...

เอกสารที่คล้ายกัน

ต้นกำเนิดทางจิตวิญญาณและศิลปะของยุคเงิน การเติบโตของวัฒนธรรมยุคเงิน ความคิดริเริ่มของภาพวาดรัสเซียในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX สมาคมศิลปะและบทบาทในการพัฒนาจิตรกรรม วัฒนธรรมของจังหวัดและเมืองเล็กๆ

ภาคนิพนธ์ เพิ่ม 19/01/2550


การศึกษาสาเหตุของการแบ่งแยกวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ออกเป็นในประเทศและผู้อพยพ การกำหนดลักษณะของตัวแทนและแนวคิดทางศิลปะของแนวหน้า ความสมจริง และแนวใต้ดินเป็นทิศทางหลักในการพัฒนาศิลปกรรมและวรรณกรรม

ทดสอบเพิ่ม 05/03/2010


ที่มาและแนวคิดของสัญลักษณ์ การก่อตัวของศิลปินแห่งยุคเงิน ช่วงเวลาของประวัติศาสตร์สัญลักษณ์รัสเซีย: ลำดับเหตุการณ์ของการพัฒนา คุณสมบัติของการวาดภาพประเภทในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX สมาคมศิลปะและอาณานิคมทางศิลปะในการวาดภาพรัสเซีย

ภาคนิพนธ์ เพิ่ม 06/17/2011


ศิลปะรัสเซียในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX ประติมากรรม. สถาปัตยกรรม. วัฒนธรรมรัสเซียก่อตัวขึ้นและกำลังพัฒนาในปัจจุบันโดยเป็นหนึ่งในกิ่งก้านของต้นไม้อันยิ่งใหญ่แห่งวัฒนธรรมสากลโลก การมีส่วนร่วมต่อความก้าวหน้าทางวัฒนธรรมของโลกเป็นสิ่งที่ไม่อาจปฏิเสธได้

บทคัดย่อ เพิ่ม 06/08/2004


ภาพเงาของยุคเงิน คุณสมบัติหลักและความหลากหลายของชีวิตศิลปะในช่วง "ยุคเงิน": สัญลักษณ์, ความเฉียบขาด, ลัทธิแห่งอนาคต ความสำคัญของยุคเงินสำหรับวัฒนธรรมรัสเซีย ลักษณะทางประวัติศาสตร์ของการพัฒนาวัฒนธรรมในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ XX

บทคัดย่อ เพิ่ม 12/25/2550


การศึกษาการเกิดขึ้นและการพัฒนาของบาโรกในฐานะลักษณะศิลปะของวัฒนธรรมยุโรปตะวันตกตั้งแต่ปลายคริสต์ศตวรรษที่ 16 ถึงกลางคริสต์ศตวรรษที่ 18 ลักษณะทั่วไปและวิเคราะห์พัฒนาการของรูปแบบบาโรกในจิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และดนตรี

งานนำเสนอเพิ่ม 09/20/2011


ความเข้มข้นของยุคเงินในเนื้อหาที่สร้างสรรค์ การค้นหารูปแบบใหม่ของการแสดงออก แนวโน้มศิลปะหลักของ "ยุคเงิน" การเกิดขึ้นของสัญลักษณ์, ลัทธิสุดยอด, ลัทธิอนาคตในวรรณกรรม, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและนามธรรมในการวาดภาพ, ลัทธิสัญลักษณ์ในดนตรี

บทคัดย่อ เพิ่ม 03/18/2010


ประวัติศาสตร์ศิลปะวัฒนธรรมในต้นศตวรรษที่ยี่สิบ. แนวโน้มหลัก แนวคิดทางศิลปะ และตัวแทนของรัสเซียแนวหน้า การก่อตัวของวัฒนธรรมในยุคโซเวียต ความสำเร็จและความยากลำบากในการพัฒนาศิลปะในสภาวะเผด็จการ ปรากฏการณ์ใต้ดิน

งานนำเสนอ เพิ่ม 02/24/2014


ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX การเกิดขึ้นของเทรนด์ใหม่และกลุ่มศิลปะ คุณสมบัติและความแตกต่างของนามธรรม, เปรี้ยวจี๊ด, อิมเพรสชั่นนิสม์, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิลูกบาศก์อนาคต, ลัทธิเรยอน, ลัทธิสมัยใหม่, ลัทธิสัญลักษณ์และลัทธิอำนาจสูงสุด

งานนำเสนอ เพิ่ม 05/12/2015


อิทธิพลของเหตุการณ์ทางการเมืองและสังคมที่มีต่อศิลปะ ช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่เพิ่มขึ้นในด้านต่างๆ ของวัฒนธรรม การเปิดเผยสาระสำคัญของลัทธิสมัยใหม่นิยม ลัทธิล้ำยุค และสัญลักษณ์นิยม การแสดงออกของอาร์ตนูโวในสถาปัตยกรรมมอสโก วรรณกรรมแห่งยุคเงิน.

ศิลปะ "บริสุทธิ์" ประกาศคุณค่าที่ไม่ขึ้นอยู่กับปัญหาและกระแสทางสังคมและประวัติศาสตร์เป็นปรากฏการณ์ที่สวยงาม แต่ไม่สมจริง

เป็นไปไม่ได้ที่จะสร้างโดยแยกจากชีวิตประจำวันโดยไม่ใส่ใจกับความคิดที่มีอยู่ในสังคม - เป็นทางการและไม่เป็นทางการ ศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ได้รับอิทธิพลจากการเปลี่ยนแปลงอันทรงพลังในระบบสังคม ซึ่งประเทศอื่นไม่รู้จัก

จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ การค้นหาความคิดใหม่

100 ปีของศตวรรษที่ 20 เป็นยุคแห่งกลียุคที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนสำหรับอารยธรรมทั้งหมด ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 20 ความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีได้บีบเวลาและพื้นที่สำหรับโลกทั้งใบ ความขัดแย้งทางสังคมในพื้นที่จำกัดได้เติบโตขึ้นเป็นกลียุคของดาวเคราะห์ วัฒนธรรมและศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับกิจกรรมทางสังคมทั้งหมดในยุโรปและอเมริกา มีความผูกพันชั่วคราวกับเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ล่าสุด

ความมหัศจรรย์ของตัวเลขซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของศตวรรษใหม่มักก่อให้เกิดความคาดหวังในการเปลี่ยนแปลง ความหวังในการเริ่มต้นช่วงเวลาแห่งความสุขครั้งใหม่ ศตวรรษที่ 19 ซึ่งสร้างชื่อเสียงไปทั่วโลกสำหรับวัฒนธรรมรัสเซียกำลังเลือนหายไปในอดีต ทิ้งประเพณีที่ไม่สามารถหายไปได้ในชั่วข้ามคืน

"โลกแห่งศิลปะ" เป็นชื่อของสมาคมของศิลปินที่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2441 และมีอยู่เป็นระยะจนถึงปีพ. "โลกแห่งศิลปะ" ไม่มีรูปแบบเดียวที่พัฒนาร่วมกัน - จิตรกร ศิลปินกราฟิก ประติมากร แต่ละคนมีแนวทางของตนเอง มีความเห็นตรงกันเกี่ยวกับเป้าหมายของศิลปะและบทบาทของศิลปะในสังคม คุณสมบัติหลายประการของมุมมองนี้แสดงโดยอัจฉริยะของ Mikhail Vrubel แกนที่เป็นทางการซึ่งเป็นพื้นฐานของสมาคมคือ L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov ในช่วงเวลาที่แตกต่างกัน Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov และปรมาจารย์คนอื่น ๆ เข้าร่วม

พวกเขาทั้งหมดยอมรับความสำคัญของความเป็นมืออาชีพในงานศิลปะ บทบาทอันยิ่งใหญ่ของเสรีภาพในการสร้างสรรค์ และความเป็นอิสระของศิลปินจากกฎเกณฑ์ทางสังคม ในขณะที่ไม่ปฏิเสธคุณค่าของศิลปะในชีวิตมนุษย์ การประท้วงต่อต้านความเข้มงวดของวิชาการในแง่หนึ่งและ การเมืองมากเกินไปในการวาดภาพโดย Wanderers ในอีกด้านหนึ่ง โลกแห่งศิลปะถูกวิจารณ์โดยผู้สนับสนุนประเพณี ไม่สามารถเข้ากับกระบวนการปั่นป่วนของการกำเนิดของจิตรกรรม "ชนชั้นกรรมาชีพ" ได้ แต่มันมีผลกระทบอย่างมากต่องานศิลปะทั้งหมดของศตวรรษที่ 20 ในรัสเซีย - ทั้งต่อผู้ที่ทำงานใน สหภาพโซเวียตและผู้ที่ลงเอยด้วยการย้ายถิ่นฐาน

ทันสมัย

ทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่สิบเก้าเป็นช่วงเวลาแห่งการเกิดรูปแบบใหม่ซึ่งทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานของปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรม มันมีลักษณะเฉพาะของมันเองในบางภูมิภาคของยุโรป ซึ่งมันถูกเรียกต่างกันด้วยซ้ำ ในเบลเยียมและฝรั่งเศสชื่อ "Art Nouveau" ได้รับการแก้ไขในเยอรมนี - "Art Nouveau" ในออสเตรีย - "Secession" ชื่ออื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของสไตล์นี้หรือ บริษัท ที่ผลิตเฟอร์นิเจอร์เครื่องประดับและผลิตภัณฑ์อื่น ๆ ในทิศทางนี้: สไตล์ mush, สไตล์ Guimard - ในฝรั่งเศส, Liberty ในอิตาลี, ในสหรัฐอเมริกา - สไตล์ Tiffany เป็นต้น ศิลปะ ของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 โดยเฉพาะอย่างยิ่งสถาปัตยกรรมเรียกว่าอาร์ตนูโว

หลังจากช่วงเวลาอันยาวนานของโวหารที่ไร้กาลเวลา Art Nouveau ได้กลายเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แสดงออกและแสดงออกทางสายตามากที่สุด ลักษณะที่นุ่มนวลของเส้นสายการตกแต่งที่หรูหราลักษณะเฉพาะของมันเมื่อรวมกับรูปแบบที่เรียบง่ายและแสดงออกทางเรขาคณิตของเล่มใหญ่ดึงดูดศิลปินและสถาปนิกด้วยความสดใหม่และความแปลกใหม่

Fedor Osipovich Shekhtel (2402-2469) - ดาวแห่งความทันสมัยทางสถาปัตยกรรมของรัสเซีย ความสามารถของเขาทำให้ลักษณะประจำชาติเป็นสไตล์ที่เป็นสากลโดยพื้นฐานแล้วผลงานชิ้นเอกของ Shekhtel - สถานีรถไฟ Yaroslavsky, คฤหาสน์ Ryabushinsky - เป็นการสร้างสรรค์ของสถาปนิกชาวรัสเซียทั้งในเรื่องทั่วไปและเรื่องเล็ก ๆ

เปรี้ยวจี๊ดยุคก่อนปฏิวัติ

กระบวนการค้นหารูปแบบใหม่ของศิลปะและอีกมากมาย - สาระสำคัญใหม่ - มีความเกี่ยวข้องกับศิลปะของยุโรปและอเมริกาทั้งหมด ศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 มีช่วงเวลาแห่งการปฏิวัติอย่างแท้จริงหลายช่วง เมื่อผลงานของนักปฏิรูปหลายคนชี้ให้เห็นทิศทางใหม่ในการพัฒนาความคิดทางศิลปะ ช่วงเวลาที่โดดเด่นและน่าประทับใจที่สุดช่วงหนึ่งคือช่วงระหว่างการปฏิวัติระหว่างปี พ.ศ. 2448 ถึง พ.ศ. 2460 ลักษณะเฉพาะของศิลปะแนวหน้าในรัสเซียเกิดจากวิกฤตชีวิตสาธารณะของรัสเซียหลังโศกนาฏกรรมของสงครามรัสเซีย-ญี่ปุ่นและการปฏิวัติในปี 1905

ขบวนการแนวหน้าและสมาคมสร้างสรรค์จำนวนมากที่เกิดขึ้นในเวลานั้นมีสาเหตุการกำเนิดที่คล้ายคลึงกันและเป้าหมายที่คล้ายกันในการค้นหาศิลปะ มีอิทธิพลอย่างมากต่อประเภทศิลปะหลัก ๆ ของศตวรรษที่ 20 ในรัสเซีย นักฟิวเจอริสท์และคิวโบฟิวเจอร์ริสท์, "แจ็คแห่งไดมอนด์" และ "บลูโรส" ลัทธิซูพรีมาติสต์ของคันดินสกีและมาเลวิชค้นหาโลกใหม่ด้วยวิธีต่างๆ แสดง วิกฤตของศิลปะเก่าที่ขาดการติดต่อกับความเป็นจริง คาดการณ์ว่าจะเกิดยุคแห่งกลียุคโลก

ในบรรดาแนวคิดใหม่ที่เกิดจากศิลปินแนวหน้าคือความคิดของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีหน้าต่างๆ เช่น การแสดงที่มีชื่อเสียง - แถลงการณ์ของศิลปะใหม่ "Victory over the Sun" (1913) มันเป็นผลมาจากการทำงานร่วมกันของกวีแห่งอนาคต M. Matyushin, V. Khlebnikov และการตกแต่งดำเนินการโดย Kazimir Malevich

ศิลปิน P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall ผู้ซึ่งเพิ่มพูนศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ด้วยการค้นหากลายเป็นผู้แต่งภาพวาดที่ได้รับการยอมรับระดับโลก และการรับรู้นี้เริ่มขึ้นในทศวรรษที่ 10 ของศตวรรษที่ 20 ในยุคที่เกิดภาพวาดแนวหน้าในประวัติศาสตร์สมัยใหม่

หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม รัสเซียมีโอกาสเปิดโลกทัศน์ใหม่สู่โลกทั้งใบในชีวิตสาธารณะ รวมถึงงานศิลปะ และเงื่อนไขแรกเริ่มเกิดขึ้นเมื่อมูลค่าของผู้มีพรสวรรค์แต่ละคนเพิ่มขึ้นอย่างล้นเหลือ ผู้กำเนิดความคิดสร้างสรรค์ใหม่ๆ มาก่อน

ประวัติศาสตร์ศิลปะตีความช่วงเวลานั้นอย่างไร? ศตวรรษที่ 20, รัสเซีย, วัยยี่สิบที่วุ่นวาย - นี่คือชีวิตทางศิลปะที่เคลื่อนไหวอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนของสมาคมสร้างสรรค์มากมายซึ่งโดดเด่น:

UNOVIS - "การยืนยันศิลปะใหม่" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov) ก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของโรงเรียนสอนศิลปะ Vitebsk สมาคมนี้เป็นการขอโทษสำหรับศิลปะแนวหน้า โดยเสนอที่จะมองหาธีมและรูปแบบใหม่สำหรับงานศิลปะ

- "Four Arts" - กระแสที่สอดคล้องกับ "World of Art" เป้าหมายหลักคือการแสดงความเป็นไปได้อันยิ่งใหญ่ของสถาปัตยกรรม ประติมากรรม กราฟิก และจิตรกรรม มีการประกาศความต้องการความเป็นมืออาชีพสูงและเสรีภาพในการสร้างสรรค์ ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด: สถาปนิก A. V. Shchusev, ศิลปินกราฟิก V. A. Favorsky, ประติมากร V. I. Mukhina, จิตรกร K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva และอื่น ๆ

- "OST", "สมาคมศิลปินขาตั้ง" ถือเป็นสิ่งสำคัญในการแสดงสัญญาณการเริ่มต้นของชีวิตที่สงบสุขใหม่การสร้างประเทศที่ทันสมัยด้วยรูปแบบการแสดงออกขั้นสูง แต่เรียบง่ายและชัดเจน ผู้นำ: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams

- "Circle of Artists" (เลนินกราด) ตามหลักสูตรอย่างเป็นทางการ การพัฒนา "รูปแบบแห่งยุค" สมาชิกที่ใช้งานของกลุ่ม: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin

AHRR - "Association of Artists of Revolutionary Russia" - สมาคมที่กลายเป็นพื้นฐานของ Union of Artists of the USSR ที่สร้างขึ้นในภายหลังซึ่งเป็นผู้นำทางอุดมการณ์ของกระบวนการทางศิลปะซึ่งเป็นเครื่องมือในการโฆษณาชวนเชื่อของพรรคทายาท ของเหล่าพเนจร I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson อยู่ที่หัว

คอนสตรัคติวิสต์

ในโปรแกรมที่มีชื่อเสียงที่สุด สถาบันการศึกษาการเตรียมสถาปนิกมักมีการศึกษาในหัวข้อ "คอนสตรัคติวิสต์ของรัสเซีย - แนวหน้าของสถาปัตยกรรมในยุค 20" ความสำคัญอย่างยิ่งมีไว้เพื่อความเข้าใจในศิลปะการก่อสร้าง แนวคิดที่ประกาศโดยผู้นำของทิศทางนั้นมีความเกี่ยวข้องมากตลอดเวลา อาคารที่ยังหลงเหลืออยู่ของ Konstantin Melnikov (อาคารที่อยู่อาศัยของสถาปนิกในซอย Krivoarbatsky, สโมสรของ Rusakov บน Stromynka, โรงจอดรถบนถนน Novoryazanskaya ฯลฯ ), พี่น้อง Vesnin, Moses Ginzburg (บ้าน Narkomfin บน Novinsky Boulevard) และดาราสถาปัตยกรรมรัสเซียคนอื่น ๆ กองทุนทองคำของสถาปัตยกรรมรัสเซีย

ฟังก์ชั่นนิยม, การปฏิเสธการตกแต่งที่ไม่จำเป็น, ความสวยงามของโครงสร้างอาคาร, ความกลมกลืนของสภาพแวดล้อมที่สร้างขึ้น - แนวคิดเหล่านี้กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการแก้ปัญหาใหม่สำหรับสถาปนิกรุ่นใหม่, ศิลปินและผู้เชี่ยวชาญในสาขาที่เริ่มเรียกว่าการออกแบบอุตสาหกรรม . พวกเขาต้องสร้างที่อยู่อาศัยจำนวนมากสำหรับเมืองใหม่, สโมสรคนงานเพื่อการพัฒนาที่ครอบคลุมของแต่ละบุคคล, สร้างสิ่งอำนวยความสะดวกสำหรับการทำงานและการพักผ่อนของบุคคลใหม่ ความสำเร็จอันน่าทึ่งของเปรี้ยวจี๊ดแห่งวัยยี่สิบไม่สามารถมองข้ามได้ การศึกษาศิลปะของรัสเซีย ยุโรป และอเมริกาในครั้งต่อๆ ไปนั้นขึ้นอยู่กับพวกเขาเป็นส่วนใหญ่ เป็นเรื่องน่าเศร้าที่แนวคิดที่ก้าวหน้าเหล่านี้กลายเป็นความต้องการน้อยที่สุดในบ้านเกิดของพวกเขา และหลายคนถือว่า "สไตล์จักรวรรดิสตาลิน" เป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของสถาปัตยกรรมโซเวียต

ศิลปะแห่งยุคเผด็จการ

ในปีพ. ศ. 2475 มีการออกกฤษฎีกาของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์แห่งสหภาพทั้งหมดเกี่ยวกับงานของสมาคมสร้างสรรค์ ยุคที่ปั่นป่วนของกระแสน้ำและทิศทางต่างๆ สิ้นสุดลงภายใต้อิทธิพลของกลไกรัฐซึ่งได้รับอำนาจควบคุมโดยเครื่องมือทางอุดมการณ์ที่อำนาจเดียวแข็งแกร่งขึ้น เป็นเวลาหลายปีที่ศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับชีวิตของประเทศเริ่มขึ้นอยู่กับความคิดเห็นของคน ๆ หนึ่ง - โจเซฟสตาลิน

สหภาพแรงงานสร้างสรรค์ได้กลายเป็นวิธีหนึ่งในการกดขี่ความคิดทางศิลปะให้เป็นมาตรฐานทางอุดมการณ์ที่เหมือนกัน ยุคของสังคมนิยมมาถึงแล้ว การเบี่ยงเบนใด ๆ จากเส้นทางอย่างเป็นทางการเริ่มถูกประกาศว่าเป็นอาชญากรทีละน้อยผู้ที่ไม่เห็นด้วยตกอยู่ภายใต้การปราบปรามอย่างแท้จริง การกล่าวหาว่าฝักใฝ่ฝ่ายใดกลายเป็นวิธีการหาข้อยุติในการอภิปรายอย่างสร้างสรรค์ ความก้าวหน้าของเรื่องนี้เป็นเรื่องที่น่าสงสัยอย่างมาก ตัวอย่างเช่น ศิลปะการละครของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 จะพัฒนาไปอย่างไรหากนักปฏิรูปละครเวทีผู้ยิ่งใหญ่ Vsevolod Meyerhold ไม่ตกเป็นเหยื่อของการปราบปราม

ธรรมชาติของพรสวรรค์ทางศิลปะนั้นซับซ้อนและอธิบายไม่ได้ ภาพลักษณ์ของผู้นำนั้นเต็มไปด้วยทักษะและความรู้สึกที่จริงใจ ไม่มีการกดขี่ที่โหดร้ายที่สุดใดที่สามารถขัดขวางการเกิดขึ้นของศิลปินที่มีความสามารถอย่างแท้จริงซึ่งการแสดงออกเป็นสิ่งสำคัญโดยไม่คำนึงถึงกรอบอุดมการณ์

ในทางสถาปัตยกรรม ถึงเวลาแล้วสำหรับ "จักรวรรดิสตาลิน" การค้นหาศิลปินแนวหน้าถูกแทนที่ด้วยการกลับไปสู่ศีลที่พิสูจน์แล้ว พลังของอุดมการณ์คอมมิวนิสต์ได้รวมอยู่ในตัวอย่างที่น่าทึ่งของลัทธินีโอคลาสสิกที่นำกลับมาใช้ใหม่ - "ตึกระฟ้า" ของสตาลิน

ศิลปะสมัยสงคราม

มีช่วงเวลาหนึ่งในประวัติศาสตร์ของประเทศของเราที่กลายเป็นโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและเป็นเวทีแห่งการยกระดับจิตวิญญาณอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20-21 ได้รับหนึ่งในรูปแบบหลักที่ทำให้สามารถแสดงความยิ่งใหญ่ของตัวละครพื้นบ้านของรัสเซียความรู้สึกลึก ๆ ที่สามารถครอบครองบุคคลและมวลชนจำนวนมหาศาลในช่วงการเปลี่ยนแปลงทางประวัติศาสตร์

มหาสงครามแห่งความรักชาติตั้งแต่วันแรกพบการแสดงออกทางภาพที่มีพลังอันน่าทึ่ง โปสเตอร์ I. Toidze "มาตุภูมิกำลังเรียกร้อง!" ยกระดับการป้องกันประเทศได้ดีกว่าผู้บัญชาการคนใด ๆ และ "การป้องกันเซวาสโทพอล" ของ Deineka ทำให้ทุกคนตกใจโดยไม่คำนึงถึงความคิดที่เขาจะแบ่งปัน ซิมโฟนีที่เจ็ดของ Dmitri Shostakovich นั้นน่าประทับใจพอๆ กัน และศิลปะดนตรีของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 ก็ไม่น้อยไปกว่าความคิดสร้างสรรค์ประเภทอื่นๆ โดยเป็นการยกย่องธีมของสงครามต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์

ละลาย

หลังจากชัยชนะครั้งยิ่งใหญ่ ปัจจัยทางประวัติศาสตร์ที่ทรงพลังที่สุดลำดับถัดไปที่มีอิทธิพลต่อ ชีวิตสาธารณะในสหภาพโซเวียตการตายของสตาลิน (มีนาคม 2496) และ XX รัฐสภาของ CPSU ซึ่งยกประเด็นการเปิดเผยลัทธิบุคลิกภาพ ในบางครั้ง สำหรับศิลปินและสำหรับทั้งสังคม มีลมหายใจแห่งเสรีภาพในการสร้างสรรค์และความคิดใหม่ๆ ยุคของ "อายุหกสิบเศษ" เป็นปรากฏการณ์ที่เฉพาะเจาะจงมาก มันทิ้งความทรงจำของตัวเองไว้ในขณะที่สูดอากาศบริสุทธิ์ชั่วครู่ก่อนจะพรวดพราดอีกครั้งเป็นเวลาหลายทศวรรษในหนองน้ำของการดำรงอยู่ที่วัดได้ กำหนดเวลา และควบคุม

การทดลองครั้งแรกของศิลปะแนวหน้าของ "คลื่นลูกที่สอง" - ผลงานของ E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky และคนอื่น ๆ - ในนิทรรศการที่จัดขึ้นเพื่อฉลองครบรอบ 30 ปีของมอสโก สาขาของสหภาพศิลปินถูกประณามอย่างรุนแรงโดยผู้นำคนใหม่ของประเทศ N Khrushchev งานปาร์ตี้เริ่มอธิบายให้ผู้คนฟังอีกครั้งว่าพวกเขาต้องการงานศิลปะประเภทใดและให้ศิลปินวาดภาพอย่างไร

สถาปัตยกรรมได้รับคำสั่งให้จัดการกับส่วนเกินซึ่งอธิบายได้อย่างถูกต้องจากความยากลำบากทางเศรษฐกิจของช่วงหลังสงคราม เวลามาถึงสำหรับการก่อสร้างที่อยู่อาศัยจำนวนมาก ช่วงเวลาของ "ครุสชอฟ" ซึ่งค่อนข้างจะขจัดความรุนแรงของปัญหาที่อยู่อาศัยออกไป แต่ทำให้เสียโฉม รูปลักษณ์ของเมืองมากมาย

ศิลปะของ "สังคมนิยมที่พัฒนาแล้ว"

ในหลาย ๆ ด้าน ศิลปะของรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ส่วนใหญ่เป็นเรื่องราวของการเผชิญหน้าระหว่างบุคลิกภาพทางศิลปะและอุดมการณ์ที่โดดเด่น แต่แม้ในบรรยากาศของการควบคุมทางอุดมการณ์ของพื้นที่ทางจิตวิญญาณทุกชิ้น ศิลปินจำนวนมากก็พบวิธีที่จะปรับเปลี่ยนวิธีการที่กำหนดของสัจนิยมสังคมนิยมเล็กน้อย

ดังนั้นตัวอย่างที่แท้จริงสำหรับเด็กคือปรมาจารย์ที่สร้างความเชื่อมั่นในวัยยี่สิบ: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov และคนอื่น ๆ รูปภาพของอดีตสมาชิกสมาคมศิลปะ "OST" Y. Pimenov "งานแต่งงานบนถนนในวันพรุ่งนี้" ซึ่งเขียนขึ้นในปี 2505 ได้กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งความหวังของสังคมในการต่ออายุ

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นอีกอย่างหนึ่งในการวาดภาพของโซเวียตในยุคนั้นคือการก่อตัวของ "รูปแบบที่รุนแรง" คำนี้แสดงถึงผลงานของ G. Korzhov, P. Ossovsky, พี่น้อง Smolin, P. Nikonov และคนอื่น ๆ ในภาพวาดของพวกเขาซึ่งเขียนในประเภทต่าง ๆ (ทุกวัน, ประวัติศาสตร์) ปรากฏฮีโร่ที่ไม่ต้องการคำแนะนำยุ่งกับ ธุรกิจที่เข้าใจและจำเป็น เขาได้รับการพรรณนาโดยไม่มีรายละเอียดที่ไม่จำเป็นและสีสันที่หรูหราและชัดเจน

สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือผลงานของปรมาจารย์เช่นเสียงของพลเมืองบนผืนผ้าใบของเขามีเนื้อหาเกี่ยวกับความเห็นอกเห็นใจโดยทั่วไปของโซเวียตซึ่งหายากสำหรับข้อความเกี่ยวกับศาสนาและรูปแบบการวาดภาพมีรากฐานมาจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี

ความไม่ลงรอยกัน

การครอบงำอย่างเป็นทางการของ "สัจนิยมแบบสังคมนิยม" ทำให้ศิลปินนอกระบบต้องหาทางไปหาผู้ชมหรือหันไปพึ่งการย้ายถิ่นฐาน M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny และอีกหลายคนจากไป เหล่านี้เป็นศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 ในรัสเซียซึ่งเป็นผู้แบกรับคุณค่าทางจิตวิญญาณที่เกิดจากความล้ำหน้าของต้นศตวรรษและกลับบ้านเกิดหลังจากการล่มสลายของอุดมการณ์คอมมิวนิสต์

และในรัชสมัยของมัน การอพยพภายในก็ปรากฏขึ้น ก่อให้เกิดรูปแบบยอดนิยมของศิลปินที่คลั่งไคล้เมาสุราชั่วนิรันดร์ ผู้อาศัยในโรงพยาบาลจิตเวช ถูกข่มเหงโดยเจ้าหน้าที่และผู้นำของสหภาพแรงงานที่สร้างสรรค์ แต่ผู้เชี่ยวชาญอิสระชาวตะวันตกให้คุณค่าอย่างสูง ผู้ถือภาพลักษณ์ดังกล่าวโดยทั่วไปคือ A. Zverev ซึ่งเป็นบุคคลในตำนานของมอสโกในยุคสังคมนิยมที่พัฒนาแล้ว

Polystylistics และพหูพจน์

หลังจากปลดปล่อยตัวเองจากอำนาจรัฐในยุคโซเวียตแล้ว วิจิตรศิลป์แห่งศตวรรษที่ 20 ในรัสเซียก็เข้าสู่กระบวนการระดับโลกในฐานะส่วนที่แยกกันไม่ออก โดยมีคุณสมบัติและแนวโน้มร่วมกัน ความคิดสร้างสรรค์หลายรูปแบบที่คุ้นเคยกับชาวตะวันตกมาเป็นเวลานานนั้นถูกควบคุมโดยศิลปินในประเทศอย่างรวดเร็ว คำว่า "ประสิทธิภาพ" "การติดตั้งวิดีโอ" ฯลฯ ได้กลายเป็นที่คุ้นเคยในคำพูดของเราและในบรรดาปรมาจารย์ร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุดที่มีชื่อเสียงระดับโลกคือศิลปินที่มีมุมมองแบบเส้นตรงในแง่ของทิศทาง: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov และอื่น ๆ อีกมากมาย

ประวัติศาสตร์ล่าสุดของประเทศที่มีพายุและคาดเดาไม่ได้ซึ่งครอบครองดินแดนหนึ่งในหกของโลกมองเข้าไปในกระจก - ศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 20 - และสะท้อนอยู่ในนั้นด้วยภาพที่น่าจดจำนับพัน ...

1. ศิลปะของรัสเซียในปลายศตวรรษที่ 20ทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 ในรัสเซียเต็มไปด้วยเหตุการณ์ทางการเมืองและเศรษฐกิจที่เปลี่ยนแปลงสถานการณ์ในประเทศอย่างรุนแรง การล่มสลายของสหภาพในปี พ.ศ. 2534 และการเปลี่ยนแปลงทางการเมือง การเปลี่ยนไปสู่ความสัมพันธ์ทางการตลาดและการวางแนวทางที่ชัดเจนต่อรูปแบบการพัฒนาเศรษฐกิจแบบตะวันตก และในที่สุด การอ่อนกำลังลงจนถึงการยกเลิกการควบคุมเชิงอุดมการณ์อย่างสมบูรณ์ - ทั้งหมดนี้อยู่ใน ต้นปี 1990 มีส่วนทำให้สภาพแวดล้อมทางวัฒนธรรมเริ่มเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว การเปิดเสรีและการทำให้เป็นประชาธิปไตยของประเทศมีส่วนสนับสนุนการพัฒนาและการกำหนดแนวโน้มและทิศทางใหม่ในศิลปะประจำชาติ วิวัฒนาการของศิลปะในทศวรรษที่ 1990 ในรัสเซียเกิดขึ้นพร้อมกับการเกิดขึ้นของแนวโน้มที่มีอยู่ในลัทธิหลังสมัยใหม่ โดยมีการเกิดขึ้นของศิลปินรุ่นใหม่ที่ทำงานในด้านต่างๆ เช่น แนวคิดนิยม คอมพิวเตอร์กราฟิก นีโอคลาสซิซิสซึ่มเกี่ยวข้องกับการพัฒนาเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ในรัสเซีย "นีโอคลาสสิกรัสเซียใหม่" ที่มีต้นกำเนิดมาจากการผสมผสานแบบคลาสสิกกลายเป็น "เพชรหลายเหลี่ยมเพชรพลอย" ซึ่งรวมเอาเทรนด์ต่างๆ ที่ไม่ได้เป็นของ "คลาสสิก" ก่อนยุคสมัยใหม่ นีโอคลาสสิก- นี่คือทิศทางในงานศิลปะที่ศิลปินฟื้นฟูประเพณีดั้งเดิมของการวาดภาพ กราฟิก ประติมากรรม แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็ใช้เทคโนโลยีล่าสุดอย่างแข็งขัน นักประวัติศาสตร์และนักทฤษฎีศิลปะชาวอังกฤษ เอ็ดเวิร์ด ลูซี สมิธเรียกว่านีโอคลาสสิกของรัสเซีย "ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นครั้งแรกของวัฒนธรรมรัสเซียที่มีอิทธิพลต่อกระบวนการทางศิลปะโลกหลังจาก Kazimir Malevich" ลัทธินีโอคลาสซิซิสซึ่มต้องการทัศนคติที่แตกต่างไปจากสมัยโบราณมากกว่าทัศนคติของนักคลาสสิก ดูย้อนหลังได้ที่ วัฒนธรรมกรีกทำให้งานโบราณไม่สมบูรณ์แบบ แต่เป็นอุดมคติทางประวัติศาสตร์ที่เป็นรูปธรรมดังนั้นการเลียนแบบของชาวกรีกจึงได้รับความหมายที่แตกต่างออกไป: ในการรับรู้ของศิลปะโบราณมันไม่ใช่บรรทัดฐานที่มาก่อน แต่เป็นเสรีภาพเงื่อนไขของกฎ ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหลักธรรม คือชีวิตจริงของประชาชน ดี.วี. ซาราเบียนอฟพบว่านีโอคลาสสิกเป็น "ความซับซ้อน" ชนิดหนึ่งของความทันสมัย ด้วยความน่าจะเป็นแบบเดียวกัน นีโอคลาสซิซิสซึมสามารถพิจารณาได้ทั้งแบบสมัยใหม่ตอนปลายและแบบอิสระ ในผลงานของ "ศิลปินใหม่" ไม่มีความทันสมัยที่บริสุทธิ์หรือนีโอคลาสสิกที่แยกจากกัน พวกเขามักจะทำหน้าที่เชื่อมโยงถึงกัน ศิลปินของสถาบันใหม่ได้รวมเอาเทรนด์ต่างๆ พื้นที่จับแพะชนแกะ". ผลงานของ "ศิลปินหน้าใหม่" เป็นการผสมผสานระหว่างคอมพิวเตอร์กราฟิก การแกะสลัก การวาดภาพ และการถ่ายภาพ ศิลปินแปลงผลงานที่เสร็จแล้วให้เป็นดิจิทัล เลือกชิ้นส่วนที่จำเป็นและสร้างภาพปะติด ฟื้นฟูเครื่องแต่งกายและการตกแต่งสมัยโบราณอย่างเชี่ยวชาญ การผสมผสาน วิธีการแบบดั้งเดิมด้วยความสามารถของโปรแกรมคอมพิวเตอร์กราฟิกได้ขยายศักยภาพความคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน ภาพตัดปะถูกประกอบขึ้นจากวัสดุที่สแกน มีการใช้เทคนิคพิเศษทางศิลปะกับภาพเหล่านี้ ทำให้ผิดรูป และสร้างองค์ประกอบภาพลวงตา ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของนีโอคลาสสิกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ได้แก่ O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheffนีโอคลาสสิก โทเบอร์ลุตส์เป็นหนึ่งในการแสดงออกของแนวโรแมนติก ผลงานของเธอรวบรวมความรู้สึกของบุคคล ความฝัน ความสูงส่ง บางสิ่งบางอย่างที่กระตือรือร้นและกลายเป็นอุดมคติที่ไม่อาจเป็นจริงได้ . ศิลปินเองกลายเป็นนางเอกของผลงานของเธอ ในเชิงโวหาร ผลงานของ O. Toberluts สามารถนิยามได้ว่าเป็นลัทธินีโอคลาสซิซิสซึ่ม ซึ่งส่งต่อผ่านจิตสำนึกหลังสมัยใหม่ในฐานะโลกที่ผสมผสาน ซึ่งแสดงให้เห็นวัดโบราณ การตกแต่งภายในแบบเรอเนซองส์ กังหันลมแบบดัตช์ ความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดของคอมพิวเตอร์กราฟิกทำให้ผลงานของ O.Tobrelut นั้นยอดเยี่ยมและเหนือธรรมชาติ ด้วยความช่วยเหลือของเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ อี.เชฟย้อนกลับไปยังกรีกโบราณ จากนั้นไปยังกรุงโรมโบราณ สร้างภาพตำนานโบราณในคอลลาจของเขา ในซีรีส์ "ตำนานของลุดวิก"ศิลปินใช้รูปถ่ายของประติมากรรมกรีก โครงสร้างทางสถาปัตยกรรม ซ้อนทับกับผลกระทบของสมัยโบราณ ด้วยความช่วยเหลือของเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ ศิลปินได้คืนค่าความคิดริเริ่มของโคลีเซียมโดยดำเนินการทัศนศึกษาที่น่าตื่นเต้นรอบๆ โคลีเซียม ภาพวาดดิจิตอล ชูตอฟแสดงถึงอารมณ์ที่เทียบเท่ากับงานอดิเรกมากมายของเขา มีทั้งคลาสสิกกรีกและเสียงสะท้อนของการวิจัยเชิงชาติพันธุ์วรรณนาตลอดจนองค์ประกอบของวัฒนธรรมย่อยของเยาวชน ดังนั้น จึงสังเกตได้ว่าจุดจบของศตวรรษที่ 20 เป็นจุดเปลี่ยนไม่เพียงแต่ในชีวิตทางการเมืองและเศรษฐกิจของรัสเซียเท่านั้น ศิลปะ. ในช่วงทศวรรษที่ 1990 ได้มีการก่อตั้งกระแสที่ทรงพลังในทัศนศิลป์ "นีโอคลาสสิกรัสเซียใหม่" การพัฒนาเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ในรัสเซียได้ขยายศักยภาพในการสร้างสรรค์ของศิลปิน ศิลปินหน้าใหม่ ใช้เทคโนโลยีใหม่ สร้างผลงานคลาสสิก สิ่งสำคัญไม่ใช่เทคนิคและเทคโนโลยี แต่เป็นความสวยงาม ศิลปะสมัยใหม่สามารถเป็นแบบคลาสสิกได้เช่นกัน 2. ศิลปะของรัสเซียในตอนต้นของศตวรรษที่ 21คุณลักษณะของวิจิตรศิลป์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 - 21 คือเป็นอิสระจากการกดขี่เซ็นเซอร์ จากอิทธิพลของรัฐ แต่ไม่ใช่จากระบบเศรษฐกิจแบบตลาด หากในยุคโซเวียตศิลปินมืออาชีพได้รับการค้ำประกันทางสังคมภาพวาดของพวกเขาจะถูกซื้อสำหรับนิทรรศการและหอศิลป์ระดับชาติ แต่ตอนนี้พวกเขาสามารถพึ่งพาความแข็งแกร่งของตนเองเท่านั้น แต่ภาพวาดของรัสเซียยังไม่ตายและกลายเป็นรูปลักษณ์ของศิลปะยุโรปตะวันตกและอเมริกา มันยังคงพัฒนาบนพื้นฐานของประเพณีของรัสเซีย ศิลปะร่วมสมัยจัดแสดงโดยหอศิลป์ร่วมสมัย นักสะสมเอกชน บริษัทการค้า องค์กรศิลปะของรัฐ พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย สตูดิโอศิลปะ หรือโดยศิลปินเองในพื้นที่ที่ดำเนินการโดยศิลปิน ศิลปินร่วมสมัยได้รับการสนับสนุนทางการเงินผ่านทุน รางวัล และรางวัล และยังได้รับเงินจากการขายผลงานของพวกเขาอีกด้วย การปฏิบัติของรัสเซียค่อนข้างแตกต่างในแง่นี้จากการปฏิบัติของตะวันตก พิพิธภัณฑ์ งาน Biennials เทศกาล และงานแสดงศิลปะร่วมสมัยกำลังค่อยๆ กลายเป็นเครื่องมือในการดึงดูดเงินทุน การลงทุนในธุรกิจการท่องเที่ยว หรือส่วนหนึ่งของนโยบายของรัฐบาล นักสะสมส่วนตัวมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะร่วมสมัยทั้งระบบ ในรัสเซีย หนึ่งในคอลเลกชันศิลปะร่วมสมัยที่ใหญ่ที่สุดจัดขึ้นโดยพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย Erarta ที่ไม่ใช่ของรัฐในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แนวโน้มของศิลปะร่วมสมัย: ศิลปะที่ไม่หวือหวา- กระแสศิลปะร่วมสมัยที่ปฏิเสธการแสดงละครและการแสดงละคร ตัวอย่างของศิลปะดังกล่าวคือการแสดงของศิลปินชาวโปแลนด์ Pavel Althamer "Script Outline" ที่นิทรรศการ "Manifesta" ในปี 2000 ในรัสเซีย เขาได้เสนอผลงานศิลปะนอกสายตาในเวอร์ชั่นของเขาเอง Anatoly Osmolovsky ศิลปะข้างถนน(ภาษาอังกฤษ) ศิลปะข้างถนน- ศิลปะข้างถนน) - ทัศนศิลป์ คุณสมบัติที่โดดเด่นซึ่งเป็นลักษณะเมืองที่เด่นชัด ส่วนหลักของสตรีทอาร์ตคือกราฟฟิตี (หรือสเปรย์อาร์ต) แต่ไม่อาจถือได้ว่าสตรีทอาร์ตคือกราฟฟิตี สตรีทอาร์ตยังรวมถึงโปสเตอร์ (ที่ไม่ใช่เชิงพาณิชย์) ลายฉลุ การติดตั้งประติมากรรมต่างๆ ฯลฯ ในสตรีทอาร์ต ทุกรายละเอียด เรื่องเล็ก เงา สี เส้น มีความสำคัญ ศิลปินสร้างโลโก้ที่มีสไตล์ของตัวเอง - "สัญลักษณ์ที่ไม่เหมือนใคร" และแสดงให้เห็นในส่วนต่าง ๆ ของภูมิทัศน์เมือง สิ่งที่สำคัญที่สุดในงานสตรีทอาร์ตไม่ใช่การจัดพื้นที่ที่เหมาะสม แต่เพื่อให้ผู้ชมมีส่วนร่วมในบทสนทนาและแสดงโครงเรื่องที่แตกต่างกัน ทศวรรษที่ผ่านมาบ่งบอกถึงความหลากหลายของแนวทางที่สตรีทอาร์ตเลือก ชื่นชมคนรุ่นเก่า นักเขียนรุ่นใหม่ ตระหนักถึงความสำคัญของการพัฒนารูปแบบของตนเอง ด้วยวิธีนี้สาขาใหม่กำลังเกิดขึ้นและทำนายอนาคตที่ร่ำรวยสำหรับการเคลื่อนไหว รูปแบบใหม่ของศิลปะข้างถนนที่มีความหลากหลายบางครั้งก็เกินขอบเขตทุกอย่างที่เคยสร้างมาก่อน การบิน -เทคนิคการวาดภาพอย่างหนึ่งของศิลปกรรมที่ใช้พู่กันเป็นเครื่องมือในการลงสีย้อมแบบน้ำหรือสีฝุ่นโดยใช้ลมอัดกับพื้นผิวต่างๆ สามารถใช้สีสเปรย์ได้เช่นกัน เนื่องจากมีการใช้แอร์บรัชกันอย่างแพร่หลายและการเกิดขึ้นของสีและองค์ประกอบต่างๆ จำนวนมาก การพ่นแอร์บรัชจึงได้รับแรงกระตุ้นใหม่สำหรับการพัฒนา ปัจจุบันมีการใช้แอร์บรัชเพื่อสร้างภาพวาด รีทัชภาพ แท๊กซี่เดอร์มี โมเดล เพ้นท์สิ่งทอ เพ้นท์ผนัง ศิลปะบนเรือนร่าง เพ้นท์เล็บ เพ้นท์ของที่ระลึกและของเล่น เพ้นท์จาน มักใช้สำหรับการวาดภาพบนรถยนต์ รถจักรยานยนต์ อุปกรณ์อื่นๆ ในการพิมพ์ ในการออกแบบ ฯลฯ เนื่องจากชั้นสีบางและความสามารถในการพ่นลงบนพื้นผิวได้อย่างราบรื่น จึงเป็นไปได้ที่จะได้เอฟเฟกต์การตกแต่งที่ยอดเยี่ยม เช่น การเปลี่ยนสีที่ราบรื่น, ความเป็นสามมิติ, ความสมจริงในการถ่ายภาพของภาพที่ได้, การเลียนแบบพื้นผิวที่ขรุขระด้วยความเรียบของพื้นผิวในอุดมคติ

หัวข้อและคำถามของการสัมมนา

หัวข้อ 1. แนวคิดพื้นฐานของประวัติศาสตร์ศิลปะและประวัติศาสตร์ศิลปะ

คำถาม:

1. ปัญหาการจำแนกศิลปะ

2. แนวคิดของ "งานศิลปะ" การเกิดขึ้นและหน้าที่ของงานศิลปะ งานและศิลปะ.

3. สาระสำคัญ เป้าหมาย งานศิลป์

4.หน้าที่และความหมายของศิลปะ

5. แนวคิดของ "สไตล์" สไตล์ศิลปะและเวลาของมัน

6. การจำแนกประเภทของศิลปะ

7. ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นและการก่อตัวของการวิจารณ์ศิลปะ

ประเด็นสำหรับการสนทนา:

1. มี 5 คำจำกัดความของศิลปะ ลักษณะของพวกเขาแต่ละคนคืออะไร? คุณทำตามคำจำกัดความใด คุณสามารถกำหนดคำจำกัดความของศิลปะได้หรือไม่?

2. วัตถุประสงค์ของศิลปะคืออะไร?

3. คุณจะนิยามงานศิลปะได้อย่างไร? “งานศิลปะ” กับ “งานศิลปะ” อยู่ร่วมกันได้อย่างไร? อธิบายขั้นตอนของการเกิดขึ้นของงานศิลปะ (ตาม I. Ten) งานของงานศิลปะคืออะไร (อ้างอิงจาก P.P. Gnedich)?

4. ระบุ 4 หน้าที่หลักของศิลปะ (ตาม I.P. Nikitina) และสี่

ความเข้าใจที่เป็นไปได้ในความหมายของศิลปะ

5. กำหนดความหมายของแนวคิดของ "สไตล์" คุณรู้จักศิลปะยุโรปรูปแบบใด "สไตล์ศิลปะ" "พื้นที่ศิลปะ" คืออะไร?

6. ทำรายการและบรรยายโดยสังเขปเกี่ยวกับประเภทของศิลปะ: เชิงพื้นที่, ชั่วขณะ, อวกาศ-เวลา และศิลปะที่งดงาม

7. ประวัติศาสตร์ศิลปะเรียนเกี่ยวกับอะไร?

8. ท่านคิดว่าพิพิธภัณฑ์ นิทรรศการ หอศิลป์ ห้องสมุด มีบทบาทอย่างไรในการเรียนรู้ประวัติศาสตร์ศิลปะ

9. คุณลักษณะของความคิดโบราณเกี่ยวกับศิลปะ: ข้อมูลที่หลงเหลืออยู่เกี่ยวกับตัวอย่างแรกของวรรณกรรมเกี่ยวกับศิลปะ ("Canon" โดย Polykleitos, ตำราโดย Duris, Xenocrates) ทิศทาง "ภูมิประเทศ" ในวรรณคดีเกี่ยวกับศิลปะ: "คำอธิบายของ Hellas" โดย Pausanias คำอธิบายผลงานศิลปะโดย Lucian แนวคิดแบบปีทาโกรัสเรื่อง "เอกภพ" ในภาพรวมที่กลมกลืนกัน ภายใต้กฎของ "ความกลมกลืนและจำนวน" และความสำคัญสำหรับจุดเริ่มต้นของทฤษฎีสถาปัตยกรรม แนวคิดเรื่องระเบียบและสัดส่วนในงานสถาปัตยกรรมและการวางผังเมือง ภาพเมืองในอุดมคติในงานเขียนของเพลโต (หนังสือเล่มที่หกของกฎหมาย บทสนทนา Critias) และอริสโตเติล (หนังสือเล่มที่เจ็ดของการเมือง) ทำความเข้าใจเกี่ยวกับศิลปะในกรุงโรมโบราณ "ประวัติศาสตร์ธรรมชาติ" โดย Pliny the Elder (คริสต์ศตวรรษที่ 1) เป็นแหล่งข้อมูลหลักเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะโบราณ บทความของ Vitruvius: การอธิบายอย่างเป็นระบบของทฤษฎีสถาปัตยกรรมคลาสสิก

10. ชะตากรรมของประเพณีโบราณในยุคกลางและคุณลักษณะของแนวคิดยุคกลางเกี่ยวกับศิลปะ: มุมมองทางสุนทรียะของยุคกลาง (ออกัสติน, โทมัส อควีนาส), แนวคิดทางสุนทรียะชั้นนำ: พระเจ้าทรงเป็นแหล่งที่มาของความงาม (ออกัสติน) และความสำคัญสำหรับ ทฤษฎีและการปฏิบัติทางศิลปะ แนวคิดของ "ต้นแบบ" คุณสมบัติของวรรณคดียุคกลางเกี่ยวกับศิลปะ คู่มือเชิงปฏิบัติทางเทคโนโลยี: “คู่มือจิตรกร” จาก Mount Afaon Dionysius Furnagrafiot, “On the colors and arts of the Romans” โดย Heraclius, “Schedula” (Schedula - Student) โดย Theophilus คำอธิบายอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมในพงศาวดารและชีวิตของนักบุญ

11. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาศิลปะยุโรปและประวัติศาสตร์ศิลปะ ทัศนคติใหม่ต่อสมัยโบราณ (การศึกษาอนุสรณ์สถานแห่งสมัยโบราณ) การพัฒนาโลกทัศน์ทางโลกและการกำเนิดของวิทยาศาสตร์เชิงทดลอง การก่อตัวของแนวโน้มต่อการตีความประวัติศาสตร์และวิพากษ์ปรากฏการณ์ทางศิลปะ: "ความคิดเห็น" โดย Lorenzo Ghiberti Treatises ในประเด็นพิเศษ - การวางผังเมือง (Filaret) สัดส่วนในสถาปัตยกรรม (Francesco di Giorgio) มุมมองในการวาดภาพ (Piero dela Francesca) ความเข้าใจเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับจุดเปลี่ยนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการในการพัฒนาศิลปะและประสบการณ์ของการศึกษามรดกโบราณที่เห็นอกเห็นใจในบทความของ Leon Batista Alberti (“บนรูปปั้น”, 1435, “บนจิตรกรรม”, 1435-36, “เกี่ยวกับสถาปัตยกรรม ”), Leonardo da Vinci (“ ตำราเกี่ยวกับจิตรกรรม” , ตีพิมพ์ต้อ), Albrecht Dürer (หนังสือสี่เล่มเกี่ยวกับสัดส่วนมนุษย์, 1528) บทวิจารณ์ทฤษฎีสถาปัตยกรรมของ Vitruvius ใน "Ten Books on Architecture" (1485) โดย Leon Baptiste Alberti Vitruvian "Academy of Valor" และกิจกรรมในการศึกษาและการแปลผลงานของ Vitruvius บทความของ Giacomo da Vignola "กฎของห้าคำสั่งของสถาปัตยกรรม" (1562) หนังสือสี่เล่มเกี่ยวกับสถาปัตยกรรม (ค.ศ. 1570) โดย Andrea Palladio เป็นบทส่งท้ายคลาสสิกในประวัติศาสตร์ของสถาปัตยกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของ Palladio ในการพัฒนาแนวคิดทางสถาปัตยกรรมของบาโรกและคลาสสิก Palladio และ Palladianism

12. ขั้นตอนหลักในการก่อตัวของประวัติศาสตร์ศิลปะในยุคปัจจุบัน: จาก Vasari ถึง Winckelmann: "ชีวิตของจิตรกรประติมากรและสถาปนิกที่โดดเด่นที่สุด" Giorgio Vasari (1550, 1568) เป็นงานสำคัญในประวัติศาสตร์ของการก่อตัว ของการวิจารณ์งานศิลปะ. "หนังสือของศิลปิน" โดย Karel Van Mander เป็นความต่อเนื่องของชีวประวัติของ Vasari โดยอิงจากเนื้อหาของภาพวาดเนเธอร์แลนด์

13. นักคิดในศตวรรษที่ 18 เกี่ยวกับปัญหาการสร้างรูปแบบในงานศิลปะ วิธีการทางศิลปะ สถานที่และบทบาทของศิลปินในสังคม: ลัทธิเหตุผลนิยมในประวัติศาสตร์ศิลปะ ทฤษฎีคลาสสิกของ Nicolas Poussin โปรแกรมเชิงทฤษฎีของลัทธิคลาสสิกใน "Poetic Art" โดย Nicolas Buallo (1674) และ "การสนทนาเกี่ยวกับจิตรกรที่มีชื่อเสียงที่สุดทั้งเก่าและใหม่" โดย A. Feliben (1666-1688)

14. อายุแห่งการรู้แจ้ง (ศตวรรษที่ 18) และปัญหาทางทฤษฎีและระเบียบวิธีของศิลปะ การก่อตัวของโรงเรียนแห่งชาติภายใต้กรอบของทฤษฎีศิลปะทั่วไป พัฒนาการของการวิจารณ์ศิลปะในฝรั่งเศส. บทบาทของ Salons ในชีวิตศิลปะของฝรั่งเศส บทวิจารณ์ของ Salons เป็นรูปแบบชั้นนำของวรรณกรรมเชิงวิจารณ์เกี่ยวกับวิจิตรศิลป์ ข้อพิพาทเกี่ยวกับงานวิจารณ์ศิลปะ (การประเมินความคิดสร้างสรรค์หรือการศึกษาของสาธารณชน) คุณสมบัติของประวัติศาสตร์ศิลปะเยอรมัน การมีส่วนร่วมในทฤษฎีวิจิตรศิลป์โดย Gotthold Ephraim Lessing บทความ "Laocoön" (1766) และปัญหาขอบเขตของจิตรกรรมและกวีนิพนธ์ การแนะนำแนวคิดของ "วิจิตรศิลป์" แทนที่จะเป็น "วิจิตรศิลป์" (เปลี่ยนการเน้นจากความงามเป็นความจริงและเน้นการทำงานของศิลปะที่เป็นรูปเป็นร่างและเหมือนจริง) ความสำคัญของกิจกรรมของ Johann Joachim Winckelmann สำหรับการพัฒนาศาสตร์แห่งประวัติศาสตร์ศิลปะ แนวคิดของ Winckelmann เกี่ยวกับศิลปะโบราณและระยะเวลาของการพัฒนา

15. ต้นกำเนิดของความคิดรัสเซียเกี่ยวกับศิลปะ ข้อมูลเกี่ยวกับศิลปินและอนุสรณ์สถานทางศิลปะในพงศาวดารยุคกลางของรัสเซียและแหล่งจดหมายเหตุ ตั้งคำถามเกี่ยวกับศิลปะในชีวิตทางสังคมและการเมืองของศตวรรษที่ 16 (อาสนวิหารสโตกลาวี ค.ศ. 1551 และอาสนวิหารอื่นๆ) เพื่อเป็นหลักฐานของการตื่นขึ้นของความคิดเชิงวิพากษ์และการต่อสู้ของกระแสอุดมการณ์ต่างๆ

16. การเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 17: การก่อตัวของจุดเริ่มต้นของโลกทัศน์ทางโลกและความคุ้นเคยครั้งแรกกับรูปแบบวัฒนธรรมศิลปะของยุโรป การก่อตัวของความคิดทางศิลปะและทฤษฎี บท "เกี่ยวกับการยึดถือ" ใน "ชีวิต" ของ Avvakum "เรียงความเกี่ยวกับศิลปะ" โดย Joseph Vladimirov (1665-1666) และ "Word to the Curious Icon Painting" โดย Simon Ushakov (1666-1667) เป็นงานรัสเซียชิ้นแรกเกี่ยวกับทฤษฎีศิลปะ

17. การก่อตัวของรูปแบบฆราวาสวัฒนธรรมใหม่ในศตวรรษที่ 18 หมายเหตุ

J. von Stehlin เป็นความพยายามครั้งแรกในการสร้างประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย

18. ความเข้าใจศิลปะแนวโรแมนติกใหม่ในบทความเชิงวิจารณ์โดย K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. โกกอล

19. ประวัติศาสตร์ศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - 20: ความพยายามที่จะสังเคราะห์ความสำเร็จของโรงเรียนในระบบด้วยแนวคิดของผู้วิจารณ์ - "วิทยาศาสตร์โครงสร้าง" ของรูปแบบศิลปะ แนวทางสัญนิยมในประวัติศาสตร์ศิลปะ คุณสมบัติของการศึกษาสัญศาสตร์ของงานศิลปะในผลงานของ Yu.M. ล็อตแมน, เอส.เอ็ม. แดเนียล, B.A. อุสเพนสกี้. วิธีการที่หลากหลายในการศึกษาศิลปะในวิทยาศาสตร์ภายในประเทศสมัยใหม่ หลักการวิเคราะห์งานศิลปะและแนวทางที่เป็นปัญหาในการศึกษาประวัติศาสตร์ศิลปะในผลงานของ M. Alpatov (“ ปัญหาทางศิลปะของศิลปะ กรีกโบราณ", "ปัญหาทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลี") การสังเคราะห์แนวทางระเบียบวิธี (โวหารอย่างเป็นทางการ, ยึดถือ, ยึดถือ, สังคมวิทยา) โดย V. Lazarev วิธีการวิจัยเปรียบเทียบประวัติศาสตร์ในผลงานของ D. Sarabyanov (“ ภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ในโรงเรียนในยุโรปประสบการณ์การวิจัยเปรียบเทียบ”) วิธีการอย่างเป็นระบบเพื่อศิลปะและคุณลักษณะของมัน

1. Alekseev V.V. ศิลปะคืออะไร? เกี่ยวกับวิธีที่จิตรกร ศิลปินกราฟิก และประติมากรพรรณนาโลก – ม.: ศิลปะ, 2534.

2. Valeri P. เกี่ยวกับศิลปะ ของสะสม. – ม.: ศิลปะ, 2536.

3. วีปเปอร์ บีอาร์ ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับการศึกษาประวัติศาสตร์ศิลปะ – ม.: ทัศนศิลป์, 2528.

4.วลาซอฟ วี.จี. รูปแบบในงานศิลปะ - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 2541

5.ซิส อ.ยา ประเภทของศิลปะ – ม.: ความรู้, 2522.

6.คอน-วีเนอร์. ประวัติรูปแบบศิลปกรรม. - ม.: Svarog และ K, 1998

7. Melik-Pashaev A.A. หนังสืออ้างอิงพจนานุกรมสมัยใหม่เกี่ยวกับศิลปะ – ม.: Olimp – AST, 2000.

8. แจนสัน เอช.วี. พื้นฐานของประวัติศาสตร์ศิลปะ – ม.: ศิลปะ, 2544.

ธีม 2. ศิลปะของโลกยุคโบราณ. ศิลปะยุคระบบชุมชนดั้งเดิมและตะวันออกโบราณ

คำถาม:

1. ระยะเวลาของศิลปะของสังคมดั้งเดิม ลักษณะของศิลปะดึกดำบรรพ์แห่งยุค: ยุคหิน, หินยุค, ยุคหินใหม่, บรอนซ์

2. แนวคิดของการซิงโครไนซ์ในศิลปะดั้งเดิม ตัวอย่างของมัน

3. กฎทั่วไปและหลักการของศิลปะตะวันออกโบราณ

4. ศิลปะเมโสโปเตเมียโบราณ

5. ศิลปะของชาวสุเมเรียนโบราณ

6. ศิลปะของบาบิโลเนียและอัสซีเรียโบราณ

ประเด็นสำหรับการสนทนา:

1. ให้ภาพรวมโดยย่อของระยะเวลาของศิลปะดั้งเดิม ศิลปกรรมแต่ละสมัยมีลักษณะอย่างไร?

2. อธิบายคุณสมบัติหลักของศิลปะดั้งเดิม: การซิงโครไนซ์, ความเชื่อทางไสยศาสตร์, วิญญาณนิยม, โทเท็ม

3. เปรียบเทียบศีลในการพรรณนาบุคคลในศิลปะตะวันออกโบราณ (อียิปต์และเมโสโปเตเมีย)

4. ศิลปกรรมของเมโสโปเตเมียโบราณมีลักษณะอย่างไร?

5. บอกเราเกี่ยวกับสถาปัตยกรรมของเมโสโปเตเมียในตัวอย่างอนุสาวรีย์เฉพาะ:

ซิกกูแรตแห่งเอเตเมนนิกูรูในเออร์ และซิกกูแรตแห่งเอเทเมนันกิในนิวบาบิโลน

6. บอกเราเกี่ยวกับประติมากรรมของเมโสโปเตเมียในตัวอย่างของอนุสาวรีย์เฉพาะ: กำแพงตามถนนขบวน, ประตูอิชตาร์, ภาพนูนต่ำนูนสูงจากพระราชวัง Ashurnasirpal ใน

7. ภาพแกะสลักนูนต่ำของเมโสโปเตเมียมีธีมอย่างไร

8. อนุสรณ์สถานสถาปัตยกรรมบาบิโลนแห่งแรกชื่ออะไร? สิ่งที่พวกเขา

การนัดหมาย?

9. อะไรคือลักษณะเฉพาะของจักรวาลของวัฒนธรรม Sumero-Akkadian?

10. ระบุความสำเร็จในศิลปะของอารยธรรม Sumero-Akkadian

1. Vinogradova N.A. ศิลปะดั้งเดิมของตะวันออก - ม.: ศิลปะ, 2540.

2. ดมิทรีวา เอ็น.เอ. เรื่องสั้นศิลปะ ปัญหา. 1: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงศตวรรษที่ 16 เรียงความ – ม.: ศิลปะ, 2528.

3. Art of the Ancient East (อนุสรณ์สถานแห่งศิลปะโลก) – ม.: ศิลปะ, 2511.

4. ศิลปะอียิปต์โบราณ จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ศิลปะประยุกต์ – ม.: ทัศนศิลป์, 2515.

5. ศิลปะของโลกโบราณ – ม.: 2544.

6. ประวัติศาสตร์ศิลปะ. อารยธรรมแรก - บาร์เซโลนา-มอสโก: OSEANO - Beta-Service, 1998

7. อนุสาวรีย์ศิลปะโลก ฉบับที่ 3 ชุดแรก ศิลปะแห่งตะวันออกโบราณ - ม.: ศิลปะ 2513.

8.Pomerantseva เอ็น.เอ. รากฐานทางสุนทรียศาสตร์ของศิลปะอียิปต์โบราณ – ม.: ศิลปะ, 2528.

9. สโตลยาร์ ค.ศ. กำเนิดศิลปกรรม. – ม.: ศิลปะ, 2528.

บทความนี้ประกอบด้วยคำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับรูปแบบศิลปะหลักของศตวรรษที่ 20 การรู้จักทั้งศิลปินและนักออกแบบจะเป็นประโยชน์

Modernism (จากภาษาฝรั่งเศส moderne modern)

ในงานศิลปะชื่อสะสมของแนวโน้มทางศิลปะที่สร้างขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในรูปแบบของความคิดสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ซึ่งไม่ยึดติดกับจิตวิญญาณของธรรมชาติและประเพณีมากนัก แต่เป็นมุมมองที่เป็นอิสระของปรมาจารย์ มีอิสระที่จะเปลี่ยนโลกที่มองเห็นได้ตามดุลยพินิจของเขา ตามความประทับใจส่วนตัว ความคิดภายในใจหรือความฝันลึกลับ (แนวโน้มเหล่านี้ส่วนใหญ่ยังคงแนวโรแมนติกนิยม) อิมเพรสชั่นนิสต์ สัญลักษณ์ และสมัยใหม่เป็นทิศทางที่สำคัญที่สุดซึ่งมักมีปฏิสัมพันธ์อย่างแข็งขัน ในการวิจารณ์ของโซเวียต แนวคิดของ "ลัทธิสมัยใหม่" ถูกนำไปใช้ในเชิงต่อต้านประวัติศาสตร์กับการเคลื่อนไหวทางศิลปะทั้งหมดของศตวรรษที่ 20 ซึ่งไม่สอดคล้องกับหลักการของสัจนิยมสังคมนิยม .

นามธรรม(ศิลปะภายใต้สัญลักษณ์ของ "รูปแบบศูนย์" ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์) - แนวทางศิลปะที่ก่อตัวขึ้นในศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 โดยปฏิเสธที่จะทำซ้ำรูปแบบของโลกที่มองเห็นได้อย่างแท้จริง ผู้ก่อตั้งลัทธินามธรรมถือเป็น วี. คันดินสกี้, พี. Mondrian และ K. Malevich. ดับบลิว คันดินสกี้สร้างงานจิตรกรรมแนวแอ็บสแตรกต์ในแบบของเขาเอง ปลดปล่อยอิมเพรสชั่นนิสต์และจุด "เถื่อน" จากสัญญาณของความเที่ยงธรรมใดๆ Piet Mondrian มาถึงความไร้จุดหมายของเขาผ่านรูปแบบทางเรขาคณิตของธรรมชาติที่เริ่มโดย Cezanne และ Cubists กระแสนิยมสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งมุ่งเน้นไปที่ลัทธินามธรรมนั้นแยกออกจากหลักการดั้งเดิมโดยสิ้นเชิง ปฏิเสธความสมจริง แต่ในขณะเดียวกันก็ยังคงอยู่ในกรอบของศิลปะ ประวัติศาสตร์ศิลปะกับการถือกำเนิดของลัทธินามธรรมประสบกับการปฏิวัติ แต่การปฏิวัติครั้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติและเพลโตทำนายไว้! ในงานต่อมาของเขา Philebus เขาเขียนเกี่ยวกับความงามของเส้น พื้นผิว และรูปแบบเชิงพื้นที่ในตัวเอง โดยไม่ขึ้นกับการเลียนแบบวัตถุที่มองเห็นได้ หรือการเลียนแบบใดๆ ความงามทางเรขาคณิตประเภทนี้ตรงกันข้ามกับความงามของรูปแบบ "ผิดปกติ" ตามธรรมชาติ ตามคำกล่าวของ Plato นั้นไม่สัมพันธ์กัน แต่เป็นสิ่งที่ไม่มีเงื่อนไขและสัมบูรณ์

อนาคต- แนวโน้มวรรณกรรมและศิลปะในศิลปะของทศวรรษที่ 1910 การกำหนดบทบาทของต้นแบบของศิลปะแห่งอนาคต ลัทธิแห่งอนาคตเป็นโปรแกรมหลักนำเสนอแนวคิดในการละลายแบบแผนทางวัฒนธรรมและนำเสนอแทนคำขอโทษของเทคโนโลยีและลัทธิผีดิบในเมืองเป็นสัญญาณหลักของปัจจุบันและอนาคต แนวคิดทางศิลปะที่สำคัญของลัทธิแห่งอนาคตคือการค้นหาการแสดงออกทางพลาสติกของความรวดเร็วในการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นสัญญาณหลักของการก้าวของชีวิตสมัยใหม่ ลัทธิแห่งอนาคตในรัสเซียเรียกว่า kybofuturism และมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างหลักการพลาสติกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศสและลัทธิแห่งอนาคตที่สวยงามทั่วไปในยุโรป ด้วยการใช้จุดตัด การกะ การชนกัน และการไหลเข้าของรูปแบบ ศิลปินพยายามแสดงความประทับใจส่วนใหญ่ของคนร่วมสมัยซึ่งอาศัยอยู่ในเมือง

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม- "การปฏิวัติทางศิลปะที่สมบูรณ์และรุนแรงที่สุดนับตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" (J. Golding) ศิลปิน: ปิกัสโซ ปาโบล, จอร์จ บราเก, เฟอร์นันด์ เลเกอร์ โรเบิร์ต เดอลาอูเนย์, ฮวน กริซ, เกลซีส เมตซิงเงอร์. ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม - (Cubisme ภาษาฝรั่งเศสจากคิวบ์ - ลูกบาศก์) ทิศทางในศิลปะของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ภาษาพลาสติกของคิวบิสม์มีพื้นฐานมาจากการเสียรูปและการสลายตัวของวัตถุเป็นระนาบเรขาคณิต ซึ่งเป็นการเปลี่ยนรูปแบบพลาสติก ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนหลงใหลในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยมักจะผสมผสานหลักการเข้ากับเทคนิคของกระแสศิลปะสมัยใหม่อื่น ๆ เช่น ลัทธิล้ำยุคและลัทธิดั้งเดิม Cubo-futurism กลายเป็นตัวแปรเฉพาะของการตีความ Cubism บนดินรัสเซีย

ความพิถีพิถัน- (ภาษาฝรั่งเศส purisme จากภาษาละติน purus - สะอาด) แนวโน้มในการวาดภาพฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษที่ 1910 และ 20 ตัวแทนหลักคือศิลปิน อ.โอซานฟานและสถาปนิก C. E. Jeanneret (เลอกอร์บูซีเยร์). ปฏิเสธแนวโน้มการตกแต่งของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและการเคลื่อนไหวแบบเปรี้ยวจี๊ดอื่นๆ ในช่วงปี 1910 การเปลี่ยนรูปของธรรมชาติที่พวกเขานำมาใช้ บรรดานักสอนที่เคร่งครัดพยายามที่จะถ่ายโอนรูปแบบวัตถุที่มั่นคงและรัดกุมตามคำสั่งอย่างมีเหตุผล ราวกับว่ารายละเอียด "ชัดเจน" ไปยังภาพลักษณ์ของ องค์ประกอบ "หลัก" งานของนักพิถีพิถันมีลักษณะเฉพาะคือความเรียบ จังหวะที่นุ่มนวลของเงาแสง และรูปทรงของวัตถุประเภทเดียวกัน (เหยือก แก้ว ฯลฯ) เนื่องจากไม่ได้รับการพัฒนาในรูปแบบขาตั้ง หลักการทางศิลปะของความพิถีพิถันจึงสะท้อนให้เห็นบางส่วนในสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ โดยส่วนใหญ่อยู่ในอาคารของ Le Corbusier

เซอร์เรียลลิสม์- การเคลื่อนไหวทั่วโลกในด้านวรรณกรรม ภาพวาด และภาพยนตร์ที่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2467 ในประเทศฝรั่งเศส และยุติการดำรงอยู่อย่างเป็นทางการในปี พ.ศ. 2512 มันมีส่วนอย่างมากในการสร้างจิตสำนึกของคนสมัยใหม่ ตัวเลขหลักของการเคลื่อนไหว อังเดร เบรอตง- นักเขียน ผู้นำและผู้สร้างแรงบันดาลใจเชิงอุดมการณ์ของการเคลื่อนไหว หลุยส์ อารากอน- หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิสถิตยศาสตร์ซึ่งต่อมากลายเป็นนักร้องแห่งลัทธิคอมมิวนิสต์อย่างแปลกประหลาด ซัลวาดอร์ ดาลี- ศิลปิน นักทฤษฎี กวี นักเขียนบท ที่กำหนดแก่นแท้ของการเคลื่อนไหวด้วยคำว่า: "Surrealism is me!" นักถ่ายภาพยนตร์แนวเซอร์เรียลลิสม์ระดับสูง หลุยส์ บูญูเอล, ศิลปิน ฮวน มิโร่- "ขนนกที่สวยที่สุดบนหมวกแห่งสถิตยศาสตร์" ตามที่เบรอตงเรียกมันว่า และศิลปินอื่น ๆ อีกมากมายทั่วโลก

โฟวิสต์(จากภาษาฝรั่งเศส les fauves - ป่า (สัตว์)) ทิศทางของท้องถิ่นในการวาดภาพในช่วงต้น ศตวรรษที่ 20 ชื่อ F. ถูกตั้งขึ้นเพื่อล้อเลียนกลุ่มศิลปินหนุ่มชาวปารีส ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. ฟรีซ, เจ. บราค, อ.ช. แมนเกน, เค. ฟาน ดองเกน) ซึ่งเข้าร่วมในนิทรรศการหลายครั้งในปี พ.ศ. 2448-2450 หลังจากนิทรรศการครั้งแรกในปี พ.ศ. 2448 ชื่อนี้ได้รับการรับรองโดยกลุ่มเองและเป็นที่ยอมรับอย่างมั่นคงอยู่เบื้องหลัง ทิศทางนั้นไม่มีโปรแกรมที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน แถลงการณ์ หรือทฤษฎีของมันเอง และอยู่ได้ไม่นาน อย่างไรก็ตาม ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนในประวัติศาสตร์ศิลปะ ผู้เข้าร่วมรวมตัวกันในช่วงหลายปีที่ผ่านมาด้วยความปรารถนาที่จะสร้างภาพศิลปะโดยเฉพาะด้วยความช่วยเหลือของสีเปิดที่สว่างมาก การพัฒนาความสำเร็จทางศิลปะของนักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ( เซซานน์, โกแกง, แวนโก๊ะ) อาศัยเทคนิคที่เป็นทางการของศิลปะยุคกลาง (กระจกสี ศิลปะโรมาเนสก์) และการแกะสลักแบบญี่ปุ่น ซึ่งเป็นที่นิยมในแวดวงศิลปะของฝรั่งเศสตั้งแต่สมัยอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกโฟวิสต์พยายามใช้ความเป็นไปได้ของการวาดภาพสีให้เกิดประโยชน์สูงสุด

การแสดงออก(จากการแสดงออกของฝรั่งเศส - การแสดงออก) - กระแสสมัยใหม่ในศิลปะยุโรปตะวันตกส่วนใหญ่ในเยอรมนีซึ่งเป็นช่วงหนึ่งในสามของศตวรรษที่ 20 ซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงประวัติศาสตร์ช่วงหนึ่ง - ในวันก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง พื้นฐานทางอุดมการณ์ของลัทธิแสดงออกคือการประท้วงแบบปัจเจกต่อโลกที่น่าเกลียด การแปลกแยกของมนุษย์จากโลกที่เพิ่มขึ้น ความรู้สึกไร้ที่อยู่อาศัย การล่มสลาย และการสลายตัวของหลักการเหล่านั้นซึ่งดูเหมือนว่าวัฒนธรรมยุโรปจะดำรงอยู่อย่างมั่นคง Expressionists มักจะมุ่งไปสู่เวทย์มนต์และการมองโลกในแง่ร้าย ลักษณะเฉพาะของเทคนิคทางศิลปะของลัทธิแสดงออก: การปฏิเสธพื้นที่ลวงตา ความปรารถนาในการตีความเชิงระนาบของวัตถุ การเสียรูปของวัตถุ ความรักในความไม่ลงรอยกันของสีสันที่คมชัด สีพิเศษที่แสดงถึงละครวันสิ้นโลก ศิลปินมองว่าความคิดสร้างสรรค์เป็นวิธีการแสดงอารมณ์

อำนาจสูงสุด(จาก lat. supremus - สูงสุด, สูงสุด; อันดับแรก, สุดท้าย, สุดโต่ง, เห็นได้ชัด, ผ่าน supremacja ของโปแลนด์ - ความเหนือกว่า, อำนาจสูงสุด) ทิศทางของศิลปะแนวหน้าของศตวรรษที่ 20 ผู้สร้างตัวแทนหลักและนักทฤษฎี ซึ่งเป็นศิลปินชาวรัสเซีย คาซิเมียร์ มาเลวิช. คำนี้ไม่ได้สะท้อนถึงแก่นแท้ของลัทธิอำนาจสูงสุด ในความเป็นจริงในความเข้าใจของ Malevich นี่เป็นลักษณะโดยประมาณ ลัทธิอำนาจสูงสุดเป็นขั้นตอนสูงสุดในการพัฒนาศิลปะบนเส้นทางแห่งการปลดปล่อยจากทุกสิ่งที่ไม่ใช่ศิลปะ บนเส้นทางสู่การเปิดเผยขั้นสูงสุดของสิ่งที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์อันเป็นแก่นแท้ของศิลปะใดๆ ในแง่นี้ Malevich ยังถือว่าศิลปะการประดับแบบดั้งเดิมเป็นศิลปะชั้นสูง (หรือ "เหมือนสิ่งสูงสุด") เป็นครั้งแรกที่เขาใช้คำนี้กับภาพวาดกลุ่มใหญ่ของเขา (39 ชิ้นขึ้นไป) ที่แสดงภาพนามธรรมทางเรขาคณิต รวมถึง "Black Square" ที่มีชื่อเสียงบนพื้นหลังสีขาว "Black Cross" ฯลฯ ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการ Petrograd Futurist "zero- สิบ" ในปีพ. ศ. 2458 มันอยู่เบื้องหลังสิ่งเหล่านี้และนามธรรมเชิงเรขาคณิตที่คล้ายคลึงกันที่ชื่อ Suprematism แม้ว่า Malevich เองจะอ้างถึงผลงานของเขาในยุค 20 หลายชิ้นซึ่งภายนอกมีวัตถุคอนกรีตบางรูปแบบโดยเฉพาะรูปคน แต่ยังคงไว้ซึ่ง “จิตวิญญาณแห่งอำนาจสูงสุด”. และในความเป็นจริงการพัฒนาทางทฤษฎีในภายหลังของ Malevich ไม่ได้ให้เหตุผลที่จะลด Suprematism (อย่างน้อย Malevich เอง) เฉพาะกับนามธรรมทางเรขาคณิตแม้ว่าพวกเขาจะประกอบขึ้นเป็นแกนหลักสาระสำคัญและแม้กระทั่ง (ขาวดำและขาวและขาว Suprematism) นำจิตรกรรมไปสู่ขีด จำกัด ของการดำรงอยู่โดยทั่วไปในฐานะรูปแบบศิลปะ กล่าวคือ ไปสู่ศูนย์ภาพ ซึ่งเกินกว่านั้นจะไม่มีการวาดภาพที่เหมาะสมอีกต่อไป เส้นทางนี้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษยังคงดำเนินต่อไปตามแนวทางต่างๆ มากมายในกิจกรรมศิลปะที่ละทิ้งพู่กัน สี และผืนผ้าใบ

รัสเซีย เปรี้ยวจี๊ดทศวรรษที่ 1910 นำเสนอภาพที่ค่อนข้างซับซ้อน โดดเด่นด้วยรูปแบบและเทรนด์ที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็ว กลุ่มและสมาคมศิลปินมากมาย ซึ่งแต่ละกลุ่มต่างประกาศแนวคิดสร้างสรรค์ของตัวเอง สิ่งที่คล้ายกันนี้เกิดขึ้นในภาพวาดของยุโรปเมื่อต้นศตวรรษ อย่างไรก็ตาม การผสมผสานของรูปแบบ "ความยุ่งเหยิง" ของกระแสน้ำและทิศทางนั้นไม่เป็นที่รู้จักของชาวตะวันตก ซึ่งการเคลื่อนไหวไปสู่รูปแบบใหม่นั้นสอดคล้องกันมากกว่า ปรมาจารย์รุ่นใหม่หลายคนมีความรวดเร็วเป็นพิเศษย้ายจากสไตล์หนึ่งไปอีกสไตล์หนึ่งจากเวทีหนึ่งไปอีกเวทีหนึ่งจากอิมเพรสชั่นนิสม์ไปสู่ความทันสมัยจากนั้นไปสู่ลัทธิดั้งเดิมลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมหรือลัทธิแสดงออกโดยผ่านหลายขั้นตอนซึ่งผิดปรกติอย่างสมบูรณ์สำหรับปรมาจารย์ด้านการวาดภาพฝรั่งเศสหรือเยอรมัน . สถานการณ์ที่พัฒนาขึ้นในการวาดภาพของรัสเซียส่วนใหญ่เกิดจากบรรยากาศก่อนการปฏิวัติในประเทศ เธอทำให้ความขัดแย้งหลายอย่างที่มีอยู่ในศิลปะยุโรปทั้งหมดแย่ลงเพราะ ศิลปินชาวรัสเซียศึกษาแบบจำลองของยุโรปคุ้นเคยกับโรงเรียนและแนวโน้มการวาดภาพต่างๆ ดังนั้น "การระเบิด" ของรัสเซียในชีวิตศิลปะจึงมีบทบาททางประวัติศาสตร์ ในปี 1913 ศิลปะของรัสเซียได้เข้าถึงพรมแดนและขอบฟ้าใหม่ ปรากฏการณ์ใหม่ของความไม่เที่ยงธรรมปรากฏขึ้น - เส้นที่เกินกว่าที่ Cubists ฝรั่งเศสไม่กล้าข้าม พวกเขาข้ามเส้นนี้ทีละคน: Kandinsky V.V. , Larionov M.F. , Malevich K.S. , Filonov P.N. , Tatlin V.E.

ลัทธิลูกบาศก์ แนวโน้มท้องถิ่นในแนวหน้าของรัสเซีย (ในการวาดภาพและบทกวี) ของต้นศตวรรษที่ 20 ในทัศนศิลป์ ลัทธิลูกบาศก์ฟิวเจอร์ริสม์เกิดขึ้นบนพื้นฐานของการคิดใหม่เกี่ยวกับการค้นพบรูปภาพ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ลัทธิฟิวเจอร์ริสม์ และลัทธินีโอไพรติวิสต์ของรัสเซีย งานหลักถูกสร้างขึ้นในช่วง พ.ศ. 2454-2458 ภาพวาดที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของลัทธิลูกบาศก์แห่งอนาคตออกมาจากใต้แปรงของ K. Malevich และยังเขียนโดย Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter ผลงานลูกบาศก์แห่งอนาคตชิ้นแรกของ Malevich ถูกจัดแสดงในนิทรรศการที่มีชื่อเสียงในปี 1913 "เป้าหมาย" ซึ่ง Luchism ของ Larionov เปิดตัวด้วย ในลักษณะที่ปรากฏ ผลงานคิวโบ-ฟิวเจอร์ริสติกมีบางอย่างที่เหมือนกันกับองค์ประกอบที่สร้างขึ้นในเวลาเดียวกันโดย F. Leger และเป็นองค์ประกอบกึ่งวัตถุประสงค์ที่ประกอบด้วยทรงกระบอก กรวย ขวดแก้ว รูปทรงกลวงปริมาตรรูปทรงกระบอกที่มีสี มักจะมีเงาโลหะ ในผลงานชิ้นแรกของ Malevich มีแนวโน้มที่จะเปลี่ยนจากจังหวะธรรมชาติไปเป็นจังหวะเชิงกลของโลกเครื่องจักร (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait of Klyun, 1913)

เนื้องอก- หนึ่งในศิลปะนามธรรมที่เก่าแก่ที่สุด สร้างขึ้นในปี 1917 โดยจิตรกรชาวดัตช์ P. Mondrian และศิลปินคนอื่นๆ ที่เป็นส่วนหนึ่งของสมาคมสไตล์ Neoplasticism มีลักษณะเฉพาะตามที่ผู้สร้างต้องการ "ความสามัคคีสากล" ซึ่งแสดงออกมาในรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าขนาดใหญ่ที่สมดุลอย่างเคร่งครัดโดยแยกออกจากกันอย่างชัดเจนด้วยเส้นสีดำตั้งฉากและทาสีด้วยสีท้องถิ่นของสเปกตรัมหลัก (ด้วยการเพิ่มสีขาวและ โทนสีเทา) Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) คำนี้ปรากฏในฮอลแลนด์ในศตวรรษที่ 20 ปีต มอนเดรียนเขากำหนดแนวคิดเกี่ยวกับพลาสติกของเขา จัดระบบและปกป้องโดยกลุ่มและนิตยสาร "Style" ("De Stiji") ซึ่งก่อตั้งขึ้นใน Leiden ในปี 1917 คุณลักษณะหลักของ neoplasticism คือการใช้วิธีการที่แสดงออกอย่างเข้มงวด Neoplasticism อนุญาตให้สร้างรูปแบบได้เฉพาะเส้นแนวนอนและแนวตั้งเท่านั้น การข้ามเส้นที่มุมฉากเป็นหลักการข้อแรก ประมาณปี 1920 มีการเพิ่มอันที่สองเข้าไป ซึ่งลบเส้นขีดและเน้นระนาบ จำกัดสีเป็นสีแดง น้ำเงิน และเหลือง เช่น แม่สีบริสุทธิ์สามสีที่สามารถเพิ่มได้เฉพาะสีขาวและสีดำ ด้วยความช่วยเหลือจากความเข้มงวดนี้ ลัทธินีโอพลาสติกจึงตั้งใจที่จะไปไกลกว่าความเป็นปัจเจกบุคคลเพื่อบรรลุความเป็นสากล และสร้างภาพใหม่ของโลก

"ล้างบาป" อย่างเป็นทางการ ผีเกิดขึ้นที่ Salon des Indépendants ในปี 1913 ดังนั้นนักวิจารณ์ Roger Allard จึงเขียนในรายงานของเขาเกี่ยวกับ Salon: "... เราทราบสำหรับนักประวัติศาสตร์ในอนาคตว่าในปี 1913 โรงเรียน Orphism ใหม่ถือกำเนิดขึ้น ... " ("La Cote" ปารีส 19 มีนาคม 2456) นักวิจารณ์อีกคนคือ Andre Varno: "The Salon of 1913 ถูกทำเครื่องหมายด้วยการกำเนิดของโรงเรียนใหม่ Orphic School" ("Comoedia" Paris 18 มีนาคม 1913) ในที่สุด Guillaume Apollinaireตอกย้ำคำกล่าวนี้ด้วยการอุทานอย่างไม่อวดดีว่า “นี่คือออร์ฟิสซึ่ม ที่นี่ เป็นครั้งแรกที่เทรนด์นี้ซึ่งฉันคาดการณ์ไว้ปรากฏขึ้น” (“Montjoie!” ภาคผนวกปารีสถึง 18 มีนาคม 2456) แท้จริงแล้วคำนี้ถูกประดิษฐ์ขึ้น อพอลลิแนร์(Orphism เป็นลัทธิของ Orpheus) และได้รับการประกาศต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกในระหว่างการบรรยายเกี่ยวกับจิตรกรรมสมัยใหม่และอ่านในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2455 เขาหมายถึงอะไร? ดูเหมือนเขาจะไม่รู้เอง นอกจากนี้ เขาไม่รู้ว่าจะกำหนดขอบเขตของทิศทางใหม่นี้อย่างไร ในความเป็นจริงความสับสนที่เกิดขึ้นจนถึงทุกวันนี้เกิดจากความจริงที่ว่า Apollinaire สับสนสองปัญหาที่เชื่อมต่อถึงกันโดยไม่รู้ตัว แต่ก่อนที่จะพยายามเชื่อมโยงพวกเขาเขาควรเน้นความแตกต่างของพวกเขา ในแง่หนึ่ง การสร้าง เดลาอูเนย์การแสดงภาพหมายถึงการใช้สีเป็นหลัก และในทางกลับกัน การขยายตัวของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมผ่านการเกิดขึ้นของทิศทางต่างๆ กัน หลังจากแยกทางกับ Marie Laurencin เมื่อสิ้นสุดฤดูร้อนปี 1912 Apollinaire ก็หาที่หลบภัยจากครอบครัว Delaunay ซึ่งต้อนรับเขาด้วยความเข้าใจที่เป็นมิตรในการประชุมเชิงปฏิบัติการบนถนน Rue Grand-Augustin ในฤดูร้อนปีนี้ Robert Delaunay และภรรยาของเขาได้สัมผัสกับวิวัฒนาการทางสุนทรียศาสตร์ที่ลึกซึ้งซึ่งนำไปสู่สิ่งที่เขาเรียกว่า "ช่วงเวลาแห่งการทำลายล้าง" ของการวาดภาพโดยอาศัยคุณสมบัติเชิงพื้นที่และเชิงพื้นที่ของความแตกต่างของสีเพียงอย่างเดียว

ลัทธิหลังสมัยใหม่ (หลังสมัยใหม่, หลังเปรี้ยวจี๊ด) -

(จาก Lat. post "หลัง" และ modernism) ซึ่งเป็นชื่อเรียกรวมของกระแสศิลปะที่ชัดเจนเป็นพิเศษในทศวรรษที่ 1960 และมีลักษณะเด่นคือการแก้ไขจุดยืนของลัทธิสมัยใหม่และความล้ำยุคอย่างสิ้นเชิง

การแสดงออกทางนามธรรมหลังสงคราม (ปลายยุค 40 - 50 ของศตวรรษที่ XX) ในการพัฒนาศิลปะนามธรรม คำนี้ถูกนำมาใช้ในปี ค.ศ. 1920 โดยนักวิจารณ์ศิลปะชาวเยอรมัน อี ฟอน ซีโดว์ (E. von Sydow) เพื่ออ้างถึงลักษณะบางอย่างของศิลปะ Expressionist ในปี พ.ศ. 2472 American Barr ใช้คุณลักษณะนี้เพื่อกำหนดลักษณะของผลงานในยุคแรกๆ ของคันดินสกี และในปี พ.ศ. 2490 เขาเรียกผลงานชิ้นนี้ว่า "นามธรรม-การแสดงออก" วิลเลม เดอ คูนนิ่งและ พอลล็อค. ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา แนวคิดของการแสดงออกทางนามธรรมได้รับการรวมเข้าด้วยกันเบื้องหลังการวาดภาพนามธรรม (และประติมากรรมในภายหลัง) ที่ค่อนข้างกว้าง โวหารและแตกต่างทางเทคนิค (และประติมากรรมในภายหลัง) ซึ่งพัฒนาอย่างรวดเร็วในทศวรรษที่ 50 ในสหรัฐอเมริกา ในยุโรป และทั่วโลก บรรพบุรุษโดยตรงของการแสดงออกทางนามธรรมถือเป็นยุคแรก คันดินสกี้, นักแสดงออก, นักเล่นออร์ฟิสต์, นักดาดาเอสต์บางส่วนและนักเซอร์เรียลิสต์ที่มีหลักการของจิตอัตโนมัติ พื้นฐานทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของการแสดงออกทางนามธรรมส่วนใหญ่เป็นปรัชญาของอัตถิภาวนิยม ซึ่งเป็นที่นิยมในช่วงหลังสงคราม

สำเร็จรูป(ภาษาอังกฤษสำเร็จรูป - พร้อม) คำนี้ถูกนำมาใช้ครั้งแรกในศัพท์ประวัติศาสตร์ศิลปะโดยศิลปิน มาร์เซล ดูชอมป์กำหนดให้ผลงานที่เป็นวัตถุใช้ประโยชน์ออกจากสภาพแวดล้อมของการทำงานตามปกติและจัดแสดงโดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงใด ๆ ในนิทรรศการศิลปะเป็นผลงานศิลปะ Ready-Made อ้างว่ารูปลักษณ์ใหม่ของสิ่งของและสิ่งของ วัตถุที่หยุดทำหน้าที่ประโยชน์และรวมอยู่ในบริบทของพื้นที่ศิลปะ นั่นคือกลายเป็นวัตถุของการไตร่ตรองที่ไม่เป็นประโยชน์ เริ่มเปิดเผยความหมายใหม่และการเคลื่อนไหวเชื่อมโยงซึ่งไม่รู้จักกับศิลปะแบบดั้งเดิมหรือกับ ทรงกลมที่มีประโยชน์ในชีวิตประจำวันของการเป็น ปัญหาของทฤษฎีสัมพัทธภาพของสุนทรียะและประโยชน์นิยมเกิดขึ้นอย่างรวดเร็ว พร้อมทำครั้งแรก ดูชอมป์จัดแสดงในนิวยอร์กในปี 1913 Ready-Made ที่น่าอับอายที่สุดของเขา เหล็ก "ล้อจากจักรยาน" (พ.ศ. 2456), "เครื่องเป่าขวด" (พ.ศ. 2457), "น้ำพุ" (พ.ศ. 2460) - นี่คือวิธีกำหนดโถปัสสาวะธรรมดา

ป๊อปอาร์ต.หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 กลุ่มสังคมขนาดใหญ่ได้ก่อตัวขึ้นในอเมริกา ซึ่งมีรายได้มากพอที่จะซื้อสินค้าที่ไม่สำคัญสำหรับพวกเขาโดยเฉพาะ ตัวอย่างเช่น การบริโภคสินค้า: โคคาโคล่าหรือยีนส์ลีวายส์กลายเป็นคุณลักษณะสำคัญของสังคมนี้ บุคคลที่ใช้ผลิตภัณฑ์นี้หรือผลิตภัณฑ์นั้นแสดงว่าตนอยู่ในกลุ่มสังคมชั้นหนึ่ง วัฒนธรรมมวลชนในปัจจุบันก่อตัวขึ้น สิ่งต่าง ๆ กลายเป็นสัญลักษณ์แบบแผน ศิลปะป๊อปจำเป็นต้องใช้แบบแผนและสัญลักษณ์ ศิลปะป๊อป(ศิลปะป๊อป) เป็นตัวเป็นตนในการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของชาวอเมริกันรุ่นใหม่ซึ่งอาศัยหลักการสร้างสรรค์ของ Duchamp นี้: แจสเปอร์ จอห์นส์, เค. โอลเดนเบิร์ก, แอนดี วอร์ฮอล, และคนอื่น ๆ. ศิลปะป๊อปกำลังให้ความสำคัญกับวัฒนธรรมมวลชน จึงไม่น่าแปลกใจที่มันเป็นรูปเป็นร่างและกลายเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะในอเมริกา พันธมิตรของพวกเขา: Hamelton R, Ton Chinaได้รับเลือกให้เป็นผู้มีอำนาจ เคิร์ต ชเวียเตอร์. ศิลปะป๊อปมีลักษณะเป็นงาน - ภาพลวงตาของเกมที่อธิบายสาระสำคัญของวัตถุ ตัวอย่าง: พาย เค. โอลเดนเบิร์กอธิบายในรูปแบบต่างๆ ศิลปินไม่สามารถพรรณนาเค้กได้ แต่ปัดเป่าภาพลวงตา แสดงให้เห็นว่าคนเห็นจริง R. Rauschenberg ยังเป็นต้นฉบับ: เขาวางรูปถ่ายต่างๆ ลงบนผืนผ้าใบ ร่างภาพ และติดตุ๊กตาสัตว์เข้ากับผลงาน หนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงของเขาคือเม่นยัดไส้ ที่รู้จักกันดีคือภาพวาดของเขา ซึ่งเขาใช้ภาพถ่ายของเคเนดี้

Primitivism (ศิลปะไร้เดียงสา). แนวคิดนี้ใช้ในหลายๆ ความหมาย และในความเป็นจริงแล้วเหมือนกับแนวคิดนี้ “ศิลปะดึกดำบรรพ์”. ในภาษาต่างๆ และโดยนักวิทยาศาสตร์ที่แตกต่างกัน แนวคิดเหล่านี้มักใช้เพื่ออ้างถึงปรากฏการณ์ช่วงเดียวกันในวัฒนธรรมศิลปะ ในภาษารัสเซีย (เช่นเดียวกับที่อื่น ๆ ) คำว่า "ดั้งเดิม" มีความหมายเชิงลบ ดังนั้นจึงเหมาะสมกว่าที่จะเน้นแนวคิด ศิลปะไร้เดียงสา. ในความหมายที่กว้างที่สุด สิ่งนี้หมายถึงวิจิตรศิลป์ซึ่งโดดเด่นด้วยความเรียบง่าย (หรือการทำให้เข้าใจง่าย) ความชัดเจนและความฉับไวที่เป็นทางการของภาษาภาพและการแสดงออกด้วยความช่วยเหลือซึ่งแสดงวิสัยทัศน์พิเศษของโลกที่ไม่ได้รับภาระจากอนุสัญญาทางอารยธรรม . แนวคิดนี้ปรากฏในวัฒนธรรมใหม่ของยุโรปในศตวรรษที่ผ่านมา ดังนั้นจึงสะท้อนถึงตำแหน่งทางวิชาชีพและแนวคิดของวัฒนธรรมนี้ ซึ่งถือว่าเป็นขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนา จากตำแหน่งเหล่านี้ ศิลปะไร้เดียงสายังหมายถึงศิลปะโบราณของชนชาติโบราณ (อารยธรรมก่อนอียิปต์หรือก่อนกรีก) ตัวอย่างเช่น ศิลปะดึกดำบรรพ์ ศิลปะของผู้คนที่ล่าช้าในการพัฒนาทางวัฒนธรรมและอารยธรรมของพวกเขา (ประชากรพื้นเมืองของแอฟริกา โอเชียเนีย อินเดียนแดงของอเมริกา) ศิลปะสมัครเล่นและไม่ใช่มืออาชีพในระดับที่กว้างที่สุด (ตัวอย่างเช่น จิตรกรรมฝาผนังยุคกลางที่มีชื่อเสียงของคาตาโลเนีย หรือศิลปะที่ไม่ใช่มืออาชีพของผู้อพยพชาวอเมริกันกลุ่มแรกจากยุโรป) ผลงานหลายชิ้นที่เรียกว่า "กอธิคสากล"; ศิลปท้องถิ่น; และในที่สุดศิลปะของศิลปินแนวไพรม์วิสต์ที่มีพรสวรรค์ในศตวรรษที่ 20 ซึ่งไม่ได้รับการศึกษาด้านศิลปะอย่างมืออาชีพ แต่รู้สึกถึงของขวัญแห่งความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะในตัวเองและอุทิศตนให้กับการตระหนักรู้ในงานศิลปะอย่างอิสระ บางคน (ภาษาฝรั่งเศส A. รุสโซ, K. Bombois, จอร์เจีย N. Pirosmanishvili, โครเอเชีย I. เจเนอราลิช,อเมริกัน เช้า. โรเบิร์ตสันและอื่น ๆ) ได้สร้างผลงานชิ้นเอกทางศิลปะที่แท้จริงซึ่งกลายเป็นส่วนหนึ่งของคลังศิลปะโลก ศิลปะไร้เดียงสาในแง่ของการมองเห็นโลกและวิธีการนำเสนอทางศิลปะนั้นค่อนข้างใกล้เคียงกับศิลปะของเด็ก มือและการทำงานของผู้ป่วยทางจิตในอีกด้านหนึ่ง อย่างไรก็ตาม โดยเนื้อแท้แล้ว มันแตกต่างจากทั้งสองอย่าง สิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดในแง่ของโลกทัศน์ต่องานศิลปะสำหรับเด็กคือศิลปะไร้เดียงสาของชนชาติโบราณและชาวพื้นเมืองของโอเชียเนียและแอฟริกา ความแตกต่างโดยพื้นฐานจากศิลปะสำหรับเด็กอยู่ที่ความศักดิ์สิทธิ์อันลึกซึ้ง ความเป็นอนุรักษนิยม และความเป็นที่ยอมรับ

ไม่มีศิลปะ(Net Art - จากภาษาอังกฤษ net - network, art - art) รูปแบบศิลปะใหม่ล่าสุด, แนวปฏิบัติศิลปะสมัยใหม่, การพัฒนาในเครือข่ายคอมพิวเตอร์, โดยเฉพาะอย่างยิ่งบนอินเทอร์เน็ต นักวิจัยของบริษัทในรัสเซีย O. Lyalina, A. Shulgin ซึ่งมีส่วนร่วมในการพัฒนา เชื่อว่าแก่นแท้ของ Net-art มาจากการสร้างการสื่อสารและพื้นที่สร้างสรรค์บนเว็บ ซึ่งให้อิสระอย่างสมบูรณ์ในเครือข่ายสำหรับทุกคน ดังนั้นสาระสำคัญของ Net-art ไม่ใช่การนำเสนอ แต่เป็นการสื่อสาร และหน่วยศิลปะดั้งเดิมคือข้อความอิเล็กทรอนิกส์ มีอย่างน้อยสามขั้นตอนในการพัฒนา Net-art ซึ่งเกิดขึ้นในยุค 80 และ 90 ศตวรรษที่ 20 ครั้งแรกคือเมื่อศิลปินเว็บที่ต้องการสร้างรูปภาพจากตัวอักษรและไอคอนที่พบบนแป้นพิมพ์คอมพิวเตอร์ ครั้งที่สองเริ่มขึ้นเมื่อศิลปินใต้ดินและทุกคนที่ต้องการแสดงผลงานของพวกเขามาที่อินเทอร์เน็ต

ออปอาร์ต(อังกฤษ Op-art - รุ่นย่อของศิลปะออปติคอล - ออปติคอลอาร์ต) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 โดยใช้ภาพลวงตาต่างๆตามลักษณะของการรับรู้ของรูปทรงแบนและเชิงพื้นที่ ปัจจุบันยังคงเป็นแนวเหตุผลของเทคนิคนิยม (สมัยใหม่) มันกลับไปสู่สิ่งที่เรียกว่านามธรรมแบบ "เรขาคณิต" ซึ่งมีตัวแทนอยู่ V. Vasarely(ตั้งแต่ปี 2473 ถึง 2540 เขาทำงานในฝรั่งเศส) - ผู้ก่อตั้งศิลปะทางเลือก ความเป็นไปได้ของ Op-art ได้พบการใช้งานบางอย่างในกราฟิกอุตสาหกรรม โปสเตอร์ และศิลปะการออกแบบ ทิศทางของศิลปะออปติคัล (ออปติคัลอาร์ต) เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 50 ภายใต้ลัทธินามธรรม แม้ว่าคราวนี้จะมีความหลากหลายแตกต่างกัน นั่นคือนามธรรมทางเรขาคณิต การจัดจำหน่ายเป็นวันที่ปัจจุบันย้อนหลังไปถึงยุค 60 ศตวรรษที่ 20

กราฟฟิตี(กราฟฟิตี - ในโบราณคดี, ภาพวาดหรือตัวอักษรใด ๆ ที่มีรอยขีดข่วนบนพื้นผิวใด ๆ จากกราฟิอาเรของอิตาลี - รอยขีดข่วน) นี่คือการกำหนดของงานวัฒนธรรมย่อยซึ่งส่วนใหญ่เป็นรูปแบบขนาดใหญ่บนผนังของอาคารสาธารณะ, โครงสร้าง, การขนส่ง, ทำโดยใช้ต่างๆ ประเภทของปืนฉีด, กระป๋องสีสเปรย์ ดังนั้นชื่ออื่น "สเปรย์อาร์ต" - Spray-art ต้นกำเนิดของมันเกี่ยวข้องกับการปรากฏตัวของกราฟฟิตีจำนวนมาก ในยุค 70 บนรถใต้ดินของนิวยอร์ก และตามผนังของอาคารสาธารณะ จัดเก็บมู่ลี่ ผู้เขียนกราฟฟิตีคนแรก มีศิลปินวัยรุ่นที่ว่างงานส่วนใหญ่เป็นชนกลุ่มน้อยโดยเฉพาะชาวเปอร์โตริโก ดังนั้นในกราฟฟิตีชุดแรกจึงมีลักษณะโวหารของศิลปะพื้นบ้านละตินอเมริกาปรากฏขึ้น และข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาปรากฏตัวบนพื้นผิวที่ไม่ได้มีไว้สำหรับสิ่งนี้ ตำแหน่งที่ไม่มีอำนาจ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 80 แนวโน้มทั้งหมดของผู้เชี่ยวชาญมืออาชีพเกือบ G. ก่อตัวขึ้น ชื่อจริงของพวกเขาซึ่งก่อนหน้านี้ซ่อนอยู่ภายใต้นามแฝงกลายเป็นที่รู้จัก ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, เห็น, DAZE). บางคนถ่ายทอดเทคนิคของพวกเขาไปยังผืนผ้าใบและเริ่มจัดแสดงในแกลเลอรีในนิวยอร์ก และในไม่ช้ากราฟฟิตีก็ปรากฏขึ้นในยุโรป

ไฮเปอร์เรียลลิสม์(hyperrealism - อังกฤษ) หรือ photorealism (photorealism - อังกฤษ) - ศิลปิน การเคลื่อนไหวทางจิตรกรรมและประติมากรรม โดยอาศัยภาพถ่าย การผลิตซ้ำจากความเป็นจริง ทั้งในทางปฏิบัติและในแนวสุนทรียะที่มีต่อธรรมชาตินิยมและลัทธิปฏิบัตินิยม ไฮเปอร์เรียลลิสม์นั้นใกล้เคียงกับป๊อปอาร์ต พวกเขารวมเป็นหนึ่งโดยหลักแล้วกลับไปสู่ความเป็นรูปเป็นร่าง มันทำหน้าที่เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับแนวคิดนิยม ซึ่งไม่เพียงทำลายการเป็นตัวแทนเท่านั้น แต่ยังทำให้เกิดคำถามถึงหลักการของการทำให้เป็นจริงทางวัตถุของศิลปะอีกด้วย แนวคิด.

ศิลปะบนบก(มาจากภาษาอังกฤษว่า land art - earthen art) ซึ่งเป็นแนวทางในศิลปะยุคที่สามXXศตวรรษ โดยใช้ภูมิทัศน์จริงเป็นวัสดุและวัตถุทางศิลปะหลัก ศิลปินขุดสนามเพลาะ สร้างกองหินที่แปลกประหลาด ทาสีหิน เลือกสถานที่ซึ่งมักถูกทิ้งร้างสำหรับการกระทำของพวกเขา - ภูมิทัศน์ที่เก่าแก่และป่าเถื่อน ด้วยเหตุนี้จึงพยายามคืนงานศิลปะสู่ธรรมชาติ ขอบคุณเขา<первобытному>ในลักษณะที่ปรากฏ การกระทำและวัตถุประเภทนี้จำนวนมากมีความใกล้เคียงกับโบราณคดีเช่นเดียวกับศิลปะภาพถ่าย เนื่องจากประชาชนส่วนใหญ่สามารถพิจารณาสิ่งเหล่านี้ได้ในภาพถ่ายชุดเท่านั้น ดูเหมือนว่าเราจะต้องทำใจกับความป่าเถื่อนในภาษารัสเซียอีกครั้ง ไม่รู้ว่าบังเอิญหรือเปล่าที่คำนี้<лэнд-арт>ปรากฏขึ้นในตอนท้าย 60s ในช่วงเวลาหนึ่งในสังคมที่พัฒนาแล้ว จิตวิญญาณที่ดื้อรั้นของนักศึกษาได้สั่งให้กองกำลังของตนล้มล้างค่านิยมที่ตั้งไว้

มินิมอล(มินิมอล อาร์ต - อังกฤษ : minimal art) - ศิลปิน. การไหลที่เกิดจากการเปลี่ยนแปลงน้อยที่สุดของวัสดุที่ใช้ในกระบวนการสร้างสรรค์ ความเรียบง่ายและความสม่ำเสมอของรูปแบบ ขาวดำ ความคิดสร้างสรรค์ ความยับยั้งชั่งใจของศิลปิน Minimalism มีลักษณะเฉพาะโดยการปฏิเสธความเป็นส่วนตัว, การเป็นตัวแทน, ภาพลวงตา ปฏิเสธความคลาสสิก ความคิดสร้างสรรค์และประเพณี ศิลปะ วัสดุ มินิมัลลิสต์ใช้วัสดุทางอุตสาหกรรมและธรรมชาติของรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่าย ใช้รูปร่างและสีที่เป็นกลาง (ดำ, เทา), เล่มเล็ก, อนุกรม, วิธีการลำเลียงของการผลิตทางอุตสาหกรรม สิ่งประดิษฐ์ในแนวคิดความคิดสร้างสรรค์แบบมินิมัลลิสต์เป็นผลที่กำหนดไว้ล่วงหน้าจากกระบวนการผลิต หลังจากได้รับการพัฒนาที่สมบูรณ์แบบที่สุดในการวาดภาพและประติมากรรม ความเรียบง่าย ตีความในแง่กว้างว่าเป็นเศรษฐกิจของศิลปิน เงินทุน พบการประยุกต์ใช้ในศิลปะรูปแบบอื่น ๆ โรงละครและภาพยนตร์เป็นหลัก

Minimalism เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในทรานส์ พื้น. 60s ต้นกำเนิดของมันอยู่ในคอนสตรัคติวิสต์, ลัทธิเหนือนิยม, ลัทธิดาดานิยม, ลัทธินามธรรม, ลัทธิอาเมอร์ที่เป็นทางการ ภาพวาดของปี 1950 ศิลปะป๊อป โดยตรง สารตั้งต้นของความเรียบง่าย เป็นอาเมอร์ ศิลปิน เอฟ. สเตลล่าซึ่งนำเสนอชุด "Black Paintings" ในปี 1959-60 ซึ่งมีเส้นตรงที่เป็นระเบียบ งานมินิมอลชิ้นแรกปรากฏขึ้นในปี 1962-63 คำว่า "มินิมัลลิสต์" เป็นของ R. Walheim ผู้แนะนำเกี่ยวกับการวิเคราะห์ความคิดสร้างสรรค์ ม. ดูชอมป์และศิลปินป๊อป ลดการแทรกแซงของศิลปินในสิ่งแวดล้อม คำพ้องความหมายคือ "cool art", "ABC art", "serial art", "primary structures", "art as a process", "systematic art" จิตรกรรม". ในบรรดามินิมัลลิสต์ที่เป็นตัวแทนมากที่สุดคือ - C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. พวกเขารวมตัวกันด้วยความปรารถนาที่จะปรับสิ่งประดิษฐ์ให้เข้ากับสิ่งแวดล้อม เพื่อเอาชนะพื้นผิวตามธรรมชาติของวัสดุ ง. หยกกำหนดเป็น "เฉพาะ วัตถุ” ซึ่งแตกต่างจากแบบคลาสสิก งานพลาสติก. ศิลปะ การจัดแสงที่เป็นอิสระมีบทบาทในการสร้างงานศิลปะแบบมินิมอล สถานการณ์ การแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ดั้งเดิม ใช้วิธีการสร้างผลงานด้วยคอมพิวเตอร์