Antična tema v ruski umetnosti 20. stoletja. Ruska likovna umetnost XX stoletja. Glavne smeri ruskega slikarstva dvajsetega stoletja

Ta čas velja za vrhunec ruskega slikarstva in vnos realizma vanj. Poseben vpliv na umetnost so imeli družbeni pojavi in ​​revolucije v državi. V slikarstvu sta bili že cenzura in kritika. Pomemben pečat na delo slikarjev je pustila tedanja oblast. Skoraj vsak domači umetnik je bil dolžan naslikati vsaj eno sliko, posvečeno novi politiki in novemu družbenemu redu.

Glavne smeri ruskega slikarstva dvajsetega stoletja

V obdobju 20. stoletja je pomenil konec ruskega realizma v slikarstvu in začetek sovjetskega oziroma socialističnega. Poseben čas velja za čas velike vojne, ki ga je odlikovalo enotno gibanje stranke in ljudstva. Vojaške slike so naredile pljusk in so pomembne v sedanjem obdobju. Še najmanj je bil prizadet socialistični tok krajinskega žanra.

Ruska avantgarda

Beseda "avantgarda" pomeni inovativnost, napredno gibanje. Domača avantgarda združuje radikalne tokove slikarstva. Sprva so ga imenovali modernizem, nova umetnost, abstrakcionizem in druga imena. Prvi utrinki v smeri so se pojavili že v predvojnih letih. Ruska avantgarda združuje takšne trenutke, kot sta absolutno zavračanje preteklosti v kulturi in poenotenje procesov uničenja in ustvarjanja. V slikarstvu je hkrati prostor za agresijo, željo po uničenju starih umetniških vrednot in ustvarjanje nečesa povsem drugega.

V tej smeri je najprej treba izpostaviti Vasilija Kandinskega, ki je naslikal slike »Pisano življenje«, »Pesem Volge«, »Beli oval«, »Moskva. Rdeči kvadrat". Med avantgardiste sodi tudi Kazimir Malevič, ki je predstavnik supermatizma, enega od avantgardnih gibanj. Ta tok označuje zadnjo stopnjo umetnosti, odsotnost predmetov. O njem so začeli govoriti po pojavu platen z geometrijskimi abstrakcijami.

socialistični realizem

Po revoluciji in številnih pretresih in spremembah se je v vizualni umetnosti začelo novo obdobje in nova smer. Ustrezal je tistemu času in se je imenoval socialistični realizem. To sta zahtevala vlada in ljudstvo. Socialistični realizem je odlikoval prisotnost junaštva, izraženih voditeljev, ljudi, dogodkov, resnice stranke in ne vizije umetnika samega. Totalitarna družba je rusko slikarstvo spremenila do neprepoznavnosti. Sestavljen je bil predvsem iz slik, posvečenih zgodovinskim dogodkom tistega časa, junakom in voditeljem države, pa tudi vsakdanjemu življenju preprostega delavca.

Mnogi so ga poimenovali "hudi slog", ker v njem ni bilo iluzij, domnev, otročje malomarnosti. Na platnih je bila prikazana samo neusmiljena resnica. Junaštvo tistega časa je bilo v notranji napetosti in naporih voditelja. V socialističnem realizmu je bilo delo poklicanost, heroji pa pionirji in gradbeniki. Ob koncu stoletja, skupaj s propadom sovjetske kulture, prihaja nova smer v ruskem slikarstvu.

Postmodernizem

Nova smer v ruskem slikarstvu je nadomestila modernizem, ki v družbi ni bil povsem jasen. Za postmodernizem so značilne fotografske podobe. Slika je čim bližje prvotnemu videzu. Slog odlikujejo tipološke značilnosti. Najprej končana oblika. Slikarji uporabljajo klasične podobe, vendar jih interpretirajo na nov način, dajejo ekskluzivnost. Zelo pogosto predstavniki postmodernizma združujejo oblike iz več smeri, dajejo podobi rahlo ironijo in nekakšno sekundarnost.

Druga značilnost smeri je pomanjkanje pravil. V postmodernizmu ima umetnik popoln nadzor nad izbiro oblik in načinov upodabljanja svoje slike. Neka svoboda je dala svež dih umetnosti nasploh. Tam so bile umetniške instalacije in performansi. Za postmodernizem v slikarstvu je značilna tudi odsotnost jasnih tehnik in splošna globalna popularnost. Razcvet te smeri je prišel v 90. letih 20. stoletja. Njeni najvidnejši predstavniki so naslednji umetniki: A. Menus, M. Tkačev, S. Nosova, D. Dudnik.

Pošljite svoje dobro delo v bazo znanja je preprosto. Uporabite spodnji obrazec

Študenti, podiplomski študenti, mladi znanstveniki, ki bazo znanja uporabljajo pri študiju in delu, vam bodo zelo hvaležni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

Zvezna agencija za izobraževanje

Državna izobraževalna ustanova

visoka strokovna izobrazba

umetnostna zgodovina

Kontrolno delo

Ruska umetnost poznega 19. - začetka 20. stoletja

Uvod

Slika

Konstantin Aleksejevič Korovin

Valentin Aleksandrovič Serov

Mihail Aleksandrovič Vrubel

"Svet umetnosti"

"Zveza ruskih umetnikov"

"Jack of Diamonds"

"Zveza mladih"

Arhitektura

Kiparstvo

Bibliografija

Uvod

Ruska kultura poznega XIX - začetka XX stoletja je zapleteno in kontroverzno obdobje v razvoju ruske družbe. Kultura preloma stoletja vedno vsebuje elemente prehodnega obdobja, ki vključuje tradicije kulture preteklosti in inovativne težnje nove nastajajoče kulture. Obstaja prenos tradicij in ne samo prenos, ampak nastanek novih, vse to je povezano z burnim procesom iskanja novih načinov razvoja kulture, ki ga je popravil družbeni razvoj tega časa. Prelom stoletja v Rusiji je obdobje velikih sprememb, ki se pripravljajo, sprememba državne ureditve, sprememba klasične kulture 19. stoletja v novo kulturo 20. stoletja. Iskanje novih poti razvoja ruske kulture je povezano z asimilacijo progresivnih trendov zahodne kulture. Raznolikost smeri in šol je značilnost ruske kulture na prelomu stoletja. Zahodni trendi se prepletajo in dopolnjujejo s sodobnimi, napolnjenimi s specifično rusko vsebino. Značilnost kulture tega obdobja je njena usmerjenost k filozofskemu razumevanju življenja, potreba po izgradnji celostne slike sveta, kjer umetnost poleg znanosti igra veliko vlogo. Središče ruske kulture poznega 19. - začetka 20. stoletja je bila oseba, ki postane nekakšen povezovalni člen v pestri raznolikosti šol in področij znanosti in umetnosti, na eni strani pa nekakšno izhodišče za analizo vseh najrazličnejši kulturni artefakti, na drugi strani. Od tod močan filozofski temelj, ki je osnova ruske kulture na prelomu stoletja.

Če izpostavimo najpomembnejše prednostne naloge v razvoju ruske kulture poznega XIX - zgodnjega XX stoletja, ne moremo prezreti njenih najpomembnejših značilnosti. Konec 19. - začetek 20. stoletja v zgodovini ruske kulture običajno imenujemo ruska renesansa ali v primerjavi z zlato dobo Puškina srebrna doba ruske kulture.

Na prelomu stoletja se je razvil slog, ki je zajel vse plastične umetnosti, začenši predvsem z arhitekturo (v kateri je dolgo prevladoval eklekticizem) in končal z grafiko, ki so jo poimenovali secesijski slog. Ta pojav ni nedvoumen, v modernosti je prisotna tudi dekadentna pretencioznost, pretencioznost, zasnovana predvsem za meščanske okuse, obstaja pa tudi želja po slogovni enotnosti, ki je pomembna sama po sebi. Art Nouveau je nova stopnja v sintezi arhitekture, slikarstva in dekorativne umetnosti.

V likovni umetnosti se je Art Nouveau izkazal: v kiparstvu - s pretočnostjo oblik, posebno ekspresivnostjo silhuete, dinamičnostjo kompozicij; v slikarstvu - simbolika podob, zasvojenost z alegorijami. simbolika sodobna avantgarda srebro

Ruski simbolisti so imeli pomembno vlogo pri razvoju estetike srebrne dobe. Simbolizem kot pojav v literaturi in umetnosti se je prvič pojavil v Franciji v zadnji četrtini 19. stoletja in se do konca stoletja razširil v večji del Evrope. Toda po Franciji se simbolizem uresničuje v Rusiji kot najbolj obsežen, pomemben in izviren pojav v kulturi. Ruski simbolizem je imel sprva v osnovi enake predpogoje kot zahodni: »krizo pozitivnega pogleda na svet in morale«. Glavno načelo ruskih simbolistov je estetizacija življenja in želja po različnih oblikah zamenjave logike in morale z estetiko. Najprej je za ruski simbolizem značilna razmejitev s tradicijo revolucionarno-demokratičnih "šestdesetih" in populizma, z ideologizacijo ateizma, utilitarizmom, po mnenju ruskih simbolistov ustrezajo načelom "čiste", svobodne umetnosti.

Drug osupljiv pojav srebrne dobe, ki je pridobil svetovni pomen, je umetnost in estetika avantgarde. V prostoru že naštetih področij estetske zavesti je avantgardiste odlikoval poudarjeno uporniški značaj. Krizo klasične kulture, umetnosti, vere, družbenosti, državnosti so z veseljem dojemali kot naravno umiranje, uničevanje starega, zastarelega, nepomembnega, sebe pa so spoznali kot revolucionarje, uničevalce in grobarje »vsega krama« ter ustvarjalce vse novo, na splošno nova nastajajoča rasa. Nietzschejeve ideje o nadčloveku, ki jih je razvil P. Uspensky, so mnogi avantgardni umetniki vzeli dobesedno in jih preizkusili, zlasti futuristi, zase.

Od tod upor in nezaslišanost, želja po vsem bistveno novem v umetniških izraznih sredstvih, v načelih pristopa k umetnosti, težnja po širjenju meja umetnosti, dokler ta ne zaživi, ​​vendar na povsem drugačnih principih kot predstavniki teurgične estetike. Življenje za avantgardiste 10. 20. stoletje - to je predvsem revolucionarni upor, anarhistični upor. Absurd, kaos, anarhija so prvič dojeti kot sinonimi modernosti in prav kot ustvarjalno pozitivna načela, ki temeljijo na popolnem zanikanju racionalnega načela v umetnosti in kultu iracionalnega, intuitivnega, nezavednega, nesmiselnega, nejasnega, brezobličnega itd. . Glavne smeri ruske avantgarde so bile: abstrakcionizem (Vasilij Kandinski), suprematizem (Kazimir Malevič), konstruktivizem (Vladimir Tatlin), kubofuturizem (kubizem, futurizem) (Vladimir Majakovski).

Slika

Za slikarje preloma stoletja so od potepuških značilni drugi načini izražanja, druge oblike likovne ustvarjalnosti - v podobah, ki so protislovne, zapletene in odsevajo sodobnost brez ilustrativnosti in narativnosti. Umetniki boleče iščejo harmonijo in lepoto v svetu, ki je v osnovi tuj tako harmoniji kot lepoti. Zato so mnogi svoje poslanstvo videli v negovanju čuta za lepoto. Ta čas "predvečerov", pričakovanja sprememb v javnem življenju, je porodil številne trende, združevanja, združevanja, trk različnih svetovnih nazorov in okusov. Iz tega pa se je rodil tudi univerzalizem cele generacije umetnikov, ki so nastopili po »klasičnih« Potepuhih.

Impresionistični pouk plenerističnega slikarstva, kompozicija "naključnega kadriranja", široka svobodna slikarska manira - vse to je rezultat evolucije v razvoju slikarskih sredstev v vseh žanrih na prelomu stoletja. V iskanju »lepote in harmonije« se umetniki preizkušajo v najrazličnejših tehnikah in umetniških oblikah – od monumentalnega slikarstva in gledališke kulise do oblikovanja knjig in umetnostne obrti.

Žanrsko slikarstvo se je razvilo v 90. letih 20. stoletja, vendar nekoliko drugače kot v »klasičnem« Potepuškem gibanju 70. in 80. let 20. stoletja. Tako se kmečka tema razkriva na nov način. S. A. Korovin (1858-1908) prikazuje razkol v podeželski skupnosti v sliki "Na svetu" (1893).

Na prelomu stoletja se v zgodovinski tematiki začrta nekoliko svojevrstna pot. Tako na primer A. P. Ryabushkin (1861-1904) deluje bolj v zgodovinskem žanru kot v čisto zgodovinskem žanru. »Ruske ženske 17. stoletja v cerkvi« (1899), »Poročni vlak v Moskvi. XVII. stoletje ”(1901) - to so vsakdanji prizori iz življenja Moskve v XVII. Rjabuškinova stilizacija se odraža v ploskosti slike, v posebnem sistemu plastičnega in linearnega ritma, v barvni shemi, zgrajeni na svetlih glavnih barvah, v splošni dekorativni rešitvi. Rjabuškin pogumno uvaja lokalne barve v plenersko pokrajino, na primer v "Poročnem vlaku ..." - rdeča barva vagona, velike lise prazničnih oblačil na ozadju temnih zgradb in snega, vendar pa v najfinejših barvnih niansah. Pokrajina vedno poetično izraža lepoto ruske narave.

Novo vrsto slikarstva, v katerem so folklorne umetniške tradicije obvladane na povsem poseben način in prevedene v jezik moderne umetnosti, je ustvaril F. A. Malyavin (1869-1940). Njegove podobe "žensk" in "deklet" imajo določeno simbolni pomen - zdrava zemlja Rusija Njegove slike so vedno ekspresivne, in čeprav so to praviloma štafelajna dela, dobijo pod umetnikovim čopičem monumentalno in dekorativno interpretacijo.»Smeh«(1899, Muzej moderne umetnosti, Benetke) , »Vihra« (1906,) je realistična podoba kmečkih deklet, ki se nalezljivo glasno smejijo ali nenadzorovano hitijo v plesu, vendar je ta realizem drugačen kot v drugi polovici stoletja na celotnem platnu.

M. V. Nesterov (1862-1942) obravnava temo starodavne Rusije, vendar se podoba Rusije v umetnikovih slikah pojavlja kot nekakšen idealen, skoraj začaran svet, v sozvočju z naravo, vendar je za vedno izginil kot legendarno mesto Kitež. . Ta izostren občutek za naravo, veselje do sveta, pred vsakim drevesom in travko je še posebej izrazit v enem najbolj znanih del Nesterova iz predrevolucionarnega obdobja - "Vizija mladega Bartolomeja" (1889-1890, ). V razkritju zapleta slike so enake slogovne značilnosti kot Rjabuškinove, vendar je vedno izražen globoko liričen občutek lepote narave, skozi katerega je visoka duhovnost likov, njihova razsvetljenost, njihova odtujenost od posvetni hrup se prenaša.

M.V. Nesterov se je veliko ukvarjal z religioznim monumentalnim slikarstvom. Freske so vedno posvečene starodavni ruski temi (na primer v Gruziji - Aleksandru Nevskemu). Na stenskih poslikavah Nesterova je veliko opaženih resničnih znakov, zlasti v pokrajini, portretnih značilnostih - v podobi svetnikov. V umetnikovem stremljenju k ploskovni interpretaciji kompozicije elegance, ornamentalnosti, rafinirane prefinjenosti plastičnih ritmov se je pokazal nedvomen vpliv secesije.

Sam krajinski žanr se ob koncu 19. stoletja razvije tudi na nov način. Levitan je pravzaprav dokončal iskanje Potepuhov v pokrajini. Novo besedo na prelomu stoletja naj bi povedal K.A. Korovin, V.A. Serov in M.A. Vrubel.

Konstantin Aleksejevič Korovin

Za briljantnega kolorista Korovina se svet zdi kot "nered barv". Velikodušno nadarjen od narave se je Korovin ukvarjal tako s portretiranjem kot tihožitjem, vendar ne bi bilo napak reči, da je krajina ostala njegov najljubši žanr. V umetnost je vnesel močno realistično tradicijo svojih učiteljev iz Moskovske šole za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo - Savrasova in Polenova, vendar ima drugačen pogled na svet, postavlja si druge naloge. Pleneristično slikanje je začel že zgodaj, že v portretu pevke leta 1883 je mogoče videti njegov samostojni razvoj načel plenerizma, ki se je nato utelesil v številnih portretih, nastalih v zapuščini S. Mamontova v Abramcevu. (»V čolnu«, portret T.S. Lyubatovicha itd.), V severnih pokrajinah, izveden med ekspedicijo S. Mamontova na sever (»Zima na Laponskem«). Njegove francoske krajine, združene z imenom »pariške luči«, so že povsem impresionistična slika z najvišjo kulturo etide. Ostri, hipni vtisi življenja velikega mesta: tihe ulice v različnih obdobjih dneva, predmeti, raztopljeni v svetlobnem okolju, oblikovani z dinamično, »tresočo«, vibrirajočo potezo, tok takšnih potez, ki ustvarjajo iluzija tančice dežja ali mestnega zraka, nasičenega s tisoči različnih hlapov, - značilnosti, ki spominjajo na pokrajine Maneta, Pissarra, Moneta. Korovin je temperamenten, čustven, impulziven, teatralen, od tod svetel sijaj in romantična vznesenost njegovih pokrajin (»Pariz. Kapucinski bulvar«, 1906, Državna galerija Tretyakov; »Pariz ponoči. Italijanski bulvar«, 1908,). Korovin ohranja enake poteze impresionistične etide, slikarskega mojstra, presenetljive umetnosti v vseh drugih zvrsteh, predvsem v portretu in tihožitju, pa tudi v dekorativnih ploščah, v uporabni umetnosti, v gledališki scenografiji, s katero se je ukvarjal vse življenje ( Portret Šaljapina, 1911, Ruski muzej; "Ribe, vino in sadje" 1916, Državna galerija Tretyakov).

Korovinovo velikodušno darilo za slikanje se je sijajno pokazalo v gledališkem in dekorativnem slikarstvu. Kot gledališki slikar je delal za Gledališče Abramcevo (in Mamontov ga je morda prvi cenil kot gledališkega umetnika), za Moskovski umetniški teater, za Moskovsko zasebno rusko opero, kjer je začel svoje življenjsko prijateljstvo s Šaljapinom, za podjetje Diaghilev. Korovin je gledališko kuliso in pomen umetnika v gledališču dvignil na novo raven, naredil je pravo revolucijo v razumevanju vloge umetnika v gledališču in s svojo barvito, »spektakularno« kuliso močno vplival na svoje sodobnike. , ki razkriva samo bistvo glasbene predstave.

Valentin Aleksandrovič Serov

Eden največjih umetnikov, inovator ruskega slikarstva na prelomu stoletja, je bil Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911). Serov je bil vzgojen med izjemnimi osebnostmi ruske glasbene kulture (njegov oče je znan skladatelj, mati je pianistka), študiral je pri Repinu in Čistjakovu.

Serov pogosto slika predstavnike umetniške inteligence: pisatelje, umetnike, umetnike (portreti K. Korovina, 1891, Državna Tretjakovska galerija; Levitan, 1893, Državna Tretjakovska galerija; Jermolova, 1905, Državna Tretjakovska galerija). Vsi so različni, vse interpretira globoko individualno, a na vseh sveti luč intelektualne ekskluzivnosti in navdahnjenega ustvarjalnega življenja.

Portret, krajina, tihožitje, domače, zgodovinsko slikarstvo; olje, gvaš, tempera, oglje - težko je najti tako slikovne kot grafične žanre, v katerih Serov ne bi delal, in materiale, ki jih ne bi uporabljal.

Posebna tema v delu Serova je kmet. V njegovem kmečkem žanru ni potujoče socialne ostrine, je pa občutek lepote in harmonije kmečkega življenja, občudovanje zdrave lepote ruskega ljudstva (»Na vasi. Ženska s konjem«, na zemljevidu , pastel, 1898, Državna galerija Tretyakov). Zimske pokrajine so še posebej čudovite s svojo srebrno-biserno paleto barv.

Serov je zgodovinsko temo interpretiral na svoj način: »kraljevske lovove« z užitkarskimi sprehodi Elizabete in Katarine II je posredoval umetnik novega časa, ironičen, a tudi vedno občudujoč lepoto življenja v 18. stoletju. Zanimanje Serova za 18. stoletje se je pojavilo pod vplivom Sveta umetnosti in v zvezi z delom pri izdaji Zgodovine velikega kneza, carja in cesarskega lova v Rusiji.

Serov je bil globoko razmišljujoč umetnik, ki je nenehno iskal nove oblike umetniškega udejanjanja stvarnosti. Navdihnjene s secesijskimi idejami o ploskosti in povečani dekorativnosti se niso odražale le v zgodovinskih kompozicijah, ampak tudi v njegovem portretu plesalke Ide Rubinstein, v njegovih skicah za Ugrabitev Evrope ter Odisejo in Navzikai (obe 1910, Državna Tretjakovska galerija, karton, tempera). Pomembno je, da se Serov ob koncu svojega življenja obrača na starodavni svet. V pesniški legendi, ki jo interpretira svobodno, zunaj klasičnih kanonov, želi najti harmonijo, iskanju katere je umetnik posvetil vse svoje delo.

Mihail Aleksandrovič Vrubel

Ustvarjalna pot Mihaila Aleksandroviča Vrubela (1856-1910) je bila bolj neposredna, a hkrati nenavadno zapletena. Pred akademijo umetnosti (1880) je Vrubel diplomiral na pravni fakulteti univerze v Sankt Peterburgu. Leta 1884 je odšel v Kijev, da bi nadzoroval restavriranje fresk v cerkvi sv. Cirila in sam ustvaril več monumentalnih kompozicij. Izdeluje akvarelne skice poslikav Vladimirske katedrale. Skice niso bile prenesene na stene, saj je bila stranka prestrašena zaradi njihove nekanoničnosti in ekspresivnosti.

V 90. letih, ko se je umetnik naselil v Moskvi, se je oblikoval Vrubelov slog pisanja, poln skrivnosti in skoraj demonske moči, ki ga ni mogoče zamenjati z nobenim drugim. Obliko oblikuje kot mozaik, iz ostrih "fasetiranih" kosov različnih barv, kot da žarijo od znotraj ("Dekle na ozadju perzijske preproge", 1886, KMRI; "Vedeževalka", 1895, Državna Tretjakovska galerija) . Barvne kombinacije ne odražajo realnosti barvnega razmerja, ampak imajo simbolni pomen. Narava nima moči nad Vrubelom. Pozna jo, popolnoma jo poseduje, vendar ustvarja svoj domišljijski svet, malo podoben resničnosti. Gravitira k literarnim temam, ki jih interpretira abstraktno in skuša ustvariti večne podobe velike duhovne moči. Torej, ko se loti ilustracij za "Demona", kmalu odstopi od načela neposredne ilustracije ("Tamarin ples", "Ne joči, otrok, ne jokaj zaman", "Tamara v krsti" itd.). ). Podoba demona je osrednja podoba celotnega Vrubelovega dela, njegova glavna tema. Leta 1899 je napisal "The Flying Demon", leta 1902 - "The Downcast Demon". Vrubelov demon je najprej trpeče bitje. Trpljenje v njem prevladuje nad zlom in to je posebnost nacionalne ruske interpretacije podobe. Sodobniki, kot je pravilno omenjeno, so v njegovih "Demonih" videli simbol usode intelektualca - romantika, ki poskuša uporniško pobegniti iz resničnosti brez harmonije v neresnični svet sanj, a se je potopil v grobo resničnost zemeljskega sveta.

Svoja najbolj zrela slikarska in grafična dela je Vrubel ustvaril na prelomu stoletja - v žanru krajine, portreta, knjižne ilustracije. V organizaciji in dekorativno-ploskovni interpretaciji platna ali lista, v kombinaciji realnega in fantastičnega, v zavezanosti ornamentalnim, ritmično zapletenim rešitvam se v njegovih delih tega časa vse bolj uveljavljajo poteze moderne.

Tako kot K. Korovin je Vrubel veliko delal v gledališču. Njegove najboljše scenografije so bile izvedene za opere Rimskega-Korsakova Sneguročka, Sadko, Pravljica o carju Saltanu in druge na odru Moskovske zasebne opere, torej za tista dela, ki so mu dala možnost »komunikacije« z rusko folkloro. , pravljica, legenda.

Univerzalizem talenta, brezmejna domišljija, izjemna strast v afirmaciji plemenitih idealov razlikujejo Vrubela od mnogih njegovih sodobnikov.

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870-1905) je neposredni predstavnik slikovnega simbolizma. Njegova dela so elegična žalost po starih praznih »plemiških gnezdih« in umirajočih »češnjevih sadovnjakih«, po lepih ženskah, poduhovljenih, skoraj nezemeljskih, oblečenih v nekakšne brezčasne kostume, ki ne nosijo zunanjih znakov kraja in časa.

Njegova štafelajna dela najbolj spominjajo ne na okrasne plošče, ampak na tapiserije. Prostor je rešen skrajno pogojno, planarno, figure so skoraj eterične, kot na primer dekleta ob ribniku na sliki "Ribnik" (1902, tempera, Državna Tretjakovska galerija), potopljene v sanjavo meditacijo, v globoka kontemplacija. Zbledeli, bledo sivi barvni odtenki krepijo celoten vtis krhke, nezemeljske lepote in slabokrvnosti, srhljivosti, ki sega ne le v človeške podobe, ampak tudi v naravo, ki jo upodablja. Ni naključje, da je Borisov-Musatov eno od svojih del poimenoval "Duhovi" (1903, tempera, Državna Tretjakovska galerija): tihe in nedejavne ženske figure, marmorni kipi ob stopnicah, napol golo drevo - zbledela paleta modrine, sivi, vijolični toni povečujejo duhovitost upodobljenega.

"Svet umetnosti"

"Svet umetnosti" - organizacija, ki je nastala v Sankt Peterburgu leta 1898 in je združila mojstre najvišje umetniške kulture, umetniško elito Rusije tistih let. "Svet umetnosti" je postal eden največjih pojavov ruske umetniške kulture. V tem združenju so sodelovali skoraj vsi znani umetniki.

V uredniških člankih prvih številk revije so bila predstavljena glavna določila »Sveta umetnosti« o avtonomiji umetnosti, da so problemi sodobne kulture izključno problemi umetniške forme in da je glavna naloga umetnosti vzgajati estetske okuse ruske družbe, predvsem s seznanjanjem z deli svetovne umetnosti. Moramo jim dati zasluge: zahvaljujoč Svetu umetnosti sta bili angleška in nemška umetnost resnično cenjeni na nov način, in kar je najpomembnejše, rusko slikarstvo 18. stoletja in arhitektura sanktpeterburškega klasicizma sta za mnoge postala odkritje. "Svet umetnosti" se je boril za "kritiko kot umetnost", ki je oznanjala ideal umetnika kritika z visoko strokovno kulturo in erudicijo. Tip takšnega kritika je utelešal eden od ustvarjalcev Sveta umetnosti A.N. Benoit.

"Miriskusniki" so organizirali razstave. Prvi je bil tudi edini mednarodni, ki je poleg Rusov združeval umetnike iz Francije, Anglije, Nemčije, Italije, Belgije, Norveške, Finske itd. Na njem so sodelovali tako peterburški kot moskovski slikarji in grafiki. Toda razpoka med tema dvema šolama - Sankt Peterburgom in Moskvo - je bila očitna že skoraj od prvega dne. Marca 1903 se je zaključila zadnja, peta razstava Sveta umetnosti, decembra 1904 je izšla zadnja številka revije Svet umetnosti. Večina umetnikov se je preselila v "Zvezo ruskih umetnikov", organizirano na podlagi moskovske razstave "36", pisatelji - v revijo New Way, ki jo je odprla skupina Merežkovskega, moskovski simbolisti, združeni okoli revije "Vesy", glasbeniki so organizirali " Večeri sodobne glasbe«, se je Djagilev popolnoma posvetil baletu in gledališču.

Leta 1910 je bil narejen poskus, da bi "Svet umetnosti" (pod vodstvom Roericha) ponovno vdihnil življenje. Slava je prišla v »Svet umetnosti«, vendar »Svet umetnosti« v bistvu ni več obstajal, čeprav je formalno združenje obstajalo do zgodnjih dvajsetih (1924) - s popolnim pomanjkanjem integritete, na brezmejni toleranci in fleksibilnosti stališč. Druga generacija »Sveta umetnosti« je bila manj zaposlena s problemi štafelajnega slikarstva, zanimala sta jih grafika, predvsem knjižna, ter gledališka in dekorativna umetnost, na obeh področjih pa so naredili pravo umetniško reformo. V drugi generaciji "Sveta umetnosti" so bili tudi veliki posamezniki (Kustodijev, Sudeikin, Serebrjakova, Čehonin, Grigorjev, Jakovljev, Šuhajev, Mitrohin itd.), a inovativnih umetnikov sploh ni bilo.

Vodilni umetnik "Sveta umetnosti" je bil K. A. Somov (1869-1939). Sin glavnega kustosa Ermitaža, ki je diplomiral na Akademiji za umetnost in potoval po Evropi, je Somov prejel odlično izobrazbo. Ustvarjalna zrelost je prišla k njemu zgodaj, vendar je, kot je pravilno ugotovil raziskovalec (V. N. Petrov), vedno imel nekaj dvojnosti - boj med močnim realističnim instinktom in bolečim čustvenim pogledom na svet.

Somov, kot ga poznamo, se je pojavil v portretu umetnice Martynove ("Dama v modrem", 1897-1900, Državna Tretjakovska galerija), v portretni sliki "Odmev preteklega časa" (1903, na zemljevidu, akva. , gvaš, Državna Tretjakovska galerija), kjer ustvarja poetično karakterizacijo krhke, anemične ženske lepote dekadentnega modela, ki noče posredovati resničnih vsakdanjih znakov modernosti. Modele obleče v starodavne noše, njihovemu videzu daje poteze skrivnega trpljenja, žalosti in zasanjanosti, boleče zlomljenosti.

Somov ima serijo grafičnih portretov svojih sodobnikov - intelektualne elite (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky itd.), V katerih uporablja eno splošno tehniko: na belem ozadju - v nekem brezčasju. sfera - nariše obraz, podobnost, v kateri se ne doseže z naturalizacijo, temveč z drznimi posplošitvami in primernim izborom značilnih podrobnosti. To pomanjkanje znakov časa ustvarja vtis statičnosti, togosti, hladnosti, skoraj tragične osamljenosti.

Pred vsem drugim se je Somov v Svetu umetnosti obrnil k temam preteklosti, k interpretaciji 18. stoletja. ("Pismo", 1896; "Zaupnosti", 1897), ki je predhodnik Benoisovih versajskih krajin. Je prvi, ki ustvarja nadrealistični svet, stkan iz motivov plemiške, stanovske in dvorne kulture ter lastnih, z ironijo prežetih, čisto subjektivnih likovnih občutij. Historicizem »Sveta umetnosti« je bil beg od realnosti. Ne preteklost, ampak njena uprizoritev, hrepenenje po njeni nepovratnosti - to je njihov glavni motiv. Ni prava zabava, ampak igra zabave s poljubi v uličicah - tak je Somov.

Idejni vodja "Sveta umetnosti" je bil A. N. Benois (1870-1960) - nenavadno vsestranski talent. Slikar, štafelajni grafik in ilustrator, gledališčnik, režiser, avtor baletnih libretov, umetnostni teoretik in zgodovinar, glasbenik, je bil po besedah ​​A. Belyja glavni politik in diplomat "sveta umetnosti". Kot umetnika ga s Somovim povezujejo slogovne težnje in zasvojenost s preteklostjo ("Opijan sem z Versaillesom, to je nekakšna bolezen, ljubezen, kriminalna strast ... popolnoma sem se preselil v preteklost ...") . V krajinah Versaillesa je Benois združil zgodovinsko rekonstrukcijo 17. stoletja. in sodobni vtisi umetnika, njegovo dojemanje francoskega klasicizma, francoska gravura. Od tod jasna kompozicija, jasna prostornost, veličina in hladna strogost ritmov, nasprotje med mogočnostjo umetnostnih spomenikov in majhnostjo človeških figur, ki so med njimi le osebje (1. versajska serija 1896-1898 pod naslovom "Zadnji sprehodi Ludvika XIV"). V drugi versajski seriji (1905-1906) je ironija, ki je značilna tudi za prve liste, obarvana s skoraj tragičnimi notami (»Kraljeva pot«, c., gvaš, akva, zlato, srebro, pero, 1906 , Državna Tretjakovska galerija). Benoisovo razmišljanje je razmišljanje gledališkega umetnika par excellence, ki je gledališče zelo dobro poznal in čutil.

Naravo Benois dojema v asociativni povezavi z zgodovino (pogledi na Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, ki jih je izvedel v tehniki akvarela).

Ilustrator Benois (Puškin, Hoffman) je cela stran v zgodovini knjige. Za razliko od Somova Benois ustvarja pripovedno ilustracijo. Ravnina stranice zanj ni sama sebi namen. Mojstrovina knjižne ilustracije je grafična podoba Bronastega jezdeca (1903,1905,1916,1921-1922, tuš in akvarel, ki posnema barvni lesorez). V nizu ilustracij za veliko pesnitev je glavni lik arhitekturna pokrajina Sankt Peterburga, zdaj slovesno patetična, zdaj mirna, zdaj zlovešča, proti kateri se Evgenijeva figura zdi še bolj nepomembna. Tako Benois izrazi tragični konflikt med usodo ruske državnosti in osebno usodo malega človeka (»In vso noč ubogi norec, / Kamor koli je obrnil noge, / Bronasti jezdec je bil povsod z njim / Z težak galopiral«).

Kot gledališki umetnik je Benois zasnoval predstave "Ruskih sezon", med katerimi je bil najbolj znan balet "Petruška" na glasbo Stravinskega, veliko je delal v Moskovskem umetniškem gledališču, kasneje pa na skoraj vseh večjih evropske odre.

Posebno mesto v "svetu umetnosti" zavzema N. K. Roerich (1874-1947). Poznavalec filozofije in etnografije Vzhoda, arheolog-znanstvenik, je Roerich prejel odlično izobrazbo, najprej doma, nato na pravni in zgodovinsko-filološki fakulteti Univerze v Sankt Peterburgu, nato na Akademiji umetnosti, v delavnici Kuindžija in v Parizu v ateljeju F. Cormona. Zgodaj si je pridobil avtoriteto znanstvenika. S "svetom umetnosti" ga je povezovala ista ljubezen do retrospekcije, le da ne v 17.-18. stoletju, ampak v poganski slovanski in skandinavski antiki, v stari Rusiji; slogovne težnje, gledališka dekorativnost (»Glasnik«, 1897, Državna Tretjakovska galerija; »Starejši se zbližajo«, 1898, Ruski muzej; »Sinister«, 1901, Ruski muzej). Roerich je bil najtesneje povezan s filozofijo in estetiko ruskega simbolizma, vendar njegova umetnost ni sodila v okvire obstoječih trendov, saj se je v skladu z umetnikovim svetovnim nazorom obrnila tako rekoč k vsemu človeštvu z poziv k prijateljski zvezi vseh narodov. Od tod posebna epskost njegovih slik.

Po letu 1905 je v Roerichovem delu raslo razpoloženje panteistične mistike. Zgodovinske teme se umaknejo verskim legendam (Nebeška bitka, 1912, Ruski muzej). Ruska ikona je imela velik vpliv na Roericha: njegova dekorativna plošča Bitka pri Keržencu (1911) je bila razstavljena med uprizoritvijo istoimenskega odlomka iz opere Rimskega-Korsakova Zgodba o nevidnem mestu Kitežu in devici Fevroniji v pariške ruske sezone.

»Svet umetnosti« je bilo veliko estetsko gibanje na prelomu stoletja, ki je precenilo celotno moderno umetniško kulturo, odobrilo nove okuse in probleme, umetnosti – na najvišji strokovni ravni – vrnilo izgubljene oblike. knjižna grafika ter gledališko in dekorativno slikarstvo, ki je s svojimi prizadevanji dobilo vseevropsko priznanje, ustvarilo novo umetnostno kritiko, promoviralo rusko umetnost v tujini, pravzaprav celo odprlo nekatere njene odre, kot je rusko XVIII. »Svet umetnosti« je ustvaril nov tip zgodovinskega slikarstva, portreta, krajine s svojimi stilnimi značilnostmi (izrazite slogovne težnje, prevlada grafičnih tehnik nad slikarskimi, čisto dekorativno razumevanje barve itd.). To določa njihov pomen za rusko umetnost.

Slabosti »Sveta umetnosti« so se kazale predvsem v pestrosti in nedoslednosti programa, ki je razglašal model »ali Böcklin, potem Manet«; v idealističnih pogledih na umetnost, v prizadeti brezbrižnosti do državljanskih nalog umetnosti, v programski apatiji, v izgubi družbenega pomena slike. Intimnost "sveta umetnosti", njegov čisti estetizem je določil kratko zgodovinsko obdobje njegovega življenja v dobi grozljivih tragičnih znamenj bližajoče se revolucije. To so bili šele prvi koraki na poti ustvarjalnega iskanja in zelo kmalu so mladi prehiteli študente Sveta umetnosti.

"Zveza ruskih umetnikov"

Leta 1903 je bilo ustanovljeno eno največjih razstavnih združenj na začetku stoletja, Zveza ruskih umetnikov. Sprva so vanj vstopile skoraj vse vidne osebnosti "sveta umetnosti" - Benois, Bakst, Somov, Vrubel, Borisov-Musatov so bili udeleženci prvih razstav. Pobudniki ustanovitve združenja so bili moskovski umetniki, povezani s »svetom umetnosti«, ki pa jih je obtežila programska estetika Peterburžanov.

Nacionalna pokrajina, ljubeče naslikane podobe kmečke Rusije - ena glavnih zvrsti umetnikov "Unije", v kateri se je "ruski impresionizem" izražal na svojevrsten način s svojimi pretežno podeželskimi in ne mestnimi motivi. Torej pokrajine I.E. Grabar (1871-1960) je s svojim liričnim razpoloženjem, z najfinejšimi slikarskimi odtenki, ki odsevajo hipne spremembe resnične narave, na ruskih tleh nekakšna vzporednica francoski impresionistični pokrajini (»Septemberski sneg«, 1903, Državna Tretjakovska galerija). Grabarja zanimanje za razgradnjo vidne barve na spektralne, čiste barve palete povezuje tudi z neoimpresionizmom, z J. Seuratom in P. Signacom (»Marčni sneg«, 1904, Državna Tretjakovska galerija). Igra barv v naravi, zapleteni koloristični učinki postanejo predmet natančnega preučevanja »zaveznikov«, ki na platnu ustvarjajo slikovit in plastičen figurativni svet, brez pripovednosti in ilustrativnosti.

Z vsem zanimanjem za prenos svetlobe in zraka v slikarstvu mojstrov "Unije" nikoli ni opaziti raztapljanja predmeta v svetlobno-zračnem mediju. Barva postane dekorativna.

"Zavezniki" so v nasprotju s peterburškimi - grafiki "sveta umetnosti" - večinoma slikarji s poudarjenim dekorativnim občutkom za barvo. Odličen primer tega so slike F.A. Maljavin.

Na splošno so zavezniki gravitirali ne le k pleneristični študiji, ampak tudi k monumentalnim slikarskim formam. Do leta 1910, v času razkola in sekundarnega oblikovanja »Sveta umetnosti«, je bilo na razstavah »Unije« mogoče videti intimno krajino (Vinogradov, Yuon itd.), slikarstvo blizu francoskemu divizionizmu (Grabar). , zgodnji Larionov) ali blizu simbolizmu (P. Kuznetsov, Sudeikin); udeležili so se jih tudi umetniki Djagiljevega "sveta umetnosti" - Benois, Somov, Bakst.

"Zveza ruskih umetnikov" s trdnimi realističnimi temelji, ki je imela pomembno vlogo v domači likovni umetnosti, je imela določen vpliv na oblikovanje sovjetske slikarske šole, ki je obstajala do leta 1923.

Leta 1907 je v Moskvi revija Zlato runo organizirala edino razstavo umetnikov po Borisovu-Musatovu, imenovano Modra vrtnica. P. Kuznetsov je postal vodilni umetnik Modre vrtnice. »Modri ​​medvedi« so najbližji simbolizmu, ki se je izražal predvsem v njihovem »jeziku«: nestalnost razpoloženja, nejasna, neprevedljiva muzikalnost asociacij, izčiščenost barvnih razmerij. Estetska platforma udeležencev razstave je vplivala tudi v naslednjih letih, ime te razstave pa je postalo domače ime za celoten trend v umetnosti v drugi polovici 900-ih. Celotna dejavnost »Modre vrtnice« nosi tudi najmočnejši pečat vpliva secesijskega stila (ploskovno-dekorativna stilizacija oblik, muhasti linearni ritmi).

Dela P. V. Kuznetsova (1878-1968) odražajo osnovna načela modrih medvedov. Kuznetsov je ustvaril dekorativno ploščo, v kateri je želel abstrahirati od vsakdanje konkretnosti, prikazati enotnost človeka in narave, stabilnost večnega cikla življenja in narave, rojstvo človeške duše v tej harmoniji. Od tod želja po monumentalnih slikarskih oblikah, sanjavo-kontemplativnih, očiščenih vsega trenutnega, univerzalnih, brezčasnih notah, nenehna želja po podajanju duhovnosti materije. Slika je le znak, ki izraža pojem; barva služi za izražanje občutkov; ritem - da bi vpeljali v določen svet občutkov (kot v ikonskem slikarstvu - simbol ljubezni, nežnosti, žalosti itd.). Od tod sprejem enakomerne porazdelitve svetlobe po celotni površini platna kot enega od temeljev dekorativnosti Kuznecova. Serov je dejal, da narava P. Kuznecova "diha". To je odlično izraženo v njegovih kirgiških (stepskih) in buharskih suitah, v srednjeazijskih pokrajinah. Kuznetsov je študiral tehnike staro ruskega ikonopisa, zgodnje italijanske renesanse. Ta poziv k klasičnim tradicijam svetovne umetnosti v iskanju lastnega velikega sloga, kot so pravilno ugotovili raziskovalci, je bil temeljnega pomena v obdobju, ko so bile vsakršne tradicije pogosto popolnoma zanikane.

Eksotika vzhoda - Iran, Egipt, Turčija - se uresničuje v krajinah M. S. Saryana (1880-1972). Vzhod je bil naravna tema za armenskega umetnika. Saryan v svojem slikarstvu ustvarja svet, poln svetle dekorativnosti, bolj strasten, bolj zemeljski kot Kuznecov, slikovna rešitev pa je vedno zgrajena na kontrastnih barvnih razmerjih, brez nians, v ostri senčni primerjavi (»Datljeva palma, Egipt«, 1911). , zemljevidi. , tempera, GTG).

Podobe Saryana so monumentalne zaradi posploševanja oblik, velikih barvitih ravnin, splošne lapidarnosti jezika - to je praviloma posplošena podoba Egipta, bodisi Perzije, domače Armenije, hkrati pa ohranja vitalno naravnost, kot če je zapisano iz narave. Saryanova dekorativna platna so vedno vesela, ustrezajo njegovi ideji o ustvarjalnosti: »... umetniško delo je sam rezultat sreče, to je ustvarjalnega dela. Posledično naj v gledalcu zaneti plamen ustvarjalnega gorenja, prispeva k prepoznavanju njegove naravne želje po sreči in svobodi.

"Jack of Diamonds"

Leta 1910 se je vrsta mladih umetnikov - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova in drugi - združila v organizacijo Jack of Diamonds, ki je imela svoj lastno listino, prirejal razstave in izdajal lastne zbirke člankov. Diamantni jack je dejansko obstajal do leta 1917. Ker je bil postimpresionizem, predvsem Cezannov, »reakcija na impresionizem«, je »Diamantni jack« nasprotoval nejasnosti, neprevedljivosti, najtanjšim niansam simbolne govorice »modrega«. Rose« in estetski stilizem »Sveta umetnosti«. "Knave of Diamonds", ki ga je odnesla materialnost, "materialnost" sveta, je izpovedal jasno konstrukcijo slike, poudaril objektivnost oblike, intenzivnost, polnost barve. Ni naključje, da tihožitje postane najljubši žanr "valetovcev", tako kot krajina postane najljubši žanr članov Zveze ruskih umetnikov. Prefinjenost pri prenašanju sprememb razpoloženj, psihologizem značilnosti, podcenjenost stanj, dematerializacija slike "Modrih nosilcev", njihovo romantično poezijo zavračajo "Valetovci". Nasprotuje jim skoraj spontana prazničnost barv, ekspresivnost konturne risbe, sočna pastozna široka pisava, ki podajajo optimistično vizijo sveta, ustvarjajo skoraj farsično, kvadratno razpoloženje. "Klave of Diamonds" dopušča takšne poenostavitve v interpretaciji forme, ki so podobne popularnemu ljudskemu tisku, ljudski igrači, poslikavi ploščic, napisu. Hrepenenje po primitivizmu (iz latinščine primitivus - primitiven, začetni) se je pokazalo v različnih umetnikih, ki so posnemali poenostavljene oblike umetnosti tako imenovanih primitivnih obdobij - primitivnih plemen in narodnosti - v iskanju neposrednosti in celovitosti umetniškega dojemanja. »Dijamantni jack« je svoje zaznave črpal iz Cezanna (od tod včasih tudi ime »ruski cezanneizem«), še bolj iz kubizma (»premik« oblik) in celo iz futurizma (dinamika, različne modifikacije forme.

Izjemna poenostavljenost forme, neposredna povezava z umetnostjo označevanja je še posebej opazna pri M.F. Larionov (1881-1964), eden od ustanoviteljev "Jack of Diamonds", vendar je že leta 1911 prekinil z njim. Larionov slika pokrajine, portrete, tihožitja, dela kot gledališki umetnik antrepreze Diaghilev, nato se obrne na žanrsko slikarstvo, njegova tema je življenje provincialne ulice, vojašnice. Forme so ploskovite, groteskne, kot namerno stilizirane kot otroška risba, popularni tisk ali tabla. Leta 1913 je Larionov objavil svojo knjigo "Luchism" - pravzaprav prvi od manifestov abstraktne umetnosti, katere resnični ustvarjalci v Rusiji so bili V. Kandinsky in K. Malevich.

Umetnik N.S. Gončarova (1881-1962), žena Larionova, je razvila iste težnje v svojih žanrskih slikah, večinoma na kmečko temo. V obravnavanih letih je v njenem delu, bolj dekorativnem in barvitem od umetnosti Larionova, monumentalnem v svoji notranji moči in jedrnatosti, močno čutiti strast do primitivizma. Pri opisovanju dela Gončarove in Larionova se pogosto uporablja izraz "neoprimitivizem".

M.Z. Chagall (1887-1985) je ustvarjal fantazije, preoblikovane iz dolgočasnih vtisov malomeščanskega življenja v Vitebsku in interpretirane v naivno-poetičnem in groteskno-simboličnem duhu. Z nadrealističnim prostorom, svetlimi barvami, namerno primitivizacijo oblike se Chagall izkaže za blizu tako zahodnemu ekspresionizmu kot primitivni ljudski umetnosti (»Jaz in vas«, 1911, Muzej sodobne umetnosti, New York; »Nad Vitebskom«, 1914 , sodelavec Zak. Toronto; "Poroka", 1918, Državna galerija Tretyakov).

"Zveza mladih"

Zveza mladih je organizacija iz Sankt Peterburga, ustanovljena skoraj sočasno z Jack of Diamonds (1909). Glavno vlogo v njem je igral L. Zheverzheev. Tako kot "valetovci" so člani "Zveze mladih" izdajali teoretične zbirke. Do propada društva 1917. "Zveza mladih" ni imela posebnega programa, ki je zagovarjal simbolizem, kubizem in futurizem in "neobjektivnost", vendar je imel vsak od umetnikov svoj ustvarjalni obraz.

Umetnost predrevolucionarnih let v Rusiji zaznamujeta nenavadna kompleksnost in nedoslednost umetniških iskanj, od tod zaporedna združevanja z lastnimi programskimi nastavitvami in slogovnimi simpatijami. Toda poleg eksperimentatorjev na področju abstraktnih oblik v takratni ruski umetnosti so še naprej delovali »Svet umetnosti« in »goluboroziti«, »zavezniki«, »lapovi z diamanti«, obstajal tudi močan tok neoklasičnih tokov, primer tega je lahko delo aktivnega člana "mirske umetnosti" v njegovi "drugi generaciji" Z. E. Serebryakova (1884-1967). Serebrjakova v svojih poetičnih žanrskih platnih z lakonsko risbo, otipljivo čutno plastično oblikovanjem in uravnoteženostjo kompozicije izhaja iz visokih nacionalnih tradicij ruske umetnosti, predvsem Benecijanova in še dlje - starodavne ruske umetnosti (»Kmetje«, 1914, Ruski muzej; "Žetev", 1915, Umetnostni muzej v Odesi; "Beljenje platna", 1917, Državna galerija Tretyakov).

Nazadnje, sijajen dokaz vitalnosti narodnih tradicij, veliko starodavno rusko slikarstvo, je delo K. S. Petrov-Vodkina (1878-1939), umetnika-misleca, ki je pozneje postal najvidnejši mojster umetnosti sovjetskega obdobja. V znameniti sliki Kopanje rdečega konja (1912, pet) se je umetnik zatekel k figurativni metafori. Kot je bilo pravilno ugotovljeno, mladenič na svetlo rdečem konju vzbuja asociacije na priljubljeno podobo sv. Jurija Zmagovalca ("Sveti Egor") in posplošeno silhueto, ritmično, kompaktno kompozicijo, nasičenost kontrastnih barvnih madežev, ki zvok v polni moči, ploskost v interpretaciji oblik pa vodi v spomin na starodavno rusko ikono. Harmonično razsvetljeno podobo ustvarja Petrov-Vodkin v monumentalni sliki "Dekleta na Volgi" (1915, Državna Tretjakovska galerija), v kateri čuti tudi svojo usmerjenost k tradiciji ruske umetnosti, ki vodi mojstra do prave narodnosti.

Arhitektura

Obdobje visoko razvitega industrijskega kapitalizma je povzročilo pomembne spremembe v arhitekturi, predvsem v arhitekturi mesta. Obstajajo nove vrste arhitekturnih struktur: tovarne, postaje, trgovine, banke, s prihodom kina - kinematografi. Prevrat so naredili novi gradbeni materiali: armirani beton in kovinske konstrukcije, ki so omogočile zamašitev velikanskih prostorov, izdelavo ogromnih izložb in ustvarjanje bizarnih vzorcev vezav.

V zadnjem desetletju 19. stoletja je arhitektom postalo jasno, da je arhitektura pri uporabi preteklih zgodovinskih stilov zašla v slepo ulico, po mnenju raziskovalcev pa je treba, po mnenju raziskovalcev, ne »preurejati« zgodovinskih stilov, temveč ustvarjalno dojemati novo, ki se je kopičilo v okolju hitro rastočega kapitalističnega mesta. Zadnja leta 19. - zgodnje 20. stoletje je čas prevlade moderne v Rusiji, ki se je na Zahodu oblikovala predvsem v belgijski, južnonemški in avstrijski arhitekturi, fenomenu na splošno kozmopolitskega (čeprav se tu ruska moderna razlikuje od zahodne evropsko, ker je mešanica z zgodovinsko neorenesanso, neobarokom, neorokokojem itd.).

Osupljiv primer Art Nouveauja v Rusiji je bilo delo F.O. Shekhtel (1859--1926). Donosne hiše, dvorci, zgradbe trgovskih podjetij in postaj - v vseh žanrih je Shekhtel pustil svoj rokopis. Zanj je učinkovita asimetrija stavbe, organsko povečanje prostornine, drugačnost fasad, uporaba balkonov, verand, erkerjev, sandrik nad okni, uvedba stilizirane podobe lilij ali irisov v prostor. arhitekturni dekor, uporaba vitražov z enakim ornamentskim motivom, različne teksture materialov v notranji opremi. Nenavaden vzorec, zgrajen na zavojih linij, se razteza na vse dele stavbe: mozaični friz, ki ga ljubi secesija, ali pas glaziranih keramičnih ploščic v obledelih dekadentnih barvah, vitražne okove, vzorec ograje, balkonske rešetke; na sestavo stopnic, celo na pohištvo itd. Vse prevladujejo muhasti ukrivljeni obrisi. V secesiji je mogoče zaslediti določeno evolucijo, dve razvojni stopnji: prva je dekorativna, s posebno strastjo do ornamenta, dekorativnega kiparstva in slikarstva (keramika, mozaiki, vitraži), druga je bolj konstruktivna, racionalistična.

Art Nouveau je v Moskvi dobro zastopan. V tem obdobju so bile tu zgrajene železniške postaje, hoteli, banke, dvorci premožnega meščanstva, najemniške hiše. Dvorec Rjabušinski pri Nikitskih vratih v Moskvi (1900-1902, arhitekt F. O. Šehtel) je tipičen primer ruske secesije.

Sklicujte se na tradicijo starodavne ruske arhitekture, vendar s tehnikami modernosti, ne kopirajte naturalističnih podrobnosti srednjeveške ruske arhitekture, ki je bila značilna za "ruski slog" sredine 19. stoletja, ampak jo svobodno spreminjajte, poskušajte prenašati sam duh starodavne Rusije, je povzročilo tako imenovani neo-ruski slog začetka 20. stoletja (včasih imenovan neoromantika). Njegova razlika od same secesije je predvsem v prikrivanju in ne v razkrivanju, kar je značilno za secesijo, notranja zgradba stavbe in uporabni namen za zapleteno zapleteno ornamentiko (Šehtel - postaja Jaroslavski v Moskvi, 1903-1904; A.V. Ščusev). - postaja Kazansky v Moskvi, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - stara stavba Tretjakovske galerije, 1900-1905). Tako Vasnecov kot Ščusev, vsak na svoj način (drugi pa pod zelo velikim vplivom prvega), sta bila prežeta z lepoto staroruske arhitekture, zlasti Novgoroda, Pskova in zgodnje Moskve, cenila njeno nacionalno identiteto in jo ustvarjalno interpretirala. obrazci.

Art Nouveau se ni razvil le v Moskvi, ampak tudi v Sankt Peterburgu, kjer se je razvil pod nedvomnim vplivom skandinavske, tako imenovane "severne moderne": P.Yu. Suzor v letih 1902-1904 zgradi stavbo podjetja Singer na Nevskem prospektu (zdaj Hiša knjig). Zemeljska krogla na strehi stavbe naj bi simbolizirala mednarodno naravo dejavnosti podjetja. Fasada je bila obložena z dragimi kamni (granit, labradorit), bronom in mozaiki. Toda tradicije monumentalnega peterburškega klasicizma so vplivale na peterburški modernizem. To je služilo kot spodbuda za nastanek druge veje modernosti - neoklasicizma 20. stoletja. V dvorcu A.A. Polovtsov na otoku Kamenny v Sankt Peterburgu (1911-1913) arhitekt I.A. Fomin (1872-1936) je v celoti vplival na značilnosti tega sloga: fasada (osrednji volumen in stranska krila) je bila rešena v jonskem redu, notranjost dvorca v zmanjšani in skromnejši obliki tako rekoč ponavlja enfilada dvorane palače Tauride, vendar ogromna okna pol-rotunde zimskega vrta , stilizirana risba arhitekturnih podrobnosti jasno opredeljuje čas začetka stoletja. Dela čisto peterburške arhitekturne šole začetka stoletja - najemniške hiše - na začetku avenije Kamennoostrovsky (št. 1-3), grof M.P. Tolstoj na Fontanki (št. 10-12), stavbe b. Banka Azov-Don na Bolshaya Morskaya in hotel Astoria pripadata arhitektu F.I. Lidval (1870-1945), eden najvidnejših mojstrov peterburške secesije.

Art Nouveau je bil eden najpomembnejših stilov, ki je končal 19. stoletje in začel naslednje. V njej so bili uporabljeni vsi sodobni dosežki arhitekture. Moderna ni samo določen konstruktiven sistem. Od vladavine klasicizma je modernost morda najbolj dosleden slog v smislu celostnega pristopa, ansambelske rešitve notranjosti. Art Nouveau je kot slog zajel umetnost pohištva, posode, tkanin, preprog, vitrajev, keramike, stekla, mozaikov, povsod je prepoznaven po izrisanih konturah in linijah, posebni barvni paleti obledelih, pastelnih barv in njegov najljubši vzorec lilij in perunik.

Kiparstvo

Rusko kiparstvo na prehodu iz 19. v 20. stoletje. in prva predrevolucionarna leta predstavlja več pomembnih imen. Najprej je to P.P. Trubeckoj (1866-1938). Njegova zgodnja ruska dela (portret Levitana, podoba Tolstoja na konju, oba - 1899, bron) dajejo popolno sliko impresionistične metode Trubetskoya: oblika je tako rekoč vsa prežeta s svetlobo in zrakom, dinamična, zasnovana za gledanje. z vseh zornih kotov in iz različnih kotov ustvarja večplastno karakterizacijo podobe. Najznamenitejše delo P. Trubetskoya v Rusiji je bil bronasti spomenik Aleksandru III, postavljen leta 1909 v Sankt Peterburgu na Znamenskem trgu. Tu Trubetskoy zapusti svoj impresionistični slog. Raziskovalci že večkrat ugotavljajo, da je Trubeckova podoba cesarja tako rekoč razrešena, v nasprotju s Falconetovo, poleg Bronastega jezdeca pa je to skoraj satirična podoba avtokracije. Zdi se nam, da ima to nasprotje drugačen pomen; ne Rusija, »dvignjena na zadnje noge«, kot ladja, ki se je spustila v evropske vode, temveč Rusijo miru, stabilnosti in moči simbolizira ta jezdec, ki težko sedi na težkem konju.

Impresionizem v svojevrstnem, zelo individualnem ustvarjalnem lomu je našel izraz v delih A. S. Golubkina (1864-1927). V podobah Golubkine, zlasti ženskih, je veliko visoke moralne čistosti, globoke demokracije. Najpogosteje so to podobe navadnih revnih ljudi: izčrpanih žensk ali bolehnih »otrokov ječe«.

Najbolj zanimiva stvar v delu Golubkine so njeni portreti, vedno dramatično intenzivni, kar je na splošno značilno za delo tega mojstra, in nenavadno raznoliki (portret V.F. Erna (les, 1913, Državna Tretjakovska galerija) ali doprsni kip Andreja Belega ( gips, 1907, Državna galerija Tretyakov)).

V delu Trubeckoya in Golubkine je kljub vsem njunim razlikam nekaj skupnega: značilnosti, ki ju povezujejo ne le z impresionizmom, temveč tudi z ritmom tekočih linij in oblik modernosti.

Impresionizem, ki je zajel kiparstvo začetka stoletja, je malo vplival na delo S. T. Konenkova (1874-1971). Marmorna "Nike" (1906, Državna galerija Tretyakov) z jasno portretnimi (poleg tega slovanskimi) potezami okroglega obraza z jamicami na licih napoveduje dela, ki jih je Konenkov izvedel po potovanju v Grčijo leta 1912. Slike grške poganske mitologije so prepletena s slovansko mitologijo. Konenkov začne delati v lesu, veliko črpa iz ruske folklore, ruskih pravljic. Od tod njegov "Stribog" (drevo, 1910, Državna Tretjakovska galerija), "Velikosil" (drevo, zasebno, zbiranje), podobe beračev in starih ljudi ("Starec-Polyevichok", 1910).

Pri oživitvi lesenega kiparstva je velika zasluga Konenkova. Ljubezen do ruskega epa, do ruske pravljice je sovpadla z "odkritjem" staroruskega ikonopisa, staroruskega lesenega kiparstva, z zanimanjem za starodavno rusko arhitekturo. Za razliko od Golubkine, Konenkov nima drame, duševnega zloma. Njegove slike so polne ljudskega optimizma.

Konenkov je bil v portretu eden prvih, ki je na začetku stoletja postavil problem barve. Njegovo barvanje kamna ali lesa je vedno zelo občutljivo, ob upoštevanju značilnosti materiala in značilnosti plastične rešitve.

Od monumentalnih del začetka stoletja je treba opozoriti na spomenik N.V. Gogol N.A. Andrejev (1873-1932), odprt v Moskvi leta 1909. To je Gogol zadnjih let svojega življenja, neozdravljivo bolan. Nenavadno izrazit je njegov žalostni profil z ostrim (»gogoljevskim«) nosom, suha postava, zavita v plašč; V lapidarnem jeziku kiparstva je Andreev prenesel tragedijo velike ustvarjalne osebnosti. V reliefnem frizu na podstavku v večfiguralnih kompozicijah so Gogoljevi nesmrtni junaki upodobljeni povsem drugače, humorno ali celo satirično.

A. T. Matvejev (1878-1960). Impresionistični vpliv svojega učitelja je premagal v svojih zgodnjih delih - v aktu (glavna tema tistih let. Stroga arhitektonika, lakonizem stabilnih posplošenih oblik, stanje razsvetljenosti, mir, harmonija odlikujejo Matveeva, ki neposredno kontrastira svoje delo s kiparstvom impresionizem.

Kot upravičeno ugotavljajo raziskovalci, so mojstrova dela zasnovana za dolgotrajno, premišljeno dojemanje, zahtevajo notranje razpoloženje, »tišino« in se takrat najbolj polno in globoko odprejo. Imajo muzikalnost plastičnih oblik, velik umetniški okus in poezijo. Vse te lastnosti so neločljivo povezane z nagrobnikom V.E. Borisov-Musatov v Tarusi (1910, granit). V figuri spečega dečka je težko videti mejo med spanjem in neobstojem, in to je storjeno v najboljših tradicijah spominske skulpture 18. stoletja. Kozlovsky in Martos, s svojim modrim umirjenim sprejemanjem smrti, ki nas popelje še dlje, do arhaičnih antičnih stel s prizori »pogrebnih poslastic«. Ta nagrobnik je vrhunec v delu Matvejeva predrevolucionarnega obdobja, ki je moral še vedno plodno delati in postati eden od znanih sovjetskih kiparjev. V predoktobrskem obdobju so se v ruskem kiparstvu pojavili številni nadarjeni mladi mojstri (S. D. Merkurov, V. I. Mukhina, I. D. Šadr itd.), Ki so v 1910-ih šele začeli svojo ustvarjalno dejavnost. Delovali so v različnih smereh, vendar so ohranili realistično tradicijo, ki so jo prinesli v novo umetnost in odigrali pomembno vlogo pri njenem oblikovanju in razvoju.

...

Podobni dokumenti

Duhovni in umetniški izvori srebrne dobe. Vzpon kulture srebrne dobe. Izvirnost ruskega slikarstva poznega XIX - začetka XX stoletja. Likovna združenja in njihova vloga v razvoju slikarstva. Kultura pokrajin in manjših mest.

seminarska naloga, dodana 19.01.2007


Preučevanje razlogov za razcep ruske kulture dvajsetega stoletja na domačo in izseljensko. Karakterizacija predstavnikov in umetniških konceptov avantgarde, realizma in undergrounda kot glavnih smeri razvoja likovne umetnosti in literature.

test, dodan 5.3.2010


Izvor in koncept simbolike. Formacija umetnika srebrne dobe. Obdobja zgodovine ruskega simbolizma: kronologija razvoja. Značilnosti žanrskega slikarstva na prelomu XIX-XX stoletja. Umetniška društva in likovne kolonije v ruskem slikarstvu.

seminarska naloga, dodana 17.06.2011


Ruska umetnost poznega XIX - začetka XX stoletja. Kiparstvo. Arhitektura. Ruska kultura je nastala in se danes razvija kot ena od vej mogočnega drevesa svetovne univerzalne kulture. Njen prispevek k svetovnemu kulturnemu napredku je nesporen.

povzetek, dodan 08.06.2004


Silhueta srebrne dobe. Glavne značilnosti in raznolikost umetniškega življenja obdobja "srebrne dobe": simbolizem, akmeizem, futurizem. Pomen srebrne dobe za rusko kulturo. Zgodovinske značilnosti razvoja kulture v poznem XIX - začetku XX stoletja.

povzetek, dodan 25.12.2007


Študija o nastanku in razvoju baroka kot umetnostnega sloga, značilnega za kulturo zahodne Evrope od konca 16. do sredine 18. stoletja. Splošne značilnosti in analiza razvoja baročnih slogov v slikarstvu, kiparstvu, arhitekturi in glasbi.

predstavitev, dodana 20.09.2011


Intenzivnost srebrne dobe v ustvarjalnih vsebinah, iskanje novih izraznih oblik. Glavne umetniške smeri "srebrne dobe". Pojav simbolizma, akmeizma, futurizma v literaturi, kubizma in abstrakcionizma v slikarstvu, simbolizma v glasbi.

povzetek, dodan 18.03.2010


Zgodovina umetnostne kulture v začetku dvajsetega stoletja. Glavne smeri, umetniški koncepti in predstavniki ruske avantgarde. Oblikovanje kulture sovjetske dobe. Dosežki in težave pri razvoju umetnosti v totalitarnih razmerah; podzemni fenomen.

predstavitev, dodana 24.02.2014


Razcvet duhovne kulture v poznem XIX - začetku XX stoletja. Pojav novih trendov in umetniških skupin. Značilnosti in razlike abstrakcionizma, avantgarde, impresionizma, kubizma, kubofuturizma, rajonizma, modernizma, simbolizma in suprematizma.

predstavitev, dodana 12.5.2015


Vpliv političnega in družbenega dogajanja na umetnost. Čas ustvarjalnega vzpona na različnih področjih kulture. Razkritje bistva modernističnega akmeizma, futurizma in simbolizma. Manifestacija Art Nouveau v moskovski arhitekturi. Literatura srebrne dobe.

»Čista« umetnost, ki oznanja vrednote, ki niso odvisne od družbenih in zgodovinskih problemov in trendov, je lep, a nerealen pojav.

Nemogoče je ustvarjati ločeno od vsakdanjega življenja, ne da bi bili pozorni na ideje, ki prevladujejo v družbi - formalni in neformalni. Na umetnost Rusije 20. stoletja so vplivale močne spremembe družbenega sistema, ki jih nobena druga država ni poznala.

Začetek stoletja, iskanje novih idej

100 let 20. stoletja je bilo obdobje pretresov brez primere za celotno civilizacijo. Do konca 20. stoletja je znanstveni in tehnološki napredek stisnil čas in prostor za ves planet, družbeni konflikti v omejeni regiji so prerasli v planetarne pretrese. Kultura in umetnost Rusije v 20. stoletju sta tako kot vse družbene dejavnosti v Evropi in Ameriki začasno povezani z najpomembnejšimi dogodki novejše zgodovine.

Čarobnost števil, ki označuje začetek novega stoletja, vedno poraja pričakovanje sprememb, upanje na nastop novega, srečnega časa. Devetnajsto stoletje, ki je ruski kulturi ustvarilo svetovno slavo, je odhajalo v preteklost in zapuščalo tradicije, ki niso mogle izginiti čez noč.

"Svet umetnosti" je bilo ime združenja umetnikov, ki je nastalo leta 1898 in je s prekinitvami obstajalo do leta 1924, brez katerega si ni mogoče predstavljati likovne umetnosti prve četrtine 20. stoletja v Rusiji. »Svet umetnosti« ni imel enega, skupnega razvitega sloga - slikarji, grafiki, kiparji so hodili vsak po svoji poti in se strinjali v pogledih na cilje umetnosti in njeno vlogo v družbi. Veliko značilnosti tega pogleda je izrazil genij Mihaila Vrubela. Formalno jedro, osnova združenja so bili L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. V različnih obdobjih so pri njem sodelovali Ya Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov in drugi mojstri.

Vsi so priznavali primat profesionalizma v umetnosti, velikansko vlogo ustvarjalne svobode in neodvisnosti umetnika od družbenih dogem, hkrati pa niso zanikali vrednosti umetnosti v človekovem življenju, protestirali proti togosti akademizma na eni strani in pretirana politizacija slikarstva Potepuhov na drugi strani. Kritiziran s strani zagovornikov tradicij, se Svet umetnosti ni mogel vključiti v burni proces rojstva "proletarskega" slikarstva, vendar je imel velik vpliv na vso likovno umetnost 20. stoletja v Rusiji - tako na tiste, ki so delali v ZSSR in na tiste, ki so končali v emigraciji.

Moderno

Zadnja desetletja devetnajstega stoletja so bila obdobje rojstva novega sloga, ki je pustil pečat v delu mojstrov likovne umetnosti in arhitekture. V nekaterih predelih Evrope je imela svoje značilnosti, kjer so jo celo drugače imenovali. V Belgiji in Franciji je bilo ime "Art Nouveau" določeno, v Nemčiji - "Art Nouveau", v Avstriji - "Secesija". Znana so tudi druga imena, povezana z najbolj znanimi umetniki tega sloga ali podjetji, ki so izdelovala pohištvo, nakit in druge izdelke v tej smeri: slog kaše, slog Guimard - v Franciji, Liberty v Italiji, v ZDA - slog Tiffany itd. Rusije 20. stoletje, zlasti arhitektura, ga poznamo kot Art Nouveau.

Art Nouveau je po dolgem obdobju slogovne brezčasnosti postal eno najbolj ekspresivnih in vizualno oblikovanih umetniških gibanj. Rastlinski, gladki značaj linij bogatega dekorja, ki je značilen zanj, v kombinaciji z geometrijsko preprostimi in ekspresivnimi oblikami velikih volumnov, je pritegnil umetnike in arhitekte s svežino in novostjo.

Fedor Osipovič Šehtel (1859-1926) - zvezda ruske arhitekturne moderne. Njegov talent je dal nacionalne značilnosti v bistvu kozmopolitskemu slogu, Shekhtelove mojstrovine - železniška postaja Yaroslavsky, dvorec Ryabushinsky - so stvaritve ruskega arhitekta, tako na splošno kot v majhnih stvareh.

Predrevolucionarna avantgarda

Proces iskanja novih oblik umetnosti in še več - njenega novega bistva - je bil pomemben za umetnost vse Evrope in Amerike. Umetnost Rusije 20. stoletja vsebuje več resnično revolucionarnih obdobij, ko je delo več reformatorjev nakazovalo nove smeri v razvoju umetniške misli. Eno najbolj osupljivih in impresivnih je bilo medrevolucionarno obdobje od 1905 do 1917. Posebnosti avantgardne umetnosti v Rusiji je povzročila kriza ruskega javnega življenja po tragedijah rusko-japonske vojne in revolucije leta 1905.

Številna avantgardna gibanja in ustvarjalna združenja, ki so nastala v tem času, so imela podobne generativne vzroke in podobne cilje umetniškega iskanja. Z močnim vplivom na glavne zvrsti umetnosti 20. stoletja v Rusiji, futuristi in kubofuturisti, "Dijamanti" in "Modra vrtnica", suprematizem Kandinskega in Maleviča so na različne načine iskali nove svetove, izražali Kriza stare umetnosti, ki je izgubila stik z realnostjo, je napovedala nastop dobe globalnih pretresov.

Med novimi idejami avantgardnih umetnikov je bila misel o Rusiji 20. stoletja, ki vsebuje strani, kot je znamenita predstava - manifest nove umetnosti "Zmaga nad soncem" (1913). Bila je rezultat skupnega dela pesnikov futuristov M. Matjušina, V. Khlebnikova, dekoracijo pa je izvedel Kazimir Malevič.

Umetniki P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, ki so s svojimi iskanji obogatili umetnost Rusije 20. stoletja, so postali avtorji slik, ki so prejele svetovno priznanje. In to priznanje se je začelo že v 10. letih 20. stoletja, v dobi rojstva avantgardnega slikarstva v moderni zgodovini.

Po oktobrski revoluciji je imela Rusija priložnost odpreti nova obzorja celemu svetu v javnem življenju, tudi v umetnosti. In sprva so bili ustvarjeni pogoji, ko je vrednost vsakega obdarjenca neizmerno rasla, v ospredje so prihajali generatorji novih ustvarjalnih idej.

Kako umetnostna zgodovina interpretira tisti čas? 20. stoletje, Rusija, burna dvajseta - to je brez primere aktivno umetniško življenje številnih ustvarjalnih združenj, med katerimi izstopajo:

UNOVIS - "Afirmacija nove umetnosti" (Malevič, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). To združenje, ustanovljeno na podlagi umetniške šole v Vitebsku, je bilo apologet umetniške avantgarde, ki je ponujalo iskanje novih tem in oblik umetnosti.

- "Štiri umetnosti" - tok v skladu s "Svetom umetnosti" Glavni cilj je prikazati ogromne izrazne možnosti arhitekture, kiparstva, grafike in slikarstva. Razglašena je bila potreba po visoki strokovnosti in ustvarjalni svobodi. Najvidnejši predstavniki: arhitekt A. V. Shchusev, grafik V. A. Favorsky, kipar V. I. Mukhina, slikarji K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva in drugi.

- "OST", "Društvo štafelajnih umetnikov". Zdelo se je, da je glavno pokazati znake začetka novega mirnega življenja, gradnjo sodobne mlade države z naprednim izraznim, a preprostim in jasnim slogom. Voditelji: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Krog umetnikov" (Leningrad). Po uradnem tečaju, razvoj "sloga dobe." Aktivni člani skupine: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Združenje umetnikov revolucionarne Rusije" - združenje, ki je postalo osnova pozneje ustanovljene Zveze umetnikov ZSSR, aktivni dirigent usmeritev za ideološko vodstvo umetniškega procesa, instrument partijske propagande, dediči potepuhov. Na čelu so bili I. I. Brodski, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson.

Konstruktivizem

V programih najprestižnejših izobraževalne ustanove Pri pripravi arhitektov vedno poteka študij na temo "Ruski konstruktivizem - arhitekturna avantgarda 20-ih let". Velik pomen ima za razumevanje gradbene umetnosti, ideje, ki jih oznanjajo voditelji te smeri, so zelo aktualne za vsak čas. Preživele zgradbe Konstantina Melnikova (arhitektova stanovanjska stavba na Krivoarbatskem pasu, Rusakov klub na Stromynki, garaža na ulici Novoryazanskaya itd.), bratov Vesnin, Mojzesa Ginzburga (hiša Narkomfin na Novinskem bulvarju) in drugih zvezd ruske arhitekture so zlati sklad ruske arhitekture.

Funkcionalnost, zavračanje nepotrebnega olepševanja, estetika zgradbe, harmonija ustvarjenega bivalnega okolja - te ideje so postale osnova za reševanje novih problemov, ki so se postavljali pred mlade arhitekte, umetnike in strokovnjake na področju, ki se je začelo imenovati industrijsko oblikovanje. . Graditi so morali množična stanovanja za nova mesta, delavske klube za vsestranski razvoj posameznika, ustvariti prostore za delo in rekreacijo novega človeka. Osupljivih dosežkov avantgarde dvajsetih let ni mogoče zaobiti, preučevanje umetnosti Rusije, Evrope in Amerike vseh kasnejših časov v veliki meri temelji na njih. Žalostno je, da so se te napredne ideje izkazale za najmanj povpraševanja v svoji domovini in "slog Stalinovega imperija" mnogi štejejo za največji dosežek sovjetske arhitekture.

Umetnost dobe totalitarizma

Leta 1932 je bil izdan odlok Centralnega komiteja Vsezvezne komunistične partije boljševikov o delu ustvarjalnih združenj. Turbulentno obdobje različnih tokov in smeri se je končalo pod vplivom državnega stroja, ki je pridobival oblast, obvladovan z ideološkim aparatom, v katerem se je krepila izključna oblast. Dolga leta je umetnost Rusije v 20. stoletju, tako kot veliko v življenju države, začela biti odvisna od mnenja ene osebe - Josifa Stalina.

Ustvarjalna združenja so postala sredstvo za podrejanje umetniške misli enotnim ideološkim merilom. Prišla je doba socializma, postopoma so vsako odstopanje od uradne smeri začeli razglašati za kaznivo, tisti, ki se ne strinjajo, so bili pod pravo represijo. Očitki o odstopanju od partijske linije so postali metoda za reševanje ustvarjalnih razprav. Progresivnost tega je zelo vprašljiva. Kako bi se na primer razvijala ruska gledališka umetnost 20. stoletja, če veliki reformator odra Vsevolod Mejerhold ne bi bil žrtev represije?

Narava umetniškega talenta je kompleksna in nerazložljiva. Podobe voditeljev so bile utelešene z veliko spretnostjo in iskrenim občutkom. Nobena najbolj brutalna represija ni mogla preprečiti pojava resnično nadarjenih umetnikov, za katere je bilo samoizražanje glavno, ne glede na ideološki okvir.

V arhitekturi je prišel čas za »stalinistični imperij«. Iskanje avantgardnih umetnikov je zamenjala vrnitev k preverjenim kanonom. Moč komunistične ideologije se je utelešala v spektakularnih primerih predelanega neoklasicizma – Stalinovih »stobotičnikih«.

Umetnost vojnega obdobja

V zgodovini naše države je čas, ki je postal največja tragedija in stopnja duhovnega vzpona brez primere. Umetnost Rusije 20-21 stoletja je dobila eno glavnih tem, ki je omogočila izražanje veličine ruskega ljudskega značaja, globine čustev, ki lahko prevzamejo posameznika in ogromne množice med zgodovinskimi pretresi.

Velika domovinska vojna se je od prvih dni izražala v vizualnih podobah neverjetne moči. Plakat I. Toidze "Matična domovina kliče!" dvignjen za obrambo države bolje kot kateri koli poveljnik, Deinekova "obramba Sevastopola" pa šokira vsakogar, ne glede na ideje, ki jih deli. Prav tako impresivna je Sedma simfonija Dmitrija Šostakoviča, ruska glasbena umetnost 20. stoletja pa se je, nič manj kot druge vrste ustvarjalnosti, poklonila temi vojne proti fašizmu.

Odtajajte

Po veliki zmagi je bil naslednji najmočnejši zgodovinski dejavnik, ki je vplival na javno življenje v ZSSR, Stalinova smrt (marec 1953) in 20. kongres CPSU, ki je sprožil vprašanje razkritja kulta osebnosti. Nekaj ​​časa je za umetnike, pa tudi za celotno družbo, zadihala svoboda ustvarjalnosti in novih idej. Generacija »šestdesetih« je zelo specifičen pojav, ki je nase pustil spomin kot kratek vdih svežega zraka, preden se je za desetletja znova potopil v močvirje odmerjenega, razporejenega, urejenega bivanja.

Prvi poskusi umetniške avantgarde "drugega vala" - dela E. Beljutina, Ju. Soosterja, V. Jankilevskega, B. Žutovskega in drugih - na razstavi, posvečeni 30. obletnici Moskve podružnice Zveze umetnikov, je ostro obsodil osebno novi voditelj države N. Hruščov. Partija je spet začela razlagati ljudem, kakšno umetnost potrebujejo, umetnikom pa, kako naj pišejo.

Arhitekturi je bilo naročeno, da se spoprime s presežki, kar je bilo upravičeno pojasnjeno z gospodarskimi težavami povojnega obdobja, prišel je čas množične stanovanjske gradnje, čas "Hruščov", ki je nekoliko odstranil ostrino stanovanjskega vprašanja, vendar iznakazil videz številnih mest.

Umetnost "razvitega socializma"

Ruska umetnost druge polovice 20. stoletja je v mnogih pogledih predvsem zgodba o soočenju med umetniško osebnostjo in prevladujočo ideologijo. Toda tudi v atmosferi ideološkega urejanja vsakega koščka duhovnega prostora so številni umetniki našli načine, kako nekoliko spremeniti predpisano metodo socialističnega realizma.

Torej, pravi zgled za mlade so bili mojstri, ki so svoja prepričanja oblikovali že v dvajsetih letih: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov in drugi. Slika nekdanjega člana umetniškega združenja "OST" Y. Pimenova "Poroka na jutrišnji ulici", napisana leta 1962, je postala simbol družbenih upov za prenovo.

Drug presenetljiv pojav v sovjetskem slikarstvu tistega časa je bil nastanek "hudega sloga". Ta izraz je označeval delo G. Korzhova, P. Ossovskega, bratov Smolin, P. Nikonova in drugih.V njihovih slikah, napisanih v različnih žanrih (vsakdanjem, zgodovinskem), se je pojavil junak, ki ni potreboval navodil, zaposlen z razumljiv in potreben posel. Upodobljen je bil brez nepotrebnih podrobnosti in kolorističnih naborov, zmogljivo in ekspresivno.

Delo takega mojstra je še posebej pomembno, saj državljanski zvok njegovih platen vsebuje za sovjetsko umetnost redko splošno humanistično, skoraj religiozno sporočilo, slikarski slog pa ima korenine v italijanski renesansi.

Nekonformizem

Uradna prevlada »socialističnega realizma« je silila neformalne umetnike, da so iskali pot do občinstva ali pa se zatekli v emigracijo. Odšli so M. Šemjakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestni in mnogi drugi. To so bili umetniki 20. stoletja v Rusiji, ki so bili nosilci duhovnih vrednot, ki jih je rodila avantgarda z začetka stoletja in so se po propadu komunistične ideologije vrnili v domovino.

In v času njegove vladavine se je pojavila notranja emigracija, iz katere je nastal popularen motiv norega, večno pijanega umetnika, prebivalca umobolnic, ki ga preganjajo oblasti in vodstva ustvarjalnih sindikatov, a visoko cenijo neodvisni zahodni strokovnjaki. Tipičen nosilec takšne podobe je bil A. Zverev - legendarna osebnost Moskve v dobi razvitega socializma.

Polistilistika in pluralizem

Ko se je osvobodila državnega diktata sovjetskega obdobja, je likovna umetnost 20. stoletja v Rusiji vstopila v svetovni proces kot njegov neločljivi del s skupnimi lastnostmi in trendi. Številne oblike ustvarjalnosti, ki jih Zahod že dolgo pozna, so domači umetniki hitro obvladali. Besede "performans", "video instalacija" ipd. so se udomačile v našem govoru, med najpomembnejšimi sodobnimi mojstri s svetovno slavo pa sodijo umetniki smerno diametralnih pogledov: Z. Cereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov in mnogi drugi.

Nevihtna, nepredvidljiva novejša zgodovina države, ki zavzema šestino zemeljskega ozemlja, gleda v svoje ogledalo - umetnost Rusije 20. stoletja - in se v njem odraža s tisoči nepozabnih podob ...

1. Umetnost Rusije ob koncu 20. stoletja. Zadnje desetletje 20. stoletja v Rusiji je bilo polno političnih in gospodarskih dogodkov, ki so korenito spremenili razmere v državi. Razpad Unije leta 1991 in sprememba politične usmeritve, prehod na tržne odnose in jasno usmeritev v zahodni model gospodarskega razvoja ter nazadnje oslabitev, vse do popolne odprave, ideološkega nadzora - vse to v zgodnja devetdeseta leta prejšnjega stoletja so prispevala k temu, da se je kulturno okolje začelo hitro spreminjati. Liberalizacija in demokratizacija države je prispevala k razvoju in uveljavljanju novih trendov in smeri v nacionalni umetnosti. Razvoj umetnosti v devetdesetih letih prejšnjega stoletja v Rusiji poteka s pojavom trendov, značilnih za postmodernizem, s pojavom nove generacije mladih umetnikov, ki delujejo na področjih, kot so: konceptualizem, računalniška grafika, neoklasicizem povezanih z razvojem računalniške tehnologije v Rusiji. »Novi ruski neoklasicizem«, ki izvira iz klasičnega eklekticizma, je postal »večplastni diamant«, ki združuje različne smeri, ki pred dobo modernizma niso pripadale »klasiki«. Neoklasicizem- to je smer v umetnosti, v kateri umetniki oživljajo klasične tradicije slikarstva, grafike, kiparstva, a hkrati aktivno uporabljajo najnovejše tehnologije. Britanski zgodovinar in umetnostni teoretik Edward Lucy Smith je ruski neoklasicizem označil za "prvi izrazit pojav ruske kulture, ki je vplival na svetovni umetniški proces po Kazimirju Maleviču". Neoklasicizem je zahteval drugačen odnos do antike kot klasicisti. Zgodovinski pogled na Grška kultura naredila antična dela ne absolut, ampak konkreten zgodovinski ideal, zato je posnemanje Grkov dobilo drugačen pomen: v dojemanju antične umetnosti ni bila v ospredju njena normativnost, temveč svoboda, pogojenost pravil. ki bo kasneje postal kanon, pravo življenje ljudi. D.V. Sarabjanov se zdi neoklasicizem nekakšen »zaplet« moderne. Z enako verjetnostjo lahko neoklasicizem štejemo za pozno moderno in samostojno smer. V delu "novih umetnikov" ni čiste modernosti ali ločenega neoklasicizma, vedno delujejo med seboj povezani, umetniki nove akademije so združili več trendov v vizualni umetnosti hkrati: avantgardo, postmodernizem, klasicizem v " kolažni prostor«. Dela »novih umetnikov« so eklektična, saj združujejo računalniško grafiko, jedkanico, slikarstvo in fotografijo. Umetniki so digitalizirali končana dela, izbrali potrebne fragmente in ustvarili kolaže ter mojstrsko obnovili kostume in dekor antike. Kombinacija tradicionalne metode z zmožnostmi računalniških grafičnih programov so razširili ustvarjalni potencial umetnikov. Kolaže so sestavljali iz skeniranega materiala, nanje dodajali umetniške posebne učinke, jih deformirali in ustvarjali iluzorne kompozicije. Najvidnejši predstavniki peterburškega neoklasicizma v zgodnjih devetdesetih letih so bili O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoklasicizem Toberluts je ena od manifestacij romantike. Njena dela utelešajo čustva človeka, sanje, plemenitost, nekaj navdušenega in obrnjenega k neuresničljivemu idealu. . Umetnica sama postane junakinja svojih del. Slogovno lahko delo O. Toberlutsa opredelimo kot neoklasicizem, ki je prešel skozi postmoderno zavest, kot eklektičen svet, ki prikazuje starodavne templje, renesančne interierje, nizozemske mline na veter in kostume oblikovalca K. Goncharova kot pridih modernosti. Neomejene možnosti računalniške grafike naredijo dela O.Tobrelutsa fantastična in nadnaravna. S pomočjo računalniške tehnologije E.Sheff se vrne v staro Grčijo, nato v stari Rim in v svojih kolažih ustvarja podobe antične mitologije. V seriji "Miti o Ludwigu" umetnik je uporabil fotografije grških skulptur, arhitekturnih struktur in na njih prekrival učinke antike. S pomočjo računalniške tehnologije umetnik obnavlja izvirnost Koloseja in vodi vznemirljive izlete po njem. Digitalno slikanje Šutov predstavlja čustveni ekvivalent njegovih številnih hobijev. Vsebuje tako grške klasike in odmeve etnografskih raziskav kot tudi elemente mladinske subkulture.Tako je mogoče ugotoviti, da je bil konec 20. stoletja prelomnica ne le v političnem in gospodarskem življenju Rusije, ampak tudi v umetnost. V devetdesetih letih 20. stoletja se je v vizualni umetnosti ustanovil močan trend "novi ruski neoklasicizem". Razvoj računalniških tehnologij v Rusiji je razširil ustvarjalni potencial umetnikov, novi umetniki so z uporabo novih tehnologij ustvarili klasična dela. Glavna stvar ni tehnika in tehnologija, ampak estetika. Moderna umetnost je lahko tudi klasična. 2. Umetnost Rusije na začetku 21. stoletja. Značilnost likovne umetnosti na prehodu iz 20. v 21. stoletje je, da se je osvobodila cenzurnega zatiranja, vpliva države, ne pa tudi tržnega gospodarstva. Če so v času Sovjetske zveze poklicnim umetnikom zagotavljali paket socialnih jamstev, so njihove slike kupovali za državne razstave in galerije, zdaj pa se lahko zanesejo le na lastno moč. Toda rusko slikarstvo ni umrlo in se spremenilo v podobo zahodnoevropske in ameriške umetnosti, še naprej se razvija na podlagi ruske tradicije. Sodobno umetnost razstavljajo galerije sodobne umetnosti, zasebni zbiratelji, komercialne korporacije, državne umetniške organizacije, muzeji sodobne umetnosti, umetniški ateljeji ali umetniki sami v prostoru, ki ga vodijo umetniki. Sodobni umetniki prejemajo finančno podporo s štipendijami, priznanji in nagradami ter prejemajo sredstva od prodaje svojih del. Ruska praksa se v tem pogledu nekoliko razlikuje od zahodne. Muzeji, bienali, festivali in sejmi sodobne umetnosti postopoma postajajo orodja za privabljanje kapitala, naložbe v turistično dejavnost ali del državne politike. Zasebni zbiratelji imajo velik vpliv na celoten sistem sodobne umetnosti. V Rusiji eno največjih zbirk sodobne umetnosti hrani nedržavni muzej sodobne umetnosti Erarta v Sankt Peterburgu. Trendi v sodobni umetnosti: Nespektakularna umetnost- trend v sodobni umetnosti, ki zavrača spektakel in teatralnost. Primer takšne umetnosti je performans poljskega umetnika Pavla Althamerja "Script Outline" na razstavi "Manifesta" leta 2000. V Rusiji je ponudil svojo različico nespektakularne umetnosti Anatolij Osmolovski Ulična umetnost(Angleščina) ulična umetnost- ulična umetnost) - vizualna umetnost, posebnost ki je izrazit urbani slog. Glavni del ulične umetnosti so grafiti (sicer sprej art), vendar se ne more šteti, da je ulična umetnost grafiti. Ulična umetnost vključuje tudi plakate (nekomercialne), šablone, različne kiparske instalacije itd. V ulični umetnosti je pomemben vsak detajl, malenkost, senca, barva, linija. Umetnik ustvari lasten stiliziran logotip - "unikatni znak" in ga upodablja na delih urbane krajine. Najpomembnejša stvar ulične umetnosti ni prilaščanje ozemlja, temveč vključitev gledalca v dialog in prikaz drugačnega zapletnega programa. Zadnje desetletje zaznamuje raznolikost smeri, ki jih izbira ulična umetnost. Mladi pisci, ki občudujejo starejšo generacijo, se zavedajo pomena razvijanja lastnega sloga. Tako nastajajo nove veje, ki gibanju napovedujejo bogato prihodnost. Nove raznolike oblike ulične umetnosti včasih po obsegu presegajo vse, kar je bilo ustvarjeno prej. Aerografija - ena od slikarskih tehnik likovne umetnosti, ki uporablja zračni čopič kot orodje za nanašanje tekočega ali praškastega barvila s stisnjenim zrakom na katero koli površino. Lahko se uporabi tudi barva v spreju. Zaradi široke uporabe airbrushinga in pojava velikega števila različnih barv in sestavkov je airbrushing dobil nov zagon za razvoj. Zdaj se airbrushing uporablja za ustvarjanje slik, retuširanje fotografij, prepariranje, modeliranje, poslikavo tekstila, stensko poslikavo, body art, poslikavo nohtov, poslikavo spominkov in igrač, poslikavo posode. Pogosto se uporablja za risanje slik na avtomobilih, motorjih, drugi opremi, v tiskarstvu, oblikovanju itd. Zaradi tankega sloja barve in zmožnosti gladkega razprševanja na površino je mogoče doseči odlične dekorativne učinke, kot so gladki barvni prehodi, tridimenzionalnost, fotografski realizem nastale slike, imitacija grobe teksture z idealno gladkostjo površine.

Teme in vprašanja seminarjev;

Tema 1. Osnovni pojmi umetnostne zgodovine in umetnostne zgodovine.

vprašanja:

1. Problem klasifikacije umetnosti.

2. Pojem "umetniško delo". Nastanek in naloga umetniškega dela. Delo in umetnost.

3. Bistvo, cilji, naloge umetnosti.

4. Funkcije in pomen umetnosti.

5. Koncept "sloga". Umetniški slog in njegov čas.

6. Klasifikacija umetnosti.

7. Zgodovina nastanka in oblikovanja umetnostne kritike.

Teme za razpravo:

1. Obstaja 5 definicij umetnosti. Kaj je značilno za vsakega od njih? Kateri definiciji sledite? Lahko oblikujete svojo definicijo umetnosti?

2. Kaj je namen umetnosti?

3. Kako lahko definirate umetniško delo? Kako sobivata "umetnina" in "umetnina"? Razloži proces nastanka umetniškega dela (po I. Ten). Kakšna je naloga umetniškega dela (po P.P. Gnediču)?

4. Naštejte 4 glavne funkcije umetnosti (po I.P. Nikitini) in štiri

možno razumevanje pomena umetnosti.

5. Opredelite pomen pojma "slog". Katere sloge evropske umetnosti poznate? Kaj je "umetniški slog", "umetniški prostor"?

6. Naštejte in na kratko opišite zvrsti umetnosti: prostorske, časovne, prostorsko-časovne in spektakularne umetnosti.

7. Kaj je predmet umetnostne zgodovine?

8. Kakšna je po vašem mnenju vloga muzejev, razstav, galerij, knjižnic pri preučevanju umetnostnozgodovinskih del?

9. Značilnosti antične misli o umetnosti: Ohranjeni podatki o prvih zgledih literature o umetnosti ("Kanon" Polikleta, razprave Durisa, Ksenokrata). "Topografska" smer v literaturi o umetnosti: "Opis Hellas" Pavzanija. Opis umetnin Lucijana. Pitagorejski koncept "kozmosa" kot harmonične celote, podvržene zakonom "harmonije in števila" in njegov pomen za začetke teorije arhitekture. Zamisel o redu in razmerju v arhitekturi in urbanizmu. Podobe idealnega mesta v spisih Platona (šesta knjiga Zakonov, dialog Kritija) in Aristotela (sedma knjiga Politike). Razumevanje umetnosti v starem Rimu. "Prirodoslovje" Plinija starejšega (1. stoletje n. št.) kot glavni vir informacij o zgodovini antične umetnosti. Vitruvijeva razprava: sistematična razlaga klasične arhitekturne teorije.

10. Usoda starodavnih tradicij v srednjem veku in značilnosti srednjeveških predstav o umetnosti: Estetski pogledi na srednji vek (Avguštin, Tomaž Akvinski), vodilna estetska misel: Bog je vir lepote (Avguštin) in njen pomen za umetnostna teorija in praksa. Ideja "prototipa". Značilnosti srednjeveške literature o umetnosti. Praktično-tehnološki priročniki na recept: "Vodnik slikarjev" z gore Afaon Dionizij Furnagrafiot, "O barvah in umetnostih Rimljanov" Heraklija, "Schedula" (Schedula - študent) Teofila. Opis arhitekturnih spomenikov v kronikah in življenjih svetnikov.

11. Renesansa kot prelomnica v zgodovini razvoja evropske umetnosti in umetnostne zgodovine. Nov odnos do antike (preučevanje spomenikov antike). Razvoj sekularnega pogleda na svet in nastanek eksperimentalne znanosti. Oblikovanje nagnjenosti k zgodovinski in kritični interpretaciji pojavov umetnosti: "Komentarji" Lorenza Ghibertija, Razprave o posebnih vprašanjih - urbanistično načrtovanje (Filaret), razmerja v arhitekturi (Francesco di Giorgio), perspektiva v slikarstvu (Piero dela Francesca). Teoretično razumevanje renesančne prelomnice v razvoju umetnosti in izkušnje humanističnega preučevanja antične dediščine v razpravah Leona Batiste Albertija (»O kipu«, 1435, »O slikarstvu«, 1435-36, »O arhitekturi«). «), Leonardo da Vinci (»Traktat o slikarstvu«, objavljen posthumno), Albrecht Dürer (Štiri knjige o človeških razmerjih, 1528). Kritika Vitruvijeve arhitekturne teorije v "Desetih knjigah o arhitekturi" (1485) Leona Baptista Albertija. Vitruvijeva "Akademija hrabrosti" in njene dejavnosti pri preučevanju in prevajanju Vitruvijevega dela. Traktat Giacoma da Vignole "Pravilo petih redov arhitekture" (1562). Štiri knjige o arhitekturi (1570) Andree Palladia so klasičen epilog v zgodovini renesančne arhitekture. Vloga Palladia v razvoju arhitekturnih idej baroka in klasicizma. Palladio in paladianizem.

12. Glavne faze oblikovanja zgodovinske umetnostne zgodovine v sodobnem času: od Vasarija do Winckelmanna: »Življenja najvidnejših slikarjev, kiparjev in arhitektov« Giorgio Vasari (1550, 1568) kot mejnik v zgodovini oblikovanja umetnostne kritike. "Knjiga umetnikov" Karla Van Manderja kot nadaljevanje Vasarijevih biografij na materialu nizozemskega slikarstva.

13. Misleci 18. stoletja o problemih oblikovanja sloga v umetnosti, o umetniških metodah, mestu in vlogi umetnika v družbi: racionalizem v umetnostni zgodovini. Klasična teorija Nicolasa Poussina. Teoretični program klasicizma v "Pesniški umetnosti" Nicolasa Bualla (1674) in "Pogovorih o najslavnejših slikarjih, starih in novih" A. Felibena (1666-1688).

14. Razsvetljenstvo (18. stoletje) ter teoretični in metodološki problemi umetnosti. Oblikovanje nacionalnih šol v okviru splošne teorije umetnosti. Razvoj umetnostne kritike v Franciji. Vloga salonov v francoskem umetniškem življenju. Recenzije salonov kot vodilnih oblik likovne kritične literature. Spori o nalogah umetnostne kritike (vrednotenje ustvarjalnosti ali izobraževanje javnosti). Značilnosti nemške umetnostne zgodovine. Prispevek k teoriji likovnih umetnosti Gottholda Ephraima Lessinga. Traktat "Laocoön" (1766) in problem meja slikarstva in poezije. Uvedba pojma »likovna umetnost« namesto »likovna umetnost« (premik poudarka z lepote na resnico in poudarjanje figurativno-realistične funkcije umetnosti). Pomen dejavnosti Johanna Joachima Winckelmanna za razvoj zgodovinske znanosti o umetnosti. Winckelmannov koncept antične umetnosti in periodizacija njenega razvoja.

15. Izvori ruske misli o umetnosti. Podatki o umetnikih in umetniških spomenikih v ruskih srednjeveških kronikah in epistolarnih virih. Zastavljanje vprašanj o umetnosti v družbenem in političnem življenju 16. stoletja. (Stoglavska stolnica 1551 in druge stolnice) kot dokaz prebujanja kritične misli in boja različnih ideoloških smeri.

16. Radikalna sprememba v ruski umetnosti 17. stoletja: oblikovanje začetkov posvetnega pogleda na svet in prvo spoznavanje evropskih oblik umetniške kulture. Oblikovanje umetniške in teoretske misli. Poglavje "O ikonografiji" v "Življenju" Avvakuma. "Esej o umetnosti" Jožefa Vladimirova (1665-1666) in "Beseda radovednemu ikonopisu" Simona Ušakova (1666-1667) sta prvi ruski deli o teoriji umetnosti.

17. Aktivno oblikovanje novih posvetnih oblik kulture v 18. stoletju. Opombe

J. von Stehlin je prvi poskus ustvarjanja zgodovine ruske umetnosti.

18. Novo romantično razumevanje umetnosti v kritičnih člankih K.N. Batjuškova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odojevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Umetnostna zgodovina poznega 19. - 20. stoletja: Poskusi sinteze dosežkov formalne šole s koncepti njenih kritikov - "strukturna znanost" o umetniških slogih. Semiotični pristop v umetnostni zgodovini. Značilnosti semiotičnega preučevanja likovnih del v delih Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, dipl. Uspenski. Raznolikost metod preučevanja umetnosti v sodobni domači znanosti. Načela analize umetniškega dela in problemski pristop k študiju zgodovine umetnosti v delih M. Alpatova (»Umetniški problemi umetnosti antične Grčije«, »Umetniški problemi italijanske renesanse«). Sinteza metodoloških pristopov (formalnoslogovnih, ikonografskih, ikonoloških, socioloških) V. Lazareva. Primerjalnozgodovinska metoda raziskovanja v delih D. Sarabjanova (»Rusko slikarstvo 19. stoletja med evropskimi šolami. Izkušnje primerjalnega raziskovanja«). Sistematičen pristop k umetnosti in njene značilnosti.

1. Alekseev V.V. Kaj je umetnost? O tem, kako slikar, grafik in kipar upodabljajo svet. – M.: Umetnost, 1991.

2. Valeri P. O umetnosti. Zbirka. – M.: Umetnost, 1993.

3. Vipper B.R. Uvod v zgodovinski študij umetnosti. – M.: Vizualne umetnosti, 1985.

4.Vlasov V.G. Slogi v umetnosti - St. Petersburg: 1998.

5.Zis A.Ya. Vrste umetnosti. – M.: Znanje, 1979.

6.Kon-Wiener. Zgodovina stilov likovne umetnosti. - M .: Svarog in K, 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. Sodobni slovar-priročnik o umetnosti. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Osnove umetnostne zgodovine. – M.: Umetnost, 2001.

Tema 2. Umetnost starodavnega sveta. Umetnost dobe primitivnega komunalnega sistema in starega vzhoda.

vprašanja:

1. Periodizacija umetnosti primitivne družbe. Značilnosti primitivne umetnosti dobe: paleolitik, mezolitik, neolitik, bron.

2. Koncept sinkretizma v primitivni umetnosti, njegovi primeri.

3. Splošni zakoni in načela umetnosti starega vzhoda.

4. Umetnost starodavne Mezopotamije.

5. Umetnost starih Sumercev.

6. Umetnost stare Babilonije in Asirije.

Teme za razpravo:

1. Podajte kratek pregled periodizacije primitivne umetnosti. Kakšne so značilnosti umetnosti posameznega obdobja?

2. Opišite glavne značilnosti primitivne umetnosti: sinkretizem, fetišizem, animizem, totemizem.

3. Primerjaj kanone v upodabljanju osebe v umetnosti starega vzhoda (Egipt in Mezopotamija).

4. Kakšne so značilnosti likovne umetnosti starodavne Mezopotamije?

5. Povejte nam o arhitekturi Mezopotamije na primeru posebnih spomenikov:

zigurat Etemenniguru v Uru in zigurat Etemenanki v Novem Babilonu.

6. Povejte nam o kiparstvu Mezopotamije na primeru posebnih spomenikov: obzidje ob cesti procesij, Ištarina vrata, reliefi iz palače Ashurnasirpal v

7. Kakšna je tematika kiparskih reliefnih podob Mezopotamije?

8. Kako so se imenovali prvi babilonski spomeniki arhitekture? Kakšna je bila njihova

imenovanje?

9. Kakšna je posebnost kozmogonije sumero-akadske kulture?

10. Naštejte dosežke v umetnosti sumersko-akadske civilizacije.

1. Vinogradova N.A. Tradicionalna umetnost vzhoda. - M.: Umetnost, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Kratka zgodba umetnosti. Težava. 1: Od pradavnine do 16. stoletja. Eseji. – M.: Umetnost, 1985.

3. Umetnost starodavnega vzhoda (Spomeniki svetovne umetnosti). – M.: Umetnost, 1968.

4. Umetnost starega Egipta. Slikarstvo, kiparstvo, arhitektura, uporabna umetnost. – M.: Likovna umetnost, 1972.

5. Umetnost antičnega sveta. – M.: 2001.

6. Zgodovina umetnosti. Prve civilizacije - Barcelona-Moskva: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Spomeniki svetovne umetnosti. Številka III, prva serija. Umetnost starega vzhoda. - M.: Umetnost, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Estetski temelji umetnosti starega Egipta. – M.: Umetnost, 1985.

9. Stolyar A.D. Izvor likovne umetnosti. – M.: Umetnost, 1985.

Ta članek vsebuje kratek opis glavnih umetniških stilov 20. stoletja. Koristno bo poznati tako umetnike kot oblikovalce.

Modernizem (iz francoščine moderne moderne)

v umetnosti kumulativno ime umetnostnih smeri, ki so se uveljavile v drugi polovici 19. stoletja v obliki novih oblik ustvarjalnosti, kjer ni prevladovala toliko privrženost duhu narave in tradicije, temveč svoboden pogled na mojstra. , ki svobodno spreminja vidni svet po lastni presoji, sledi osebnemu vtisu, notranji ideji ali mističnim sanjam (ti trendi so v veliki meri nadaljevali linijo romantike). Impresionizem, simbolizem in modernizem so bile njegove najpomembnejše smeri, ki so se pogosto aktivno medsebojno prepletale.V sovjetski kritiki je bil koncept "modernizma" antizgodovinsko uporabljen za vsa umetnostna gibanja 20. stoletja, ki niso ustrezala kanonom socialističnega realizma. .

Abstrakcionizem(umetnost pod znakom "ničelnih oblik", nepredmetna umetnost) - umetniška smer, ki se je oblikovala v umetnosti prve polovice 20. stoletja, popolnoma zavrača reprodukcijo oblik realnega vidnega sveta. Za ustanovitelje abstrakcionizma veljajo V. Kandinski, P. Mondriana in K. Maleviča. W. Kandinsky je ustvaril lastno vrsto abstraktnega slikarstva, osvobodil impresionistične in "divje" lise kakršnih koli znakov objektivnosti. Piet Mondrian je do svoje nesmiselnosti prišel skozi geometrijsko stilizacijo narave, ki so jo začeli Cezanne in kubisti. Modernistični trendi 20. stoletja, osredotočeni na abstrakcionizem, se popolnoma odmikajo od tradicionalnih načel, zanikajo realizem, a hkrati ostajajo v okvirih umetnosti. Zgodovina umetnosti je s pojavom abstrakcionizma doživela revolucijo. Toda ta revolucija ni nastala po naključju, ampak povsem naravno in jo je napovedal že Platon! V poznejšem delu Fileb je pisal o lepoti linij, površin in prostorskih oblik samih po sebi, neodvisno od kakršnega koli posnemanja vidnih predmetov, kakršne koli mimeze. Ta vrsta geometrijske lepote, v nasprotju z lepoto naravnih "nepravilnih" oblik, po Platonu ni relativna, ampak brezpogojna, absolutna.

Futurizem- literarni in umetniški trend v umetnosti 1910-ih. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Pomembna umetniška ideja futurizma je bilo iskanje plastičnega izraza hitrosti gibanja kot glavnega znaka tempa sodobnega življenja. Ruska različica futurizma se je imenovala kibofuturizem in je temeljila na kombinaciji plastičnih načel francoskega kubizma in evropskih splošnih estetskih instalacij futurizma. Umetniki so s presečišči, premiki, trki in prelivi oblik poskušali izraziti srhljivo mnogoterost vtisov sodobnega človeka, meščana.

kubizem- »najpopolnejša in najradikalnejša umetniška revolucija po renesansi« (J. Golding). Umetniki: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubizem - (francosko cubisme, iz kocke - kocka) smer v umetnosti prve četrtine 20. stoletja. Plastična govorica kubizma je temeljila na deformaciji in razgradnji predmetov v geometrijske ravnine, plastičnem premiku oblike. Številni ruski umetniki so bili navdušeni nad kubizmom, pogosto združujejo njegova načela s tehnikami drugih sodobnih umetniških trendov - futurizma in primitivizma. Kubofuturizem je postal posebna različica interpretacije kubizma na ruskih tleh.

Purizem- (francosko purisme, iz latinščine purus - čist) trend v francoskem slikarstvu poznih 1910-ih in 20-ih let. Glavni predstavniki so umetnik A. Ozanfan in arhitekt C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Zavračajoč dekorativne težnje kubizma in drugih avantgardnih gibanj iz 1910-ih, deformacijo narave, ki so jo prevzeli, so puristi težili k racionalistično urejenemu prenosu stabilnih in jedrnatih predmetnih oblik, kot da so »očiščene« podrobnosti, na podobo "primarni" elementi. Za dela puristov je značilna ploskost, gladek ritem svetlobnih silhuet in kontur istovrstnih predmetov (vrči, kozarci itd.). Ker niso prejeli razvoja v stojalnih oblikah, so se bistveno premišljena umetniška načela purizma delno odražala v sodobni arhitekturi, predvsem v zgradbah Le Corbusierja.

Serrealizem- svetovljansko gibanje v literaturi, slikarstvu in filmu, ki je nastalo leta 1924 v Franciji in uradno končalo svoj obstoj leta 1969. Veliko je prispeval k oblikovanju zavesti sodobnega človeka. Glavne osebe gibanja Andre Breton- pisec, voditelj in idejni navdihovalec gibanja, Louis Aragon- eden od utemeljiteljev nadrealizma, ki se je kasneje na bizaren način prelevil v pevca komunizma, Salvador Dali- umetnik, teoretik, pesnik, scenarist, ki je bistvo gibanja opredelil z besedami: "Nadrealizem sem jaz!", izrazito nadrealistični kinematograf Luis Buñuel, umetnik Juan Miro- »najlepše pero na klobuku nadrealizma«, kot ga je poimenoval Breton in številni drugi umetniki po svetu.

Fovizem(iz francoščine les fauves - divje (živali)) Lokalna smer v slikarstvu zgodaj. 20. stoletje Ime F. so v posmeh dali skupini mladih pariških umetnikov ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), ki so skupaj sodelovali na številnih razstavah v letih 1905-1907, po prvi razstavi leta 1905. Ime je prevzela skupina sama in se za njim trdno uveljavila. Smer ni imela jasno oblikovanega programa, manifesta ali lastne teorije in se ni obdržala dolgo, pustila pa je opazen pečat v zgodovini umetnosti. Njene udeležence je v tistih letih združila želja po ustvarjanju umetniških podob izključno s pomočjo izjemno svetle odprte barve. Razvijanje umetniških dosežkov postimpresionistov ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), opirajoč se na nekatere formalne tehnike srednjeveške umetnosti (vitraž, romanska umetnost) in japonsko gravuro, priljubljeno v umetniških krogih Francije od časa impresionistov, so fovisti poskušali čim bolj izkoristiti koloristične možnosti slikarstva.

Ekspresionizem(iz francoskega izraza - ekspresivnost) - modernistični trend v zahodnoevropski umetnosti, predvsem v Nemčiji, prva tretjina 20. stoletja, ki se je razvil v določenem zgodovinskem obdobju - na predvečer prve svetovne vojne. Idejna podlaga ekspresionizma je bil individualistični protest proti grdemu svetu, vse večji odtujenosti človeka od sveta, občutku brezdomstva, propadu in razkroju tistih načel, na katerih se je zdelo, da tako trdno sloni evropska kultura. Ekspresionisti se nagibajo k mističnosti in pesimizmu. Umetniške tehnike, značilne za ekspresionizem: zavračanje iluzornega prostora, želja po ravninski interpretaciji predmetov, deformacija predmetov, ljubezen do ostrih barvnih disonanc, posebna barva, ki uteleša apokaliptično dramo. Umetniki so ustvarjalnost dojemali kot način izražanja čustev.

Suprematizem(iz lat. supremus - najvišji, najvišji; prvi; zadnji, skrajni, menda prek polj. supremacja - premoč, nadvlada) Smer avantgardne umetnosti prve tretjine 20. stoletja, ustvarjalec, glavni predstavnik in teoretik od tega je bil ruski umetnik Kazimir Malevič. Sam izraz ne odraža bistva suprematizma. Pravzaprav je to v razumevanju Maleviča ocenjena značilnost. Suprematizem je najvišja stopnja v razvoju umetnosti na poti osvoboditve vsega neumetniškega, na poti do končnega razkritja nepredmetnega kot bistva vsake umetnosti. V tem smislu je Malevič smatral tudi primitivno ornamentalno umetnost za suprematistično (ali »vrhovno«). Ta izraz je najprej uporabil za veliko skupino svojih slik (39 ali več), ki prikazujejo geometrijske abstrakcije, vključno s slavnim "Črnim kvadratom" na belem ozadju, "Črnim križem" itd., ki so bile razstavljene na Petrogradski futuristični razstavi "nič- deset" leta 1915. Za temi in podobnimi geometrijskimi abstrakcijami se je oprijelo ime suprematizem, čeprav je Malevič sam nanj označeval številna svoja dela iz dvajsetih let, ki so navzven vsebovala nekatere oblike konkretnih predmetov, zlasti figure ljudi, vendar so ohranila "Suprematistični duh". Pravzaprav poznejši teoretični razvoj Maleviča ne daje podlage za redukcijo suprematizma (vsaj Maleviča samega) le na geometrijske abstrakcije, čeprav so seveda njegovo jedro, bistvo in celo (črno-belo in belo-belo). Suprematizem) pripelje slikarstvo do meje njegovega obstoja nasploh kot oblike umetnosti, to je do slikovne ničle, onkraj katere ni več lastnega slikarstva. To pot so v drugi polovici stoletja nadaljevale številne smeri v likovni dejavnosti, ki so opustile čopiče, barve in platno.

ruski avantgarda 1910-a predstavljajo precej zapleteno sliko. Zanj je značilna hitra sprememba stilov in trendov, obilo skupin in združenj umetnikov, od katerih je vsaka razglasila svoj koncept ustvarjalnosti. Nekaj ​​podobnega se je zgodilo v evropskem slikarstvu na začetku stoletja. Mešanja stilov, »zmešnjave« tokov in smeri pa Zahod ni poznal, kjer je bilo gibanje k novim oblikam bolj dosledno. Številni mojstri mlajše generacije so z izjemno hitrostjo prehajali od sloga do sloga, od odra do odra, od impresionizma do moderne, nato do primitivizma, kubizma ali ekspresionizma, pri čemer so šli skozi številne korake, kar je bilo povsem netipično za mojstre francoskega ali nemškega slikarstva. . Razmere, ki so se razvile v ruskem slikarstvu, so bile v veliki meri posledica predrevolucionarnega vzdušja v državi. Zaostrila je številna nasprotja, ki so bila neločljivo povezana z vso evropsko umetnostjo kot celoto, ker. Ruski umetniki so se učili po evropskih vzorih, dobro poznali različne šole in slikarske trende. Nekakšna ruska »eksplozija« v umetniškem življenju je tako odigrala zgodovinsko vlogo. Do leta 1913 je ruska umetnost dosegla nove meje in obzorja. Pojavil se je povsem nov fenomen neobjektivnosti - meja, čez katero si francoski kubisti niso upali prestopiti. Eden za drugim prečkajo to črto: Kandinski V.V., Larionov M.F., Malevič K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kubofuturizem Lokalni trend v ruski avantgardi (v slikarstvu in poeziji) zgodnjega 20. stoletja. V vizualni umetnosti je kubofuturizem nastal na podlagi premisleka slikarskih najdb, kubizma, futurizma in ruskega neoprimitivizma. Glavna dela so nastala v obdobju 1911-1915. Najbolj značilne slike kubo-futurizma so izšle izpod čopiča K. ​​Maleviča, napisali pa so jih tudi Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Prva kubo-futuristična dela Maleviča so bila razstavljena na znameniti razstavi leta 1913. "Target", na katerem je debitiral tudi Larionov Luchizem. Kubofuturistična dela imajo po videzu nekaj skupnega s sočasno nastalimi kompozicijami F. Legerja in so polobjektivne kompozicije, sestavljene iz valjastih, stožčastih, stekleničkov, školjkastih votlih volumetričnih barvnih oblik, pogosto s kovinskim leskom. Že v prvih takšnih Malevičevih delih je opazna težnja po prehodu od naravnega ritma k čisto mehanskim ritmom strojnega sveta (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portret Klyuna, 1913).

neoplastizem- ena najzgodnejših vrst abstraktne umetnosti. Do leta 1917 so ga ustvarili nizozemski slikar P. Mondrian in drugi umetniki, ki so bili del združenja Style. Za neoplastizem je po mnenju njegovih ustvarjalcev značilna želja po "univerzalni harmoniji", izražena v strogo uravnoteženih kombinacijah velikih pravokotnih likov, jasno ločenih s pravokotnimi črnimi črtami in pobarvanih v lokalnih barvah glavnega spektra (z dodatkom bele in sivi toni). Neoplasticizem (Nouvelle plastique) Ta izraz se je pojavil na Nizozemskem v 20. stoletju. Piet Mondrian opredelil je svoje plastične koncepte, ki jih je leta 1917 v Leidnu ustanovljena skupina in revija "Style" ("De Stiji") sistematizirala in zagovarjala. Glavna značilnost neoplasticizma je bila stroga uporaba izraznih sredstev. Neoplasticizem dopušča samo vodoravne in navpične črte za gradnjo forme. Prvo načelo je križanje črt pod pravim kotom. Okoli leta 1920 ji je bila dodana druga, ki z odstranitvijo poteze in poudarjanjem ploskve omejuje barve na rdečo, modro in rumeno, tj. tri čiste osnovne barve, ki jim lahko dodamo samo belo in črno. S pomočjo te strogosti je neoplasticizem nameraval preseči individualnost, da bi dosegel univerzalizem in tako ustvaril novo sliko sveta.

Uradni "krst" orfizem se je zgodilo na Salonu neodvisnih leta 1913. Tako je kritik Roger Allard v svojem poročilu o Salonu zapisal: "... ugotavljamo za bodoče zgodovinarje, da se je leta 1913 rodila nova šola orfizma ..." ("La Cote" Pariz 19. marec 1913). Podobno se mu je pridružil še en kritik Andre Varno: "Salon leta 1913 je zaznamovalo rojstvo nove šole orfične šole" ("Comoedia", Pariz, 18. marec 1913). Končno Guillaume Apollinaire to izjavo podkrepil z vzklikom, ne brez ponosa: »To je orfizem. Tu se je prvič pojavil ta trend, ki sem ga napovedal« (»Montjoie!« Pariška priloga do 18. marca 1913). Dejansko je bil izraz izumljen Apollinaire(Orfizem kot kult Orfeja) in je bil prvič javno objavljen med predavanjem o modernem slikarstvu in prebran oktobra 1912. Kaj je hotel povedati? Zdi se, da sam tega ne ve. Poleg tega ni vedel, kako določiti meje te nove smeri. Pravzaprav je bila zmeda, ki vlada do danes, posledica dejstva, da je Apollinaire nezavedno zamešal dva problema, ki sta seveda medsebojno povezana, a preden bi ju poskusil povezati, bi moral poudariti njuno razliko. Po eni strani ustvarjanje Delaunay slikovna izrazna sredstva, ki v celoti temeljijo na barvi, na drugi strani pa širitev kubizma z nastankom več različnih smeri. Po razhodu z Marie Laurencin konec poletja 1912 je Apollinaire poiskal zavetje pri družini Delaunay, ki ga je prijazno sprejela v svoji delavnici na Rue Grand-Augustin. Ravno to poletje sta Robert Delaunay in njegova žena doživela globoko estetsko evolucijo, ki je pripeljala do tega, kar je kasneje poimenoval "destruktivno obdobje" slikarstva, ki temelji izključno na konstruktivnih in prostorsko-časovnih lastnostih barvnih kontrastov.

Postmodernizem (postmoderna, postavantgarda) -

(iz lat. post "potem" in modernizem), skupno ime za umetniške smeri, ki so se posebej izrazite v šestdesetih letih 20. stoletja in za katere je značilna radikalna revizija položaja modernizma in avantgarde.

abstraktni ekspresionizem povojna (pozne 40. - 50. leta 20. stoletja) stopnja razvoja abstraktne umetnosti. Sam izraz je v dvajsetih letih prejšnjega stoletja uvedel nemški umetnostni kritik E. von Sydow (E. von Sydow) za nanašanje na nekatere vidike ekspresionistične umetnosti. Leta 1929 je Američan Barr z njim označil zgodnja dela Kandinskega, leta 1947 pa dela označil za "abstraktno-ekspresionistična". Willem de Kooning in Pollock. Od takrat se koncept abstraktnega ekspresionizma utrjuje za dokaj širokim, slogovno in tehnično razgibanim področjem abstraktnega slikarstva (in kasneje kiparstva), ki se je v 50. letih hitro razvilo. v ZDA, v Evropi in nato po vsem svetu. Neposredni predniki abstraktnega ekspresionizma veljajo za zgodnje Kandinski, ekspresionisti, orfisti, deloma dadaisti in nadrealisti s svojim principom mentalnega avtomatizma. Filozofsko in estetsko osnovo abstraktnega ekspresionizma je v veliki meri predstavljala filozofija eksistencializma, priljubljena v povojnem obdobju.

Pripravljeno(angleško ready-made - pripravljen) Izraz je v umetnostnozgodovinski leksikon prvi uvedel umetnik Marcel Duchamp da svoja dela, ki so predmeti utilitarne rabe, izločeni iz okolja normalnega delovanja in nespremenjeno razstavljeni na likovni razstavi, označijo za umetniška dela. Ready-Made je zahteval nov pogled na stvar in stvarnost. Predmet, ki je prenehal izpolnjevati svoje utilitarne funkcije in je bil vključen v kontekst prostora umetnosti, torej postal objekt neutilitarne kontemplacije, je začel razkrivati ​​neke nove pomene in asociativne poteze, ki jih tradicionalna umetnost ne pozna. vsakdanje-utilitarne sfere bivanja. Ostro se je pojavil problem relativnosti estetskega in utilitarnega. Prva pripravljena Duchamp razstavljen v New Yorku leta 1913. Najbolj razvpit njegov Ready-Made. jeklo "Kolo iz kolesa" (1913), "Sušilnik steklenic" (1914), "Vodnjak" (1917) - tako je bil označen navaden pisoar.

POP umetnost. Po drugi svetovni vojni se je v Ameriki izoblikoval velik družbeni sloj ljudi, ki so zaslužili dovolj denarja za nakup zanje nepomembnega blaga. Na primer potrošnja dobrin: Coca cola ali Levi's kavbojke postanejo pomemben atribut te družbe. Oseba, ki uporablja ta ali oni izdelek, kaže svojo pripadnost določenemu družbenemu sloju. Oblikovala se je sedanja množična kultura. Stvari so postale simboli, stereotipi. Pop art nujno uporablja stereotipe in simbole. POP umetnost(Pop Art) je utelešal ustvarjalna iskanja novih Američanov, ki so se naslanjali na ustvarjalna načela Duchampa. To: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, in drugi. Pop art dobiva pomen množične kulture, zato ne preseneča, da se je v Ameriki oblikoval in postal umetniško gibanje. Njihovi zavezniki: Hamelton R, Ton Kitajska izbran za avtoriteto Kurt Schwieters. Za pop art je značilno delo – iluzija igre, ki pojasnjuje bistvo predmeta. Primer: pita K. Oldenburg upodobljen na različne načine. Umetnik morda ne upodablja torte, ampak razblini iluzije, pokaže, da človek vidi resnično. R. Rauschenberg je tudi izviren: na platno je nalepil različne fotografije, jih obrisal in na delo pritrdil kakšno plišasto žival. Eno njegovih slavnih del je plišasti jež. Znano je tudi njegovo slikarstvo, kjer je uporabil fotografije Kenedyja.

primitivizem (naivna umetnost). Ta koncept se uporablja v več pomenih in je dejansko enak konceptu "primitivna umetnost". V različnih jezikih in s strani različnih znanstvenikov se ti koncepti najpogosteje uporabljajo za označevanje istega obsega pojavov v umetniški kulturi. V ruščini (pa tudi v nekaterih drugih) ima izraz "primitiven" nekoliko negativen pomen. Zato se je bolj primerno osredotočiti na koncept naivna umetnost. V najširšem smislu gre za likovno umetnost, ki jo odlikujejo preprostost (ali poenostavljenost), jasnost in formalna neposrednost slikovno-izpovednega jezika, s pomočjo katerega se izraža posebna vizija sveta, neobremenjena s civilizacijskimi konvencijami. . Koncept se je pojavil v novi evropski kulturi zadnjih stoletij, zato odraža strokovna stališča in ideje te kulture, ki se je imela za najvišjo stopnjo razvoja. S teh pozicij naivna umetnost pomeni tudi arhaično umetnost starih ljudstev (predegipčanske ali predgrške civilizacije), na primer primitivno umetnost; umetnost ljudstev, ki so zaostala v kulturnem in civilizacijskem razvoju (avtohtono prebivalstvo Afrike, Oceanije, Indijanci Amerike); ljubiteljska in nepoklicna umetnost v najširšem obsegu (na primer znamenite srednjeveške freske Katalonije ali nepoklicna umetnost prvih ameriških priseljencev iz Evrope); mnoga dela tako imenovane »mednarodne gotike«; ljudska umetnost; in končno umetnost nadarjenih primitivističnih umetnikov 20. stoletja, ki niso prejeli strokovne likovne izobrazbe, ampak so v sebi začutili dar likovne ustvarjalnosti in se posvetili njegovemu samostojnemu likovnemu uresničevanju. Nekateri od njih (francoski A. Russo, K. Bombois, gruzijski N. Pirosmanišvili, hrvaščina I. Generalič, Ameriški A.M. Robertson in drugi) ustvarili prave likovne mojstrovine, ki so postale del zakladnice svetovne umetnosti.Naivna umetnost je po svojem videnju sveta in načinih likovnega podajanja nekoliko blizu otroški umetnosti, na eni strani strani in na delo duševno bolnih na drugi strani. Vendar se v bistvu razlikuje od obeh. Otroški umetnosti je svetovnonazorsko najbližja naivna umetnost arhaičnih ljudstev in staroselcev Oceanije in Afrike. Njena temeljna razlika od otroške umetnosti je globoka sakralnost, tradicionalnost in kanoničnost.

brez umetnosti(Net Art - iz angleškega net - omrežje, umetnost - umetnost) Najnovejša oblika umetnosti, sodobne umetniške prakse, ki se razvijajo v računalniških omrežjih, zlasti na internetu. Njeni raziskovalci v Rusiji, ki so prispevali k njenemu razvoju, O. Lyalina, A. Shulgin, verjamejo, da je bistvo Net-arta v ustvarjanju komunikacijskih in ustvarjalnih prostorov na spletu, ki vsem zagotavljajo popolno svobodo mrežnega bivanja. Zato je bistvo Net-arta. ne reprezentacija, temveč komunikacija, njena izvirna likovna enota pa je elektronsko sporočilo. V razvoju net-arta, ki je nastal v 80. in 90. letih, obstajajo vsaj tri stopnje. 20. stoletje Prvi je bil, ko so ambiciozni spletni umetniki ustvarili slike iz črk in ikon na računalniški tipkovnici. Drugi se je začel, ko so na splet prišli underground umetniki in čisto vsi, ki so želeli pokazati nekaj iz svojega dela.

OP-ART(angl. Op-art - skrajšana različica optične umetnosti - optična umetnost) - umetniško gibanje druge polovice 20. stoletja, ki uporablja različne vizualne iluzije, ki temeljijo na značilnostih percepcije ravnih in prostorskih figur. Tok nadaljuje racionalistično linijo tehnicizma (modernizma). Sega do tako imenovanega "geometričnega" abstrakcionizma, katerega predstavnik je bil V. Vasarely(od 1930 do 1997 delal v Franciji) - utemeljitelj op arta. Možnosti op-arta so našle nekaj uporabe v industrijski grafiki, plakatih in oblikovalski umetnosti. Smer op arta (optične umetnosti) je nastala v 50. letih prejšnjega stoletja znotraj abstrakcionizma, čeprav je bila tokrat druge sorte - geometrijska abstrakcija. Njegova distribucija kot tok sega v 60. leta. 20. stoletje

Grafiti(grafiti - v arheologiji kakršne koli risbe ali črke, vpraskane na kateri koli površini, iz italijanščine graffiare - praska) To je oznaka subkulturnih del, ki so večinoma podobe velikega formata na stenah javnih zgradb, objektov, prometa, narejene z uporabo različnih vrste brizgalnih pištol, pločevinke z aerosolnimi barvami. Od tod drugo ime "spray art" - Spray-art. Njegov izvor povezujejo z množičnim pojavom grafitov. v 70. letih. na vagone newyorške podzemne železnice, nato pa na stene javnih zgradb, shranite žaluzije. Prvi avtorji grafitov. večinoma so bili mladi brezposelni umetniki etničnih manjšin, predvsem Portoričanov, zato so se v prvih Grafitih pojavile nekatere slogovne značilnosti latinskoameriške ljudske umetnosti, že samo dejstvo, da so se pojavljali na za to nenamenjenih površinah, pa so njihovi avtorji protestirali proti njihovemu nemočni položaj. Do začetka 80. oblikoval se je celoten trend skoraj poklicnih mojstrov G. Njihova prava imena, prej skrita pod psevdonimi, so postala znana ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Nekateri so svojo tehniko prenesli na platno in začeli razstavljati v galerijah v New Yorku, kmalu pa so se grafiti pojavili tudi v Evropi.

HIPERREALIZEM(hiperrealizem - angl.) ali fotorealizem (photorealism - angl.) - umetnik. gibanje v slikarstvu in kiparstvu, ki temelji na fotografiji, reprodukciji realnosti. Hiperrealizem je tako po svoji praksi kot po svoji estetski usmeritvi k naturalizmu in pragmatizmu blizu popartu. druži jih predvsem vračanje k figurativnosti. Deluje kot antiteza konceptualizmu, ki ni le prekinil z reprezentacijo, ampak je pod vprašaj postavil tudi sam princip materialne realizacije umetnosti. koncept.

land art(iz angleške land art - zemeljska umetnost), smer v umetnosti zadnje tretjineXXstoletja, ki temelji na uporabi resnične pokrajine kot glavnega umetniškega materiala in predmeta. Umetniki kopljejo rove, ustvarjajo nenavadne kupe kamnov, slikajo skale, za svoja dejanja izbirajo običajno zapuščene kraje - neokrnjene in divje pokrajine, s čimer si tako rekoč prizadevajo vrniti umetnost naravi. Po njegovi zaslugi<первобытному>Številna tovrstna dejanja in predmeti so po videzu blizu arheologiji, pa tudi fotoumetnosti, saj si jih večina javnosti lahko ogleda le v serijah fotografij. Kot kaže, se bomo morali sprijazniti še z enim barbarizmom v ruskem jeziku. Ne vem, ali je naključje, da izraz<лэнд-арт>pojavil na koncu 60. leta v času, ko je v razvitih družbah uporniški duh študentstva usmeril svoje sile v rušenje ustaljenih vrednot.

MINIMALIZEM(minimalna umetnost - angleško: minimal art) - umetnik. tok, ki izhaja iz minimalne transformacije uporabljenih materialov v procesu ustvarjalnosti, preprostost in enotnost oblik, enobarvno, kreativno. umetnikovo samoomejevanje. Za minimalizem je značilno zavračanje subjektivnosti, reprezentacije, iluzionizma. Zavračanje klasike ustvarjalnost in tradicija. umetniški materialov, minimalisti uporabljajo industrijske in naravne materiale preproste geometrije. oblike in nevtralne barve (črna, siva), uporabljajo se majhne količine, serijske, tekoče metode industrijske proizvodnje. Artefakt je v minimalističnem konceptu kreativnosti vnaprej določen rezultat procesa njegove produkcije. Najpopolnejši razvoj v slikarstvu in kiparstvu je prejel minimalizem, ki se v širšem smislu razlaga kot gospodarstvo umetnika. sredstev, je našel uporabo v drugih oblikah umetnosti, predvsem v gledališču in filmu.

Minimalizem izvira iz ZDA v trans. nadstropje. 60. leta Njegov izvor je v konstruktivizmu, suprematizmu, dadaizmu, abstrakcionizmu, formalistični amer. slikarstvo petdesetih let, pop art. Neposredno predhodnik minimalizma. je amer. umetnik F. Stella, ki je v letih 1959-60 predstavil serijo "Črnih slik", kjer so prevladovale urejene ravne linije. Prva minimalistična dela se pojavijo v letih 1962-63 Izraz "minimalizem." pripada R. Walheimu, ki ga uvede v zvezi z analizo ustvarjalnosti M. Duchamp in pop umetnikov, kar zmanjša umetnikov poseg v okolje. Njeni sinonimi so "kul umetnost", "ABC umetnost", "serijska umetnost", "primarne strukture", "umetnost kot proces", "sistematična umetnost". slika". Med najbolj reprezentativnimi minimalisti so − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Združuje jih želja po vklopu artefakta v okolje, premaganju naravne teksture materialov. D. Žad opredeljuje kot »specifično. objekt”, drugačen od klasičnega. plastična dela. umetnosti. Neodvisna osvetlitev igra vlogo načina ustvarjanja minimalistične umetnosti. situacije, izvirne prostorske rešitve; uporabljajo se računalniške metode ustvarjanja del.