Tema antică în arta rusă a secolului al XX-lea. Arta plastică rusă a secolului XX. Principalele direcții ale picturii ruse din secolul XX

Acest timp este considerat a fi punctul culminant al picturii ruse și introducerea realismului în ea. Fenomenele sociale și revoluțiile din țară au avut o influență deosebită asupra artei. Exista deja cenzură și critică în pictură. O amprentă semnificativă a fost lăsată asupra operei pictorilor de către autoritățile vremii. Aproape fiecare artist intern a fost obligat să picteze cel puțin un tablou dedicat noii politici și noii ordini sociale.

Principalele direcții ale picturii ruse din secolul XX

În perioada secolului al XX-lea, a marcat sfârșitul realismului rus în pictură și începutul celui sovietic sau socialist. Este considerată specială perioada Marelui Război, care s-a remarcat prin mișcarea unită a partidului și a poporului. Picturile militare au făcut furori și sunt relevante în perioada actuală. Cel mai puțin a fost afectat curentul socialist al genului peisagistic.

avangarda rusă

Cuvântul „avangardă” înseamnă inovație, mișcare avansată. Avangarda domestică îmbină curentele radicale ale picturii. La început a fost numit modernism, artă nouă, abstractionism și alte nume. Primele priviri în direcție au apărut în anii dinainte de război. Avangarda rusă combină momente precum respingerea absolută a trecutului în cultură și unificarea proceselor de distrugere și creație. În pictură există un loc în același timp pentru agresivitate, dorința de a distruge vechile valori artistice și crearea a ceva complet diferit.

În această direcție, în primul rând, merită evidențiat Wassily Kandinsky, care a pictat picturile „Viața colorată”, „Cântecul Volgăi”, „Ovalul alb”, „Moscova. Pătrat roșu". Printre avangardişti se numără şi Kazimir Malevich, care este un reprezentant al supermatismului, una dintre mişcările de avangardă. Acest curent caracterizează etapa finală a artei, absența obiectelor. Au început să vorbească despre el după apariția pânzelor cu abstracțiuni geometrice.

realism socialist

După ce a avut loc revoluția și au avut loc multe răsturnări și schimbări, a început o nouă perioadă și o nouă direcție în artele vizuale. Ea corespundea acelei vremuri și se numea realism socialist. Acest lucru a fost cerut de guvern și de oameni. Realismul socialist s-a remarcat prin prezența eroismului, a exprimat lideri, oameni, evenimente, adevărul partidului și nu viziunea artistului însuși. Societatea totalitară a schimbat pictura rusă dincolo de recunoaștere. A constat în principal din tablouri dedicate evenimentelor istorice din acea vreme, eroilor și conducătorilor statului, precum și vieții de zi cu zi a unui simplu muncitor.

Mulți l-au numit „stil sever”, pentru că nu erau iluzii, presupuneri, nepăsare copilărească în el. Pe pânze era afișat doar adevărul nemiloasă. Eroismul acelui timp stătea în tensiunea interioară și eforturile liderului. În realismul socialist, munca era o vocație, iar eroii erau pionieri și constructori. La sfârșitul secolului, odată cu prăbușirea culturii sovietice, vine o nouă direcție în pictura rusă.

Postmodernismul

O nouă direcție în pictura rusă a venit să înlocuiască modernismul, care nu era în întregime clar în societate. Postmodernismul se caracterizează prin imagini fotografice. Pictura este cât mai aproape de aspectul original. Stilul se distinge prin caracteristici tipologice. În primul rând, forma finită. Pictorii folosesc imagini clasice, dar le interpretează într-un mod nou, oferă exclusivitate. Foarte des, reprezentanții postmodernismului combină forme din mai multe direcții, dând o ușoară ironie imaginii și un fel de secundar.

O altă caracteristică a direcției este lipsa regulilor. În postmodernism, artistul deține control complet asupra alegerii formelor și modalităților de a-și reprezenta pictura. O anumită libertate a dat un suflu proaspăt artei în general. Au fost instalații de artă și spectacole. Postmodernismul în pictură se caracterizează, de asemenea, prin absența unor tehnici clare și popularitatea globală generală. Perioada de glorie a acestei direcții a venit în anii 90 ai secolului XX. Cei mai importanți reprezentanți ai acesteia sunt următorii artiști: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

Trimiteți-vă munca bună în baza de cunoștințe este simplu. Utilizați formularul de mai jos

Studenții, studenții absolvenți, tinerii oameni de știință care folosesc baza de cunoștințe în studiile și munca lor vă vor fi foarte recunoscători.

postat pe http://www.allbest.ru/

Agenția Federală pentru Educație

Instituție de învățământ de stat

studii profesionale superioare

istoria artei

Controlează munca cursului

Arta rusă de la sfârșitul secolului al XIX-lea-începutul secolului al XX-lea

Introducere

Pictura

Konstantin Alekseevici Korovin

Valentin Alexandrovici Serov

Mihail Alexandrovici Vrubel

"Lumea artei"

„Uniunea Artiștilor Ruși”

„Jack of Diamonds”

„Uniunea Tineretului”

Arhitectură

Sculptură

Bibliografie

Introducere

Cultura rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX este o perioadă complexă și controversată în dezvoltarea societății ruse. Cultura de la începutul secolului conține întotdeauna elemente ale unei epoci de tranziție, care include tradițiile culturii din trecut și tendințele inovatoare ale unei noi culturi emergente. Există un transfer de tradiții și nu doar un transfer, ci și apariția altora noi, toate acestea sunt legate de procesul turbulent de căutare a unor noi modalități de dezvoltare a culturii, corectate de dezvoltarea socială a acestui timp. Începutul secolului în Rusia este o perioadă de schimbări majore, o schimbare în sistemul de stat, o schimbare de la cultura clasică a secolului al XIX-lea la noua cultură a secolului al XX-lea. Căutarea unor noi modalități de dezvoltare a culturii ruse este asociată cu asimilarea tendințelor progresive în cultura occidentală. Diversitatea direcțiilor și școlilor este o caracteristică a culturii ruse la începutul secolului. Tendințele occidentale sunt împletite și completate de cele moderne, pline cu conținut specific rusesc. O caracteristică a culturii acestei perioade este orientarea ei către înțelegerea filozofică a vieții, nevoia de a construi o imagine holistică a lumii, unde arta, alături de știință, joacă un rol uriaș. Accentul culturii ruse de la sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea a fost o persoană care devine un fel de verigă de legătură în varietatea pestriță de școli și domenii ale științei și artei, pe de o parte, și un fel de punct de plecare pentru analiza tuturor cele mai diverse artefacte culturale, pe de altă parte. De aici și puternica fundație filozofică care stă la baza culturii ruse la începutul secolului.

Evidențiind cele mai importante priorități în dezvoltarea culturii ruse de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX, nu se poate ignora cele mai importante caracteristici ale acesteia. Sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea în istoria culturii ruse este de obicei numit Renașterea rusă sau, în comparație cu epoca de aur a lui Pușkin, epoca de argint a culturii ruse.

La începutul secolului s-a dezvoltat un stil care a afectat toate artele plastice, începând în primul rând cu arhitectura (în care eclectismul a dominat multă vreme) și terminând cu grafica, care a fost numită stilul Art Nouveau. Acest fenomen nu este lipsit de ambiguitate, în modernitate există și pretenție decadentă, pretenție, destinată în principal gusturilor burgheze, dar există și o dorință de unitate de stil care este semnificativă în sine. Stilul Art Nouveau este o nouă etapă în sinteza arhitecturii, picturii și artelor decorative.

În artele vizuale, Art Nouveau s-a arătat: în sculptură - prin fluiditatea formelor, expresivitatea deosebită a siluetei, dinamismul compozițiilor; în pictură - simbolismul imaginilor, dependența de alegorie. simbolism modern avangardă argint

Simboliștii ruși au jucat un rol important în dezvoltarea esteticii epocii de argint. Simbolismul ca fenomen în literatură și artă a apărut pentru prima dată în Franța în ultimul sfert al secolului al XIX-lea și până la sfârșitul secolului se răspândise în cea mai mare parte a Europei. Dar după Franța, în Rusia, simbolismul este realizat ca fiind cel mai mare, semnificativ și original fenomen din cultură. Simbolismul rus la început avea practic aceleași premise ca și simbolismul occidental: „o criză a unei viziuni pozitive asupra lumii și a moralității”. Principiul principal al simboliștilor ruși este estetizarea vieții și dorința pentru diferite forme de înlocuire a esteticii cu logica și moralitatea. În primul rând, simbolismul rus se caracterizează prin demarcarea cu tradițiile „șaizecilor” revoluționar-democratic și populism, cu ideologizarea ateismului, utilitarismul.după simboliștii ruși, acestea corespund principiilor artei „pure”, libere.

Un alt fenomen izbitor al Epocii de Argint care a căpătat semnificație mondială este arta și estetica avangardei. În spațiul zonelor deja enumerate ale conștiinței estetice, artiștii de avangardă s-au remarcat printr-un caracter accentuat rebel. Ei au perceput criza culturii clasice, a artei, a religiei, a socialității, a statului cu încântare ca pe o moarte naturală, distrugerea vechilor, învechite, irelevante și s-au conștientizat ca revoluționari, distrugători și gropari ai „toate gunoaielor” și creatori de totul nou, în general, o nouă cursă emergentă. Ideile lui Nietzsche despre supraom, dezvoltate de P. Uspensky, au fost luate la propriu de mulți artiști de avangardă și încercate, în special de futuriști, pentru ei înșiși.

De aici răzvrătirea și scandalosul, dorința pentru tot ce este fundamental nou în mijloacele de exprimare artistică, în principiile de abordare a artei, tendința de a extinde granițele artei până la prinderea ei, dar pe cu totul alte principii decât cele ale reprezentanților. a esteticii teurgice. Viața pentru avangardiştii anilor 10. Secolului 20 - aceasta este, înainte de toate, o revoltă revoluționară, o revoltă anarhistă. Absurditatea, haosul, anarhia sunt pentru prima dată înțelese ca sinonime ale modernității și tocmai ca principii creativ pozitive bazate pe negarea completă a principiului rațional în artă și cultul iraționalului, intuitivului, inconștientului, lipsit de sens, abstrus, fără formă etc. . Principalele direcții ale avangardei ruse au fost: abstractionismul (Vasili Kandinsky), Suprematismul (Kazimir Malevich), constructivismul (Vladimir Tatlin), Cubofuturismul (Cubismul, Futurismul) (Vladimir Mayakovsky).

Pictura

Pentru pictorii de la începutul secolului sunt caracteristice alte moduri de exprimare decât cele ale Rătăcitorilor, alte forme de creativitate artistică - în imagini contradictorii, complicate și reflectă modernitatea fără ilustrativitate și narațiune. Artiștii caută dureros armonia și frumusețea într-o lume care este fundamental străină atât de armonie, cât și de frumusețe. De aceea mulți și-au văzut misiunea de a cultiva simțul frumuseții. Această perioadă de „ajunuri”, așteptarea schimbărilor în viața publică, a dat naștere multor tendințe, asociații, grupări, o ciocnire de viziuni și gusturi diferite asupra lumii. Dar a dat naștere și universalismului unei întregi generații de artiști care s-au prezentat după Wanderers „clasici”.

Lecții impresioniste de pictură în aer liber, compoziția „încadrării aleatorii”, o manieră picturală liberă largă - toate acestea sunt rezultatul evoluției în dezvoltarea mijloacelor picturale în toate genurile de la începutul secolului. În căutarea „frumuseții și armoniei”, artiștii se încearcă ei înșiși într-o varietate de tehnici și forme de artă - de la pictura monumentală și peisaje de teatru până la design de cărți și arte și meșteșuguri.

Pictura de gen s-a dezvoltat în anii 1990, dar s-a dezvoltat oarecum diferit decât în ​​mișcarea „clasică” Wandering din anii 1970 și 1980. Astfel, tema țărănească se dezvăluie într-un mod nou. S. A. Korovin (1858-1908) înfățișează despărțirea comunității rurale în pictura „Despre lume” (1893).

La începutul secolului, în tema istorică se conturează o cale oarecum ciudată. Deci, de exemplu, A.P. Ryabushkin (1861-1904) lucrează mai mult în genul istoric decât în ​​genul pur istoric. „Femeile ruse din secolul al XVII-lea în biserică” (1899), „Trenul de nuntă la Moscova. Secolul al XVII-lea ”(1901) - acestea sunt scene cotidiene din viața Moscovei în secolul al XVII-lea. Stilizarea lui Ryabushkin se reflectă în planeitatea imaginii, într-un sistem special de ritm plastic și liniar, în schema de culori construită pe culori majore strălucitoare, în soluția decorativă generală. Ryabushkin introduce cu îndrăzneală culorile locale în peisajul în aer liber, de exemplu, în „Trenul de nuntă ...” - culoarea roșie a vagonului, pete mari de haine de sărbătoare pe fundalul clădirilor întunecate și zăpezii, dat fiind, totuși, în cele mai fine nuanțe de culoare. Peisajul transmite întotdeauna poetic frumusețea naturii rusești.

Un nou tip de pictură, în care tradițiile artistice folclorice sunt stăpânite într-un mod cu totul special și traduse în limbajul artei moderne, a fost creat de F. A. Malyavin (1869-1940. Imaginile sale cu „femei” și „fete” au o anumită semnificație simbolică - pământ sănătos Rusia.Picturile sale sunt întotdeauna expresive și, deși acestea sunt, de regulă, lucrări de șevalet, ele primesc o interpretare monumentală și decorativă sub pensula artistului.„Râsul” (1899, Muzeul de Artă Modernă, Veneția) , „Vârtej” (1906,) este o imagine realistă fete țărănești, care râd zgomotos sau se grăbesc necontrolat într-un dans rotund, dar acest realism este diferit de cel din a doua jumătate a secolului.

M. V. Nesterov (1862-1942) abordează tema Rusiei antice, dar imaginea Rusului apare în picturile artistului ca un fel de lume ideală, aproape fermecată, în armonie cu natura, dar dispărută pentru totdeauna ca legendarul oraș Kitezh. . Acest simț acut al naturii, încântare în lume, în fața fiecărui copac și fir de iarbă este pronunțat în special în una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Nesterov din perioada pre-revoluționară - „Viziunea tânărului Bartolomeu” (1889-1890, ). În dezvăluirea intrigii imaginii, există aceleași trăsături stilistice ca cele ale lui Ryabushkin, dar se exprimă invariabil un simț profund liric al frumuseții naturii, prin care înalta spiritualitate a personajelor, iluminarea lor, înstrăinarea lor de la se transmite tam-tam lumesc.

M.V. Nesterov a făcut o mulțime de picturi religioase monumentale. Picturile murale sunt întotdeauna dedicate temei antice rusești (de exemplu, în Georgia - lui Alexander Nevsky). În picturile murale ale lui Nesterov, există multe semne reale observate, în special în peisaj, trăsături portret - în imaginea sfinților. În efortul artistului pentru o interpretare plată a compoziției de eleganță, ornamentalitate, rafinament rafinat al ritmurilor plastice, s-a manifestat o influență incontestabilă a Art Nouveau.

Genul peisagistic în sine se dezvoltă la sfârșitul secolului al XIX-lea și într-un mod nou. Levitan, de fapt, a finalizat căutarea Rătăcitorilor în peisaj. Un cuvânt nou la începutul secolului urma să fie spus de K.A. Korovin, V.A. Serov și M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevici Korovin

Pentru strălucitul colorist Korovin, lumea apare ca o „răvălită de culori”. Dăruit cu generozitate de natură, Korovin s-a angajat atât în ​​portrete, cât și în natura moartă, dar nu ar fi o greșeală să spunem că peisajul a rămas genul său preferat. A adus în artă tradițiile puternice realiste ale profesorilor săi de la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova - Savrasov și Polenov, dar are o altă viziune asupra lumii, își stabilește alte sarcini. A început devreme să picteze en plein air, deja în portretul unei fete de cor în 1883, se poate vedea dezvoltarea sa independentă a principiilor plein airismului, întruchipată atunci într-o serie de portrete realizate în moșia lui S. Mamontov din Abramtsevo („În barcă”, portretul lui T.S. Lyubatovich etc.), în peisajele nordice, executat în timpul expediției lui S. Mamontov la nord („Iarna în Laponia”,). Peisajele sale franceze, unite prin numele „Lumini pariziene”, sunt deja o pictură complet impresionistă, cu cea mai înaltă cultură a studiului. Impresii clare, instantanee ale vieții unui oraș mare: străzi liniștite în diferite momente ale zilei, obiecte dizolvate într-un mediu de aer ușor, modelate de o lovitură dinamică, „tremurătoare”, vibrantă, un flux de astfel de mișcări care creează iluzia unui văl de ploaie sau aer de oraș saturat cu mii de vapori diferiți, - caracteristici care amintesc de peisajele din Manet, Pissarro, Monet. Korovin este temperamental, emoțional, impulsiv, teatral, de unde strălucirea strălucitoare și exaltarea romantică a peisajelor sale („Paris. Bulevardul Capucinilor”, 1906, Galeria de Stat Tretiakov; „Paris noaptea. Bulevardul Italian”, 1908,). Korovin păstrează aceleași trăsături ale studiului impresionist, maestru pictorist, arta izbitoare în toate celelalte genuri, în primul rând în portret și natură moartă, dar și în panouri decorative, în arta aplicată, în decorul de teatru, cu care a fost angajat toată viața (Portret lui Chaliapin, 1911, Muzeul Rus; „Pește, vin și fructe” 1916, Galeria de Stat Tretiakov).

Darul generos al lui Korovin pentru pictură s-a manifestat cu brio în pictura teatrală și decorativă. Ca pictor de teatru, a lucrat pentru Teatrul Abramtsevo (iar Mamontov a fost poate primul care l-a apreciat ca artist de teatru), pentru Teatrul de Artă din Moscova, pentru Opera Privată Rusă din Moscova, unde și-a început prietenia de o viață cu Chaliapin, pt. întreprinderea Diaghilev. Korovin a ridicat peisajul teatral și semnificația artistului în teatru la un nou nivel, a făcut o întreagă revoluție în înțelegerea rolului artistului în teatru și a avut o mare influență asupra contemporanilor săi cu peisajul său colorat, „spectaculos”. , dezvăluind însăși esența spectacolului muzical.

Valentin Alexandrovici Serov

Unul dintre cei mai mari artiști, un inovator al picturii rusești la începutul secolului, a fost Valentin Alexandrovici Serov (1865-1911). Serov a fost crescut printre figuri remarcabile ale culturii muzicale ruse (tatăl său este un compozitor celebru, mama sa este pianistă), a studiat cu Repin și Chistyakov.

Serov pictează adesea reprezentanți ai intelectualității artistice: scriitori, artiști, artiști (portrete ale lui K. Korovin, 1891, Galeria de stat Tretiakov; Levitan, 1893, Galeria de stat Tretiakov; Yermolova, 1905, Galeria de stat Tretiakov). Toate sunt diferite, el le interpretează pe toate profund individual, dar lumina exclusivității intelectuale și a vieții creative inspirate strălucește asupra tuturor.

Portret, peisaj, natură moartă, pictură domestică, istorică; ulei, guașă, tempera, cărbune - este greu de găsit atât genuri picturale, cât și grafice în care Serov nu ar lucra și materiale pe care nu le-ar folosi.

O temă specială în opera lui Serov este țăranul. În genul său țărănesc nu există o claritate socială itinerantă, dar există un sentiment al frumuseții și armoniei vieții țărănești, admirație pentru frumusețea sănătoasă a poporului rus („În sat. O femeie cu cal”, pe hartă). , pastel, 1898, Galeria de Stat Tretiakov). Peisajele de iarnă sunt deosebit de rafinate cu gama lor de culori argintii-perle.

Serov a interpretat tema istorică în felul său: „vânătoarele regale” cu plimbări de plăcere ale Elisabetei și Ecaterinei a II-a au fost transmise de artistul noului timp, ironic, dar și admirând invariabil frumusețea vieții din secolul al XVIII-lea. Interesul lui Serov pentru secolul al XVIII-lea a apărut sub influența „Lumea artei” și în legătură cu lucrarea de publicare a „Istoria marelui duce, țar și vânătoare imperială în Rusia”.

Serov a fost un artist cu gândire profundă, în căutarea constantă a unor noi forme de realizare artistică a realității. Inspirat de Art Nouveau, ideile despre planeitate și decorativitate sporită s-au reflectat nu numai în compozițiile istorice, ci și în portretul său al dansatorului Ida Rubinstein, în schițele sale pentru Răpirea Europei și Odiseea și Navzikai (ambele 1910, Galeria de Stat Tretiakov, carton, tempera). Este semnificativ faptul că, la sfârșitul vieții, Serov se îndreaptă către lumea antică. În legenda poetică, interpretată de el în mod liber, în afara canoanelor clasice, vrea să găsească armonia, căutare căreia artistul și-a consacrat toată opera.

Mihail Alexandrovici Vrubel

Calea creativă a lui Mihail Alexandrovici Vrubel (1856-1910) a fost mai directă, deși în același timp neobișnuit de complexă. Înainte de Academia de Arte (1880), Vrubel a absolvit Facultatea de Drept a Universității din Sankt Petersburg. În 1884, a mers la Kiev pentru a supraveghea restaurarea frescelor din Biserica Sf. Chiril și a creat el însuși mai multe compoziții monumentale. Realizează schițe în acuarelă ale picturilor murale ale Catedralei Vladimir. Schițele nu au fost transferate pe pereți, clientul fiind speriat de caracterul non-canonic și expresiv al acestora.

În anii 90, când artistul s-a stabilit la Moscova, s-a format stilul de scris al lui Vrubel, plin de mister și putere aproape demonică, care nu poate fi confundat cu niciunul. El sculptează forma ca un mozaic, din bucăți ascuțite „fațetate” de diferite culori, ca și cum ar străluci din interior („Fata pe fundalul unui covor persan”, 1886, KMRI; „Ghicătorul”, 1895, Galeria de Stat Tretiakov) . Combinațiile de culori nu reflectă realitatea relației de culori, ci au o semnificație simbolică. Natura nu are putere asupra lui Vrubel. El o cunoaște, o stăpânește perfect, dar își creează propria lume fantezie, puțin ca realitatea. Gravitează spre subiecte literare, pe care le interpretează abstract, încercând să creeze imagini eterne de mare putere spirituală. Deci, luând ilustrații pentru „Demonul”, el se îndepărtează curând de principiul ilustrației directe („Dansul Tamarei”, „Nu plânge, copile, nu plânge degeaba”, „Tamara în sicriu” etc. ). Imaginea Demonului este imaginea centrală a întregii opere a lui Vrubel, tema sa principală. În 1899, a scris „Demonul zburător”, în 1902 – „Demonul abătut”. Demonul lui Vrubel este, în primul rând, o creatură suferindă. Suferința prevalează asupra răului în ea, iar aceasta este particularitatea interpretării naționale rusești a imaginii. Contemporanii, după cum s-a menționat pe bună dreptate, au văzut în „Demonii” săi un simbol al destinului unui intelectual - un romantic, care încearcă să evadeze rebel dintr-o realitate lipsită de armonie într-o lume ireală a viselor, dar cufundat în realitatea brută a pământului.

Vrubel și-a creat cele mai mature picturi și lucrări grafice la începutul secolului - în genul peisajului, portretului, ilustrației de carte. În organizarea și interpretarea decorativ-plană a pânzei sau foii, în îmbinarea realului și a fantasticului, în angajamentul pentru soluții ornamentale, complexe ritmic în lucrările sale din această perioadă, trăsăturile modernității se afirmă tot mai mult.

La fel ca K. Korovin, Vrubel a lucrat mult în teatru. Cele mai bune decoruri ale lui au fost interpretate pentru operele lui Rimski-Korsakov Fecioara zăpezii, Sadko, Povestea țarului Saltan și altele pe scena Operei private din Moscova, adică pentru acele lucrări care i-au oferit ocazia de a „comunica” cu folclorul rus. , basm, legendă.

Universalismul talentului, imaginația nemărginită, pasiunea extraordinară în afirmarea idealurilor nobile îl deosebesc pe Vrubel de mulți dintre contemporanii săi.

Viktor Elpidiforovici Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) este un exponent direct al simbolismului pictural. Lucrările sale sunt o tristețe elegiac pentru vechile „cuiburi nobiliare” goale și „livezi de cireși” muribunde, pentru femei frumoase, spiritualizate, aproape nepământene, îmbrăcate în un fel de costume atemporale care nu poartă semne exterioare ale locului și timpului.

Lucrările sale de șevalet nu seamănă cel mai mult cu panourile decorative, ci cu tapiserii. Spațiul este rezolvat într-un mod extrem de condiționat, plan, figurile sunt aproape eterice, ca, de exemplu, fetele de lângă iaz din tabloul „Iaz” (1902, tempera, Galeria de Stat Tretiakov), cufundate în meditație visătoare, în contemplare profundă. Nuanțele de culoare decolorate, gri pal sporesc impresia de ansamblu de frumusețe fragilă, nepământeană și anemică, fantomatică, care se extinde nu numai asupra imaginilor umane, ci și asupra naturii descrise de el. Nu este o coincidență faptul că Borisov-Musatov a numit una dintre lucrările sale „Fantome” (1903, tempera, Galeria de stat Tretiakov): figuri feminine tăcute și inactive, statui de marmură lângă scări, un copac pe jumătate gol - o gamă estompată de albastru, tonurile de gri, violet sporesc fantomatologia celui înfățișat.

"Lumea artei"

„World of Art” – o organizație care a apărut la Sankt Petersburg în 1898 și a unit maeștrii celei mai înalte culturi artistice, elita artistică a Rusiei acelor ani. „Lumea artei” a devenit unul dintre cele mai mari fenomene ale culturii artistice rusești. La această asociație au participat aproape toți artiștii celebri.

În articolele editoriale ale primelor numere ale revistei, principalele prevederi ale „Lumea artei” despre autonomia artei, că problemele culturii moderne sunt exclusiv probleme de formă artistică și că sarcina principală a artei este de a educați gusturile estetice ale societății ruse, în primul rând prin cunoașterea operelor de artă mondială. Trebuie să le dăm cuvenția: datorită Lumii Artei, arta engleză și germană a fost cu adevărat apreciată într-un mod nou și, cel mai important, pictura rusă din secolul al XVIII-lea și arhitectura clasicismului din Sankt Petersburg au devenit o descoperire pentru mulți. „World of Art” a luptat pentru „critica ca artă”, proclamând idealul unui critic-artist cu o înaltă cultură profesională și erudiție. Tipul unui astfel de critic a fost întruchipat de unul dintre creatorii The World of Art, A.N. Benoit.

„Miriskusniki” a organizat expoziții. Primul a fost și singurul internațional care a reunit, pe lângă ruși, artiști din Franța, Anglia, Germania, Italia, Belgia, Norvegia, Finlanda etc. La ea au participat atât pictori și graficieni din Sankt Petersburg, cât și Moscova. Dar crăpătura dintre aceste două școli - Sankt Petersburg și Moscova - era deja evidentă aproape din prima zi. În martie 1903 s-a închis ultima, a cincea expoziție a Lumii Artei, în decembrie 1904 a apărut ultimul număr al revistei World of Art. Majoritatea artiștilor s-au mutat la „Uniunea Artiștilor Ruși” organizată pe baza expoziției de la Moscova „36”, scriitori - la revista New Way deschisă de grupul lui Merezhkovsky, simboliștii moscoviți s-au unit în jurul revistei „Vesy”, muzicienii au organizat „ Seri de muzică contemporană”, Diaghilev a intrat în întregime în balet și teatru.

În 1910, s-a încercat să revină „Lumea Artei” (condusă de Roerich). Faima a venit în „Lumea Artei”, dar „Lumea Artelor” practic nu a mai existat, deși formal asociația a existat până la începutul anilor 1920 (1924) - cu o lipsă totală de integritate, de toleranță nemărginită și flexibilitate a pozițiilor. A doua generație a „World of Art” a fost mai puțin ocupată cu problemele picturii de șevalet, interesele lor constau în grafică, în principal carte, și artele teatrale și decorative, în ambele domenii au făcut o adevărată reformă artistică. În a doua generație a „Lumea artei” au existat și indivizi majori (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Cehonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin etc.), dar nu au existat deloc artiști inovatori.

Artistul principal al „Lumii artei” a fost K. A. Somov (1869-1939). Fiul curatorului șef al Ermitului, care a absolvit Academia de Arte și a călătorit prin Europa, Somov a primit o educație excelentă. Maturitatea creativă a venit la el devreme, dar, după cum a remarcat pe bună dreptate cercetătorul (V.N. Petrov), a avut întotdeauna o anumită dualitate - lupta dintre un instinct realist puternic și o viziune asupra lumii dureros de emoțională.

Somov, așa cum îl cunoaștem, a apărut în portretul artistei Martynova („Doamna în albastru”, 1897-1900, Galeria de stat Tretiakov), în pictura portret „Echoul timpului trecut” (1903, pe hartă, acva. , guașă, Galeria Tretiakov de Stat ), unde creează o caracterizare poetică a frumuseții feminine fragile, anemice a modelului decadent, refuzând să transmită semnele cotidiene reale ale modernității. El îmbracă modelele în costume antice, dă înfățișării lor trăsăturile suferinței secrete, tristeții și visării, rupturi dureroase.

Somov deține o serie de portrete grafice ale contemporanilor săi - elita intelectuală (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky etc.), în care folosește o tehnică generală: pe fond alb - într-un anumit timp atemporal. sferă - el desenează o față, o asemănare în care se realizează nu prin naturalizare, ci prin generalizări îndrăznețe și selecție adecvată a detaliilor caracteristice. Această lipsă de semne ale timpului creează impresia de statică, de rigiditate, de răceală, de singurătate aproape tragică.

Înaintea oricui în lumea artei, Somov s-a îndreptat spre temele trecutului, spre interpretarea secolului al XVIII-lea. („Scrisoare”, 1896; „Confidenţialităţi”, 1897), fiind precursorul peisajelor Versailles ale lui Benois. El este primul care a creat o lume suprarealistă, țesută din motivele culturii nobilimii, moșiului și curții și propriile sale senzații artistice pur subiective, pătrunsă de ironie. Istoricismul „Lumii Artei” a fost o evadare din realitate. Nu trecutul, ci punerea lui în scenă, tânjind după iremediabilitatea lui - acesta este motivul lor principal. Nu distracție adevărată, ci un joc de distracție cu sărutări pe alei - așa este Somov.

Liderul ideologic al „Lumii Artei” a fost A. N. Benois (1870-1960) - un talent neobișnuit de versatil. Pictor, grafician și ilustrator de șevalet, artist de teatru, regizor, autor de librete de balet, teoretician și istoric al artei, figură muzicală, a fost, în cuvintele lui A. Bely, principalul politician și diplomat al „Lumii Artei”. Ca artist, el este înrudit cu Somov prin tendințe stilistice și dependență de trecut („Sunt în stare de ebrietate cu Versailles, acesta este un fel de boală, dragoste, pasiune criminală... M-am mutat complet în trecut...”) . În peisajele din Versailles, Benois a îmbinat reconstrucția istorică a secolului al XVII-lea. și impresii contemporane ale artistului, percepția sa asupra clasicismului francez, gravura franceză. De aici compoziția clară, spațialitatea clară, măreția și severitatea rece a ritmurilor, opoziția dintre grandiozitatea monumentelor de artă și micimea figurilor umane, care nu sunt decât personalități printre ele (serie I Versailles din 1896-1898 sub titlul). „Ultimele plimbări ale lui Ludovic al XIV-lea”). În cea de-a doua serie Versailles (1905-1906), ironia, care este și caracteristică primelor foi, este colorată cu note aproape tragice („The King's Walk”, c., guașă, aqua, aur, argint, stilou, 1906). , Galeria de Stat Tretiakov). Gândirea lui Benois este gândirea unui artist de teatru prin excelență, care a cunoscut și a simțit foarte bine teatrul.

Natura este percepută de Benois într-o legătură asociativă cu istoria (vederi ale lui Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, executate de el în tehnica acuarelei).

Benois ilustratorul (Pușkin, Hoffman) este o pagină întreagă în istoria cărții. Spre deosebire de Somov, Benois creează o ilustrație narativă. Planul paginii nu este un scop în sine pentru el. O capodoperă a ilustrației cărților a fost designul grafic al Călărețului de bronz (1903, 1905, 1916, 1921-1922, cerneală și acuarelă care imit culoarea în lemn). Într-o serie de ilustrații pentru marea poezie, personajul principal este peisajul arhitectural din Sankt Petersburg, când solemn patetic, când pașnic, când sinistru, față de care figura lui Eugen pare și mai neînsemnată. Așa exprimă Benois conflictul tragic dintre soarta statalității ruse și soarta personală a unui omuleț („Și toată noaptea bietul nebun, / Oriunde întoarse picioarele, / Călărețul de bronz era peste tot cu el / Cu un pieptul greu a galopat”).

În calitate de artist de teatru, Benois a proiectat spectacolele din „Anotimpurile rusești”, dintre care cel mai faimos a fost baletul „Petrushka” pe muzica lui Stravinsky, a lucrat mult la Teatrul de Artă din Moscova, iar mai târziu - la aproape toate marile etape europene.

Un loc aparte în „Lumea artei” îl ocupă N. K. Roerich (1874-1947). Cunoscător de filozofie și etnografie a Orientului, arheolog-om de știință, Roerich a primit o educație excelentă, mai întâi acasă, apoi la facultățile de drept și istorico-filologie ale Universității din Sankt Petersburg, apoi la Academia de Arte, în atelier. de Kuindzhi, iar la Paris în studioul lui F. Cormon. Devreme a câștigat autoritatea unui om de știință. El a fost legat de „Lumea artei” prin aceeași dragoste pentru retrospecție, numai că nu în secolele XVII-XVIII, ci în antichitatea păgână slavă și scandinavă, în Rus' antic; tendințe stilistice, decorativitate teatrală („Messenger”, 1897, Galeria de Stat Tretiakov; „The Elders Converge”, 1898, Muzeul Rus; „Sinister”, 1901, Muzeul Rus). Roerich a fost cel mai strâns asociat cu filozofia și estetica simbolismului rus, dar arta sa nu s-a încadrat în cadrul tendințelor existente, deoarece, în conformitate cu viziunea artistului asupra lumii, s-a îndreptat, parcă, către întreaga umanitate cu un apel pentru o unire prietenoasă a tuturor popoarelor. De aici caracterul epic deosebit al picturilor sale.

După 1905, starea de spirit a misticismului panteist a crescut în opera lui Roerich. Temele istorice fac loc legendelor religioase (Bătălia Cerească, 1912, Muzeul Rus). Icoana rusă a avut o influență imensă asupra lui Roerich: panoul său decorativ Bătălia de la Kerzhents (1911) a fost expus în timpul interpretării unui fragment cu același titlu din opera lui Rimski-Korsakov Povestea orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia în anotimpurile ruse din Paris.

„Lumea artei” a fost o mișcare estetică majoră la începutul secolului, care a supraestimat întreaga cultură artistică modernă, a aprobat noi gusturi și probleme, a revenit artei - la cel mai înalt nivel profesional - formele pierdute. grafica de carte iar pictura teatrală și decorativă, care a câștigat recunoașterea paneuropeană prin eforturile lor, a creat o nouă critică de artă, a promovat arta rusă în străinătate, ba chiar și-a deschis unele dintre etapele, precum secolul al XVIII-lea rusesc. „Lumea artei” a creat un nou tip de pictură istorică, portret, peisaj cu trăsături stilistice proprii (tendințe stilistice distincte, predominarea tehnicilor grafice asupra celor picturale, o înțelegere pur decorativă a culorii etc.). Aceasta determină semnificația lor pentru arta rusă.

Punctele slabe ale „Lumii Artei” s-au reflectat în primul rând în variația și inconsecvența programului, proclamându-se modelul „ori Böcklin, apoi Manet”; în vederi idealiste asupra artei, într-o indiferență afectată față de sarcinile civice ale artei, în apatia programatică, în pierderea semnificației sociale a tabloului. Intimitatea „Lumii Artei”, estetismul ei pur a determinat scurta perioadă istorică a vieții sale în epoca formidabilelor semnificații tragice ale revoluției iminente. Aceștia au fost doar primii pași pe calea căutărilor creative, iar foarte curând cei tineri au depășit studenții Lumea Artei.

„Uniunea Artiștilor Ruși”

În 1903, a fost fondată una dintre cele mai mari asociații expoziționale de la începutul secolului, Uniunea Artiștilor Ruși. La început, aproape toate figurile proeminente ale „Lumii artei” - Benois, Bakst, Somov au intrat în ea, Vrubel, Borisov-Musatov au participat la primele expoziții. Inițiatorii creării asociației au fost artiști moscoviți asociați cu „Lumea artei”, dar împovărați de estetica programatică a Petersburgorilor.

Peisaj național, tablouri pictate cu dragoste ale Rusiei țărănești - unul dintre principalele genuri ale artiștilor „Unirii”, în care „impresionismul rus” s-a exprimat într-un mod deosebit, cu motivele sale predominant rurale, mai degrabă decât urbane. Deci peisajele din I.E. Grabar (1871-1960), cu starea lor lirică, cu cele mai fine nuanțe picturale care reflectă schimbări instantanee ale naturii adevărate, este un fel de paralelă pe pământul rusesc cu peisajul impresionist francez („Zăpadă din septembrie”, 1903, Galeria de stat Tretiakov). Interesul lui Grabar pentru descompunerea culorii vizibile în culori spectrale, pure ale paletei, îl face și el înrudit cu neoimpresionismul, cu J. Seurat și P. Signac („Zăpada de martie”, 1904, Galeria de stat Tretiakov). Jocul de culori în natură, efectele coloristice complexe devin subiectul unui studiu atent al „Aliaților”, care creează pe pânză o lume figurativă picturală și plastică, lipsită de caracter narativ și ilustrativ.

Cu tot interesul pentru transmiterea luminii și a aerului în pictura maeștrilor „Unirii”, nu se observă niciodată dizolvarea obiectului în mediul lumină-aer. Culoarea devine decorativă.

„Aliații”, spre deosebire de Petersburgi – graficienii „Lumii Artei” – sunt în mare parte pictori cu un sentiment decorativ accentuat al culorii. Un exemplu excelent în acest sens sunt picturile lui F.A. Malyavin.

În ansamblu, Aliații au gravitat nu numai spre studiile în aer liber, ci și către forme picturale monumentale. Până în 1910, momentul despărțirii și al formării secundare a „Lumii artei”, la expozițiile „Unirii” se putea vedea un peisaj intim (Vinogradov, Yuon etc.), pictură apropiată de divizionismul francez (Grabar). , Larionov timpuriu) sau aproape de simbolism (P. Kuznetsov, Sudeikin); au fost prezenți și artiștii „Lumii artei” lui Diaghilev – Benois, Somov, Bakst.

„Uniunea Artiștilor Ruși”, cu bazele sale realiste solide, care a jucat un rol semnificativ în artele plastice interne, a avut un anumit impact asupra formării școlii sovietice de pictură, care a existat până în 1923.

În 1907, la Moscova, revista Lână de Aur a organizat singura expoziție de artiști care urmează lui Borisov-Musatov, numită Trandafirul Albastru. P. Kuznetsov a devenit artistul principal al Trandafirului Albastru. „Ursii albaștri” sunt cel mai aproape de simbolism, care a fost exprimat în primul rând în „limbajul” lor: instabilitate a dispoziției, muzicalitate vagă, intraductibilă a asociațiilor, rafinamentul relațiilor de culoare. Platforma estetică a participanților la expoziție a avut, de asemenea, efect în anii următori, iar numele acestei expoziții a devenit un nume de uz casnic pentru o întreagă tendință în artă în a doua jumătate a anilor 900. Întreaga activitate a „Trandafirului albastru” poartă și cea mai puternică amprentă a influenței stilului Art Nouveau (stilizarea plan-decorativă a formelor, ritmuri liniare capricioase).

Lucrările lui P. V. Kuznetsov (1878-1968) reflectă principiile de bază ale Urșilor albaștri. Kuznețov a creat un tablou-panou decorativ în care a căutat să facă abstracție de concretitatea cotidiană, să arate unitatea omului și a naturii, stabilitatea ciclului etern al vieții și naturii, nașterea sufletului uman în această armonie. De aici și dorința pentru forme monumentale ale picturii, visător-contemplative, purificate de orice note instantanee, universale, atemporale, o dorință constantă de a transmite spiritualitatea materiei. O figură este doar un semn care exprimă un concept; culoarea servește la transmiterea sentimentelor; ritmul – pentru a introduce într-o anumită lume a senzațiilor (ca în pictura cu icoane – simbol al iubirii, tandreței, tristeții etc.). De aici, recepția unei distribuții uniforme a luminii pe întreaga suprafață a pânzei ca unul dintre fundamentele decorativității lui Kuznetsov. Serov a spus că natura lui P. Kuznetsov „respiră”. Acest lucru se exprimă perfect în apartamentele sale din Kârgâz (Stepă) și Bukhara, în peisajele din Asia Centrală. Kuznețov a studiat tehnicile picturii antice cu icoane rusești, Renașterea italiană timpurie. Acest apel la tradițiile clasice ale artei mondiale în căutarea propriului stil mare, așa cum au remarcat în mod corect de către cercetători, a fost de o importanță fundamentală într-o perioadă în care orice tradiție era adesea refuzată cu totul.

Exotismul Orientului - Iran, Egipt, Turcia - se realizează în peisajele lui M. S. Saryan (1880-1972). Orientul a fost o temă naturală pentru artistul armean. Saryan creează în pictura sa o lume plină de decorativitate strălucitoare, mai pasională, mai pământească decât cea a lui Kuznetsov, iar soluția picturală este întotdeauna construită pe relații de culoare contrastante, fără nuanțe, în comparație ascuțită a umbrelor („Date Palm, Egypt”, 1911). , hărți. , tempera, GTG).

Imaginile lui Saryan sunt monumentale datorită generalizării formelor, planurilor mari colorate, lapidarității generale a limbii - aceasta este, de regulă, o imagine generalizată a Egiptului, indiferent dacă Persia, Armenia natală, păstrând în același timp naturalețea vitală, ca dacă este scris din natură. Pânzele decorative ale lui Saryan sunt întotdeauna vesele, corespund ideii sale de creativitate: „... o operă de artă este însuși rezultatul fericirii, adică al muncii creative. În consecință, ar trebui să aprindă flacăra arderii creative în privitor, să contribuie la identificarea dorinței sale naturale de fericire și libertate.

„Jack of Diamonds”

În 1910, un număr de tineri artiști - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova și alții - s-au unit în organizația Jack of Diamonds, care și-a propria carte, a organizat expoziții și și-a publicat propriile colecții de articole. „Jack of Diamonds” a existat de fapt până în 1917. Deoarece postimpresionismul, în primul rând Cezanne, a fost o „reacție la impresionism”, astfel „Jack of Diamonds” s-a opus vagului, intraductibilității, celor mai subtile nuanțe ale limbajului simbolic al „Albastrului”. Trandafir” și stilismul estetic al „Lumii Artei” . „Costul diamantelor”, purtat de materialitatea, „materialitatea” lumii, a profesat o construcție clară a tabloului, a subliniat obiectivitatea formei, intensitatea, plinătatea culorii. Nu întâmplător natura moartă devine un gen preferat al „valetoviților”, așa cum peisajul devine un gen preferat al membrilor Uniunii Artiștilor Ruși. Subtilitatea în transmiterea schimbării stărilor de spirit, psihologismul caracteristicilor, subestimarea stărilor, dematerializarea picturii „Purtătorilor de albastru”, poezia lor romantică sunt respinse de „valetoviți”. Li se opun festivitatea aproape spontană a culorilor, expresia desenului de contur, modul larg de scriere suculent și pastos, care transmit o viziune optimistă asupra lumii, creând o dispoziție aproape farsă, pătrată. „Costul diamantelor” permite astfel de simplificări în interpretarea formei, care sunt asemănătoare cu un imprimeu popular popular, o jucărie populară, plăci de pictură, un panou. Pofta de primitivism (din latinescul primitivus - primitiv, inițial) s-a manifestat la diverși artiști care au imitat formele simplificate de artă ale așa-ziselor epoci primitive - triburi și naționalități primitive - în căutarea dobândirii instantaneității și integrității percepției artistice. „Jack of Diamonds” și-a atras percepțiile din Cezanne (de unde uneori numele „cezaneism rusesc”), chiar mai mult din cubism („schimbarea” formelor) și chiar din futurism (dinamică, diverse modificări ale formei).

Simplificarea extremă a formei, legătura directă cu arta semnalizării se remarcă mai ales la M.F. Larionov (1881-1964), unul dintre fondatorii „Jack of Diamonds”, dar deja în 1911 s-a despărțit de el. Larionov pictează peisaje, portrete, naturi moarte, lucrează ca artist de teatru al întreprinderii Diaghilev, apoi trece la pictura de gen, tema lui este viața unei străzi de provincie, cazărmi de soldați. Formele sunt plate, grotești, parcă stilizate în mod deliberat ca un desen al unui copil, imprimeu popular sau panou. În 1913, Larionov și-a publicat cartea „Luchism” - de fapt, primul dintre manifestele artei abstracte, adevărații creatori în Rusia au fost V. Kandinsky și K. Malevich.

Artistul N.S. Goncharova (1881-1962), soția lui Larionov, a dezvoltat aceleași tendințe în picturile sale de gen, mai ales pe o temă țărănească. În anii analizați, în opera ei, mai decorativă și mai colorată decât arta lui Larionov, monumentală prin forța interioară și laconismul ei, se simte intens o pasiune pentru primitivism. Descriind opera lui Goncharova și Larionov, termenul „neo-primitivism” este adesea folosit.

M.Z. Chagall (1887-1985) a creat fantezii transformate din impresiile plictisitoare ale vieții unui oraș mic din Vitebsk și interpretate într-un spirit naiv-poetic și grotesc-simbolic. Cu spațiu suprarealist, culori strălucitoare, primitivizarea deliberată a formei, Chagall se dovedește a fi aproape atât de expresionismul occidental, cât și de arta populară primitivă („I and the Village”, 1911, Museum of Contemporary Art, New York; „Over Vitebsk”, 1914). , col. Zak. Toronto; „Nunta”, 1918, Galeria de stat Tretiakov).

„Uniunea Tineretului”

Uniunea Tineretului este o organizație din Sankt Petersburg formată aproape simultan cu Jack of Diamonds (1909). Rolul principal în ea a fost jucat de L. Zheverzheev. La fel ca „valetovtsy”, membrii „Uniunii Tineretului” au publicat culegeri teoretice. Până la prăbușirea asociației în 1917. „Uniunea Tineretului” nu a avut un program anume, profesând simbolismul, și cubismul, și futurismul și „non-obiectivitatea”, dar fiecare dintre artiști avea propria lui față creativă.

Arta anilor pre-revoluționari din Rusia este marcată de complexitatea neobișnuită și inconsecvența căutărilor artistice, de unde grupările succesive cu propriile setări de program și simpatii stilistice. Dar, alături de experimentatorii din domeniul formelor abstracte în arta rusă din acea vreme, „Lumea Artei” și „Goluboroziții”, „aliați”, „copii de diamante” au continuat să lucreze în același timp, a existat și un flux puternic de curente neoclasice, un exemplu al căruia poate fi opera unui membru activ al „artei Mir” în „a doua generație” a lui Z. E. Serebryakova (1884-1967). În pânzele sale de gen poetic cu desenul lor laconic, modelarea plastică palpabilă senzuală și echilibrul compoziției, Serebryakova provine din înaltele tradiții naționale ale artei ruse, în primul rând Venetsianov și chiar mai departe - arta rusă veche („Țărani”, 1914, Muzeul Rusiei; „Recolta”, 1915, Muzeul de Artă din Odesa; „Albirea pânzei”, 1917, Galeria de Stat Tretiakov).

În fine, dovadă strălucitoare a vitalității tradițiilor naționale, marea pictură antică rusă este opera lui K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), un artist-gânditor care a devenit ulterior cel mai proeminent maestru al artei din perioada sovietică. În celebrul tablou Bathing the Red Horse (1912, vineri), artistul a recurs la o metaforă figurativă. După cum s-a remarcat corect, tânărul pe un cal roșu aprins evocă asocieri cu imaginea populară a Sfântului Gheorghe Învingătorul („Sfântul Egor”) și silueta generalizată, compoziția ritmică, compactă, saturația de pete de culoare contrastante care sunet în plină forță, iar planeitatea în interpretarea formelor duce în amintirea unei vechi icoane rusești. O imagine armonios luminată este creată de Petrov-Vodkin în pictura monumentală „Fetele pe Volga” (1915, Galeria de stat Tretiakov), în care își simte și orientarea către tradițiile artei ruse, conducând maestrul la o adevărată naționalitate.

Arhitectură

Epoca capitalismului industrial foarte dezvoltat a provocat schimbări semnificative în arhitectură, în primul rând în arhitectura orașului. Există noi tipuri de structuri arhitecturale: fabrici, gări, magazine, bănci, odată cu apariția cinematografului - cinematografe. Lovitura a fost făcută de noi materiale de construcție: beton armat și structuri metalice, care au făcut posibilă blocarea spațiilor gigantice, realizarea de vitrine uriașe și crearea unui model bizar de legături.

În ultimul deceniu al secolului al XIX-lea, arhitecților le-a devenit clar că, folosind stilurile istorice din trecut, arhitectura a ajuns într-o fundătură; conform cercetătorilor, era necesar, potrivit cercetătorilor, să nu se „rearanjeze” istoricul. stiluri, ci pentru a înțelege în mod creativ noul care se acumula în mediul unui oraș capitalist în creștere rapidă. Ultimii ani ai secolului XIX - începutul secolului XX sunt vremea dominației modernității în Rusia, care s-a format în Occident în primul rând în arhitectura belgiană, sud-germană și austriacă, un fenomen în general cosmopolit (deși aici modernitatea rusă diferă de cea occidentală). european, deoarece este un amestec cu neorenascentismul istoric, neobaroc, neorococo etc.).

Un exemplu izbitor de Art Nouveau în Rusia a fost opera lui F.O. Shekhtel (1859--1926). Case profitabile, conace, clădiri ale companiilor comerciale și stații - în toate genurile, Shekhtel și-a lăsat scrisul de mână. Asimetria clădirii este eficientă pentru el, creșterea organică a volumelor, natura diferită a fațadelor, utilizarea balcoanelor, verandelor, bovindourilor, sandrik-urilor deasupra ferestrelor, introducerea unei imagini stilizate de crini sau irisi în interior. decor arhitectural, utilizarea vitraliilor cu același motiv ornamental, texturi diferite de materiale în designul interior. Un model bizar, construit pe răsucirile liniilor, se extinde în toate părțile clădirii: friza de mozaic, îndrăgită de Art Nouveau, sau o centură de plăci ceramice smălțuite în culori decadente decolorate, legături cu vitralii, un model de gard, grilaje de balcon; asupra compoziției scărilor, chiar și asupra mobilierului etc. Contururile curbilinii capricioase domină totul. În Art Nouveau se poate urmări o anumită evoluție, două etape de dezvoltare: prima este decorativă, cu o pasiune deosebită pentru ornament, sculptură decorativă și pictură (ceramică, mozaicuri, vitralii), a doua este mai constructivă, raționalistă.

Art Nouveau este bine reprezentat la Moscova. În această perioadă s-au construit aici gări, hoteluri, bănci, conace ale burgheziei înstărite, case de locuit. Conacul Ryabushinsky de la Porțile Nikitsky din Moscova (1900-1902, arhitect F.O. Shekhtel) este un exemplu tipic de Art Nouveau rusesc.

Faceți apel la tradițiile arhitecturii antice rusești, dar prin tehnicile modernității, nu copierea detaliilor naturalistice ale arhitecturii medievale rusești, care era caracteristică „stilului rusesc” de la mijlocul secolului al XIX-lea, ci variind liber, încercând să transmite chiar spiritul Rusiei antice, a dat naștere așa-numitului stil neo-rus de la începutul secolului al XX-lea (numit uneori neoromantism). Diferența sa față de Art Nouveau în sine este în primul rând deghizat, și nu dezvăluire, ceea ce este tipic pentru Art Nouveau, structura internă a clădirii și scopul utilitar din spatele ornamentației complicate (Shekhtel - Stația Yaroslavsky din Moscova, 1903-1904; A.V. Shchusev). - Gara Kazansky din Moscova, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - vechea clădire a Galeriei Tretiakov, 1900-1905). Atât Vasnețov, cât și Șchusev, fiecare în felul său (și al doilea sub influența foarte mare a primului), au fost impregnați de frumusețea arhitecturii antice rusești, în special Novgorod, Pskov și Moscova timpurie, au apreciat identitatea sa națională și și-au interpretat creativ. forme.

Art Nouveau s-a dezvoltat nu numai la Moscova, ci și la Sankt Petersburg, unde s-a dezvoltat sub influența incontestabilă a scandinavei, așa-numitul „modern nordic”: P.Yu. Suzor în 1902-1904 construiește clădirea companiei Singer pe Nevsky Prospekt (acum Casa Cărții). Sfera terestră de pe acoperișul clădirii trebuia să simbolizeze caracterul internațional al activităților companiei. Fațada a fost placată cu pietre prețioase (granit, labradorit), bronz și mozaicuri. Dar tradițiile clasicismului monumental din Sankt Petersburg au influențat modernismul din Sankt Petersburg. Aceasta a servit ca un impuls pentru apariția unei alte ramuri a modernității - neoclasicismul secolului XX. În conacul lui A.A. Polovtsov pe insula Kamenny din Sankt Petersburg (1911-1913) arhitect I.A. Fomin (1872-1936) a afectat pe deplin trăsăturile acestui stil: fațada (volumul central și aripile laterale) a fost rezolvată în ordine ionică, iar interioarele conacului într-o formă redusă și mai modestă, parcă, repetă înfilada holului Palatului Tauride, dar ferestrele uriașe ale semi-rotondei grădinii de iarnă, desenul stilizat de detalii arhitecturale definesc clar timpul începutului de sec. Lucrările unei școli de arhitectură pur St. Petersburg de la începutul secolului - case de locuit - la începutul Bulevarului Kamennoostrovsky (nr. 1-3), contele M.P. Tolstoi pe Fontanka (nr. 10-12), clădiri b. Banca Azov-Don de pe Bolshaya Morskaya și Hotelul Astoria aparțin arhitectului F.I. Lidval (1870-1945), unul dintre cei mai importanți maeștri ai Art Nouveau din Sankt Petersburg.

Art Nouveau a fost unul dintre cele mai semnificative stiluri care a încheiat secolul al XIX-lea și s-a deschis pe următorul. Toate realizările moderne ale arhitecturii au fost folosite în ea. Modernul nu este doar un anumit sistem constructiv. Încă de la domnia clasicismului, modernul este poate cel mai consistent stil în ceea ce privește abordarea sa holistică, soluția de ansamblu a interiorului. Art Nouveau ca stil a surprins arta mobilierului, ustensilelor, țesăturilor, covoarelor, vitraliilor, ceramicii, sticlei, mozaicurilor, este recunoscut peste tot pentru contururile și liniile sale, paleta sa specială de culori decolorate, pastelate și modelul său preferat de crini și irisi.

Sculptură

Sculptura rusă la începutul secolelor XIX-XX. iar primii ani pre-revoluţionari sunt reprezentaţi de câteva nume majore. În primul rând, acesta este P.P. Trubetskoy (1866-1938). Lucrările sale timpurii rusești (portretul lui Levitan, imaginea lui Tolstoi călare, ambele - 1899, bronz) oferă o imagine completă a metodei impresioniste a lui Trubetskoy: forma, așa cum ar fi, este pătrunsă de lumină și aer, dinamică, concepută pentru vizionare. din toate punctele de vedere și din unghiuri diferite creează o caracterizare multifațetă a imaginii. Cea mai remarcabilă lucrare a lui P. Trubetskoy în Rusia a fost monumentul de bronz al lui Alexandru al III-lea, ridicat în 1909 la Sankt Petersburg, în Piața Znamenskaya. Aici Trubetskoy își părăsește stilul impresionist. Cercetătorii au remarcat în mod repetat că imaginea lui Trubetskoy despre împărat este rezolvată, așa cum ar fi, spre deosebire de cea a lui Falconet, iar lângă Călărețul de bronz, aceasta este o imagine aproape satirică a autocrației. Ni se pare că acest contrast are un alt sens; nu Rusia, „ridicată pe picioarele din spate”, ca o navă lansată în apele europene, ci Rusia a păcii, stabilității și puterii este simbolizată de acest călăreț așezat greu pe un cal greu.

Impresionismul într-o refracție creativă deosebită, foarte individuală, a găsit expresie în lucrările lui A. S. Golubkina (1864-1927). În imaginile lui Golubkina, în special ale femeilor, există multă puritate morală ridicată, democrație profundă. Acestea sunt cel mai adesea imagini cu oameni săraci obișnuiți: femei epuizate sau „copiii temniței” bolnavi.

Cel mai interesant lucru din opera lui Golubkina sunt portretele ei, întotdeauna dramatic intense, care sunt în general caracteristice operei acestui maestru, și neobișnuit de diverse (portretul lui V.F. Ern (lemn, 1913, Galeria de stat Tretiakov) sau un bust al lui Andrei Bely ( gips, 1907, Galeria de Stat Tretiakov)) .

În opera lui Trubetskoy și Golubkina, cu toate diferențele lor, există ceva în comun: trăsături care le fac să fie legate nu numai de impresionism, ci și de ritmul liniilor fluide și al formelor modernității.

Impresionismul, care a surprins sculptura de la începutul secolului, a afectat puțin opera lui S. T. Konenkov (1874-1971). Marmura „Nike” (1906, Galeria de stat Tretiakov) cu trăsături clar portretistice (mai mult, slave) ale unei fețe rotunde, cu gropițe pe obraji, prezintă lucrările pe care Konenkov le-a interpretat după o călătorie în Grecia în 1912. Imaginile mitologiei păgâne grecești sunt împletit cu mitologia slavă. Konenkov începe să lucreze în lemn, atrage mult din folclorul rusesc, basmele rusești. De aici „Stribog” (copac, 1910, Galeria de stat Tretiakov), „Velikosil” (copac, privat, col.), imagini cu cerșetori și bătrâni („Bătrânul-Polyevichok”, 1910).

În renașterea sculpturii în lemn, marele merit al lui Konenkov. Dragostea pentru epopeea rusă, pentru basmul rusesc a coincis cu „descoperirea” picturii antice cu icoane rusești, sculpturii antice din lemn rusești, cu interes pentru arhitectura antică rusă. Spre deosebire de Golubkina, lui Konenkov îi lipsește dramatismul, căderea mentală. Imaginile lui sunt pline de optimism popular.

În portret, Konenkov a fost unul dintre primii care au pus problema culorii la începutul secolului. Colorarea sa a pietrei sau a lemnului este întotdeauna foarte delicată, ținând cont de caracteristicile materialului și de caracteristicile soluției plastice.

Dintre lucrările monumentale de la începutul secolului, este de remarcat monumentul lui N.V. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), deschis la Moscova în 1909. Acesta este Gogol din ultimii ani ai vieții, bolnav terminal. Neobișnuit de expresiv sunt profilul său trist, cu nasul ascuțit („Gogol”), o siluetă subțire înfășurată într-un pardesiu; În limbajul lapidar al sculpturii, Andreev a transmis tragedia unei mari personalități creative. Într-o friză în basorelief pe un piedestal în compoziții cu mai multe figuri, eroii nemuritori ai lui Gogol sunt înfățișați într-un mod cu totul diferit, cu umor sau chiar satiric.

A. T. Matveev (1878-1960). El a depășit influența impresionistă a profesorului său în lucrările sale timpurii - în nud (tema principală a acelor ani. Arhitectonica strictă, laconismul formelor stabile generalizate, o stare de iluminare, pace, armonie îl disting pe Matveev, contrastând direct opera sa cu sculptura). impresionism.

După cum au remarcat pe bună dreptate cercetătorii, lucrările maestrului sunt concepute pentru o percepție lungă și atentă, necesită o dispoziție interioară, „tăcere” și apoi se deschid cel mai deplin și profund. Au muzicalitatea formelor plastice, un mare gust artistic și poezie. Toate aceste calități sunt inerente pietrei funerare a lui V.E. Borisov-Musatov în Tarusa (1910, granit). În figura unui băiat adormit, este greu de văzut linia dintre somn și inexistență, iar acest lucru se face în cele mai bune tradiții de sculptură memorială din secolul al XVIII-lea. Kozlovsky și Martos, cu înțeleapta ei acceptare calmă a morții, care, la rândul său, ne duce și mai departe, la stele antice arhaice cu scene de „tratări funerare”. Această piatră funerară este punctul culminant în opera lui Matveev din perioada pre-revoluționară, care a trebuit încă să lucreze fructuos și să devină unul dintre celebrii sculptori sovietici. În perioada pre-octombrie, în sculptura rusă au apărut o serie de tineri maeștri talentați (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr etc.), care în anii 1910 tocmai își începeau activitatea de creație. Au lucrat în direcții diferite, dar au păstrat tradițiile realiste pe care le-au adus noii arte, jucând un rol important în formarea și dezvoltarea acesteia.

...

Documente similare

Originile spirituale și artistice ale Epocii de Argint. Ascensiunea culturii Epocii de Argint. Originalitatea picturii rusești de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. Asociațiile de artă și rolul lor în dezvoltarea picturii. Cultura provinciilor și orașelor mici.

lucrare de termen, adăugată 19.01.2007


Studiul motivelor divizării culturii ruse a secolului al XX-lea în domestic și emigrant. Caracterizarea reprezentanților și conceptelor artistice ale avangardei, realismului și underground-ului ca direcții principale în dezvoltarea artelor plastice și a literaturii.

test, adaugat 05.03.2010


Originile și conceptul simbolismului. Formarea artistului din Epoca de Argint. Perioade ale istoriei simbolismului rus: o cronologie a dezvoltării. Caracteristicile picturii de gen la începutul secolelor XIX-XX. Asociații de artă și colonii artistice în pictura rusă.

lucrare de termen, adăugată 17.06.2011


Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. Sculptură. Arhitectură. Cultura rusă s-a format și se dezvoltă astăzi ca una dintre ramurile copacului puternic al culturii universale mondiale. Contribuția sa la progresul cultural mondial este incontestabilă.

rezumat, adăugat 06.08.2004


Siluetă din Epoca de Argint. Principalele trăsături și diversitatea vieții artistice din perioada „Epocii de Argint”: simbolism, acmeism, futurism. Semnificația epocii de argint pentru cultura rusă. Caracteristici istorice ale dezvoltării culturii la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

rezumat, adăugat 25.12.2007


Un studiu al apariției și dezvoltării barocului ca stil de artă caracteristic culturii Europei de Vest de la sfârșitul secolului al XVI-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea. caracteristici generaleși analiza dezvoltării stilurilor baroc în pictură, sculptură, arhitectură și muzică.

prezentare, adaugat 20.09.2011


Intensitatea Epocii de Argint în conținutul creativ, căutarea unor noi forme de exprimare. Principalele tendințe artistice ale „Epocii de Argint”. Apariția simbolismului, acmeismului, futurismului în literatură, cubismului și abstracționismului în pictură, simbolismului în muzică.

rezumat, adăugat 18.03.2010


Istoria culturii artistice la începutul secolului XX. Principalele tendințe, concepte artistice și reprezentanți ai avangardei ruse. Formarea culturii epocii sovietice. Realizări și dificultăți în dezvoltarea artei în condiții totalitare; fenomen subteran.

prezentare, adaugat 24.02.2014


Perioada de glorie a culturii spirituale la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. Apariția de noi tendințe și grupuri de artă. Trăsături și diferențe ale abstracționismului, avangardismului, impresionismului, cubismului, cubo-futurismului, raionismului, modernismului, simbolismului și suprematismului.

prezentare, adaugat 12.05.2015


Influența evenimentelor politice și sociale asupra artei. Timp de ascensiune creativă în diferite domenii ale culturii. Dezvăluirea esenței acmeismului modernist, futurismului și simbolismului. Manifestarea Art Nouveau în arhitectura Moscovei. Literatura epocii de argint.

Arta „pură”, care proclamă valori care nu depind de problemele și tendințele sociale și istorice, este un fenomen frumos, dar nerealist.

Este imposibil să creați izolat de viața de zi cu zi, fără să acordați atenție ideilor care predomină în societate - formale și informale. Arta Rusiei în secolul XX a fost influențată de schimbări puternice în sistemul social, necunoscute de nicio altă țară.

Începutul secolului, căutarea unor idei noi

Cei 100 de ani ai secolului al XX-lea au fost o epocă de răsturnări fără precedent pentru întreaga civilizație. Până la sfârșitul secolului al XX-lea, progresul științific și tehnologic comprimase timpul și spațiul pentru întreaga planetă, conflictele sociale dintr-o regiune limitată s-au transformat în răsturnări planetare. Cultura și arta Rusiei în secolul al XX-lea, ca toate activitățile sociale din Europa și America, are un atașament temporar față de cele mai importante evenimente ale istoriei recente.

Magia numerelor, care marchează începutul unui nou secol, dă mereu naștere așteptării unei schimbări, speranței pentru începutul unui nou timp fericit. Secolul al XIX-lea, care a creat faima mondială pentru cultura rusă, se estompează în trecut, lăsând tradiții care nu puteau dispărea peste noapte.

„Lumea artei” a fost numele asociației de artiști care a apărut în 1898 și a existat intermitent până în 1924, fără de care este imposibil să ne imaginăm artele plastice din primul sfert al secolului al XX-lea în Rusia. „Lumea artei” nu avea unul, stil comun dezvoltat - pictorii, graficienii, sculptorii au mers fiecare pe drumul său, având un acord în opiniile lor cu privire la obiectivele artei și rolul acesteia în societate. Multe trăsături ale acestui punct de vedere au fost exprimate de geniul lui Mihail Vrubel. Nucleul formal, baza asocierii au fost L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. La ea au luat parte în diferite momente Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov și alți maeștri.

Toți au recunoscut primatul profesionalismului în artă, rolul enorm al libertății creatoare și independența artistului față de dogmele sociale, fără a nega valoarea artei în viața umană, protestând împotriva rigidității academismului, pe de o parte și a politizarea excesivă a picturii de către Rătăcitori pe de altă parte. Criticată de susținătorii tradițiilor, Lumea Artei nu s-a putut încadra în procesul turbulent al nașterii picturii „proletare”, dar a avut un impact uriaș asupra tuturor artelor plastice ale secolului XX din Rusia - atât asupra celor care au lucrat în URSS și asupra celor care au ajuns în emigrare.

Modern

Ultimele decenii ale secolului al XIX-lea au fost perioada nașterii unui nou stil, care a lăsat amprenta asupra operei maeștrilor artelor plastice și arhitecturii. Avea propriile sale caracteristici în anumite regiuni ale Europei, unde chiar era numit diferit. În Belgia și Franța, denumirea „Art Nouveau” a fost fixată, în Germania – „Art Nouveau”, în Austria – „Secession”. Sunt cunoscute și alte nume asociate cu cei mai cunoscuți artiști ai acestui stil sau firme care au produs mobilier, bijuterii și alte produse în această direcție: stil mush, stil Guimard - în Franța, Liberty în Italia, în SUA - stil Tiffany etc. al Rusiei Secolul XX, în special arhitectura, îl cunosc drept Art Nouveau.

După o lungă perioadă de atemporalitate stilistică, Art Nouveau a devenit una dintre cele mai expresive și formate vizual mișcări artistice. Caracterul vegetal, neted al liniilor de decor bogat, caracteristic acestuia, în combinație cu forme geometrice simple și expresive de volume mari, a atras artiști și arhitecți cu prospețime și noutate.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - vedeta modernității arhitecturale rusești. Talentul său a dat trăsături naționale unui stil esențial cosmopolit, capodoperele lui Shekhtel - gara Yaroslavsky, conacul Ryabushinsky - sunt creațiile arhitectului rus, atât în ​​general, cât și în lucruri mărunte.

Avangarda prerevoluționară

Procesul de căutare a unor noi forme de artă și altele - noua sa esență - a fost relevant pentru arta întregii Europe și Americii. Arta Rusiei în secolul XX conține mai multe perioade cu adevărat revoluționare, când munca mai multor reformatori a indicat noi direcții în dezvoltarea gândirii artistice. Una dintre cele mai izbitoare și impresionante a fost perioada inter-revoluționară din 1905 până în 1917. Particularitățile artei de avangardă din Rusia au fost cauzate de criza vieții publice ruse după tragediile războiului ruso-japonez și a Revoluției din 1905.

Numeroase mișcări de avangardă și asociații creative care au apărut la acea vreme au avut cauze generative similare și scopuri similare de căutare artistică. Având o influență puternică asupra principalelor tipuri de artă ale secolului al XX-lea în Rusia, futuriștii și cubo-futuristii, „Jack of Diamonds” și „Blue Rose”, Suprematismul lui Kandinsky și Malevich a căutat noi lumi în diferite moduri, a exprimat criza artei vechi, care pierduse contactul cu realitatea, a anticipat debutul unei ere a răsturnărilor globale.

Printre noile idei născute de artiștii de avangardă a fost ideea Rusiei în secolul 20. Conține pagini precum celebra performanță - manifestul noii arte „Victory over the Sun” (1913). A fost rezultatul muncii comune a poeților futuriști M. Matyushin, V. Khlebnikov, iar decorația a fost realizată de Kazimir Malevich.

Artiștii P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, care au îmbogățit arta Rusiei în secolul al XX-lea cu căutările lor, au devenit autorii picturilor care au primit recunoaștere mondială. Și această recunoaștere a început în anii 10 ai secolului XX, în epoca nașterii picturii de avangardă în istoria modernă.

După Revoluția din octombrie, Rusia a avut ocazia să deschidă noi orizonturi întregii lumi în viața publică, inclusiv în artă. Și la început s-au creat condiții când valoarea fiecărei persoane dotate a crescut nemăsurat, generatori de noi idei creative au ieșit în prim-plan.

Cum interpretează istoria artei acea perioadă? Secolul XX, Rusia, anii douăzeci tulburi - aceasta este o viață artistică activă fără precedent a numeroase asociații creative, printre care se remarcă:

UNOVIS - „Afirmativ al noii arte” (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Înființată pe baza școlii de artă din Vitebsk, această asociație a fost un apolog al avangardei artistice, oferindu-se să caute noi teme și forme pentru artă.

- „Patru Arte” - un flux în concordanță cu „Lumea Artei” Scopul principal este de a arăta posibilitățile expresive enorme ale arhitecturii, sculpturii, graficii și picturii. S-a declarat nevoia de înalt profesionalism și libertate de creație. Cei mai importanți reprezentanți: arhitectul A. V. Shchusev, graficianul V. A. Favorsky, sculptorul V. I. Mukhina, pictorii K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva și alții.

- „OST”, „Societatea artiștilor de șevalet”. Principalul lucru a considerat să arate semnele debutului unei noi vieți pașnice, construcția unei țări tinere moderne prin intermediul unui stil avansat expresiv, dar simplu și clar. Conducători: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- „Cercul Artiștilor” (Leningrad). Urmând cursul oficial, dezvoltarea „stilului epocii”. Membrii activi ai grupului: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - „Asociația Artiștilor din Rusia Revoluționară” - o asociație care a devenit baza Uniunii Artiștilor din URSS creată ulterior, un conducător activ de direcții pentru conducerea ideologică a procesului artistic, un instrument de propagandă de partid, moștenitorii a Rătăcitorilor. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson erau în frunte.

Constructivismul

În programele celor mai prestigioase institutii de invatamant pregătirea arhitecților, există întotdeauna un studiu al temei „Constructivismul rus - avangarda arhitecturală a anilor 20”. Mare importanță are pentru înțelegerea artei de construcție, ideile proclamate de liderii acelei direcții sunt foarte relevante pentru orice moment. Clădirile supraviețuitoare ale lui Konstantin Melnikov (cladirea rezidențială a arhitectului pe strada Krivoarbatsky, clubul lui Rusakov de pe Stromynka, un garaj pe strada Novoryazanskaya etc.), frații Vesnin, Moses Ginzburg (Casa Narkomfin pe Bulevardul Novinsky) și alte vedete ale arhitecturii ruse sunt fondul de aur al arhitecturii ruse.

Functionalismul, respingerea infrumusetarii inutile, estetica structurii cladirii, armonia mediului de locuit creat - aceste idei au devenit baza pentru rezolvarea unor noi probleme puse tinerilor arhitecti, artisti si specialisti in domeniul care a inceput sa fie numit design industrial. . Au trebuit să construiască locuințe în masă pentru orașe noi, cluburi ale muncitorilor pentru dezvoltarea cuprinzătoare a individului, să creeze facilități pentru munca și recreerea unei persoane noi. Realizările uimitoare ale avangardei anilor douăzeci nu pot fi ocolite, studierea artei Rusiei, Europei și Americii din toate timpurile ulterioare se bazează în mare parte pe ele. Este trist că aceste idei progresiste s-au dovedit a fi cele mai puțin solicitate în patria lor, iar „stilul Imperiului Stalin” este considerat de mulți a fi cea mai mare realizare a arhitecturii sovietice.

Arta erei totalitarismului

În 1932, a fost emis Decretul Comitetului Central al Partidului Comunist al Bolșevicilor din întreaga Uniune privind activitatea asociațiilor creative. Epoca tulbure a diferitelor curente și direcții s-a încheiat sub influența mașinii statului, care a câștigat putere, controlată de aparatul ideologic, în care puterea unică era din ce în ce mai puternică. Timp de mulți ani, arta Rusiei în secolul al XX-lea, la fel ca mult în viața țării, a început să depindă de opinia unei persoane - Iosif Stalin.

Uniunile creative au devenit un mijloc de subordonare a gândirii artistice unor standarde ideologice uniforme. A venit epoca socialistului, treptat, orice abatere de la cursul oficial a început să fie declarată penală, cei care nu sunt de acord au căzut sub o adevărată represiune. Acuzațiile de abatere de la linia partidului au devenit o metodă de rezolvare a discuțiilor creative. Progresivitatea acestui lucru este foarte discutabilă. Cum s-ar fi dezvoltat, de exemplu, arta teatrală a Rusiei în secolul al XX-lea dacă marele reformator de scenă Vsevolod Meyerhold nu ar fi căzut victima represiunii?

Natura talentului artistic este complexă și inexplicabilă. Imaginile conducătorilor au fost întruchipate cu mare pricepere și sentiment sincer. Niciuna dintre cele mai brutale represiuni nu a putut împiedica apariția unor artiști cu adevărat talentați, pentru care autoexprimarea a fost principalul lucru, indiferent de cadrul ideologic.

În arhitectură, a venit vremea „imperiului stalinist”. Căutarea artiștilor de avangardă a fost înlocuită cu revenirea la canoane dovedite. Puterea ideologiei comuniste a fost întruchipată în exemple spectaculoase de neoclasicism reelaborat - „zgârie-norii” lui Stalin.

Arta perioadei de război

Există un moment în istoria țării noastre care a devenit cea mai mare tragedie și o etapă de ascensiune spirituală fără precedent. Arta Rusiei în secolul 20-21 a primit una dintre temele principale care a făcut posibilă exprimarea măreției caracterului popular rus, profunzimea sentimentelor care pot stăpâni un individ și mase uriașe în timpul răsturnărilor istorice.

Marele Război Patriotic din primele zile și-a găsit expresia în imagini vizuale de o putere uimitoare. Poster I. Toidze „Patria mă sună!” ridicat în apărarea țării mai bine decât orice comandant, iar „Apărarea Sevastopolului” a lui Deineka șochează orice persoană, indiferent de ideile pe care le împărtășește. Simfonia a șaptea a lui Dmitri Șostakovici este la fel de impresionantă, iar arta muzicală a Rusiei în secolul al XX-lea, nu mai puțin decât alte tipuri de creativitate, a adus un omagiu temei războiului împotriva fascismului.

Dezgheţ

După Marea Victorie, următorul cel mai puternic factor istoric de influență asupra viata publicaîn URSS a avut loc moartea lui Stalin (martie 1953) și al XX-lea Congres al PCUS, care a pus problema expunerii cultului personalității. De ceva vreme, atât pentru artiști, cât și pentru întreaga societate, a existat un suflu de libertate a creativității și a ideilor noi. Generația „șaizecilor” este un fenomen foarte specific, a lăsat o amintire despre sine ca o scurtă gură de aer proaspăt luată înainte de a se cufunda din nou timp de zeci de ani în mlaștina unei existențe măsurate, programate, reglementate.

Primele experimente ale avangardei artistice ale „al doilea val” - lucrările lui E. Belyutin, Y. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky și alții - la expoziția dedicată aniversării a 30 de ani de la Moscova filială a Uniunii Artiștilor, au fost condamnați personal de noul lider al țării N Hrușciov. Petrecerea a început din nou să explice oamenilor ce fel de artă au nevoie și artiștilor cum să picteze.

Arhitectura a fost instruită să se ocupe de excesele, ceea ce a fost explicat pe bună dreptate prin dificultățile economice ale perioadei postbelice, a venit vremea construcției de locuințe în masă, vremea „Hrușciov”, care a înlăturat oarecum acuitatea problemei locuințelor, dar a desfigurat. apariția multor orașe.

Arta „socialismului dezvoltat”

În multe privințe, arta Rusiei din a doua jumătate a secolului al XX-lea este în mare măsură o poveste de confruntare între o personalitate artistică și ideologia dominantă. Dar chiar și într-o atmosferă de reglementare ideologică a fiecărei bucăți de spațiu spiritual, mulți artiști au găsit modalități de a modifica ușor metoda prescrisă a realismului socialist.

Deci, un adevărat exemplu pentru tineri au fost maeștrii care și-au format convingerile încă din anii douăzeci: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov și alții. Poza fostului membru al asociației de artă „OST” Y. Pimenov „Nunta pe strada de mâine”, scrisă în 1962, a devenit un simbol al speranțelor societății de reînnoire.

Un alt fenomen izbitor în pictura sovietică din acea vreme a fost formarea unui „stil sever”. Acest termen desemna opera lui G. Korzhov, P. Ossovsky, frații Smolin, P. Nikonov și alții.În picturile lor, scrise în diferite genuri (de zi cu zi, istorice), a apărut un erou care nu avea nevoie de instrucțiuni, ocupat cu un afaceri de înțeles și necesare. El a fost înfățișat fără detalii inutile și bibelouri coloristice, în mod încăpător și expresiv.

De o importanță deosebită este opera unui astfel de maestru, deoarece sunetul civic al pânzelor sale conține un mesaj umanistic general rar pentru arta sovietică, aproape religios, iar stilul picturii își are rădăcinile în Renașterea italiană.

Nonconformism

Dominația oficială a „realismului socialist” i-a forțat pe artiștii informali să-și găsească drumul către public sau să recurgă la emigrare. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny și mulți alții au plecat. Aceștia au fost artiști ai secolului XX în Rusia, care au fost purtătorii valorilor spirituale născuți de avangarda începutului de secol și care s-au întors în patria lor după prăbușirea ideologiei comuniste.

Și în timpul domniei sale a apărut emigrația internă, dând naștere motivului popular al unui artist nebun, veșnic beat, locuitor al spitalelor de boli psihice, persecutat de autorități și de conducerea uniunilor creative, dar foarte apreciat de experții occidentali independenți. Un purtător tipic al unei astfel de imagini a fost A. Zverev - o figură legendară pentru Moscova în epoca socialismului dezvoltat.

Polistilistică și pluralism

S-a eliberat de dictatele statului din epoca sovietică, artele plastice ale secolului al XX-lea din Rusia au intrat în procesul global ca o parte inseparabilă a acestuia, cu proprietăți și tendințe comune. Multe forme de creativitate, familiare Occidentului de mult timp, au fost stăpânite rapid de artiștii autohtoni. Cuvintele „performanță”, „instalație video” etc. au devenit familiare în discursul nostru, iar printre cei mai importanți maeștri contemporani cu faimă mondială sunt artiști cu vederi diametrale în ceea ce privește direcțiile: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev, A. Burganov și mulți alții.

Istoria recentă furtunoasă și imprevizibilă a țării, care ocupă o șaseme din pământul pământului, se uită în oglinda sa - arta Rusiei secolului XX - și se reflectă în ea cu mii de imagini de neuitat...

1. Arta Rusiei la sfârșitul secolului XX. Ultimul deceniu al secolului XX în Rusia a fost plin de evenimente politice și economice care au schimbat radical situația din țară. Prăbușirea Uniunii în 1991 și schimbarea cursului politic, trecerea la relațiile de piață și o orientare clară către modelul occidental de dezvoltare economică și, în final, slăbirea, până la desființarea completă, a controlului ideologic - toate acestea în începutul anilor 1990 a contribuit la faptul că mediul cultural a început să se schimbe rapid. Liberalizarea și democratizarea țării au contribuit la dezvoltarea și stabilirea de noi tendințe și direcții în arta națională. Evoluția artei în anii 1990 în Rusia are loc odată cu apariția unor tendințe inerente postmodernismului, odată cu apariția unei noi generații de tineri artiști care lucrează în domenii precum, conceptualism, grafică computerizată, neoclasicism legate de dezvoltarea tehnologiei informatice în Rusia. Originar din eclectismul clasic, „Noul neoclasicism rus” a devenit un „diamant cu mai multe fațete”, combinând diverse tendințe care nu aparțineau „clasicilor” înainte de epoca modernismului. Neoclasicismul- aceasta este o direcție în artă în care artiștii reînvie tradițiile clasice de pictură, grafică, sculptură, dar în același timp folosesc activ cele mai noi tehnologii. istoric britanic și teoretician al artei Edward Lucy Smith a numit neoclasicismul rus „primul fenomen izbitor al culturii ruse care a influențat procesul artistic mondial după Kazimir Malevich”. Neoclasicismul a cerut o atitudine diferită față de antichitate decât cea a clasiciștilor. Privire istorică asupra cultura greaca a făcut din operele antice nu un ideal istoric absolut, ci un ideal istoric concret, prin urmare, imitația grecilor a căpătat un alt sens: în percepția artei antice, nu normativitatea ei a ieșit în prim-plan, ci libertatea, condiționalitatea regulilor. care avea să devină mai târziu canonul, viața reală a oamenilor. D.V. Sarabyanov găsește în neoclasicism un fel de „complicație” a modernității. Cu aceeași probabilitate, neoclasicismul poate fi considerat atât modern târziu, cât și o tendință independentă. În opera „noilor artiști” nu există modernitate pură sau un neoclasicism separat, ei acționează întotdeauna interconectat, artiștii noii academii au combinat simultan mai multe tendințe în artele vizuale: avangardă, postmodernism, clasicism în „ spațiu de colaj”. Lucrările „noilor artiști” sunt eclectice, combinând grafica computerizată, gravura, pictura și fotografia. Artiștii au digitizat lucrările finite, au selectat fragmentele necesare și au creat colaje, restaurând cu măiestrie costumele și decorul antichității. Combinaţie metode tradiționale cu capacitățile programelor de grafică pe computer au extins potențialul creativ al artiștilor. Din materialul scanat au fost asamblate colaje, li s-au aplicat efecte artistice speciale, s-au deformat, creând compoziții iluzorii. Cei mai importanți reprezentanți ai neoclasicismului din Sankt Petersburg de la începutul anilor 1990 au fost O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclasicismul Toberluts este una dintre manifestările romantismului. Lucrările ei întruchipează sentimentele unei persoane, vise, noblețe, ceva entuziast și transformat într-un ideal irealizabil. . Artista însăși devine eroina lucrărilor sale. Stilistic, opera lui O. Toberluts poate fi definită ca neoclasicism, trecut prin conștiința postmodernă, ca o lume eclectică, care înfățișează temple antice, interioare renascentiste, mori de vânt olandeze și costume de la designerul K. Goncharov ca o notă de modernitate. Posibilitățile nelimitate ale graficii pe computer fac ca lucrările lui O.Tobreluts să fie fantastice și supranaturale. Cu ajutorul tehnologiei informatice E.Sheff se întoarce în Grecia antică, apoi în Roma antică, creând imagini ale mitologiei antice în colajele sale. În serie „Miturile lui Ludwig” artistul a folosit fotografii cu sculpturi grecești, structuri arhitecturale, suprapunând asupra acestora efectele antichității. Cu ajutorul tehnologiei computerizate, artistul restabilește originalitatea Colosseumului, efectuând excursii interesante în jurul lui. Pictura digitala Shutov reprezintă echivalentul emoțional al numeroaselor sale hobby-uri. Conține atât clasici greci, cât și ecouri ale cercetării etnografice, precum și elemente ale subculturii tineretului.Astfel, se poate observa că sfârșitul secolului al XX-lea a reprezentat un punct de cotitură nu numai în viața politică și economică a Rusiei, ci și în artă. În anii 1990, a fost fondată o tendință puternică în artele vizuale „noul neoclasicism rusesc”. Dezvoltarea tehnologiilor informatice în Rusia a extins potențialul creativ al artiștilor, noii artiști, folosind noile tehnologii, au creat lucrări clasice. Principalul lucru nu este tehnica și tehnologia, ci estetica. Arta modernă poate fi și clasică. 2. Arta Rusiei la începutul secolului XXI. O caracteristică a artelor plastice la cumpăna dintre secolele XX - XXI este că a devenit liberă de opresiunea cenzurii, de influența statului, dar nu de o economie de piață. Dacă în epoca sovietică artiștilor profesioniști li s-a oferit un pachet de garanții sociale, picturile lor erau achiziționate pentru expoziții și galerii naționale, dar acum se pot baza doar pe propriile forțe. Dar pictura rusă nu a murit și s-a transformat într-o aparență de artă vest-europeană și americană, ea continuă să se dezvolte pe baza tradițiilor rusești. Arta contemporană este expusă de galerii de artă contemporană, colecționari privați, corporații comerciale, organizații de artă de stat, muzee de artă contemporană, studiouri de artă sau de artiștii înșiși în spațiul condus de artiști. Artiștii contemporani primesc sprijin financiar prin granturi, premii și premii și primesc, de asemenea, fonduri din vânzarea lucrărilor lor. Practica rusă este oarecum diferită în această privință de practica occidentală. Muzeele, bienalele, festivalurile și târgurile de artă contemporană devin treptat instrumente pentru atragerea de capital, investiții în afacerile turistice sau parte a politicii guvernamentale. Colecționarii privați au o mare influență asupra întregului sistem de artă contemporană. În Rusia, una dintre cele mai mari colecții de artă contemporană este deținută de Muzeul non-statal de Artă Contemporană Erarta din Sankt Petersburg. Tendințe în arta contemporană: Artă nespectaculoasă- o tendință în arta contemporană care respinge spectacolul și teatralitatea. Un exemplu de astfel de artă este reprezentația artistului polonez Pavel Althamer „Script Outline”, la expoziția „Manifesta” din 2000. În Rusia, a oferit propria sa versiune a artei nespectaculoase Anatoly Osmolovsky.Artă stradală(Engleză) arta stradala- artă stradală) - arte vizuale, trăsătură distinctivă care este un stil urban pronunțat. Partea principală a artei stradale este graffiti (altfel arta spray), dar nu se poate considera că arta stradală este graffiti. Arta stradală include și afișe (necomerciale), șabloane, diverse instalații sculpturale etc. În arta stradală, fiecare detaliu, fleac, umbră, culoare, linie este important. Artistul își creează propriul logo stilizat - un „semn unic” și îl înfățișează pe părți ale peisajului urban. Cel mai important lucru în arta stradală nu este să se însuşească un teritoriu, ci să implice privitorul într-un dialog și să arate un alt program intriga. Ultimul deceniu marchează diversitatea direcțiilor pe care le alege arta stradală. Admirând generația mai în vârstă, tinerii scriitori sunt conștienți de importanța dezvoltării propriului stil. În acest fel, apar noi ramuri, prevăzând un viitor bogat pentru mișcare. Noile forme diverse de artă stradală depășesc uneori ca amploare tot ceea ce a fost creat înainte. aerografie - una dintre tehnicile de pictură ale artelor plastice, folosind un aerograf ca instrument pentru aplicarea vopselei lichide sau pulbere folosind aer comprimat pe orice suprafață. Se poate folosi și o vopsea spray. Datorită utilizării pe scară largă a aerografului și apariției unui număr mare de vopsele și compoziții diferite, aerograful a primit un nou impuls pentru dezvoltare. Acum aerografia este folosită pentru a crea picturi, retușuri foto, taxidermie, modelaj, pictură textilă, pictură pe pereți, artă corporală, pictură pe unghii, pictură suveniruri și jucării, pictură de vase. Este adesea folosit pentru desenarea imaginilor pe mașini, motociclete, alte echipamente, în imprimare, în design, etc. Datorită stratului subțire de vopsea și a capacității de a-l pulveriza fără probleme pe suprafață, este posibil să se obțină efecte decorative excelente, cum ar fi tranziții netede de culoare, tridimensionalitate, realism fotografic al imaginii rezultate, imitarea unei texturi aspre cu o netezime ideală a suprafeței.

Subiecte și întrebări ale seminariilor;

Subiectul 1. Concepte de bază de istoria artei și istoria artei.

Întrebări:

1. Problema clasificării artelor.

2. Conceptul de „operă de artă”. Apariția și sarcina unei opere de artă. Opera si arta.

3. Esența, scopurile, sarcinile artei.

4.Funcțiile și sensul art.

5. Conceptul de „stil”. Stilul artistic și timpul său.

6. Clasificarea art.

7. Istoria apariţiei şi formării criticii de artă.

Probleme de discutat:

1. Există 5 definiții ale art. Ce este caracteristic pentru fiecare dintre ele? Ce definiție urmați? Poți să-ți formulezi definiția artei?

2. Care este scopul artei?

3. Cum poți defini o operă de artă? Cum coexistă „operă de artă” și „operă de artă”? Explicați procesul apariției unei opere de artă (după I. Zece). Care este sarcina unei opere de artă (după P.P. Gnedich)?

4. Enumerați cele 4 funcții principale ale artei (după I.P. Nikitina) și patru

posibilă înțelegere a sensului art.

5. Definiți sensul conceptului de „stil”. Ce stiluri de artă europeană cunoașteți? Ce este „stil artistic”, „spațiu artistic”?

6. Enumerați și descrieți pe scurt tipurile de artă: arte spațială, temporală, spațiu-timp și arte spectaculoase.

7. Care este subiectul istoriei artei?

8. Care credeți că este rolul muzeelor, expozițiilor, galeriilor, bibliotecilor pentru studierea operelor de istorie a artei?

9. Trăsături ale gândirii antice despre artă: Informații supraviețuitoare despre primele exemple de literatură despre artă („Canon” de Policleto, tratate de Duris, Xenocrates). Direcția „topografică” în literatura despre artă: „Descrierea Hellas” de Pausanias. Descrierea operelor de artă de Lucian. Conceptul pitagoreic de „cosmos” ca întreg armonios, supus legilor „armoniei și numărului” și semnificației sale pentru începuturile teoriei arhitecturii. Ideea de ordine și proporție în arhitectură și urbanism. Imaginile orașului ideal din scrierile lui Platon (cartea a șasea a Legilor, dialogul Critias) și Aristotel (cartea a șaptea a Politicii). Înțelegerea artei în Roma antică. „Istoria naturală” de Pliniu cel Bătrân (secolul I d.Hr.) ca principală sursă de informații despre istoria artei antice. Tratatul lui Vitruvius: o expunere sistematică a teoriei arhitecturale clasice.

10. Soarta tradițiilor antice în Evul Mediu și trăsăturile ideilor medievale despre artă: Vederi estetice ale Evului Mediu (Augustin, Toma d’Aquino), ideea estetică principală: Dumnezeu este sursa frumuseții (Augustin) și semnificația ei pentru teorie și practică artistică. Ideea de „prototip”. Caracteristici ale literaturii medievale despre artă. Manuale practic-tehnologice, de prescripție: „Ghidul pictorilor” din Muntele Afaon Dionysius Furnagrafiot, „Despre culorile și artele romanilor” de Heraclius, „Schedula” (Schedula - Student) de Theophilus. Descrierea monumentelor de arhitectură în cronici și vieți ale sfinților.

11. Renașterea ca punct de cotitură în istoria dezvoltării artei și istoriei artei europene. O nouă atitudine față de antichitate (studiul monumentelor antichității). Dezvoltarea unei viziuni seculare asupra lumii și apariția științei experimentale. Formarea unei tendințe de interpretare istorică și critică a fenomenelor artei: „Comentarii” de Lorenzo Ghiberti Tratate de probleme speciale - urbanism (Filaret), proporții în arhitectură (Francesco di Giorgio), perspectivă în pictură (Piero dela Francesca). Înțelegerea teoretică a punctului de cotitură al Renașterii în dezvoltarea artei și experiența studiului umanist al moștenirii antice în tratatele lui Leon Batista Alberti („Despre statuie”, 1435, „Despre pictură”, 1435-36, „Despre arhitectură”, ”), Leonardo da Vinci („Tratat de pictură”, publicat postum), Albrecht Dürer (Patru cărți despre proporțiile umane, 1528). Critica teoriei arhitecturale a lui Vitruvius în „Zece cărți de arhitectură” (1485) de Leon Baptiste Alberti. „Academia Valorii” Vitruvian și activitățile sale în studiul și traducerea operei lui Vitruvius. Tratatul lui Giacomo da Vignola „Regula celor cinci ordine de arhitectură” (1562). Patru cărți despre arhitectură (1570) de Andrea Palladio este un epilog clasic în istoria arhitecturii renascentiste. Rolul lui Palladio în dezvoltarea ideilor arhitecturale ale barocului și clasicismului. Palladio și paladianism.

12. Principalele etape ale formării istoriei artei istorice în timpurile moderne: de la Vasari la Winckelmann: „Viețile celor mai importanți pictori, sculptori și arhitecți” Giorgio Vasari (1550, 1568) ca o lucrare de hotar în istoria formației a criticii de artă. „Cartea artiștilor” de Karel Van Mander ca o continuare a biografiilor lui Vasari bazate pe materialul picturii olandeze.

13. Gânditorii secolului al XVIII-lea asupra problemelor formării stilului în artă, asupra metodelor artistice, locul și rolul artistului în societate: Raționalismul în istoria artei. Teoria clasică a lui Nicolas Poussin. Programul teoretic al clasicismului în „Arta poetică” de Nicolas Buallo (1674) și „Convorbiri despre cei mai cunoscuți pictori, vechi și noi” de A. Feliben (1666-1688).

14. Epoca Iluminismului (secolul al XVIII-lea) și problemele teoretice și metodologice ale artei. Formarea școlilor naționale în cadrul teoriei generale a artei. Dezvoltarea criticii de artă în Franța. Rolul saloanelor în viața artistică franceză. Recenzii ale saloanelor ca forme de frunte ale literaturii critice despre artele plastice. Dispute despre sarcinile criticii de artă (evaluarea creativității sau educarea publicului). Caracteristici ale istoriei artei germane. Contribuție la teoria artelor plastice de Gotthold Ephraim Lessing. Tratat „Laocoon” (1766) și problema granițelor picturii și poeziei. Introducerea conceptului de „arte plastice” în loc de „arte plastice” (deplasarea accentului de la frumos la adevăr și evidențierea funcției figurativ-realiste a artei). Semnificația activităților lui Johann Joachim Winckelmann pentru dezvoltarea științei istorice a artei. Conceptul lui Winckelmann despre arta antică și periodizarea dezvoltării acesteia.

15. Originile gândirii ruse despre artă. Informații despre artiști și monumente artistice în cronicile medievale rusești și sursele epistolare. Ridicarea de întrebări despre artă în viața socială și politică a secolului al XVI-lea. (Catedrala Stoglavy din 1551 și alte catedrale) ca dovadă a trezirii gândirii critice și a luptei diferitelor tendințe ideologice.

16. O schimbare radicală în arta rusă a secolului al XVII-lea: formarea începuturilor unei viziuni seculare asupra lumii și prima cunoaștere a formelor europene de cultură artistică. Formarea gândirii artistice și teoretice. Capitolul „Despre iconografie” din „Viața” lui Avvakum. „Eseu despre artă” de Iosif Vladimirov (1665-1666) și „Cuvântul către pictura cu icoană curioasă” de Simon Ushakov (1666-1667) sunt primele lucrări rusești despre teoria artei.

17. Formarea activă a noilor forme seculare de cultură în secolul al XVIII-lea. Note

J. von Stehlin este prima încercare de a crea o istorie a artei ruse.

18. Noua înțelegere romantică a artei în articolele critice de K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Istoria artei de la sfârșitul secolelor XIX - XX: încercări de a sintetiza realizările școlii formale cu conceptele criticilor ei - „știința structurală” a stilurilor artistice. Abordarea semiotică în istoria artei. Caracteristici ale studiului semiotic al operelor de artă plastică din operele lui Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspenski. Varietatea metodelor de studiere a artei în știința casnică modernă. Principii de analiză a unei opere de artă și o abordare problematică a studiului istoriei artei în operele lui M. Alpatov („Problemele artistice ale artei Grecia antică”, „Probleme artistice ale Renașterii italiene”). Sinteza abordărilor metodologice (formale stilistice, iconografice, iconologice, sociologice) de V. Lazarev. Metoda comparativ-istorică de cercetare în lucrările lui D. Sarabyanov („Pictura rusă a secolului al XIX-lea printre școlile europene. Experiența cercetării comparate”). Abordare sistematică a artei și a caracteristicilor acesteia.

1. Alekseev V.V. Ce este arta? Despre modul în care un pictor, grafician și sculptor descrie lumea. – M.: Art, 1991.

2. Valeri P. Despre art. Colectie. – M.: Art, 1993.

3. Vipper B.R. Introducere în studiul istoric al artei. – M.: Arte vizuale, 1985.

4.Vlasov V.G. Stiluri în artă - Sankt Petersburg: 1998.

5.Zis A.Ya. Tipuri de artă. – M.: Cunoașterea, 1979.

6.Kon-Wiener. Istoria stilurilor artelor plastice. - M.: Svarog și K, 1998.

7. Melik-Paşaev A.A. Dicționar modern - carte de referință despre artă. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Fundamentele istoriei artei. – M.: Art, 2001.

Tema 2. Arta lumii antice. Arta epocii sistemului comunal primitiv și a Orientului antic.

Întrebări:

1. Periodizarea artei societăţii primitive. Caracteristici ale artei primitive a epocii: Paleolitic, Mezolitic, Neolitic, Bronz.

2. Conceptul de sincretism în arta primitivă, exemplele sale.

3. Legile și principiile generale ale artei Orientului Antic.

4. Arta Mesopotamiei antice.

5. Arta sumerienilor antici.

6. Arta Babiloniei și Asiriei antice.

Probleme de discutat:

1. Oferiți o scurtă privire de ansamblu asupra periodizării artei primitive. Care sunt trăsăturile artei fiecărei perioade?

2. Descrieți principalele trăsături ale artei primitive: sincretismul, fetișismul, animismul, totemismul.

3. Comparați canoanele din reprezentarea unei persoane în arta Orientului antic (Egipt și Mesopotamia).

4. Care sunt trăsăturile artelor plastice ale Mesopotamiei Antice?

5. Povestește-ne despre arhitectura Mesopotamiei pe exemplul unor monumente specifice:

ziguratul lui Etemenniguru din Ur și ziguratul lui Etemenanki din Noul Babilon.

6. Povestește-ne despre sculptura Mesopotamiei pe exemplul unor monumente specifice: zidurile de-a lungul Drumului Procesiunii, Poarta Iștar, reliefurile din Palatul Ashurnasirpal din

7. Care este tema imaginilor sculpturale în relief ale Mesopotamiei?

8. Cum se numeau primele monumente de arhitectură babiloniene? Ce era lor

programare?

9. Care este particularitatea cosmogoniei culturii sumero-akkadiene?

10. Enumerați realizările în arta civilizației sumero-akkadiene.

1. Vinogradova N.A. Arta tradițională a Orientului. - M.: Art, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Poveste scurta artele. Emisiune. 1: Din cele mai vechi timpuri până în secolul al XVI-lea. eseuri. – M.: Art, 1985.

3. Art of the Ancient East (Monumente ale artei mondiale). – M.: Art, 1968.

4. Arta Egiptului Antic. Pictură, sculptură, arhitectură, arte aplicate. – M.: Arte vizuale, 1972.

5. Arta lumii antice. – M.: 2001.

6. Istoria artei. Primele civilizații - Barcelona-Moscova: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Monumente ale artei mondiale. Numărul III, prima serie. Arta Orientului Antic. - M.: Art, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Bazele estetice ale artei Egiptului antic. – M.: Art, 1985.

9. Stolyar A.D. Originea artelor plastice. – M.: Art, 1985.

Acest articol conține o scurtă descriere a principalelor stiluri de artă ale secolului al XX-lea. Va fi util să cunoașteți atât artiști, cât și designeri.

Modernism (din franceză moderne modern)

în artă, denumirea cumulativă a tendințelor artistice care s-au impus în a doua jumătate a secolului al XIX-lea sub forma unor noi forme de creativitate, unde a prevalat nu atât aderarea la spiritul naturii și tradiția, cât viziunea liberă a maestrului. , liber să schimbe lumea vizibilă la discreția sa, urmând impresie personală, idee interioară sau vis mistic (aceste tendințe au continuat în mare măsură linia romantismului). Impresionismul, simbolismul și modernismul au fost direcțiile sale cele mai semnificative, adesea interacționând activ. În critica sovietică, conceptul de „modernism” a fost aplicat antiistoric tuturor mișcărilor artistice ale secolului XX care nu corespundeau canoanelor realismului socialist. .

Abstracţionism(artă sub semnul „formelor zero”, artă neobiectivă) – o direcție artistică care s-a format în arta primei jumătăți a secolului XX, refuzând cu desăvârșire să reproducă formele lumii reale vizibile. Fondatorii abstractionismului sunt considerati a fi V. Kandinsky, P. Mondrian şi K. Malevici. W. Kandinsky și-a creat propriul tip de pictură abstractă, eliberând petele impresioniste și „sălbatice” de orice semne de obiectivitate. Piet Mondrian a ajuns la inutilitatea sa prin stilizarea geometrică a naturii, începută de Cezanne și cubiștii. Tendințele moderniste ale secolului XX, concentrate pe abstractionism, se îndepărtează complet de principiile tradiționale, negând realismul, dar rămân în același timp în cadrul artei. Istoria artei odată cu apariția abstracționismului a cunoscut o revoluție. Dar această revoluție a apărut nu întâmplător, ci destul de natural și a fost prezisă de Platon! În lucrarea sa ulterioară, Philebus, a scris despre frumusețea liniilor, a suprafețelor și a formelor spațiale în sine, independent de orice imitație a obiectelor vizibile, de orice mimesis. Acest tip de frumusețe geometrică, în contrast cu frumusețea formelor naturale „neregulate”, după Platon, nu este relativă, ci necondiționată, absolută.

Futurism- tendință literară și artistică în arta anilor 1910. Atribuindu-și rolul unui prototip al artei viitorului, futurismul ca program principal a prezentat ideea dizolvării stereotipurilor culturale și a oferit în schimb apologia tehnologiei și urbanismului ca principale semne ale prezentului și viitorului. O idee artistică importantă a futurismului a fost căutarea unei expresii plastice a rapidității mișcării ca principal semn al ritmului vieții moderne. Versiunea rusă a futurismului purta numele de kybofuturism și s-a bazat pe o combinație a principiilor plastice ale cubismului francez și futurismului estetic general european. Folosind intersecții, deplasări, ciocniri și afluxuri de forme, artiștii au încercat să exprime pluralitatea zdrobitoare de impresii a unei persoane contemporane, a unui oraș.

Cubism- „cea mai completă și radicală revoluție artistică de la Renaștere” (J. Golding). Artiști: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismul - (cubisme francez, de la cub - cub) o direcție în arta primului sfert al secolului al XX-lea. Limbajul plastic al cubismului s-a bazat pe deformarea și descompunerea obiectelor în planuri geometrice, schimbarea plastică a formei. Mulți artiști ruși au trecut printr-o fascinație pentru cubism, combinând adesea principiile acestuia cu tehnicile altor tendințe artistice moderne - futurism și primitivism. Cubo-futurismul a devenit o variantă specifică a interpretării cubismului pe pământ rusesc.

Purism- (franceză purisme, din latină purus - clean) o tendință în pictura franceză de la sfârșitul anilor 1910 și 20. Principalii reprezentanți sunt artistul A. Ozanfan si arhitect C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Respingând tendințele decorative ale cubismului și ale altor mișcări de avangardă din anii 1910, deformarea naturii pe care le-au adoptat, puriștii s-au străduit pentru un transfer ordonat rațional al formelor obiectuale stabile și concise, parcă „curățate” de detalii, la imaginea lui. elemente „primare”. Lucrările puriștilor se caracterizează prin planeitate, ritm neted al siluetelor ușoare și contururi ale obiectelor de același tip (ulcioare, pahare etc.). Nefiind dezvoltate în forme de șevalet, principiile artistice regândite ale purismului s-au reflectat parțial în arhitectura modernă, în principal în clădirile lui Le Corbusier.

Serrealismul- o mișcare cosmopolită în literatură, pictură și cinema care a apărut în 1924 în Franța și și-a încheiat oficial existența în 1969. A contribuit foarte mult la formarea conștiinței omului modern. Principalele figuri ale mișcării Andre Breton- scriitor, lider și inspirator ideologic al mișcării, Louis Aragon- unul dintre fondatorii suprarealismului, care într-un mod bizar s-a transformat ulterior într-un cântăreț al comunismului, Salvador Dali- artist, teoretician, poet, scenarist, care a definit esența mișcării cu cuvintele: „Suprarealismul sunt eu!”, un director de fotografie extrem de suprarealist. Luis Buñuel, artist Juan Miro- „cea mai frumoasă penă de pe pălăria suprarealismului”, așa cum a numit-o Breton și mulți alți artiști din întreaga lume.

fauvism(din franceză les fauves - sălbatic (animale)) Direcția locală în pictură timpurie. Secolului 20 Numele F. a fost dat în batjocură unui grup de tineri artiști parizieni ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), care au participat împreună la o serie de expoziții în 1905-1907, după prima lor expoziție din 1905. Denumirea a fost adoptată chiar de grup și s-a stabilit ferm în spatele acestuia. Regia nu a avut un program clar formulat, un manifest sau o teorie proprie și nu a durat mult, lăsând însă o amprentă notabilă în istoria artei. Participanții săi au fost uniți în acei ani de dorința de a crea imagini artistice exclusiv cu ajutorul unei culori deschise extrem de strălucitoare. Dezvoltarea realizărilor artistice ale postimpresioniştilor ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), bazându-se pe unele tehnici formale ale artei medievale (vitraliul, arta romanică) și gravura japoneză, populare în cercurile artistice ale Franței încă de pe vremea impresioniștilor, fauviștii au căutat să maximizeze utilizarea posibilităților coloriste ale picturii.

Expresionism(din expresia franceză - expresivitate) - o tendință modernistă în arta vest-europeană, în principal în Germania, prima treime a secolului al XX-lea, care s-a dezvoltat într-o anumită perioadă istorică - în ajunul primului război mondial. Baza ideologică a expresionismului a fost un protest individualist împotriva lumii urâte, înstrăinarea tot mai mare a omului de lume, sentimentele de lipsă de adăpost, prăbușirea și dezintegrarea acelor principii pe care cultura europeană părea să se sprijine atât de ferm. Expresionistii tind sa graviteze spre misticism si pesimism. Tehnici artistice caracteristice expresionismului: respingerea spațiului iluzoriu, dorința unei interpretări plane a obiectelor, deformarea obiectelor, dragostea pentru disonanțe colorate ascuțite, o culoare aparte care întruchipează drama apocaliptică. Artiștii au perceput creativitatea ca pe o modalitate de a exprima emoțiile.

Suprematism(din lat. supremus - cel mai înalt, cel mai înalt; primul; ultimul, extrem, aparent, prin supremacja poloneză - superioritate, supremație) Direcția artei de avangardă a primei treimi a secolului XX, creatorul, reprezentantul principal și teoreticianul dintre care a fost un artist rus Kazimir Malevici. Termenul în sine nu reflectă esența suprematismului. De fapt, în înțelegerea lui Malevich, aceasta este o caracteristică estimată. Suprematismul este treapta cea mai înaltă în dezvoltarea artei pe calea eliberării de tot ce nu este artistic, pe calea spre revelarea ultimă a non-obiectivului ca esență a oricărei arte. În acest sens, Malevici a considerat și arta ornamentală primitivă ca fiind suprematistă (sau „asemănătoare supremă”). El a aplicat mai întâi acest termen unui grup mare de picturi (39 sau mai multe) care înfățișează abstracții geometrice, inclusiv faimoasa „Pătrat negru” pe fond alb, „Cruce neagră” etc., expuse la expoziția futuristă din Petrograd „zero- ten" în 1915 În spatele acestor abstracții geometrice și similare a fost atașat numele Suprematism, deși Malevici însuși s-a referit la el multe dintre lucrările sale din anii 20, care conțineau în exterior unele forme de obiecte concrete, în special figuri de oameni, dar păstrau „Spiritul suprematist”. Și, de fapt, dezvoltările teoretice ulterioare ale lui Malevici nu oferă motive pentru a reduce suprematismul (cel puțin Malevici însuși) doar la abstracții geometrice, deși ele, desigur, constituie miezul, esența și chiar (alb-negru și alb-alb) Suprematismul) aduc pictura la limita existenței sale în general ca formă de artă, adică la zeroul pictural, dincolo de care nu mai există pictura propriu-zisă. Acest drum în a doua jumătate a secolului a fost continuat de numeroase direcții în activități artistice care au abandonat pensulele, vopselele și pânza.

Rusă avangardă Anii 1910 prezintă o imagine destul de complexă. Se caracterizează printr-o schimbare rapidă a stilurilor și a tendințelor, o abundență de grupuri și asociații de artiști, fiecare dintre care și-a proclamat propriul concept de creativitate. Ceva similar s-a întâmplat în pictura europeană la începutul secolului. Cu toate acestea, amestecul de stiluri, „mizeria” curentelor și direcțiilor erau necunoscute Occidentului, unde mișcarea către forme noi era mai consistentă. Mulți maeștri ai tinerei generații cu o rapiditate extraordinară au trecut de la stil la stil, de la scenă la scenă, de la impresionism la modernitate, apoi la primitivism, cubism sau expresionism, trecând prin multe etape, ceea ce era complet atipic pentru maeștrii picturii franceze sau germane. . Situația care s-a dezvoltat în pictura rusă s-a datorat în mare măsură atmosferei pre-revoluționare din țară. Ea a exacerbat multe dintre contradicțiile care erau inerente întregii arte europene în ansamblu, pentru că. Artiștii ruși au studiat pe modele europene, erau bine familiarizați cu diverse școli și tendințe picturale. Un fel de „explozie” rusă în viața artistică a jucat astfel un rol istoric. Până în 1913, arta rusă a atins noi frontiere și orizonturi. A apărut un fenomen complet nou de non-obiectivitate - o linie dincolo de care cubiștii francezi nu au îndrăznit să o treacă. Rând pe rând trec această linie: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturism Tendință locală în avangarda rusă (în pictură și poezie) de la începutul secolului al XX-lea. În artele vizuale, cubo-futurismul a apărut pe baza unei regândiri a descoperirilor picturale, a cubismului, futurismului și a neoprimitivismului rus. Principalele lucrări au fost realizate în perioada 1911-1915. Cele mai caracteristice picturi ale cubo-futurismului au ieșit de sub pensula lui K. Malevich și au fost scrise și de Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Primele lucrări cubo-futuriste ale lui Malevici au fost expuse la celebra expoziție din 1913. „Target”, pe care a debutat și Luchismul lui Larionov. În aparență, lucrările cubo-futuriste au ceva în comun cu compozițiile create în același timp de F. Leger și sunt compoziții semi-obiective alcătuite din forme cilindrice, conice, balon, scobici, volumetrice, colorate, adesea cu un luciu metalic. Deja în primele astfel de lucrări ale lui Malevici, există o tendință vizibilă de a trece de la ritmul natural la ritmurile pur mecanice ale lumii mașinilor (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portretul lui Klyun, 1913).

neoplasticism- una dintre cele mai timpurii varietăți de artă abstractă. A fost creat până în 1917 de pictorul olandez P. Mondrian și alți artiști care făceau parte din asociația Style. Neoplasticismul se caracterizează, potrivit creatorilor săi, prin dorința de „armonie universală”, exprimată în combinații strict echilibrate de figuri dreptunghiulare mari, clar separate prin linii negre perpendiculare și pictate în culorile locale ale spectrului principal (cu adaos de alb și tonuri de gri). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Acest termen a apărut în Olanda în secolul al XX-lea. Piet Mondrianși-a definit conceptele plastice, sistematizate și apărate de grupul și revista „Style” („De Stiji”) fondată la Leiden în 1917. Principala trăsătură a neoplasticismului a fost folosirea strictă a mijloacelor expresive. Neoplasticismul permite doar liniilor orizontale și verticale să construiască forma. Încrucișarea liniilor în unghi drept este primul principiu. În jurul anului 1920 i s-a adăugat un al doilea, care, înlăturând traza și subliniind planul, limitează culorile la roșu, albastru și galben, adică. trei culori primare pure la care se pot adăuga doar alb și negru. Cu ajutorul acestei rigoare, neoplasticismul a intenționat să depășească individualitatea pentru a atinge universalismul și a crea astfel o nouă imagine a lumii.

„botez” oficial orfism s-a întâmplat la Salon des Indépendants în 1913. Așa că criticul Roger Allard a scris în raportul său despre Salon: „... notăm pentru viitorii istorici că în 1913 s-a născut o nouă școală de orfism...” („La Cote” Paris 19 martie 1913). I-a făcut ecou un alt critic Andre Varno: „Salonul din 1913 a fost marcat de nașterea unei noi școli a școlii orfice” („Comoedia” Paris 18 martie 1913). In cele din urma Guillaume Apollinaire a întărit această afirmație exclamând, nu fără mândrie: „Acesta este orfismul. Iată, pentru prima dată, această tendință, pe care am prezis-o, a apărut” („Montjoie!” Suplimentul Paris la 18 martie 1913). Într-adevăr, termenul a fost inventat Apolinaire(Orfismul ca cult al lui Orfeu) și a fost anunțat public pentru prima dată în timpul unei prelegeri despre pictura modernă și citit în octombrie 1912. Ce a vrut să spună? El nu pare să știe el însuși. Mai mult, nu a știut să definească limitele acestei noi direcții. De fapt, confuzia care predomină până astăzi s-a datorat faptului că Apollinaire a confundat inconștient două probleme care sunt interconectate, desigur, dar înainte de a încerca să le conecteze, ar fi trebuit să sublinieze diferențele dintre ele. Pe de o parte, creația Delaunay expresiv pictural înseamnă în întregime bazat pe culoare și, pe de altă parte, pe extinderea cubismului prin apariția mai multor direcții diferite. După o pauză cu Marie Laurencin la sfârșitul verii lui 1912, Apollinaire a căutat adăpost de la familia Delaunay, care l-a primit cu înțelegere prietenoasă în atelierul lor de pe strada Grand-Augustin. Chiar în această vară, Robert Delaunay și soția sa au experimentat o evoluție estetică profundă care a dus la ceea ce el a numit mai târziu „perioada distructivă” a picturii bazată exclusiv pe calitățile constructive și spațio-temporale ale contrastelor de culoare.

Postmodernismul (postmodern, post-avangardă) -

(din lat. post „după” și modernism), denumirea colectivă pentru tendințele artistice care au devenit deosebit de clare în anii 1960 și se caracterizează printr-o revizuire radicală a poziției modernismului și a avangardei.

expresionism abstract etapa postbelică (sfârșitul anilor 40 - 50 ai secolului XX) în dezvoltarea artei abstracte. Termenul în sine a fost introdus în anii 1920 de un critic de artă german E. von Sydow (E. von Sydow) pentru a se referi la anumite aspecte ale artei expresioniste. În 1929, americanul Barr l-a folosit pentru a caracteriza lucrările timpurii ale lui Kandinsky, iar în 1947 a numit lucrările „expresioniste abstracte” Willem de KooningȘi Pollock. De atunci, conceptul de expresionism abstract s-a consolidat în spatele unui domeniu destul de larg, variat din punct de vedere stilistic și tehnic al picturii abstracte (și mai târziu sculpturii), care s-a dezvoltat rapid în anii '50. în SUA, în Europa și apoi în toată lumea. Strămoșii direcți ai expresionismului abstract sunt considerați primii Kandinsky, expresioniști, orfiști, parțial dadaiști și suprarealişti cu principiul lor de automatism mental. Baza filozofică și estetică a expresionismului abstract a fost în mare măsură filosofia existențialismului, populară în perioada postbelică.

Gata făcută(Engleză ready-made - ready) Termenul a fost introdus pentru prima dată în lexicul istoriei artei de către artist Marcel Duchamp să desemneze lucrările lor, care sunt obiecte de uz utilitar, scoase din mediul de funcționare normală și expuse fără nicio modificare la o expoziție de artă ca opere de artă. Ready-Made a pretins o nouă privire asupra lucrurilor și lucrurilor. Un obiect care a încetat să-și mai îndeplinească funcțiile utilitare și a fost inclus în contextul spațiului artei, adică a devenit obiect de contemplare non-utilitară, a început să dezvăluie câteva semnificații noi și mișcări asociative, necunoscute fie artei tradiționale, fie sfera cotidian-utilitară a fiinţei. Problema relativității esteticului și utilitarului a apărut brusc. Primul Ready-Made Duchamp expus la New York în 1913. Cel mai infam dintre Ready-Made al său. oțel „Roată de la o bicicletă” (1913), „Uscător de sticle” (1914), „Fântână” (1917) - așa a fost desemnat un pisoar obișnuit.

Arta pop. După cel de-al Doilea Război Mondial, în America s-a format un strat social mare de oameni care au câștigat destui bani pentru a cumpăra bunuri care nu erau deosebit de importante pentru ei. De exemplu, consumul de bunuri: Coca cola sau blugii Levi's devin un atribut important al acestei societati. O persoană care utilizează acest produs sau acel produs își arată apartenența la o anumită strată socială. S-a format cultura de masă actuală. Lucrurile au devenit simboluri, stereotipuri. Pop art folosește în mod necesar stereotipuri și simboluri. arta pop(Pop Art) a întruchipat căutarea creativă a noilor americani, care s-au bazat pe principiile creative ale lui Duchamp. Acest: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, si altii. Pop art capătă importanța culturii de masă, așa că nu este de mirare că a prins contur și a devenit o mișcare de artă în America. Aliații lor: Hamelton R, Ton China ales ca autoritate Kurt Schwieters. Pop art se caracterizează printr-o lucrare - o iluzie a unui joc care explică esența obiectului. Exemplu: plăcintă K. Oldenburgînfățișat în diverse moduri. Un artist poate să nu înfățișeze un tort, ci să risipească iluziile, să arate că o persoană vede cu adevărat. R. Rauschenberg este și el original: a lipit pe pânză diverse fotografii, le-a conturat și a atașat lucrării un animal de pluș. Una dintre lucrările sale celebre este un arici împăiat. De asemenea, binecunoscută este pictura sa, unde a folosit fotografii ale lui Kenedy.

Primitivism (artă naivă). Acest concept este folosit în mai multe sensuri și este de fapt identic cu conceptul „artă primitivă”. În diferite limbi și de către diferiți oameni de știință, aceste concepte sunt folosite cel mai adesea pentru a se referi la aceeași gamă de fenomene în cultura artistică. În rusă (precum și în unele altele), termenul „primitiv” are un sens oarecum negativ. Prin urmare, este mai potrivit să ne concentrăm asupra conceptului arta naiva. În sensul cel mai larg, aceasta se referă la arta plastică, care se distinge prin simplitate (sau simplificare), claritate și imediatețe formală a limbajului pictural și expresiv, cu ajutorul căruia se exprimă o viziune deosebită asupra lumii neîmpovărată de convențiile civilizaționale. . Conceptul a apărut în noua cultură europeană a ultimelor secole, prin urmare reflectă pozițiile și ideile profesionale ale acestei culturi, care se considera cel mai înalt stadiu de dezvoltare. Din aceste poziții, arta naivă înseamnă și arta arhaică a popoarelor antice (civilizații preegiptene sau pregreene), de exemplu, arta primitivă; arta popoarelor care au întârziat dezvoltarea culturală și civilizațională (populația indigenă din Africa, Oceania, indienii Americii); arta amatoare si neprofesionala la scara cea mai larga (de exemplu, celebrele fresce medievale ale Cataloniei sau arta neprofesionala a primilor imigranti americani din Europa); multe lucrări ale așa-numitului „gotic internațional”; arta Folk; și, în sfârșit, arta artiștilor primitivi talentați ai secolului XX, care nu au primit o educație artistică profesională, ci au simțit darul creativității artistice în ei înșiși și s-au dedicat realizării sale independente în artă. Unele dintre ele (franceză A. Russo, K. Bombois, georgiană N. Pirosmanishvili, croată I. Generalich, american A.M. Robertsonși altele) au creat adevărate capodopere artistice care au devenit parte din vistieria artei mondiale.Arta naivă, în ceea ce privește viziunea ei asupra lumii și metodele de prezentare artistică, este oarecum apropiată de arta copiilor, pe de o parte. pe de altă parte, iar la munca bolnavului mintal, pe de altă parte. Cu toate acestea, în esență, diferă de ambele. Cel mai apropiat lucru din punct de vedere al viziunii asupra lumii de arta copiilor este arta naivă a popoarelor arhaice și a nativilor din Oceania și Africa. Diferența sa fundamentală față de arta copiilor constă în caracterul ei profund, tradiționalism și canonicitate.

nici art(Net Art - din limba engleză net - network, art - art) Cea mai nouă formă de artă, practici de artă modernă, care se dezvoltă în rețelele de calculatoare, în special, pe Internet. Cercetătorii săi din Rusia, contribuind la dezvoltarea sa, O. Lyalina, A. Shulgin, consideră că esența Net-art-ului se rezumă la crearea de spații de comunicare și creative pe Web, oferind tuturor tuturor libertate deplină de a fi în rețea. Prin urmare, esența Net-art. nu reprezentare, ci comunicare, iar unitatea sa originală de artă este un mesaj electronic. Există cel puțin trei etape în dezvoltarea Net-art-ului, care a apărut în anii 80 și 90. Secolului 20 Primul a fost atunci când artiștii web aspiranți au creat imagini din litere și pictograme găsite pe tastatura unui computer. Al doilea a început când artiștii underground și toți cei care doreau să arate ceva din munca lor au venit pe internet.

OP-ART(ing. Op-art - o versiune prescurtată a artei optice - artă optică) - o mișcare artistică din a doua jumătate a secolului al XX-lea, folosind diverse iluzii vizuale bazate pe trăsăturile percepției figurilor plate și spațiale. Curentul continuă linia raționalistă a tehnicismului (modernismului). Se întoarce la așa-numitul abstractionism „geometric”, al cărui reprezentant a fost V. Vasarely(din 1930 până în 1997 a lucrat în Franța) - fondatorul op art. Posibilitățile Op-art au găsit o anumită aplicație în grafica industrială, postere și arta de design. Direcția op art (arta optică) își are originea în anii 50 în cadrul abstracționismului, deși de data aceasta a fost de o varietate diferită - abstracția geometrică. Distribuția sa ca curent datează din anii 60. Secolului 20

Graffiti(graffiti - în arheologie, orice desene sau litere zgâriate pe orice suprafață, din italiană graffiare - zgârietură) Aceasta este denumirea lucrărilor de subcultură, care sunt în principal imagini de format mare pe pereții clădirilor publice, structuri, transport, realizate folosind diverse tipuri de pistoale de pulverizare, cutii de vopsea cu aerosoli. De aici și cealaltă denumire „spray art” - Spray-art. Originea sa este asociată cu aspectul în masă al graffiti-urilor. în anii 70. pe vagoanele de metrou din New York și apoi pe pereții clădirilor publice, jaluzelele. Primii autori de graffiti. au fost în mare parte tineri artiști șomeri ai minorităților etnice, în primul rând portoricani, prin urmare, în primul Graffiti, au apărut unele trăsături stilistice ale artei populare latino-americane, iar chiar faptul apariției lor pe suprafețe nedestinate acestui lucru, autorii lor au protestat împotriva lor. poziție neputincioasă. Până la începutul anilor 80. s-a format o întreagă tendință de maeștri aproape profesioniști G. Au devenit cunoscute numele lor reale, ascunse anterior sub pseudonime ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Unii dintre ei și-au transferat tehnica pe pânză și au început să expună în galerii din New York, iar în curând au apărut graffiti-urile în Europa.

HIPERREALISM(hiperrealism - engleză), sau fotorealism (fotorealism - engleză) - artist. mișcare în pictură și sculptură, bazată pe fotografie, reproducere a realității. Atât în ​​practica sa, cât și în orientările sale estetice către naturalism și pragmatism, hiperrealismul este apropiat de arta pop. ele sunt unite în primul rând de o revenire la figurativitate. Acționează ca o antiteză față de conceptualismul, care nu numai că a rupt de reprezentare, dar a pus sub semnul întrebării însuși principiul realizării materiale a artei. concept.

land art(din engleza land art - earthen art), o direcție în arta ultimei treimiXXsecolului, bazat pe utilizarea unui peisaj real ca principal material și obiect artistic. Artiștii sapă tranșee, creează grămezi bizare de pietre, pictează pietre, alegând pentru acțiunile lor locuri de obicei părăsite - peisaje curate și sălbatice, străduindu-se astfel să readucă arta în natură. Datorită lui<первобытному>În aparență, multe acțiuni și obiecte de acest gen sunt apropiate de arheologie, precum și de arta foto, deoarece majoritatea publicului le poate contempla doar în serii de fotografii. Se pare că va trebui să ne înțelegem cu încă o barbarie în limba rusă. Nu știu dacă este o coincidență faptul că termenul<лэнд-арт>a aparut la sfarsit anii 60 într-un moment în care în societățile dezvoltate spiritul rebel al studenților și-a îndreptat forțele pentru a răsturna valorile stabilite.

MINIMALISM(minimal art - engleză: minimal art) - artist. flux emanat din transformarea minima a materialelor folosite in procesul de creativitate, simplitate si uniformitate a formelor, monocrom, creativ. reținerea de sine a artistului. Minimalismul se caracterizează prin respingerea subiectivității, a reprezentării, a iluzionismului. Respingând clasicul creativitate și tradiție. artistic materiale, minimalistii folosesc materiale industriale și naturale de geometric simplu. se folosesc forme și culori neutre (negru, gri), volume mici, în serie, metode de conveior de producție industrială. Un artefact în conceptul minimalist de creativitate este un rezultat predeterminat al procesului de producere a acestuia. A primit cea mai completă dezvoltare în pictură și sculptură, minimalismul, interpretat în sens larg ca economia artistului. fonduri, au găsit aplicații în alte forme de artă, în primul rând teatru și cinema.

Minimalismul a apărut în Statele Unite în trans. podea. anii 60 Originile sale sunt în constructivism, suprematism, dadaism, abstractionism, formalist Amer. pictura anilor 1950, arta pop. Direct precursor al minimalismului. este un Amer. artist F. Stella, care a prezentat în 1959-60 o serie de „Tablouri negre”, unde predominau liniile drepte ordonate. Primele lucrări minimaliste apar în 1962-63 Termenul „minimalism”. îi aparţine lui R. Walheim, care o introduce în relaţie cu analiza creativităţii M. Duchampși artiștii pop, minimizând intervenția artistului în mediu. Sinonimele sale sunt „artă cool”, „artă ABC”, „artă în serie”, „structuri primare”, „artă ca proces”, „artă sistematică”. pictura”. Printre cei mai reprezentativi minimalisti se numără − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Ei sunt uniți de dorința de a încadra artefactul în mediu, de a învinge textura naturală a materialelor. D. Jadeîl defineşte ca „specific. obiect”, diferit de cel clasic. lucrări de plastic. artele. Independent, iluminatul joacă un rol ca modalitate de a crea artă minimalistă. situații, soluții spațiale originale; se folosesc metode informatice de realizare a operelor.