Tema antigo na arte russa do século XX. Belas artes russas do século XX. As principais direções da pintura russa do século XX

Desta vez é considerado o auge da pintura russa e a introdução do realismo nela. Fenômenos sociais e revoluções no país tiveram uma influência especial na arte. Já havia censura e crítica na pintura. Uma marca significativa foi deixada na obra dos pintores pelas autoridades da época. Quase todo artista doméstico foi obrigado a pintar pelo menos um quadro dedicado à nova política e à nova ordem social.

As principais direções da pintura russa do século XX

No período do século XX, marcou o fim do realismo russo na pintura e o início do soviético ou socialista. O tempo da Grande Guerra é considerado especial, que se destacou pelo movimento unido do partido e do povo. As pinturas militares fizeram sucesso e são relevantes no período atual. A corrente socialista do gênero paisagístico foi a menos afetada.

vanguarda russa

A palavra "avant-garde" significa inovação, movimento avançado. A vanguarda doméstica combina as correntes radicais da pintura. A princípio foi chamado de modernismo, nova arte, abstracionismo e outros nomes. Os primeiros vislumbres na direção surgiram nos anos pré-guerra. A vanguarda russa combina momentos como a rejeição absoluta do passado na cultura e a unificação dos processos de destruição e criação. Na pintura há lugar ao mesmo tempo para a agressão, o desejo de destruir os antigos valores artísticos e a criação de algo completamente diferente.

Nessa direção, antes de mais nada, vale destacar Wassily Kandinsky, que pintou as pinturas “Vida Colorida”, “Canção do Volga”, “Oval Branco”, “Moscou. Quadrado vermelho". As vanguardas também incluem Kazimir Malevich, que é um representante do supermatismo, um dos movimentos de vanguarda. Essa corrente caracteriza o estágio final da arte, a ausência de objetos. Eles começaram a falar sobre ele após o aparecimento de telas com abstrações geométricas.

realismo socialista

Depois que a revolução aconteceu e muitas convulsões e mudanças ocorreram, um novo período e uma nova direção começaram nas artes visuais. Correspondia à época e era chamado de realismo socialista. Isso foi exigido pelo governo e pelo povo. O realismo socialista se distinguia pela presença de heroísmo, líderes expressos, pessoas, acontecimentos, a verdade do partido, e não a visão do próprio artista. A sociedade totalitária mudou a pintura russa além do reconhecimento. Consistia principalmente em pinturas dedicadas aos acontecimentos históricos da época, aos heróis e dirigentes do estado, bem como ao cotidiano de um simples trabalhador.

Muitos o chamavam de "estilo severo", porque não havia ilusões, conjecturas, descuido infantil. Apenas a verdade impiedosa foi exibida nas telas. O heroísmo da época residia na tensão interna e nos esforços do líder. No realismo socialista, o trabalho era uma vocação e os heróis eram pioneiros e construtores. No final do século, junto com o colapso da cultura soviética, surge uma nova direção na pintura russa.

pós-modernismo

Uma nova direção na pintura russa veio substituir o modernismo, que não era totalmente claro na sociedade. O pós-modernismo é caracterizado por imagens fotográficas. A pintura é o mais próximo possível do visual original. O estilo se distingue por características tipológicas. Em primeiro lugar, a forma finalizada. Os pintores usam imagens clássicas, mas as interpretam de uma maneira nova, dão exclusividade. Muitas vezes, representantes do pós-modernismo combinam formas de várias direções, dando uma leve ironia à imagem e algum tipo de secundário.

Outra característica da direção é a falta de regras. No pós-modernismo, o artista tem total controle sobre a escolha das formas e maneiras de retratar sua pintura. Uma certa liberdade deu um novo fôlego à arte em geral. Houve instalações de arte e performances. O pós-modernismo na pintura também é caracterizado pela ausência de técnicas claras e popularidade global geral. O auge dessa direção veio na década de 90 do século XX. Seus representantes mais proeminentes são os seguintes artistas: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

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história da arte

Trabalho de curso de controle

Arte russa do final do século 19 e início do século 20

Introdução

Pintura

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentin Alexandrovich Serov

Mikhail Alexandrovich Vrubel

"Mundo da Arte"

"União dos Artistas Russos"

"Vale de Ouros"

"União de jovens"

Arquitetura

Escultura

Bibliografia

Introdução

A cultura russa do final do século XIX - início do século XX é um período complexo e controverso no desenvolvimento da sociedade russa. A cultura da virada do século sempre contém elementos de uma era de transição, que inclui as tradições da cultura do passado e as tendências inovadoras de uma nova cultura emergente. Há uma transferência de tradições e não apenas uma transferência, mas o surgimento de novas, tudo isso relacionado ao turbulento processo de busca de novas formas de desenvolvimento da cultura, corrigidas pelo desenvolvimento social da época. A virada do século na Rússia é um período de grandes mudanças, uma mudança no sistema estatal, uma mudança da cultura clássica do século 19 para a nova cultura do século 20. A busca por novas formas de desenvolver a cultura russa está associada à assimilação das tendências progressistas da cultura ocidental. A diversidade de direções e escolas é uma característica da cultura russa na virada do século. As tendências ocidentais são entrelaçadas e complementadas pelas modernas, repletas de conteúdo especificamente russo. Uma característica da cultura desse período é sua orientação para a compreensão filosófica da vida, a necessidade de construir uma imagem holística do mundo, onde a arte, junto com a ciência, desempenha um papel importante. O foco da cultura russa do final do século 19 - início do século 20 era uma pessoa que se torna uma espécie de elo de ligação na variedade heterogênea de escolas e áreas de ciência e arte, por um lado, e uma espécie de ponto de partida para analisar todos os mais diversos artefatos culturais, de outro. Daí o poderoso fundamento filosófico subjacente à cultura russa na virada do século.

Destacando as prioridades mais importantes no desenvolvimento da cultura russa do final do século XIX - início do século XX, não se pode ignorar suas características mais importantes. O final do século 19 - o início do século 20 na história da cultura russa é geralmente chamado de Renascimento Russo ou, em comparação com a idade de ouro de Pushkin, a idade de prata da cultura russa.

Na virada do século, desenvolveu-se um estilo que afetou todas as artes plásticas, começando principalmente pela arquitetura (na qual o ecletismo dominou por muito tempo) e terminando com o gráfico, que foi chamado de estilo Art Nouveau. Este fenômeno não é inequívoco, na modernidade também existe pretensão decadente, pretensão, voltada principalmente para o gosto burguês, mas também existe um desejo de unidade de estilo que é significativo em si. O estilo Art Nouveau é uma nova etapa na síntese da arquitetura, pintura e artes decorativas.

Nas artes plásticas, a Art Nouveau mostrou-se: na escultura - pela fluidez das formas, a expressividade especial da silhueta, o dinamismo das composições; na pintura - o simbolismo das imagens, vício em alegorias. simbolismo moderno avant-garde prata

Os simbolistas russos desempenharam um papel importante no desenvolvimento da estética da Idade da Prata. O simbolismo como fenômeno na literatura e na arte apareceu pela primeira vez na França no último quartel do século XIX e, no final do século, havia se espalhado pela maior parte da Europa. Mas depois da França, é na Rússia que o simbolismo se realiza como o fenômeno cultural de maior escala, significativo e original. A princípio, o simbolismo russo tinha basicamente os mesmos pré-requisitos do simbolismo ocidental: "uma crise de moralidade e visão de mundo positivas". O principal princípio dos simbolistas russos é a estetização da vida e o desejo de várias formas de substituição da estética pela lógica e moralidade. Em primeiro lugar, o simbolismo russo é caracterizado pela demarcação com as tradições dos "anos sessenta" revolucionários e democráticos, com ideologização do ateísmo, utilitarismo. Segundo os simbolistas russos, correspondem aos princípios da arte "pura" e livre.

Outro fenômeno marcante da Idade da Prata que adquiriu importância mundial é a arte e a estética da vanguarda. No espaço das já elencadas áreas da consciência estética, os artistas de vanguarda distinguiam-se por um carácter marcadamente rebelde. Eles perceberam a crise da cultura clássica, arte, religião, sociabilidade, estado com prazer como uma morte natural, a destruição do velho, obsoleto, irrelevante, e eles se perceberam como revolucionários, destruidores e coveiros de "todo lixo" e criadores de tudo novo, em geral, uma nova raça emergente. As idéias de Nietzsche sobre o super-homem, desenvolvidas por P. Uspensky, foram tomadas literalmente por muitos artistas de vanguarda e experimentadas, especialmente pelos futuristas, por si mesmos.

Daí a rebeldia e a ousadia, o desejo de tudo que é fundamentalmente novo nos meios de expressão artística, nos princípios de abordagem da arte, a tendência de expandir os limites da arte até que ela ganhe vida, mas em princípios completamente diferentes dos representantes da estética teúrgica. A vida dos vanguardistas dos anos 10. século 20 - isto é, acima de tudo, uma revolta revolucionária, uma revolta anarquista. Absurdo, caos, anarquia são pela primeira vez compreendidos como sinônimos de modernidade e precisamente como princípios criativamente positivos baseados na negação completa do princípio racional na arte e no culto do irracional, intuitivo, inconsciente, sem sentido, abstruso, informe, etc. . As principais direções da vanguarda russa foram: abstracionismo (Vasily Kandinsky), suprematismo (Kazimir Malevich), construtivismo (Vladimir Tatlin), cubofuturismo (cubismo, futurismo) (Vladimir Mayakovsky).

Pintura

Para os pintores da virada do século, são características outras formas de expressão que não as dos Andarilhos, outras formas de criatividade artística - em imagens que são contraditórias, complicadas e refletem a modernidade sem caráter ilustrativo e narrativo. Os artistas buscam dolorosamente a harmonia e a beleza em um mundo que é fundamentalmente estranho tanto à harmonia quanto à beleza. É por isso que muitos viram sua missão em cultivar um senso de beleza. Esta época de “vésperas”, a expectativa de mudanças na vida pública, deu origem a muitas tendências, associações, agrupamentos, um embate de diferentes visões de mundo e gostos. Mas também deu origem ao universalismo de toda uma geração de artistas que surgiram depois dos Wanderers "clássicos".

Aulas impressionistas de pintura ao ar livre, composição de "enquadramento aleatório", ampla maneira pictórica livre - tudo isso é resultado da evolução no desenvolvimento de meios pictóricos em todos os gêneros da virada do século. Em busca de "beleza e harmonia", os artistas experimentam uma variedade de técnicas e formas de arte - desde pinturas monumentais e cenários teatrais até design de livros e artes e ofícios.

A pintura de gênero se desenvolveu na década de 1990, mas se desenvolveu de maneira um pouco diferente do movimento "clássico" Wandering das décadas de 1970 e 1980. Assim, o tema camponês é revelado de uma nova maneira. S. A. Korovin (1858-1908) retrata a divisão na comunidade rural na pintura “On the World” (1893).

Na virada do século, um percurso um tanto peculiar se delineia na temática histórica. Assim, por exemplo, A.P. Ryabushkin (1861-1904) trabalha mais no gênero histórico do que no gênero puramente histórico. “Mulheres russas do século XVII na igreja” (1899), “Trem de casamento em Moscou. Século XVII ”(1901) - são cenas cotidianas da vida de Moscou no século XVII. A estilização de Ryabushkin se reflete no nivelamento da imagem, em um sistema especial de ritmo plástico e linear, no esquema de cores construído em cores principais brilhantes, na solução decorativa geral. Ryabushkin introduz com ousadia as cores locais na paisagem ao ar livre, por exemplo, em “The Wedding Train ...” - a cor vermelha da carroça, grandes manchas de roupas festivas contra o fundo de prédios escuros e neve, dado, no entanto, nas mais finas nuances de cor. A paisagem sempre transmite poeticamente a beleza da natureza russa.

F. A. Malyavin (1869-1940) criou um novo tipo de pintura, em que as tradições artísticas do folclore são dominadas de forma totalmente especial e traduzidas para a linguagem da arte moderna. significado simbólico - solo saudável Rússia Suas pinturas são sempre expressivas e, embora sejam, via de regra, obras de cavalete, recebem uma interpretação monumental e decorativa sob o pincel do artista.“Risos” (1899, Museu de Arte Moderna de Veneza) , “Whirlwind” (1906,) é uma imagem realista de meninas camponesas, rindo contagiosamente alto ou correndo incontrolavelmente em uma dança de roda, mas esse realismo é diferente do que na segunda metade do século.

M. V. Nesterov (1862-1942) aborda o tema da Antiga Rus', mas a imagem da Rus' aparece nas pinturas do artista como uma espécie de mundo ideal, quase encantado, em harmonia com a natureza, mas desapareceu para sempre como a lendária cidade de Kitezh . Esse senso aguçado da natureza, prazer no mundo, diante de cada árvore e folha de grama é especialmente pronunciado em uma das obras mais famosas de Nesterov do período pré-revolucionário - "A Visão do Jovem Bartolomeu" (1889-1890, ). Na revelação do enredo da imagem, existem as mesmas características estilísticas de Ryabushkin, mas um sentido profundamente lírico da beleza da natureza é invariavelmente expresso, através do qual a alta espiritualidade dos personagens, sua iluminação, sua alienação de barulho mundano é transmitido.

MV Nesterov fez muita pintura monumental religiosa. Os murais são sempre dedicados ao antigo tema russo (por exemplo, na Geórgia - para Alexander Nevsky). Nas pinturas murais de Nesterov, há muitos sinais reais observados, especialmente na paisagem, características do retrato - na imagem dos santos. No esforço do artista por uma interpretação plana da composição de elegância, ornamentação, sofisticação refinada dos ritmos plásticos, uma influência indiscutível da Art Nouveau se manifestou.

O próprio gênero paisagístico se desenvolve no final do século XIX também de uma maneira nova. Levitan, de fato, completou a busca pelos Wanderers na paisagem. Uma nova palavra na virada do século seria dita por K.A. Korovin, V. A. Serov e M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Para o brilhante colorista Korovin, o mundo aparece como uma "profusão de cores". Generosamente dotado pela natureza, Korovin se dedicava tanto ao retrato quanto à natureza morta, mas não seria um erro dizer que a paisagem continuou sendo seu gênero favorito. Ele trouxe para a arte as fortes tradições realistas de seus professores da Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou - Savrasov e Polenov, mas ele tem uma visão diferente do mundo, ele estabelece outras tarefas. Ele começou a pintar en plein air cedo, já no retrato de uma corista em 1883, pode-se ver seu desenvolvimento independente dos princípios do plein airism, incorporados então em uma série de retratos feitos na propriedade de S. Mamontov em Abramtsevo (“No Barco”, retrato de T.S. Lyubatovich e etc.), nas paisagens do norte, executado durante a expedição de S. Mamontov ao norte (“Inverno na Lapônia”). Suas paisagens francesas, unidas pelo nome "Luzes parisienses", já são uma pintura totalmente impressionista, com sua mais alta cultura de estudo. Impressões nítidas e instantâneas da vida de uma cidade grande: ruas tranquilas em diferentes momentos do dia, objetos dissolvidos em um ambiente de ar leve, moldado por um golpe dinâmico, “tremendo” e vibrante, um fluxo de tais golpes que criam o ilusão de um véu de chuva ou ar da cidade saturado com milhares de vapores diferentes - características que lembram as paisagens de Manet, Pissarro, Monet. Korovin é temperamental, emocional, impulsivo, teatral, daí o brilho brilhante e a euforia romântica de suas paisagens (“Paris. Capuchin Boulevard”, 1906, State Tretyakov Gallery; “Paris à noite. Italian Boulevard”, 1908,). Korovin mantém as mesmas características de estudo impressionista, maestro pictórico, arte marcante em todos os outros gêneros, principalmente em retratos e naturezas mortas, mas também em painéis decorativos, em arte aplicada, em cenários teatrais, nos quais esteve envolvido durante toda a sua vida (Retrato de Chaliapin, 1911, Museu Russo; "Peixe, vinho e frutas" 1916, Galeria Estatal Tretyakov).

O generoso dom de Korovin para a pintura manifestou-se de forma brilhante na pintura teatral e decorativa. Como pintor de teatro, trabalhou para o Teatro Abramtsevo (e Mamontov foi talvez o primeiro a apreciá-lo como artista teatral), para o Teatro de Arte de Moscou, para a Ópera Russa Privada de Moscou, onde iniciou sua longa amizade com Chaliapin, para a empresa Diaghilev. Korovin elevou o cenário teatral e a importância do artista no teatro a um novo nível, fez toda uma revolução na compreensão do papel do artista no teatro e influenciou muito seus contemporâneos com seu cenário colorido e "espetacular" , revelando a própria essência da performance musical.

Valentin Alexandrovich Serov

Um dos maiores artistas, um inovador da pintura russa na virada do século, foi Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Serov foi criado entre figuras destacadas da cultura musical russa (seu pai é um compositor famoso, sua mãe é pianista), estudou com Repin e Chistyakov.

Serov costuma pintar representantes da intelectualidade artística: escritores, artistas, artistas (retratos de K. Korovin, 1891, Galeria Estatal Tretyakov; Levitan, 1893, Galeria Estatal Tretyakov; Yermolova, 1905, Galeria Estatal Tretyakov). Todos eles são diferentes, ele os interpreta profundamente individualmente, mas a luz da exclusividade intelectual e da vida criativa inspirada brilha em todos eles.

Retrato, paisagem, natureza morta, pintura doméstica, histórica; óleo, guache, têmpera, carvão - é difícil encontrar gêneros pictóricos e gráficos nos quais Serov não trabalharia e materiais que ele não usaria.

Um tema especial na obra de Serov é o camponês. Em seu gênero camponês não há nitidez social itinerante, mas há um senso de beleza e harmonia da vida camponesa, admiração pela beleza saudável do povo russo ("Na aldeia. Uma mulher com um cavalo", no mapa , pastel, 1898, Galeria Estatal Tretyakov). As paisagens de inverno são especialmente requintadas com sua gama de cores prata-pérola.

Serov interpretou o tema histórico à sua maneira: as “caçadas reais” com passeios prazerosos de Elizabeth e Catarina II foram transmitidas pelo artista da nova época, irônico, mas também invariavelmente admirando a beleza da vida no século XVIII. O interesse de Serov no século 18 surgiu sob a influência de O Mundo da Arte e em conexão com o trabalho de publicação de A História do Grão-Duque, Czar e Caça Imperial na Rus'.

Serov era um artista profundamente pensativo, em busca constante de novas formas de realização artística da realidade. Inspirado pelas ideias Art Nouveau sobre planicidade e maior decoratividade, isso se refletiu não apenas em composições históricas, mas também em seu retrato da dançarina Ida Rubinstein, em seus esboços para O Rapto de Europa e A Odisséia e Navzikai (ambos 1910, State Tretyakov Gallery, cartão, têmpera). É significativo que Serov no final de sua vida se volte para o mundo antigo. Na lenda poética, por ele interpretada livremente, fora dos cânones clássicos, ele quer encontrar a harmonia, busca à qual o artista dedicou toda a sua obra.

Mikhail Alexandrovich Vrubel

O caminho criativo de Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) foi mais direto, embora ao mesmo tempo extraordinariamente complexo. Antes da Academia de Artes (1880), Vrubel formou-se na faculdade de direito da Universidade de São Petersburgo. Em 1884, ele foi para Kiev para supervisionar a restauração de afrescos na Igreja de São Cirilo e criou várias composições monumentais. Ele faz esboços em aquarela dos murais da Catedral de Vladimir. Os esboços não foram transferidos para as paredes, pois o cliente se assustou com sua não canônica e expressividade.

Nos anos 90, quando o artista se estabeleceu em Moscou, formou-se o estilo de escrita de Vrubel, cheio de mistério e poder quase demoníaco, que não se confunde com nenhum outro. Ele esculpe a forma como um mosaico, a partir de peças afiadas "facetadas" de cores diferentes, como se brilhassem por dentro ("Garota contra o pano de fundo de um tapete persa", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, State Tretyakov Gallery) . As combinações de cores não refletem a realidade da relação das cores, mas têm um significado simbólico. A natureza não tem poder sobre Vrubel. Ele a conhece, a possui perfeitamente, mas cria seu próprio mundo de fantasia, pouco parecido com a realidade. Ele gravita em torno de assuntos literários, que interpreta abstratamente, tentando criar imagens eternas de grande poder espiritual. Assim, tendo feito ilustrações para "O Demônio", ele logo se afasta do princípio da ilustração direta ("Dança de Tamara", "Não chore, criança, não chore em vão", "Tamara no caixão", etc. ). A imagem do Demônio é a imagem central de toda a obra de Vrubel, seu tema principal. Em 1899, ele escreveu "The Flying Demon", em 1902 - "The Downcast Demon". O demônio de Vrubel é, antes de tudo, uma criatura sofredora. O sofrimento prevalece sobre o mal nele, e essa é a peculiaridade da interpretação nacional russa da imagem. Os contemporâneos, como bem notado, viram em seus "Demônios" um símbolo do destino de um intelectual - um romântico, tentando escapar rebeldemente de uma realidade desprovida de harmonia para um mundo irreal de sonhos, mas mergulhado na dura realidade do mundo terreno

Vrubel criou suas pinturas e obras gráficas mais maduras na virada do século - no gênero de paisagem, retrato, ilustração de livro. Na organização e interpretação decorativo-planar da tela ou da folha, na conjugação do real e do fantástico, na aposta em soluções ornamentais e ritmicamente complexas nas suas obras deste período, os traços da modernidade vão-se afirmando cada vez mais.

Como K. Korovin, Vrubel trabalhou muito no teatro. Seu melhor cenário foi realizado para as óperas de Rimsky-Korsakov, The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan e outras no palco da Ópera Privada de Moscou, ou seja, para aquelas obras que lhe deram a oportunidade de "se comunicar" com o folclore russo , conto de fadas, lenda.

O universalismo do talento, a imaginação sem limites, a paixão extraordinária na afirmação de nobres ideais distinguem Vrubel de muitos de seus contemporâneos.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) é um expoente direto do simbolismo pictórico. Suas obras são uma tristeza elegíaca pelos velhos "ninhos nobres" vazios e moribundos "pomares de cereja", por mulheres bonitas, espiritualizadas, quase sobrenaturais, vestidas com uma espécie de traje atemporal que não carrega sinais externos de lugar e tempo.

Suas obras de cavalete, acima de tudo, não se assemelham nem mesmo a painéis decorativos, mas a tapeçarias. O espaço é resolvido de forma extremamente condicional, planar, as figuras são quase etéreas, como, por exemplo, as meninas à beira do lago na pintura "Pond" (1902, têmpera, State Tretyakov Gallery), imersas em meditação onírica, em profunda contemplação. Tons de cor cinza claros e desbotados aumentam a impressão geral de beleza frágil e sobrenatural e anêmica, fantasmagórica, que se estende não apenas às imagens humanas, mas também à natureza por ele retratada. Não é por acaso que Borisov-Musatov chamou uma de suas obras de "Fantasmas" (1903, têmpera, State Tretyakov Gallery): figuras femininas silenciosas e inativas, estátuas de mármore nas escadas, uma árvore seminua - uma faixa desbotada de azul, tons de cinza e roxo aumentam a fantasmagórica do retratado.

"Mundo da Arte"

"Mundo da Arte" - uma organização que surgiu em São Petersburgo em 1898 e uniu os mestres da mais alta cultura artística, a elite artística da Rússia daqueles anos. "World of Art" tornou-se um dos maiores fenômenos da cultura artística russa. Quase todos os artistas famosos participaram desta associação.

Nos artigos editoriais dos primeiros números da revista, as principais disposições do "Mundo da Arte" sobre a autonomia da arte, que os problemas da cultura moderna são exclusivamente problemas de forma artística e que a principal tarefa da arte é educar os gostos estéticos da sociedade russa, principalmente por meio do conhecimento das obras da arte mundial. Devemos dar-lhes o que lhes é devido: graças ao Mundo da Arte, a arte inglesa e alemã foi realmente apreciada de uma nova maneira e, o mais importante, a pintura russa do século 18 e a arquitetura do classicismo de São Petersburgo se tornaram uma descoberta para muitos. O “Mundo da Arte” lutou pela “crítica como arte”, proclamando o ideal de um crítico-artista de elevada cultura profissional e erudição. O tipo de tal crítico foi incorporado por um dos criadores de The World of Art, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" organizou exposições. A primeira também foi a única internacional que reuniu, além dos russos, artistas da França, Inglaterra, Alemanha, Itália, Bélgica, Noruega, Finlândia, etc. Participaram pintores e artistas gráficos de São Petersburgo e Moscou. Mas a divisão entre essas duas escolas - São Petersburgo e Moscou - já era evidente quase desde o primeiro dia. Em março de 1903, a última quinta exposição do Mundo da Arte foi encerrada, em dezembro de 1904 foi publicada a última edição da revista Mundo da Arte. A maioria dos artistas mudou-se para a "União dos Artistas Russos" organizada com base na exposição "36" de Moscou, escritores - para a revista New Way aberta pelo grupo de Merezhkovsky, simbolistas de Moscou unidos em torno da revista "Vesy", músicos organizados " Noites de Música Contemporânea", Diaghilev dedicou-se inteiramente ao balé e ao teatro.

Em 1910, foi feita uma tentativa de dar vida ao "Mundo da Arte" (liderado por Roerich). A fama chegou ao “Mundo das Artes” mas o “Mundo das Artes” essencialmente já não existia, embora formalmente a associação existisse até ao início da década de 1920 (1924) - com total falta de integridade, sobre tolerância e flexibilidade de cargos sem limites. A segunda geração do “Mundo da Arte” esteve menos ocupada com os problemas da pintura de cavalete, os seus interesses recaem na gráfica, principalmente livro, e nas artes teatrais e decorativas, em ambas as áreas fizeram uma verdadeira reforma artística. Na segunda geração do "Mundo da Arte" também havia personalidades importantes (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.), mas não havia nenhum artista inovador.

O principal artista do "Mundo da Arte" foi K. A. Somov (1869-1939). Filho do curador-chefe do Hermitage, que se formou na Academia de Artes e viajou pela Europa, Somov recebeu uma excelente educação. A maturidade criativa veio para ele cedo, mas, como o pesquisador (V.N. Petrov) observou com razão, ele sempre teve alguma dualidade - a luta entre um poderoso instinto realista e uma visão de mundo dolorosamente emocional.

Somov, como o conhecemos, apareceu no retrato do artista Martynova (“Lady in Blue”, 1897-1900, State Tretyakov Gallery), no retrato “Echo of the Past Time” (1903, no mapa, aqua. , guache, State Tretyakov Gallery ), onde cria uma caracterização poética da beleza feminina frágil e anêmica do modelo decadente, recusando-se a transmitir os verdadeiros sinais cotidianos da modernidade. Ele veste as modelos com trajes antigos, dá à sua aparência as feições de sofrimento secreto, tristeza e devaneio, quebrantamento doloroso.

Somov possui uma série de retratos gráficos de seus contemporâneos - a elite intelectual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, etc.), nos quais ele usa uma técnica geral: em um fundo branco - em um certo atemporal esfera - ele desenha um rosto, uma semelhança que não é obtida por naturalização, mas por generalizações ousadas e seleção apta de detalhes característicos. Essa falta de sinais do tempo cria a impressão de estática, rigidez, frieza, solidão quase trágica.

Antes de qualquer outra pessoa no Mundo da Arte, Somov voltou-se para os temas do passado, para a interpretação do século XVIII. ("Carta", 1896; "Confidencialidades", 1897), sendo o precursor das paisagens de Versalhes de Benois. Ele é o primeiro a criar um mundo surreal, tecido a partir dos motivos da nobreza, propriedade e cultura da corte e suas próprias sensações artísticas puramente subjetivas, permeadas de ironia. O historicismo do "Mundo da Arte" foi uma fuga da realidade. Não o passado, mas a sua encenação, ansiando pela sua irrecuperabilidade - este é o seu principal motivo. Não é diversão de verdade, mas um jogo divertido com beijos nos becos - assim é Somov.

O líder ideológico do "Mundo da Arte" foi A. N. Benois (1870-1960) - um talento extraordinariamente versátil. Pintor, artista gráfico e ilustrador de cavalete, artista teatral, diretor, autor de libretos de balé, teórico e historiador da arte, figura musical, foi, nas palavras de A. Bely, o principal político e diplomata do “Mundo da Arte”. Como artista, ele se relaciona com Somov por tendências estilísticas e vícios do passado (“Estou embriagado com Versalhes, isso é algum tipo de doença, amor, paixão criminosa ... me mudei completamente para o passado ...”) . Nas paisagens de Versalhes, Benois fundiu a reconstrução histórica do século XVII. e impressões contemporâneas do artista, sua percepção do classicismo francês, gravura francesa. Daí a composição clara, a espacialidade clara, a grandeza e a severidade fria dos ritmos, a oposição entre a grandiosidade dos monumentos de arte e a pequenez das figuras humanas, que são apenas um quadro de apoio entre elas (a 1ª série Versalhes de 1896-1898 sob o título "As últimas caminhadas de Louis XIV"). Na segunda série de Versalhes (1905-1906), a ironia, também característica das primeiras folhas, é colorida com apontamentos quase trágicos (“The King's Walk”, c., guache, água, ouro, prata, pena, 1906 , Galeria Estatal Tretyakov). O pensamento de Benois é o pensamento de um artista teatral por excelência, que conheceu e sentiu muito bem o teatro.

A natureza é percebida por Benois em uma conexão associativa com a história (vistas de Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, executadas por ele na técnica de aquarela).

Benois, o ilustrador (Pushkin, Hoffman), é uma página inteira na história do livro. Ao contrário de Somov, Benois cria uma ilustração narrativa. O plano da página não é um fim em si mesmo para ele. Uma obra-prima da ilustração de livros foi o design gráfico de O Cavaleiro de Bronze (1903,1905,1916,1921-1922, tinta e aquarela imitando xilogravura colorida). Em uma série de ilustrações para o grande poema, o personagem principal é a paisagem arquitetônica de São Petersburgo, ora solenemente patética, ora pacífica, ora sinistra, contra a qual a figura de Eugênio parece ainda mais insignificante. É assim que Benois expressa o trágico conflito entre o destino do estado russo e o destino pessoal de um homenzinho (“E a noite toda o pobre louco, / Onde quer que ele virasse os pés, / O Cavaleiro de Bronze estava em toda parte com ele / Com um pesada pisada galopou”).

Como artista de teatro, Benois desenhou as apresentações das "Estações Russas", das quais a mais famosa foi o balé "Petrushka" ao som da música de Stravinsky, trabalhou muito no Teatro de Arte de Moscou e, posteriormente - em quase todos os principais palcos europeus.

Um lugar especial no "Mundo da Arte" é ocupado por N. K. Roerich (1874-1947). Um conhecedor de filosofia e etnografia do Oriente, um arqueólogo-cientista, Roerich recebeu uma excelente educação, primeiro em casa, depois nas faculdades de direito e histórico-filológicas da Universidade de São Petersburgo, depois na Academia de Artes, na oficina de Kuindzhi, e em Paris no estúdio de F. Cormon. Cedo ele ganhou a autoridade de um cientista. Ele foi relacionado ao "Mundo da Arte" pelo mesmo amor pela retrospecção, apenas não nos séculos 17 a 18, mas na antiguidade eslava e escandinava pagã, na Antiga Rus '; tendências estilísticas, decoratividade teatral (“Mensageiro”, 1897, Galeria Estatal Tretyakov; “Os Anciãos Convergem”, 1898, Museu Russo; “Sinistro”, 1901, Museu Russo). Roerich estava mais intimamente associado à filosofia e estética do simbolismo russo, mas sua arte não se encaixava na estrutura das tendências existentes, porque, de acordo com a visão de mundo do artista, ela se voltava, por assim dizer, para toda a humanidade com um apelo a uma união amigável de todos os povos. Daí a natureza épica especial de suas pinturas.

Depois de 1905, o clima de misticismo panteísta cresceu na obra de Roerich. Temas históricos dão lugar a lendas religiosas (A Batalha Celestial, 1912, Museu Russo). O ícone russo teve uma grande influência em Roerich: seu painel decorativo A Batalha de Kerzhents (1911) foi exibido durante a apresentação de um fragmento de mesmo título da ópera de Rimsky-Korsakov, O Conto da Cidade Invisível de Kitezh e a Donzela Fevronia, em as estações russas de Paris.

O “Mundo da Arte” foi um grande movimento estético da virada do século, que superestimou toda a cultura artística moderna, aprovou novos gostos e problemas, devolveu à arte - no mais alto nível profissional - as formas perdidas gráficos de livros e a pintura teatral e decorativa, que ganhou reconhecimento pan-europeu com seus esforços, criou uma nova crítica de arte, promoveu a arte russa no exterior, aliás, até abriu algumas de suas etapas, como o século XVIII russo. O "Mundo da Arte" criou um novo tipo de pintura histórica, retrato, paisagem com características estilísticas próprias (tendências estilísticas distintas, predominância de técnicas gráficas sobre as pictóricas, compreensão puramente decorativa da cor, etc.). Isso determina seu significado para a arte russa.

As fraquezas do "Mundo da Arte" refletiam-se principalmente na variegação e inconsistência do programa, proclamando o modelo "ou Böcklin, depois Manet"; em visões idealistas sobre a arte, em uma indiferença afetada pelas tarefas cívicas da arte, em apatia programática, na perda do significado social da imagem. A intimidade do "Mundo da Arte", seu puro esteticismo determinou o curto período histórico de sua vida na era dos formidáveis ​​presságios trágicos da revolução iminente. Estes foram apenas os primeiros passos no caminho das buscas criativas, e muito em breve os jovens ultrapassaram os alunos do Mundo da Arte.

"União dos Artistas Russos"

Em 1903, foi fundada uma das maiores associações de exposições do início do século, a União dos Artistas Russos. No início, quase todas as figuras proeminentes do "Mundo da Arte" - Benois, Bakst, Somov, entraram nele, Vrubel, Borisov-Musatov participaram das primeiras exposições. Os iniciadores da criação da associação foram artistas de Moscou associados ao "Mundo da Arte", mas oprimidos pela estética programática dos petersburguenses.

Paisagem nacional, quadros pintados com amor da Rússia camponesa - um dos principais gêneros dos artistas da "União", em que o "impressionismo russo" se expressava de forma peculiar com seus motivos predominantemente rurais do que urbanos. Então as paisagens de I.E. Grabar (1871-1960), com seu humor lírico, com as mais finas nuances pictóricas refletindo mudanças instantâneas na verdadeira natureza, é uma espécie de paralelo em solo russo com a paisagem impressionista francesa (“September Snow”, 1903, State Tretyakov Gallery). O interesse de Grabar pela decomposição da cor visível em cores puras e espectrais da paleta também o aproxima do neo-impressionismo, de J. Seurat e P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretyakov Gallery). O jogo de cores na natureza, os efeitos colorísticos complexos tornam-se objeto de estudo atento dos "Aliados", que criam na tela um mundo figurativo pictórico e plástico, desprovido de narrativa e ilustração.

Com todo o interesse pela transmissão da luz e do ar na pintura dos mestres da "União", nunca se observa a dissolução do objeto no meio luz-ar. A cor torna-se decorativa.

Os "Aliados", ao contrário dos petersburguenses - os artistas gráficos do "Mundo da Arte" - são principalmente pintores com um elevado senso decorativo de cor. Um excelente exemplo disso são as pinturas de F.A. Malyavin.

No geral, The Allies gravitou não apenas em torno de estudos ao ar livre, mas também em direção a formas pictóricas monumentais. Em 1910, época da cisão e da formação secundária do "Mundo da Arte", nas exposições da "União" era possível ver uma paisagem íntima (Vinogradov, Yuon, etc.), pintando perto do divisionismo francês (Grabar , início de Larionov) ou próximo ao simbolismo ( P. Kuznetsov, Sudeikin); também estiveram presentes os artistas do "Mundo da Arte" de Diaghilev - Benois, Somov, Bakst.

A "União dos Artistas Russos", com suas sólidas bases realistas, que desempenhou um papel significativo nas artes plásticas nacionais, teve um certo impacto na formação da escola de pintura soviética, existindo até 1923.

Em 1907, em Moscou, a revista Golden Fleece organizou a única exposição de artistas após Borisov-Musatov, chamada Blue Rose. P. Kuznetsov tornou-se o principal artista da Rosa Azul. Os “Ursos Azuis” estão mais próximos do simbolismo, que se expressava principalmente em sua “linguagem”: instabilidade de humor, musicalidade vaga e intraduzível de associações, refinamento das relações de cores. A plataforma estética dos participantes da exposição também teve efeito nos anos seguintes, e o nome desta exposição tornou-se um nome familiar para toda uma tendência da arte na segunda metade dos anos 900. Toda a atividade da "Rosa Azul" também traz a marca mais forte da influência do estilo Art Nouveau (estilização plana-decorativa das formas, ritmos lineares caprichosos).

As obras de P. V. Kuznetsov (1878-1968) refletem os princípios básicos dos Ursos Azuis. Kuznetsov criou um painel decorativo no qual procurou abstrair da concretude cotidiana, para mostrar a unidade do homem e da natureza, a estabilidade do ciclo eterno da vida e da natureza, o nascimento da alma humana nessa harmonia. Daí o desejo de formas de pintura monumentais, sonhadoras-contemplativas, purificadas de tudo o que é instantâneo, universal, notas atemporais, um desejo constante de transmitir a espiritualidade da matéria. Uma figura é apenas um signo que expressa um conceito; a cor serve para transmitir sentimentos; ritmo - para introduzir um certo mundo de sensações (como na pintura de ícones - um símbolo de amor, ternura, tristeza, etc.). Daí a recepção de uma distribuição uniforme de luz em toda a superfície da tela como um dos fundamentos da decoratividade de Kuznetsov. Serov disse que a natureza de P. Kuznetsov "respira". Isso é perfeitamente expresso em suas suítes Kyrgyz (Steppe) e Bukhara, em paisagens da Ásia Central. Kuznetsov estudou as técnicas da antiga pintura de ícones russos, o início do Renascimento italiano. Esse apelo às tradições clássicas da arte mundial em busca de seu próprio grande estilo, como bem notaram os pesquisadores, foi de fundamental importância em um período em que quaisquer tradições eram frequentemente negadas por completo.

O exotismo do Oriente - Irã, Egito, Turquia - é realizado nas paisagens de M. S. Saryan (1880-1972). O Oriente foi um tema natural para o artista armênio. Saryan cria em sua pintura um mundo cheio de decoratividade brilhante, mais apaixonado, mais terreno que o de Kuznetsov, e a solução pictórica é sempre construída sobre relações de cores contrastantes, sem nuances, em nítida comparação de sombras (“Date Palm, Egypt”, 1911 , mapas. , têmpera, GTG).

As imagens de Saryan são monumentais pela generalização das formas, grandes planos coloridos, lapidaridade geral da língua - esta é, via de regra, uma imagem generalizada do Egito, seja, Pérsia, Armênia nativa, mantendo a naturalidade vital, como se escrito da natureza. As telas decorativas de Saryan são sempre alegres, correspondem à sua ideia de criatividade: “... uma obra de arte é o próprio resultado da felicidade, ou seja, do trabalho criativo. Consequentemente, deve acender a chama da queima criativa no espectador, contribuir para a identificação de seu desejo natural de felicidade e liberdade.

"Vale de Ouros"

Em 1910, vários jovens artistas - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova e outros - se uniram na organização Jack of Diamonds, que teve seu própria carta, organizou exposições e publicou suas próprias coleções de artigos. O “Valete de Ouros” realmente existiu até 1917. Como o pós-impressionismo, principalmente Cézanne, foi uma “reação ao impressionismo”, então “Valete de Ouros” se opôs à imprecisão, à intraduzibilidade, às nuances mais sutis da linguagem simbólica do “Azul Rose” e o estilismo estético do “Mundo da Arte” . O "Valete de Ouros", levado pela materialidade, "materialidade" do mundo, professava uma construção clara da imagem, enfatizava a objetividade da forma, a intensidade, a plenitude da cor. Não é por acaso que a natureza morta se torna o gênero favorito dos “Valetovitas”, assim como a paisagem se torna o gênero favorito dos membros do Sindicato dos Artistas Russos. A sutileza em transmitir a mudança de humor, o psicologismo das características, o eufemismo dos estados, a desmaterialização da pintura dos "Portadores Azuis", sua poesia romântica são rejeitados pelos "Valetovitas". A eles se opõem a festividade quase espontânea das cores, a expressão do desenho do contorno, a suculenta pastosa escrita ampla, que transmitem uma visão otimista do mundo, criando um humor quadrado quase farsesco. O "Valete de Ouros" permite tais simplificações na interpretação da forma, que se assemelham a uma estampa popular popular, um brinquedo folclórico, azulejos de pintura, uma tabuleta. O anseio pelo primitivismo (do latim primitivus - primitivo, inicial) manifestou-se em vários artistas que imitaram as formas simplificadas de arte das chamadas eras primitivas - tribos e nacionalidades primitivas - em busca de ganhar imediatismo e integridade da percepção artística. O “Valete de Ouros” extraiu suas percepções de Cézanne (daí, às vezes, o nome “Cezanneism russo”), ainda mais do cubismo (“mudança” de formas) e até do futurismo (dinâmica, várias modificações de forma.

A extrema simplificação da forma, a conexão direta com a arte da sinalização é especialmente perceptível em M.F. Larionov (1881-1964), um dos fundadores do "Jack of Diamonds", mas já em 1911 rompeu com ele. Larionov pinta paisagens, retratos, naturezas mortas, trabalha como artista de teatro da empresa Diaghilev, depois se volta para a pintura de gênero, seu tema é a vida de uma rua provinciana, quartéis de soldados. As formas são planas, grotescas, como se deliberadamente estilizadas como um desenho infantil, estampa popular ou tabuleta. Em 1913, Larionov publicou seu livro "Luchism" - na verdade, o primeiro dos manifestos da arte abstrata, cujos verdadeiros criadores na Rússia foram V. Kandinsky e K. Malevich.

Artista N. S. Goncharova (1881-1962), esposa de Larionov, desenvolveu as mesmas tendências em suas pinturas de gênero, principalmente sobre um tema camponês. Nos anos em análise, em sua obra, mais decorativa e colorida que a arte de Larionov, monumental em sua força interior e laconicismo, sente-se vivamente uma paixão pelo primitivismo. Descrevendo o trabalho de Goncharova e Larionov, o termo "neo-primitivismo" é frequentemente usado.

M.Z. Chagall (1887-1985) criou fantasias transformadas a partir das impressões entediantes da vida na pequena cidade de Vitebsk e interpretadas em um espírito ingênuo-poético e grotesco-simbólico. Com espaço surreal, cores vivas, primitivização deliberada da forma, Chagall se aproxima tanto do expressionismo ocidental quanto da arte popular primitiva (“I and the Village”, 1911, Museum of Contemporary Art, Nova York; “Over Vitebsk”, 1914 , col. Zak. Toronto; "Casamento", 1918, State Tretyakov Gallery).

"União de jovens"

A União da Juventude é uma organização de São Petersburgo formada quase simultaneamente com o Valete de Ouros (1909). O papel principal foi interpretado por L. Zheverzheev. Assim como o "valetovtsy", os membros da "União da Juventude" publicaram coleções teóricas. Até o colapso da associação em 1917. A "União da Juventude" não tinha um programa específico, professando simbolismo, cubismo, futurismo e "não objetividade", mas cada um dos artistas tinha sua própria face criativa.

A arte dos anos pré-revolucionários na Rússia é marcada pela inusitada complexidade e inconsistência das buscas artísticas, daí os sucessivos agrupamentos com programações próprias e simpatias estilísticas. Mas junto com os experimentadores no campo das formas abstratas na arte russa da época, o "Mundo da Arte" e os "Goluborozitas", "aliados", "vacas de diamantes" continuaram a trabalhar ao mesmo tempo, também havia um poderoso fluxo de correntes neoclássicas, um exemplo do qual pode ser o trabalho de um membro ativo da "arte Mir" em sua "segunda geração" Z. E. Serebryakova (1884-1967). Em suas telas de gênero poético com seu desenho lacônico, moldagem plástica palpavelmente sensual e equilíbrio de composição, Serebryakova vem das altas tradições nacionais da arte russa, principalmente Venetsianov e ainda mais - arte russa antiga (“Camponeses”, 1914, Museu Russo; “Colheita”, 1915 , Museu de Arte de Odessa; "Branqueamento da tela", 1917, Galeria Estatal Tretyakov).

Finalmente, uma brilhante evidência da vitalidade das tradições nacionais, a grande pintura russa antiga é obra de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), um artista-pensador que mais tarde se tornou o mestre de arte mais proeminente do período soviético. Na famosa pintura Bathing the Red Horse (1912, sex), o artista recorreu a uma metáfora figurativa. Como foi corretamente observado, o jovem em um cavalo vermelho brilhante evoca associações com a imagem popular de São Jorge, o Vitorioso (“Saint Egor”), e a silhueta generalizada, composição rítmica e compacta, a saturação de manchas de cores contrastantes que som em pleno vigor, e o nivelamento na interpretação das formas conduzem à memória de um antigo ícone russo. Uma imagem harmoniosamente iluminada é criada por Petrov-Vodkin na pintura monumental “Girls on the Volga” (1915, State Tretyakov Gallery), na qual ele também sente sua orientação para as tradições da arte russa, levando o mestre a uma verdadeira nacionalidade.

Arquitetura

A era do capitalismo industrial altamente desenvolvido causou mudanças significativas na arquitetura, principalmente na arquitetura da cidade. Existem novos tipos de estruturas arquitetônicas: fábricas, estações, lojas, bancos, com o advento do cinema - cinemas. O golpe foi dado por novos materiais de construção: concreto armado e estruturas metálicas, que possibilitaram bloquear espaços gigantescos, fazer enormes vitrines e criar um padrão bizarro de encadernações.

Na última década do século XIX, ficou claro para os arquitetos que, ao utilizar os estilos históricos do passado, a arquitetura chegava a um beco sem saída; segundo os pesquisadores, era preciso, segundo os pesquisadores, não “reordenar” estilos, mas para compreender criativamente o novo que se acumulava no ambiente de uma cidade capitalista em rápido crescimento. Os últimos anos do século 19 - início do século 20 são a época do domínio da modernidade na Rússia, que se formou no Ocidente principalmente na arquitetura belga, sul-alemã e austríaca, um fenômeno em geral cosmopolita (embora aqui a modernidade russa difira da ocidental europeu, porque é uma mistura com neo-renascimento histórico, neo-barroco, neo-rococó, etc.).

Um exemplo notável de Art Nouveau na Rússia foi o trabalho de F.O. Shekhtel (1859--1926). Casas lucrativas, mansões, edifícios de empresas comerciais e estações - em todos os gêneros, Shekhtel deixou sua caligrafia. Para ele é eficaz a assimetria do edifício, o aumento orgânico de volumes, a natureza diferente das fachadas, o uso de varandas, alpendres, janelas salientes, sandriks sobre as janelas, a introdução de uma imagem estilizada de lírios ou lírios no decoração arquitetônica, uso de vitrais com o mesmo motivo ornamental, diferentes texturas de materiais no design de interiores. Um padrão bizarro, construído sobre as curvas das linhas, estende-se a todas as partes do edifício: o friso de mosaico, amado pela Art Nouveau, ou um cinturão de ladrilhos de cerâmica em cores decadentes desbotadas, vitrais, um padrão de cerca, treliças de varanda; na composição das escadas, até nos móveis, etc. Caprichosos contornos curvilíneos dominam tudo. Na Art Nouveau, pode-se traçar uma certa evolução, duas fases de desenvolvimento: a primeira é decorativa, com uma paixão especial pelo ornamento, escultura decorativa e pintura (cerâmica, mosaicos, vitrais), a segunda é mais construtiva, racionalista.

Art Nouveau está bem representado em Moscou. Nesse período, foram construídas estações ferroviárias, hotéis, bancos, mansões da rica burguesia, cortiços. A mansão Ryabushinsky nos Portões Nikitsky em Moscou (1900-1902, arquiteto F.O. Shekhtel) é um exemplo típico da Art Nouveau russa.

Apelar às tradições da arquitetura russa antiga, mas através das técnicas da modernidade, não copiando os detalhes naturalistas da arquitetura medieval russa, característica do “estilo russo” de meados do século XIX, mas variando-o livremente, tentando transmitir o próprio espírito da Antiga Rus', deu origem ao chamado estilo neo-russo do início do século XX (às vezes chamado de neo-romantismo). Sua diferença em relação ao próprio Art Nouveau está principalmente no disfarce, e não em revelar, o que é típico do Art Nouveau, a estrutura interna do edifício e o propósito utilitário por trás da ornamentação intrincadamente complexa (Shekhtel - Estação Yaroslavsky em Moscou, 1903-1904; A.V. Shchusev - estação Kazansky em Moscou, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - o antigo prédio da Galeria Tretyakov, 1900-1905). Tanto Vasnetsov quanto Shchusev, cada um à sua maneira (e o segundo sob a grande influência do primeiro), foram imbuídos da beleza da arquitetura russa antiga, especialmente Novgorod, Pskov e o início de Moscou, apreciaram sua identidade nacional e interpretaram criativamente sua formulários.

O Art Nouveau foi desenvolvido não apenas em Moscou, mas também em São Petersburgo, onde se desenvolveu sob a influência indiscutível do escandinavo, o chamado "moderno do norte": P.Yu. Suzor em 1902-1904 constrói o prédio da empresa Singer em Nevsky Prospekt (agora a Casa do Livro). A esfera terrestre no telhado do edifício deveria simbolizar a natureza internacional das atividades da empresa. A fachada foi revestida com pedras preciosas (granito, labradorita), bronze e mosaicos. Mas as tradições do classicismo monumental de São Petersburgo influenciaram o modernismo de São Petersburgo. Isso serviu de impulso para o surgimento de outro ramo da modernidade - o neoclassicismo do século XX. Na mansão de A.A. Polovtsov na Ilha Kamenny em São Petersburgo (1911-1913) arquiteto I.A. Fomin (1872-1936) afetou plenamente as características desse estilo: a fachada (volume central e alas laterais) foi resolvida na ordem jônica, e os interiores da mansão de forma reduzida e mais modesta, por assim dizer, repetem o enfileirada do hall do Palácio Tauride, mas as enormes janelas da semi-rotunda do jardim de inverno, desenho estilizado de detalhes arquitetônicos definem claramente a época do início do século. As obras de uma escola de arquitetura puramente de São Petersburgo do início do século - cortiços - no início da Avenida Kamennoostrovsky (No. 1-3), Conde M.P. Tolstoi no Fontanka (nº 10-12), edifícios b. O Azov-Don Bank em Bolshaya Morskaya e o Astoria Hotel pertencem ao arquiteto F.I. Lidval (1870-1945), um dos mestres mais proeminentes da Art Nouveau de São Petersburgo.

A Art Nouveau foi um dos estilos mais significativos que encerrou o século XIX e abriu o seguinte. Todas as conquistas modernas da arquitetura foram usadas nele. Moderno não é apenas um determinado sistema construtivo. Desde o reinado do classicismo, o moderno é talvez o estilo mais consistente em termos de abordagem holística, a solução de conjunto do interior. Art Nouveau como estilo capturou a arte de móveis, utensílios, tecidos, tapetes, vitrais, cerâmica, vidro, mosaicos, é reconhecível em todos os lugares por seus contornos e linhas desenhadas, sua paleta de cores especial de cores pastéis desbotadas e seu padrão favorito de lírios e íris.

Escultura

Escultura russa na virada dos séculos XIX e XX. e os primeiros anos pré-revolucionários são representados por vários nomes importantes. Em primeiro lugar, este é o P.P. Trubetskoy (1866-1938). Suas primeiras obras russas (retrato de Levitan, imagem de Tolstoi a cavalo, ambos - 1899, bronze) fornecem uma imagem completa do método impressionista de Trubetskoy: a forma, por assim dizer, é toda permeada de luz e ar, dinâmica, projetada para visualização de todos os pontos de vista e de diferentes ângulos cria uma caracterização multifacetada da imagem. A obra mais notável de P. Trubetskoy na Rússia foi o monumento de bronze a Alexandre III, erguido em 1909 em São Petersburgo, na Praça Znamenskaya. Aqui Trubetskoy deixa seu estilo impressionista. Os pesquisadores observaram repetidamente que a imagem do imperador de Trubetskoy é resolvida, por assim dizer, em contraste com a de Falconet e, ao lado de O Cavaleiro de Bronze, essa é uma imagem quase satírica da autocracia. Parece-nos que esse contraste tem um significado diferente; não a Rússia, “erguida nas patas traseiras”, como um navio lançado em águas europeias, mas a Rússia de paz, estabilidade e força é simbolizada por este cavaleiro sentado pesadamente em um cavalo pesado.

O impressionismo em uma refração criativa peculiar e muito individual encontrou expressão nas obras de A. S. Golubkina (1864-1927). Nas imagens de Golubkina, especialmente nas mulheres, há muita alta pureza moral, profunda democracia. Na maioria das vezes, são imagens de pessoas pobres comuns: mulheres exaustas ou "filhos da masmorra" doentes.

O mais interessante na obra de Golubkina são seus retratos, sempre dramaticamente intensos, geralmente característicos da obra deste mestre, e extraordinariamente diversos (retrato de V.F. Ern (madeira, 1913, State Tretyakov Gallery) ou um busto de Andrei Bely ( gesso, 1907, Galeria Estatal Tretyakov)) .

Na obra de Trubetskoy e Golubkina, apesar de todas as diferenças, há algo em comum: traços que os relacionam não apenas ao impressionismo, mas também ao ritmo das linhas fluidas e das formas da modernidade.

O impressionismo, que capturou a escultura do início do século, pouco afetou a obra de S. T. Konenkov (1874-1971). O mármore “Nike” (1906, State Tretyakov Gallery) com traços claramente retratados (além disso, eslavos) de um rosto redondo com covinhas nas bochechas pressagia as obras que Konenkov realizou após uma viagem à Grécia em 1912. Imagens da mitologia pagã grega são entrelaçada com a mitologia eslava. Konenkov começa a trabalhar em madeira, se inspira muito no folclore russo, nos contos de fadas russos. Daí seu "Stribog" (árvore, 1910, State Tretyakov Gallery), "Velikosil" (árvore, particular, coll.), Imagens de mendigos e idosos ("Old Man-Polyevichok", 1910).

No renascimento da escultura em madeira, o grande mérito de Konenkov. O amor pelo épico russo, pelo conto de fadas russo coincidiu com a "descoberta" da antiga pintura de ícones russos, da antiga escultura russa de madeira, com o interesse pela arquitetura russa antiga. Ao contrário de Golubkina, Konenkov carece de drama, colapso mental. Suas imagens estão cheias de otimismo popular.

No retrato, Konenkov foi um dos primeiros a colocar o problema da cor no início do século. A sua coloração da pedra ou da madeira é sempre muito delicada, tendo em conta as características do material e as características da solução plástica.

Das obras monumentais do início do século, é necessário destacar o monumento a N.V. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), inaugurado em Moscou em 1909. Este é Gogol dos últimos anos de sua vida, doente terminal. Excepcionalmente expressivo é seu perfil triste com um nariz pontudo ("Gogol"), uma figura magra envolta em um sobretudo; Na linguagem lapidar da escultura, Andreev transmitiu a tragédia de uma grande personalidade criativa. Em um friso de baixo-relevo sobre um pedestal em composições multifiguradas, os heróis imortais de Gogol são retratados de uma forma completamente diferente, com humor ou mesmo satiricamente.

A. T. Matveev (1878-1960). Ele superou a influência impressionista de seu professor em seus primeiros trabalhos - nu (o tema principal daqueles anos. Arquitetônica estrita, laconismo de formas generalizadas estáveis, um estado de iluminação, paz, harmonia distinguem Matveev, contrastando diretamente seu trabalho com escultural impressionismo.

Como bem observado pelos pesquisadores, as obras do mestre são projetadas para uma percepção longa e pensativa, elas exigem um humor interior, "silêncio" e então se abrem de maneira mais completa e profunda. Têm a musicalidade das formas plásticas, grande gosto artístico e poesia. Todas essas qualidades são inerentes à lápide de V.E. Borisov-Musatov em Tarusa (1910, granito). Na figura de um menino adormecido, é difícil ver a linha entre o sono e a inexistência, e isso é feito nas melhores tradições da escultura memorial do século XVIII. Kozlovsky e Martos, com sua sábia e calma aceitação da morte, que por sua vez nos leva ainda mais longe, a arcaicas estelas antigas com cenas de “mimos fúnebres”. Esta lápide é o auge da obra de Matveev do período pré-revolucionário, que ainda teve que trabalhar frutuosamente e se tornar um dos famosos escultores soviéticos. No período anterior a outubro, vários jovens mestres talentosos apareceram na escultura russa (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, etc.), que na década de 1910 estavam apenas iniciando sua atividade criativa. Eles trabalharam em direções diferentes, mas mantiveram as tradições realistas que trouxeram para a nova arte, desempenhando um papel importante em sua formação e desenvolvimento.

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Os 100 anos do século 20 foram uma era de convulsões sem precedentes para toda a civilização. No final do século XX, o progresso científico e tecnológico comprimiu o tempo e o espaço para todo o planeta, os conflitos sociais em uma região limitada transformaram-se em convulsões planetárias. A cultura e a arte da Rússia no século 20, como todas as atividades sociais na Europa e na América, têm uma ligação temporária com os eventos mais importantes da história recente.

A magia dos números, marcando o início de um novo século, suscita sempre a expectativa de mudança, a esperança do início de um novo e feliz tempo. O século XIX, que criou fama mundial para a cultura russa, estava desaparecendo no passado, deixando tradições que não poderiam desaparecer da noite para o dia.

“The World of Art” era o nome da associação de artistas que surgiu em 1898 e existiu de forma intermitente até 1924, sem a qual é impossível imaginar as artes plásticas no primeiro quartel do século XX na Rússia. O "Mundo da Arte" não tinha um estilo comum desenvolvido - pintores, artistas gráficos, escultores, cada um seguia seu próprio caminho, tendo um acordo em seus pontos de vista sobre os objetivos da arte e seu papel na sociedade. Muitas características dessa visão foram expressas pelo gênio de Mikhail Vrubel. O núcleo formal, a base da associação foram L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. Em momentos diferentes, Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov e outros mestres participaram dele.

Todos eles reconheceram a primazia do profissionalismo na arte, o enorme papel da liberdade criativa e a independência do artista em relação aos dogmas sociais, sem negar o valor da arte na vida humana, protestando contra a rigidez do academismo, por um lado, e a a excessiva politização da pintura pelos Wanderers, de outro. Criticado pelos defensores das tradições, o Mundo da Arte não poderia se encaixar no turbulento processo de nascimento da pintura “proletária”, mas teve um enorme impacto em todas as artes plásticas do século 20 na Rússia - tanto naqueles que trabalharam em a URSS e sobre aqueles que acabaram emigrando.

Moderno

As últimas décadas do século XIX foram o período do nascimento de um novo estilo, que marcou a obra dos mestres das artes plásticas e da arquitetura. Tinha características próprias em certas regiões da Europa, onde até era chamado de forma diferente. Na Bélgica e na França, o nome "Art Nouveau" foi fixado, na Alemanha - "Art Nouveau", na Áustria - "Secessão". Outros nomes são conhecidos associados aos artistas mais famosos desse estilo ou empresas que produziram móveis, joias e outros produtos nessa direção: estilo mush, estilo Guimard - na França, Liberty na Itália, nos EUA - estilo Tiffany, etc. da Rússia O século 20, arquitetura em particular, conhece-o como Art Nouveau.

Após um longo período de atemporalidade estilística, o Art Nouveau tornou-se um dos movimentos artísticos mais expressivos e visualmente formados. O caráter vegetal e suave das linhas da rica decoração que lhe é característica, em combinação com formas geometricamente simples e expressivas de grandes volumes, atraiu artistas e arquitetos com frescor e novidade.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - a estrela da modernidade arquitetônica russa. Seu talento deu características nacionais a um estilo essencialmente cosmopolita, as obras-primas de Shekhtel - a estação ferroviária de Yaroslavsky, a mansão Ryabushinsky - são criações do arquiteto russo, tanto em geral quanto em pequenas coisas.

Vanguarda pré-revolucionária

O processo de busca de novas formas de arte, e mais - sua nova essência - foi relevante para a arte de toda a Europa e América. A arte da Rússia no século 20 contém vários períodos verdadeiramente revolucionários, quando o trabalho de vários reformadores indicou novos rumos no desenvolvimento do pensamento artístico. Um dos mais marcantes e impressionantes foi o período inter-revolucionário de 1905 a 1917. As peculiaridades da arte de vanguarda na Rússia foram causadas pela crise da vida pública russa após as tragédias da Guerra Russo-Japonesa e da Revolução de 1905.

Numerosos movimentos de vanguarda e associações criativas que surgiram naquela época tinham causas generativas semelhantes e objetivos de pesquisa artística semelhantes. Com forte influência nos principais tipos de arte do século XX na Rússia, os futuristas e cubo-futuristas, o “Valete de Ouros” e a “Rosa Azul”, Kandinsky e o Suprematismo de Malevich buscaram novos mundos de várias maneiras, expressaram a crise da velha arte que havia perdido contato com a realidade, antecipou o início de uma era de convulsões globais.

Entre as novas ideias nascidas pelos artistas de vanguarda estava o pensamento da Rússia no século 20, que contém páginas como a famosa performance - o manifesto da nova arte "Vitória sobre o Sol" (1913). Foi o resultado do trabalho conjunto dos poetas futuristas M. Matyushin, V. Khlebnikov, e a decoração foi realizada por Kazimir Malevich.

Os artistas P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, que enriqueceram a arte da Rússia no século 20 com suas pesquisas, tornaram-se os autores de pinturas que receberam reconhecimento mundial. E esse reconhecimento começou nos anos 10 do século XX, na época do nascimento da pintura de vanguarda na história moderna.

Após a Revolução de Outubro, a Rússia teve a oportunidade de abrir novos horizontes para o mundo inteiro na vida pública, inclusive na arte. E a princípio foram criadas condições quando o valor de cada pessoa talentosa cresceu imensamente, geradores de novas ideias criativas vieram à tona.

Como a história da arte interpreta esse tempo? O século 20, a Rússia, os turbulentos anos 20 - esta é uma vida artística ativa sem precedentes de inúmeras associações criativas, entre as quais se destacam:

UNOVIS - "Afirmativa da nova arte" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Fundada com base na escola de arte de Vitebsk, esta associação foi uma apologista da vanguarda artística, oferecendo-se para procurar novos temas e formas para a arte.

- "Quatro Artes" - um fluxo alinhado com o "Mundo da Arte" O objetivo principal é mostrar as enormes possibilidades expressivas da arquitetura, escultura, grafismo e pintura. A necessidade de alto profissionalismo e liberdade criativa foi declarada. Os representantes mais proeminentes: arquiteto A. V. Shchusev, artista gráfico V. A. Favorsky, escultor V. I. Mukhina, pintores K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva e outros.

- "OST", "Sociedade de artistas de cavalete". Considerou o principal mostrar os sinais do início de uma nova vida pacífica, a construção de um jovem país moderno por meio de um estilo expressivo avançado, mas simples e claro. Líderes: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Círculo de Artistas" (Leningrado). Seguindo o rumo oficial, desenvolvendo o “estilo da época”. Membros ativos do grupo: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Associação de Artistas da Rússia Revolucionária" - associação que se tornou a base do posteriormente criado Sindicato de Artistas da URSS, condutor ativo de orientações para a liderança ideológica do processo artístico, instrumento de propaganda partidária, herdeiros dos Andarilhos. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson estavam à frente.

Construtivismo

Nos programas dos mais prestigiados instituições educacionais preparando arquitetos, sempre há um estudo do tema "construtivismo russo - a vanguarda arquitetônica dos anos 20". grande importância tem para a compreensão da arte de construir, as ideias apregoadas pelos dirigentes dessa direção são muito relevantes para qualquer época. Os edifícios sobreviventes de Konstantin Melnikov (o prédio residencial do arquiteto na rua Krivoarbatsky, o clube de Rusakov em Stromynka, uma garagem na rua Novoryazanskaya etc.), os irmãos Vesnin, Moses Ginzburg (Narkomfin House no Novinsky Boulevard) e outras estrelas da arquitetura russa são o fundo dourado da arquitetura russa.

O funcionalismo, a rejeição do embelezamento desnecessário, a estética da estrutura do edifício, a harmonia do ambiente de vida criado - essas ideias se tornaram a base para a solução de novos problemas para jovens arquitetos, artistas e especialistas no campo que começaram a ser chamados de design industrial . Eles tiveram que construir habitações em massa para novas cidades, clubes de trabalhadores para o desenvolvimento integral do indivíduo, criar instalações para o trabalho e recreação de uma nova pessoa. As incríveis conquistas da vanguarda dos anos 20 não podem ser ignoradas, o estudo da arte da Rússia, Europa e América de todos os tempos subseqüentes é amplamente baseado nelas. É triste que essas ideias progressistas tenham se tornado as menos procuradas em sua terra natal, e o “estilo Império Stalin” é considerado por muitos como a maior conquista da arquitetura soviética.

A arte da era do totalitarismo

Em 1932, foi emitido o Decreto do Comitê Central do Partido Comunista dos Bolcheviques de toda a União sobre o trabalho de associações criativas. A era turbulenta de várias correntes e direções terminou sob a influência da máquina estatal, que ganhou poder, controlada pelo aparato ideológico, no qual o único poder se fortaleceu. Por muitos anos, a arte da Rússia no século 20, como muito na vida do país, passou a depender da opinião de uma pessoa - Joseph Stalin.

Os sindicatos criativos tornaram-se um meio de subordinar o pensamento artístico a padrões ideológicos uniformes. Chegou a era do socialista... Aos poucos, qualquer desvio do curso oficial passou a ser declarado criminoso, quem discordava caiu sob verdadeira repressão. Acusações de desvio da linha partidária tornaram-se um método para resolver discussões criativas. A progressividade disso é altamente questionável. Como, por exemplo, a arte teatral da Rússia no século 20 teria se desenvolvido se o grande reformador do palco Vsevolod Meyerhold não tivesse sido vítima da repressão?

A natureza do talento artístico é complexa e inexplicável. As imagens dos líderes foram incorporadas com grande habilidade e sentimento sincero. Nenhuma das repressões mais brutais poderia impedir o surgimento de artistas verdadeiramente talentosos, para quem a autoexpressão era o principal, independentemente do quadro ideológico.

Na arquitetura, chegou a hora do "império stalinista". A busca por artistas de vanguarda foi substituída por um retorno aos cânones comprovados. O poder da ideologia comunista foi incorporado em exemplos espetaculares de neoclassicismo reformulado - os "arranha-céus" de Stalin.

Arte do período de guerra

Há um momento na história de nosso país que se tornou a maior tragédia e um palco de ascensão espiritual sem precedentes. A arte da Rússia no século 20-21 recebeu um dos principais temas que permitiu expressar a grandeza do caráter folclórico russo, a profundidade dos sentimentos que podem se apoderar de um indivíduo e de grandes massas durante as convulsões históricas.

A Grande Guerra Patriótica desde os primeiros dias encontrou expressão em imagens visuais de incrível poder. Poster I. Toidze "A pátria está chamando!" levantado para a defesa do país melhor do que qualquer comandante, e a "Defesa de Sebastopol" de Deineka choca qualquer pessoa, independentemente das ideias que ele compartilha. A Sétima Sinfonia de Dmitri Shostakovich é igualmente impressionante, e a arte musical da Rússia no século 20, não menos que outros tipos de criatividade, prestou homenagem ao tema da guerra contra o fascismo.

Descongelamento

Após a Grande Vitória, o próximo fator histórico mais poderoso de influência sobre vida pública na URSS foi a morte de Stalin (março de 1953) e o XX Congresso do PCUS, que levantou a questão de expor o culto à personalidade. Por algum tempo, para os artistas, assim como para toda a sociedade, houve um sopro de liberdade de criatividade e novas ideias. A geração dos anos 60 é um fenômeno muito específico, deixou uma memória de si mesma como uma pequena lufada de ar fresco tomada antes de mergulhar novamente por décadas no pântano de uma existência medida, programada e regulada.

As primeiras experiências da vanguarda artística da "segunda onda" - ​​as obras de E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky e outros - na exposição dedicada ao 30º aniversário de Moscou ramo do Sindicato dos Artistas, foram duramente condenados pessoalmente pelo novo líder do país N Khrushchev. A festa começou novamente a explicar ao povo que tipo de arte eles precisavam e aos artistas como escrever.

A arquitetura foi instruída a lidar com os excessos, o que foi justamente explicado pelas dificuldades econômicas do pós-guerra, chegou a hora da construção de moradias em massa, a época de “Khrushchev”, que tirou um pouco a agudeza da questão habitacional, mas desfigurou o aparecimento de muitas cidades.

A arte do "socialismo desenvolvido"

De muitas maneiras, a arte da Rússia na segunda metade do século 20 é em grande parte uma história de confronto entre uma personalidade artística e a ideologia dominante. Mas mesmo em uma atmosfera de regulação ideológica de cada pedaço do espaço espiritual, muitos artistas encontraram maneiras de modificar ligeiramente o método prescrito do realismo socialista.

Assim, um verdadeiro exemplo para os jovens foram os mestres que formaram suas convicções nos anos vinte: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov e outros. A foto do ex-membro da associação de arte "OST" Y. Pimenov "Casamento na rua de amanhã", escrita em 1962, tornou-se um símbolo das esperanças de renovação da sociedade.

Outro fenômeno marcante na pintura soviética da época foi a formação de um “estilo severo”. Este termo denotou o trabalho de G. Korzhov, P. Ossovsky, os irmãos Smolin, P. Nikonov e outros. Em suas pinturas, escritas em diferentes gêneros (cotidiano, histórico), apareceu um herói que não precisava de instruções, ocupado com um negócio compreensível e necessário. Ele foi retratado sem detalhes desnecessários e babados coloridos, de forma ampla e expressiva.

De particular importância é o trabalho de tal mestre, pois o som cívico de suas telas contém uma rara mensagem humanística geral, quase religiosa para a arte soviética, e o estilo de pintura tem raízes no Renascimento italiano.

inconformismo

O domínio oficial do "realismo socialista" forçou os artistas informais a encontrar seu caminho para o público ou recorrer à emigração. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny e muitos outros partiram. Estes eram artistas do século 20 na Rússia, portadores de valores espirituais nascidos pela vanguarda do início do século, e que retornaram à sua pátria após o colapso da ideologia comunista.

E durante seu reinado surgiu a emigração interna, dando origem ao motivo popular de um artista louco e eternamente bêbado, morador de manicômios, perseguido pelas autoridades e lideranças de sindicatos criativos, mas muito valorizado por especialistas ocidentais independentes. Um portador típico de tal imagem foi A. Zverev - uma figura lendária para Moscou na era do socialismo desenvolvido.

Poliestilismo e pluralismo

Tendo se libertado dos ditames estatais da era soviética, as belas artes do século XX na Rússia entraram no processo global como parte inseparável dele, com propriedades e tendências comuns a ele. Muitas formas de criatividade, familiares ao Ocidente há muito tempo, foram rapidamente dominadas por artistas domésticos. As palavras "performance", "instalação de vídeo", etc. tornaram-se familiares em nosso discurso, e entre os mestres contemporâneos mais significativos com fama mundial estão artistas de visões diametrais em termos de direções: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov e muitos outros.

A tempestuosa e imprevisível história recente do país, que ocupa um sexto da superfície terrestre, olha em seu espelho - a arte da Rússia do século 20 - e se reflete nele com milhares de imagens inesquecíveis ...

1. Arte da Rússia no final do século XX. A última década do século 20 na Rússia foi repleta de acontecimentos políticos e econômicos que mudaram radicalmente a situação do país. O colapso da União em 1991 e uma mudança no curso político, a transição para as relações de mercado e uma clara orientação para o modelo ocidental de desenvolvimento econômico e, finalmente, o enfraquecimento, até a abolição completa, do controle ideológico - tudo isso no início dos anos 1990 contribuiu para o fato de que o ambiente cultural começou a mudar rapidamente. A liberalização e democratização do país contribuíram para o desenvolvimento e estabelecimento de novas tendências e rumos na arte nacional. A evolução da arte na década de 1990 na Rússia ocorre com o surgimento de tendências inerentes ao pós-modernismo, com o surgimento de uma nova geração de jovens artistas que trabalham em áreas como, conceitualismo, computação gráfica, neoclassicismo relacionados ao desenvolvimento da tecnologia de computadores na Rússia. Originário do ecletismo clássico, o "novo neoclassicismo russo" tornou-se um "diamante multifacetado", combinando várias tendências que não pertenciam aos "clássicos" antes da era do modernismo. Neoclassicismo- esta é uma direção da arte em que os artistas revivem as tradições clássicas da pintura, do gráfico, da escultura, mas ao mesmo tempo usam ativamente as tecnologias mais recentes. Historiador britânico e teórico da arte Edward Lucy Smith chamou o neoclassicismo russo de "o primeiro fenômeno marcante da cultura russa que influenciou o processo artístico mundial depois de Kazimir Malevich". O neoclassicismo exigia uma atitude diferente em relação à antiguidade daquela dos classicistas. Olhar histórico para cultura grega fez das obras antigas não um absoluto, mas um ideal histórico concreto, portanto, a imitação dos gregos adquiriu um significado diferente: na percepção da arte antiga, não foi sua normatividade que veio à tona, mas a liberdade, a condicionalidade das regras que mais tarde se tornaria o cânone, a vida real do povo. DV Sarabyanov considera o neoclassicismo uma espécie de "complicação" da modernidade. Com a mesma probabilidade, o neoclassicismo pode ser considerado moderno tardio e uma tendência independente. Na obra dos "novos artistas" não existe modernidade pura ou neoclassicismo separado, eles sempre agem de forma interligada, os artistas da nova academia combinaram várias tendências das artes visuais ao mesmo tempo: vanguarda, pós-modernismo, classicismo no " espaço de colagem". Os trabalhos dos "novos artistas" são ecléticos, combinando computação gráfica, água-forte, pintura e fotografia. Os artistas digitalizaram as obras acabadas, selecionaram os fragmentos necessários e criaram colagens, restaurando com maestria os trajes e a decoração da antiguidade. Combinação métodos tradicionais com as capacidades dos programas de computação gráfica expandiram o potencial criativo dos artistas. Colagens foram montadas a partir do material digitalizado, efeitos especiais artísticos foram aplicados a eles, deformados, criando composições ilusórias. Os representantes mais proeminentes do neoclassicismo de São Petersburgo no início dos anos 1990 foram O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclassicismo Toberlutsé uma das manifestações do romantismo. Suas obras incorporam os sentimentos de uma pessoa, sonhos, nobreza, algo entusiasmado e voltado para um ideal irrealizável. . A própria artista se torna a heroína de suas obras. Estilisticamente, a obra de O. Toberluts pode ser definida como neoclassicismo, passando pela consciência pós-moderna, como um mundo eclético, que retrata templos antigos, interiores renascentistas, moinhos de vento holandeses e figurinos do estilista K. Goncharov como um toque de modernidade. As possibilidades ilimitadas da computação gráfica tornam as obras de O.Tobreluts fantásticas e sobrenaturais. Com a ajuda da tecnologia de computador E. Sheff retorna à Grécia antiga, depois à Roma antiga, criando imagens da mitologia antiga em suas colagens. em série "Mitos de Ludwig" o artista utilizou fotografias de esculturas gregas, estruturas arquitetônicas, sobrepondo-lhes os efeitos da antiguidade. Com a ajuda da informática, o artista restaura a originalidade do Coliseu, realizando excursões emocionantes ao seu redor. Pintura digital Shutov representa o equivalente emocional de seus muitos hobbies. Contém clássicos gregos e ecos da pesquisa etnográfica, bem como elementos da subcultura juvenil. Assim, pode-se notar que o final do século 20 foi um ponto de virada não apenas na vida política e econômica da Rússia, mas também na arte. Na década de 1990, uma tendência poderosa nas artes visuais "novo neoclassicismo russo" foi fundada. O desenvolvimento de tecnologias de computador na Rússia expandiu o potencial criativo de artistas, novos artistas, usando novas tecnologias, criaram obras clássicas. O principal não é técnica e tecnologia, mas estética. A arte moderna também pode ser clássica. 2. A arte da Rússia no início do século XXI. Uma característica das artes plásticas na virada dos séculos 20 para 21 é que ela se libertou da opressão da censura, da influência do estado, mas não de uma economia de mercado. Se nos tempos soviéticos os artistas profissionais recebiam um pacote de garantias sociais, suas pinturas eram compradas para exposições e galerias nacionais, mas agora eles só podem contar com suas próprias forças. Mas a pintura russa não morreu e se transformou em uma aparência de arte da Europa Ocidental e americana, ela continua a se desenvolver com base nas tradições russas. A arte contemporânea é exibida por galerias de arte contemporânea, colecionadores particulares, corporações comerciais, organizações estatais de arte, museus de arte contemporânea, estúdios de arte ou pelos próprios artistas no espaço administrado pelo artista. Os artistas contemporâneos recebem apoio financeiro por meio de bolsas, prêmios e prêmios, e também recebem recursos pela venda de suas obras. A prática russa é um pouco diferente a esse respeito da prática ocidental. Museus, bienais, festivais e feiras de arte contemporânea estão se tornando, aos poucos, instrumentos de atração de capital, investimento no turismo de negócios ou parte da política governamental. Os colecionadores particulares têm uma grande influência em todo o sistema da arte contemporânea. Na Rússia, uma das maiores coleções de arte contemporânea é mantida pelo não estatal Museu de Arte Contemporânea Erarta em São Petersburgo. Tendências da arte contemporânea: arte nada espetacular- uma tendência da arte contemporânea que rejeita o espetáculo e a teatralidade. Um exemplo dessa arte é a performance do artista polonês Pavel Althamer “Script Outline”, na exposição “Manifesta” em 2000. Na Rússia, ele ofereceu sua própria versão de arte nada espetacular Anatoly Osmolovsky. Arte de rua(Inglês) arte de rua- arte de rua) - artes visuais, característica distintiva que é um estilo urbano pronunciado. A parte principal da arte de rua é o graffiti (caso contrário, arte em spray), mas não se pode considerar que a arte de rua seja graffiti. A arte de rua também inclui pôsteres (não comerciais), estênceis, várias instalações escultóricas, etc. Na arte de rua, cada detalhe, ninharia, sombra, cor, linha é importante. O artista cria seu próprio logotipo estilizado - um "sinal único" e o retrata em partes da paisagem urbana. O mais importante na arte de rua não é se apropriar do território, mas envolver o espectador em um diálogo e mostrar um programa de enredo diferente. A última década marca a diversidade de direções que a arte de rua escolhe. Admirando a geração mais velha, os jovens escritores estão cientes da importância de desenvolver seu próprio estilo. Dessa forma, novas ramificações vão surgindo, antevendo um rico futuro para o movimento. Novas formas diversas de arte de rua às vezes superam em escopo tudo o que foi criado antes. Aerografia - uma das técnicas de pintura das artes plásticas, que utiliza o aerógrafo como ferramenta para aplicar tinta líquida ou em pó com ar comprimido em qualquer superfície. Uma tinta spray também pode ser usada. Devido ao amplo uso da aerografia e ao surgimento de um grande número de tintas e composições diferentes, a aerografia recebeu um novo ímpeto de desenvolvimento. Agora a aerografia é usada para criar pinturas, retoques de fotos, taxidermia, modelagem, pintura têxtil, pintura de parede, arte corporal, pintura de unhas, pintura de lembranças e brinquedos, pintura de pratos. É frequentemente usado para desenhar imagens em carros, motocicletas, outros equipamentos, em impressão, design, etc. Devido à fina camada de tinta e à capacidade de borrifá-la suavemente na superfície, é possível obter excelentes efeitos decorativos, como transições de cores suaves, tridimensionalidade, realismo fotográfico da imagem resultante, imitação de uma textura áspera com uma suavidade de superfície ideal.

Tópicos e questões dos seminários;

Tópico 1. Conceitos básicos de história da arte e história da arte.

Questões:

1. O problema da classificação das artes.

2. O conceito de "obra de arte". A emergência e a tarefa de uma obra de arte. Trabalho e arte.

3. Essência, objetivos, tarefas da arte.

4.Funções e significado do art.

5. O conceito de "estilo". Estilo artístico e seu tempo.

6. Classificação dos arts.

7. A história do surgimento e formação da crítica de arte.

Questões para discussão:

1. Existem 5 definições de arte. O que é característico de cada um deles? Qual definição você segue? Você pode formular sua definição de arte?

2. Qual é o propósito da arte?

3. Como você pode definir uma obra de arte? Como coexistem "obra de arte" e "obra de arte"? Explique o processo de surgimento de uma obra de arte (segundo I. Ten). Qual é a tarefa de uma obra de arte (segundo P.P. Gnedich)?

4. Liste as 4 principais funções da arte (de acordo com I.P. Nikitina) e quatro

compreensão possível do significado do art.

5. Defina o significado do conceito de "estilo". Que estilos de arte européia você conhece? O que é "estilo artístico", "espaço artístico"?

6. Liste e descreva brevemente os tipos de arte: artes espaciais, temporais, espaço-temporais e artes espetaculares.

7. Qual é o objeto da história da arte?

8. Qual você acha que é o papel dos museus, exposições, galerias, bibliotecas para o estudo das obras de história da arte?

9. Características do pensamento antigo sobre a arte: informações sobreviventes sobre os primeiros exemplos de literatura sobre arte ("Canon" de Polykleitos, tratados de Duris, Xenocrates). Direção "topográfica" na literatura sobre arte: "Descrição da Hellas" de Pausanias. Descrição das obras de arte de Lucian. O conceito pitagórico de "cosmos" como um todo harmonioso, sujeito às leis de "harmonia e número" e seu significado para os primórdios da teoria da arquitetura. A ideia de ordem e proporção na arquitetura e no planejamento urbano. As imagens da cidade ideal nos escritos de Platão (sexto livro das Leis, o diálogo Crítias) e Aristóteles (sétimo livro da Política). Compreendendo a Arte na Roma Antiga. "História Natural" de Plínio, o Velho (século I dC) como a principal fonte de informação sobre a história da arte antiga. Tratado de Vitrúvio: uma exposição sistemática da teoria arquitetônica clássica.

10. O destino das antigas tradições na Idade Média e as características das ideias medievais sobre arte: Visões estéticas da Idade Média (Agostinho, Tomás de Aquino), a principal ideia estética: Deus é a fonte da beleza (Agostinho) e seu significado para teoria e prática artística. A ideia de "protótipo". Características da literatura medieval sobre arte. Manuais prático-tecnológicos de prescrição: “Guia dos pintores” do Monte Afaon Dionysius Furnagrafiot, “Sobre as cores e as artes dos romanos” de Heráclio, “Schedula” (Schedula - Student) de Teófilo. Descrição de monumentos arquitetônicos em crônicas e vidas de santos.

11. O Renascimento como ponto de viragem na história do desenvolvimento da arte europeia e da história da arte. Nova atitude em relação à antiguidade (o estudo dos monumentos da antiguidade). O desenvolvimento de uma cosmovisão secular e o surgimento da ciência experimental. Formação de uma tendência à interpretação histórica e crítica dos fenômenos da arte: "Comentários" de Lorenzo Ghiberti Tratados sobre questões especiais - planejamento urbano (Filaret), proporções na arquitetura (Francesco di Giorgio), perspectiva na pintura (Piero dela Francesca). A compreensão teórica da viragem renascentista no desenvolvimento da arte e a experiência do estudo humanístico do património antigo nos tratados de Leon Batista Alberti (“Sobre a Estátua”, 1435, “Sobre a Pintura”, 1435-36, “Sobre a Arquitectura ”), Leonardo da Vinci (“Tratado de Pintura” , publicado postumamente), Albrecht Dürer (Quatro Livros sobre Proporções Humanas, 1528). Crítica à teoria arquitetônica de Vitrúvio em "Dez Livros de Arquitetura" (1485) de Leon Baptiste Alberti. Vitruvian "Academy of Valor" e suas atividades no estudo e tradução da obra de Vitruvius. Tratado de Giacomo da Vignola "A Regra das Cinco Ordens da Arquitetura" (1562). Quatro livros de arquitetura (1570) de Andrea Palladio é um epílogo clássico na história da arquitetura renascentista. O papel de Palladio no desenvolvimento das ideias arquitetônicas do barroco e do classicismo. Palladio e o Palladianismo.

12. As principais etapas da formação da história histórica da arte nos tempos modernos: de Vasari a Winckelmann: "Vidas dos mais proeminentes pintores, escultores e arquitetos" Giorgio Vasari (1550, 1568) como obra marcante na história da formação da crítica de arte. "O Livro dos Artistas" de Karel Van Mander como uma continuação das biografias de Vasari baseadas no material da pintura holandesa.

13. Pensadores do século XVIII sobre os problemas da formação do estilo na arte, sobre os métodos artísticos, o lugar e o papel do artista na sociedade: o racionalismo na história da arte. A teoria clássica de Nicolas Poussin. O programa teórico do classicismo na “Poética da Arte” de Nicolas Buallo (1674) e nas “Conversas sobre os pintores mais famosos, antigos e novos” de A. Feliben (1666-1688).

14. Iluminismo (século XVIII) e problemas teóricos e metodológicos da arte. Formação de escolas nacionais no quadro da teoria geral da arte. Desenvolvimento da crítica de arte na França. O papel dos Salões na vida artística francesa. Críticas dos Salões como as principais formas de literatura crítica sobre as artes plásticas. Disputas sobre as tarefas da crítica de arte (avaliação da criatividade ou educação do público). Características da história da arte alemã. Contribuição à teoria das artes plásticas por Gotthold Ephraim Lessing. Tratado "Laocoonte" (1766) e o problema das fronteiras da pintura e da poesia. Introdução do conceito de "belas artes" em vez de "belas artes" (deslocando a ênfase da beleza para a verdade e destacando a função figurativo-realista da arte). A importância das atividades de Johann Joachim Winckelmann para o desenvolvimento da ciência histórica da arte. O conceito de arte antiga de Winckelmann e a periodização de seu desenvolvimento.

15. Origens do pensamento russo sobre a arte. Informações sobre artistas e monumentos artísticos em crônicas medievais russas e fontes epistolares. Levantar questões sobre a arte na vida social e política do século XVI. (Catedral de Stoglavy de 1551 e outras catedrais) como evidência do despertar do pensamento crítico e da luta de várias tendências ideológicas.

16. Uma mudança radical na arte russa do século XVII: a formação dos primórdios de uma visão de mundo secular e o primeiro contato com as formas européias de cultura artística. Formação do pensamento artístico e teórico. Capítulo "Sobre a iconografia" na "Vida" de Avvakum. "Ensaio sobre a arte" de Joseph Vladimirov (1665-1666) e "Palavra para a curiosa pintura de ícones" de Simon Ushakov (1666-1667) são as primeiras obras russas sobre a teoria da arte.

17. Formação ativa de novas formas seculares de cultura no século XVIII. Notas

J. von Stehlin é a primeira tentativa de criar uma história da arte russa.

18. Nova compreensão romântica da arte em artigos críticos de K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevsky, D. V. Venevitinova, N. V. Gogol.

19. História da arte do final do século 19 ao 20: tentativas de sintetizar as realizações da escola formal com os conceitos de seus críticos - "ciência estrutural" dos estilos artísticos. Abordagem semiótica na história da arte. Características do estudo semiótico de obras de arte nas obras de Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, BA Uspensky. A variedade de métodos para estudar arte na ciência doméstica moderna. Princípios de análise de uma obra de arte e abordagem problemática do estudo da história da arte nas obras de M. Alpatov (“Problemas artísticos da arte Grécia antiga”, “Problemas artísticos do Renascimento italiano”). Síntese das abordagens metodológicas (estilística formal, iconográfica, iconológica, sociológica) de V. Lazarev. Método de pesquisa histórico-comparativo nas obras de D. Sarabyanov ("Pintura russa do século 19 entre as escolas européias. A experiência da pesquisa comparativa"). Abordagem sistemática da arte e das suas características.

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8. Janson H.V. Fundamentos da história da arte. – M.: Arte, 2001.

Tema 2. Arte do Mundo Antigo. Arte da época do sistema comunal primitivo e do Antigo Oriente.

Questões:

1. Periodização da arte da sociedade primitiva. Características da arte primitiva da época: Paleolítico, Mesolítico, Neolítico, Bronze.

2. O conceito de sincretismo na arte primitiva, seus exemplos.

3. Leis e princípios gerais da arte do Antigo Oriente.

4. Arte da Antiga Mesopotâmia.

5. A arte dos antigos sumérios.

6. Arte da antiga Babilônia e Assíria.

Questões para discussão:

1. Faça um breve resumo da periodização da arte primitiva. Quais são as características da arte de cada período?

2. Descrever as principais características da arte primitiva: sincretismo, fetichismo, animismo, totemismo.

3. Compare os cânones na representação de uma pessoa na arte do antigo Oriente (Egito e Mesopotâmia).

4. Quais são as características das artes plásticas da Antiga Mesopotâmia?

5. Conte-nos sobre a arquitetura da Mesopotâmia no exemplo de monumentos específicos:

o zigurate de Etemenniguru em Ur e o zigurate de Etemenanki na Nova Babilônia.

6. Conte-nos sobre a escultura da Mesopotâmia no exemplo de monumentos específicos: as paredes ao longo da Estrada da Procissão, o Portão de Ishtar, os relevos do Palácio Ashurnasirpal em

7. Qual é o tema das imagens escultóricas em relevo da Mesopotâmia?

8. Qual era o nome dos primeiros monumentos da arquitetura babilônica? Qual era o seu

encontro?

9. Qual é a peculiaridade da cosmogonia da cultura sumério-acadiana?

10. Liste as conquistas na arte da civilização sumério-acadiana.

1. Vinogradova N.A. Arte tradicional do Oriente. - M.: Arte, 1997.

2. Dmitrieva N.A. História curta artes. Emitir. 1: Desde os tempos antigos até o século XVI. Ensaios. – M.: Arte, 1985.

3. Arte do Antigo Oriente (Monumentos da arte mundial). – M.: Arte, 1968.

4. Arte do Egito Antigo. Pintura, escultura, arquitetura, artes aplicadas. – M.: Artes visuais, 1972.

5. Arte do Mundo Antigo. – M.: 2001.

6. História da arte. As primeiras civilizações - Barcelona-Moscou: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Monumentos da arte mundial. Edição III, primeira série. Arte do Antigo Oriente. - M.: Arte, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Fundamentos estéticos da arte do antigo Egito. – M.: Arte, 1985.

9. Stolyar A.D. Origem das artes plásticas. – M.: Arte, 1985.

Este artigo contém uma breve descrição dos principais estilos de arte do século XX. Será útil conhecer artistas e designers.

Modernismo (do francês moderne modern)

na arte, nome cumulativo de tendências artísticas que se estabeleceram na segunda metade do século XIX sob a forma de novas formas de criatividade, onde não prevalecia tanto a adesão ao espírito da natureza e da tradição, mas a visão livre do mestre , livre para mudar o mundo visível a seu critério, seguindo impressão pessoal, ideia interior ou sonho místico (essas tendências continuaram em grande parte a linha do romantismo). Impressionismo, simbolismo e modernismo foram suas direções mais significativas, muitas vezes interagindo ativamente. Na crítica soviética, o conceito de “modernismo” foi aplicado anti-históricamente a todos os movimentos artísticos do século 20 que não correspondiam aos cânones do realismo socialista .

abstracionismo(arte sob o signo das "formas zero", arte não objetiva) - uma direção artística que se formou na arte da primeira metade do século XX, recusando-se totalmente a reproduzir as formas do mundo visível real. Os fundadores do abstracionismo são considerados V. Kandinsky, P. Mondrian e K. Malevich. W. Kandinsky criou seu próprio tipo de pintura abstrata, libertando as manchas impressionistas e "selvagens" de qualquer sinal de objetividade. Piet Mondrian chegou à sua inutilidade através da estilização geométrica da natureza, iniciada por Cézanne e pelos cubistas. As tendências modernistas do século XX, centradas no abstracionismo, afastam-se completamente dos princípios tradicionais, negando o realismo, mas ao mesmo tempo mantêm-se no quadro da arte. A história da arte com o advento do abstracionismo experimentou uma revolução. Mas essa revolução não surgiu por acaso, mas naturalmente, e foi prevista por Platão! Em sua obra posterior, Filebo, ele escreveu sobre a beleza das linhas, superfícies e formas espaciais em si mesmas, independente de qualquer imitação de objetos visíveis, de qualquer mimese. Esse tipo de beleza geométrica, em contraste com a beleza das formas naturais “irregulares”, segundo Platão, não é relativa, mas incondicional, absoluta.

futurismo- tendência literária e artística na arte da década de 1910. Atribuindo-se o papel de protótipo da arte do futuro, o futurismo como programa principal propunha a ideia de dissolução dos estereótipos culturais e oferecia, em seu lugar, a apologia da tecnologia e do urbanismo como principais signos do presente e do futuro. Uma importante ideia artística do futurismo foi a busca de uma expressão plástica da rapidez do movimento como principal sinal do ritmo da vida moderna. A versão russa do futurismo tinha o nome de kybofuturismo e baseava-se em uma combinação dos princípios plásticos do cubismo francês e do futurismo de configurações estéticas gerais europeias. Usando cruzamentos, deslocamentos, colisões e influxos de formas, os artistas tentaram expressar a esmagadora pluralidade de impressões de uma pessoa contemporânea, um morador da cidade.

Cubismo- "a revolução artística mais completa e radical desde o Renascimento" (J. Golding). Artistas: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubisme francês, de cubo - cubo) uma direção na arte do primeiro quartel do século XX. A linguagem plástica do cubismo baseava-se na deformação e decomposição dos objetos em planos geométricos, a mudança plástica da forma. Muitos artistas russos passaram por um fascínio pelo cubismo, muitas vezes combinando seus princípios com as técnicas de outras tendências artísticas modernas - futurismo e primitivismo. O cubo-futurismo tornou-se uma variante específica da interpretação do cubismo em solo russo.

Purismo- (francês purisme, do latim purus - limpo) uma tendência na pintura francesa do final dos anos 1910 e 20. Os principais representantes são o artista A. Ozanfan e arquiteto C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Rejeitando as tendências decorativas do cubismo e outros movimentos de vanguarda da década de 1910, a deformação da natureza que eles adotaram, os puristas lutaram por uma transferência racionalisticamente ordenada de formas de objetos estáveis ​​e concisas, como se “limpas” de detalhes, para a imagem de elementos “primários”. As obras dos puristas são caracterizadas pelo nivelamento, ritmo suave de silhuetas leves e contornos de objetos do mesmo tipo (jarros, copos, etc.). Não tendo recebido desenvolvimento em formas de cavalete, os princípios artísticos essencialmente repensados ​​do purismo foram parcialmente refletidos na arquitetura moderna, principalmente nos edifícios de Le Corbusier.

serrealismo- um movimento cosmopolita na literatura, pintura e cinema que surgiu em 1924 na França e encerrou oficialmente sua existência em 1969. Contribuiu muito para a formação da consciência do homem moderno. As principais figuras do movimento André Bretão- escritor, líder e inspirador ideológico do movimento, Louis Aragon- um dos fundadores do surrealismo, que de forma bizarra depois se transformou em cantor do comunismo, Salvador Dalí- artista, teórico, poeta, roteirista, que definiu a essência do movimento com as palavras: "Surrealismo sou eu!", um cineasta altamente surrealista Luis Buñuel, artista Juan Miró- "a pena mais bonita no chapéu do surrealismo", como Breton o chamou, e muitos outros artistas ao redor do mundo.

fauvismo(do francês les fauves - selvagem (animais)) Direção local na pintura precoce. século 20 O nome F. foi dado em escárnio a um grupo de jovens artistas parisienses ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), que participaram conjuntamente de várias exposições em 1905-1907, após sua primeira exposição em 1905. O nome foi adotado pelo próprio grupo e se firmou por trás dele. A direção não teve um programa claramente formulado, manifesto ou teoria própria e não durou muito, deixando, porém, uma marca perceptível na história da arte. Seus participantes estavam unidos naqueles anos pelo desejo de criar imagens artísticas exclusivamente com a ajuda de uma cor aberta extremamente brilhante. Desenvolvendo as realizações artísticas dos pós-impressionistas ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), valendo-se de algumas técnicas formais da arte medieval (vitrais, arte românica) e da gravura japonesa, populares nos meios artísticos da França desde a época dos impressionistas, os fauvistas buscaram maximizar o uso das possibilidades colorísticas da pintura.

expressionismo(da expressão francesa - expressividade) - tendência modernista na arte da Europa Ocidental, principalmente na Alemanha, primeiro terço do século XX, que se desenvolveu em determinado período histórico - às vésperas da Primeira Guerra Mundial. A base ideológica do expressionismo era um protesto individualista contra o mundo feio, a crescente alienação do homem em relação ao mundo, sentimentos de falta de moradia, colapso e desintegração daqueles princípios sobre os quais a cultura européia parecia repousar tão firmemente. Os expressionistas tendem a gravitar em torno do misticismo e do pessimismo. Técnicas artísticas características do expressionismo: a rejeição do espaço ilusório, o desejo de uma interpretação plana dos objetos, a deformação dos objetos, o amor por dissonâncias coloridas nítidas, uma cor especial que personifica o drama apocalíptico. Os artistas percebiam a criatividade como uma forma de expressar emoções.

suprematismo(de lat. supremus - mais alto, mais alto; primeiro; último, extremo, aparentemente, através da supremacja polonesa - superioridade, supremacia) A direção da arte de vanguarda do primeiro terço do século XX, o criador, principal representante e teórico dos quais era um artista russo Kazimir Malevich. O termo em si não reflete a essência do Suprematismo. Na verdade, no entendimento de Malevich, essa é uma característica estimada. O suprematismo é o estágio mais elevado no desenvolvimento da arte no caminho da libertação de tudo o que não é artístico, no caminho para a revelação final do não-objetivo como a essência de qualquer arte. Nesse sentido, Malevich também considerava a arte ornamental primitiva suprematista (ou “semelhante ao supremo”). Ele aplicou esse termo pela primeira vez a um grande grupo de suas pinturas (39 ou mais) retratando abstrações geométricas, incluindo o famoso "Quadrado Negro" sobre fundo branco, "Cruz Negra" etc., exibido na exposição Futurista de Petrogrado "zero- dez" em 1915 Foi por trás dessas e outras abstrações geométricas semelhantes que o nome Suprematismo foi anexado, embora o próprio Malevich se referisse a ele em muitas de suas obras dos anos 20, que externamente continham algumas formas de objetos concretos, especialmente figuras de pessoas, mas mantinham o “espírito suprematista”. E, de fato, os desenvolvimentos teóricos posteriores de Malevich não dão fundamento para reduzir o suprematismo (pelo menos o próprio Malevich) apenas a abstrações geométricas, embora, é claro, constituam seu núcleo, essência e até mesmo (preto e branco e branco e branco suprematismo) levam a pintura ao limite de sua existência em geral como forma de arte, ou seja, ao zero pictórico, além do qual não há mais pintura propriamente dita. Esse caminho na segunda metade do século foi continuado por inúmeras direções nas atividades artísticas que abandonaram pincéis, tintas e telas.

russo vanguarda A década de 1910 apresenta um quadro bastante complexo. É caracterizada por uma rápida mudança de estilos e tendências, uma abundância de grupos e associações de artistas, cada um dos quais proclamou seu próprio conceito de criatividade. Algo semelhante aconteceu na pintura européia no início do século. No entanto, a mistura de estilos, a “confusão” de correntes e direções eram desconhecidas do Ocidente, onde o movimento em direção a novas formas era mais consistente. Muitos mestres da geração mais jovem com extraordinária rapidez passaram de estilo em estilo, de palco em palco, do impressionismo à modernidade, depois ao primitivismo, cubismo ou expressionismo, passando por muitas etapas, o que era completamente atípico para os mestres da pintura francesa ou alemã . A situação que se desenvolveu na pintura russa deveu-se em grande parte à atmosfera pré-revolucionária do país. Ela exacerbou muitas das contradições inerentes a toda a arte européia como um todo, porque. Os artistas russos estudaram modelos europeus, conheciam bem várias escolas e tendências pictóricas. Uma espécie de "explosão" russa na vida artística desempenhou, assim, um papel histórico. Em 1913, foi a arte russa que alcançou novas fronteiras e horizontes. Um fenômeno completamente novo de não objetividade apareceu - uma linha além da qual os cubistas franceses não ousaram cruzar. Um por um, eles cruzam esta linha: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturismo Tendência local na vanguarda russa (na pintura e na poesia) do início do século XX. Nas artes visuais, o cubo-futurismo surgiu com base no repensar dos achados pictóricos, cubismo, futurismo e neo-primitivismo russo. As principais obras foram realizadas no período 1911-1915. As pinturas mais características do cubo-futurismo saíram do pincel de K. Malevich, e também foram escritas por Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. As primeiras obras cubo-futuristas de Malevich foram exibidas na famosa exposição de 1913. "Target", no qual o luquismo de Larionov também estreou. Na aparência, as obras cubo-futuristas têm algo em comum com as composições criadas na mesma época por F. Leger e são composições semi-objetivas compostas por formas volumétricas coloridas ocas em forma de cilindro, cone, frasco, concha, muitas vezes com um brilho metálico. Já nas primeiras obras de Malevich, há uma tendência perceptível de passar do ritmo natural para os ritmos puramente mecânicos do mundo da máquina (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Retrato de Klyun, 1913).

neoplasticismo- uma das primeiras variedades de arte abstrata. Foi criado em 1917 pelo pintor holandês P. Mondrian e outros artistas que faziam parte da associação Style. O neoplasticismo é caracterizado, segundo seus criadores, pelo desejo de "harmonia universal", expresso em combinações rigorosamente equilibradas de grandes figuras retangulares, claramente separadas por linhas perpendiculares pretas e pintadas em cores locais do espectro principal (com a adição de branco e tons de cinza). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Este termo surgiu na Holanda no século XX. Piet Mondrian definiu seus conceitos plásticos, sistematizados e defendidos pelo grupo e pela revista "Style" ("De Stiji") fundada em Leiden em 1917. A principal característica do neoplasticismo era o uso estrito de meios expressivos. O neoplasticismo permite apenas linhas horizontais e verticais para construir a forma. Cruzar linhas em ângulos retos é o primeiro princípio. Por volta de 1920, foi acrescentado um segundo que, retirando o traço e enfatizando o plano, limita as cores ao vermelho, azul e amarelo, ou seja, três cores primárias puras às quais apenas o branco e o preto podem ser adicionados. Com a ajuda desse rigor, o neoplasticismo pretendia ir além da individualidade para alcançar o universalismo e, assim, criar uma nova imagem do mundo.

"batismo" oficial orfismo aconteceu no Salon des Indépendants em 1913. Assim, o crítico Roger Allard escreveu em seu relatório sobre o Salon: "... notamos para os futuros historiadores que em 1913 nasceu uma nova escola de orfismo ..." ("La Cote" Paris, 19 de março de 1913). Ele foi ecoado por outro crítico Andre Varno: "O Salão de 1913 foi marcado pelo nascimento de uma nova escola da escola órfica" ("Comoedia" Paris 18 de março de 1913). Finalmente Guilherme Apollinaire reforçou esta afirmação ao exclamar, não sem orgulho: “Isto é Orfismo. Aqui, pela primeira vez, apareceu essa tendência que eu previ” (“Montjoie!” Suplemento de Paris de 18 de março de 1913). Na verdade, o termo foi inventado Apollinaire(Orfismo como um culto a Orfeu) e foi anunciado publicamente pela primeira vez durante uma palestra sobre pintura moderna e lida em outubro de 1912. O que ele quis dizer? Ele mesmo não parece saber disso. Além disso, ele não sabia definir os limites dessa nova direção. Na verdade, a confusão que prevalece até hoje deve-se ao fato de Apollinaire confundir inconscientemente dois problemas que estão interligados, é claro, mas antes de tentar ligá-los deveria ter enfatizado suas diferenças. Por um lado, a criação Delaunay meios expressivos pictóricos inteiramente baseados na cor e, por outro lado, a expansão do cubismo através do surgimento de várias direções diferentes. Após uma pausa com Marie Laurencin no final do verão de 1912, Apollinaire buscou abrigo na família Delaunay, que o recebeu com compreensão amigável em sua oficina na Rue Grand-Augustin. Apenas neste verão, Robert Delaunay e sua esposa experimentaram uma profunda evolução estética levando ao que ele mais tarde chamou de "período destrutivo" da pintura baseada apenas nas qualidades construtivas e espaço-temporais dos contrastes de cores.

Pós-modernismo (pós-moderno, pós-vanguardista) -

(do lat. post "depois" e modernismo), nome coletivo de tendências artísticas que se tornaram especialmente claras na década de 1960 e se caracterizam por uma revisão radical da posição do modernismo e da vanguarda.

expressionismo abstrato fase do pós-guerra (final dos anos 40 - anos 50 do século XX) no desenvolvimento da arte abstrata. O próprio termo foi introduzido na década de 1920 por um crítico de arte alemão E. von Sydow (E. von Sydow) para se referir a certos aspectos da arte expressionista. Em 1929, o americano Barr o usou para caracterizar as primeiras obras de Kandinsky e, em 1947, chamou as obras de "expressionistas abstratos". Willem de Kooning E Pollock. Desde então, o conceito de expressionismo abstrato se consolidou por trás de um campo bastante amplo, estilisticamente e tecnicamente variado da pintura abstrata (e posteriormente da escultura), que se desenvolveu rapidamente nos anos 50. nos EUA, na Europa e depois em todo o mundo. Os ancestrais diretos do expressionismo abstrato são considerados os primeiros Kandinsky, expressionistas, órfistas, parcialmente dadaístas e surrealistas com seu princípio de automatismo mental. A base filosófica e estética do expressionismo abstrato foi em grande parte a filosofia do existencialismo, popular no período pós-guerra.

Pronto(English ready-made - ready) O termo foi introduzido pela primeira vez no léxico da história da arte pelo artista Marcel Duchamp designar suas obras, que são objetos de uso utilitário, retirados do ambiente de seu funcionamento normal e exibidos sem alterações em uma exposição de arte como obras de arte. O Ready-Made reivindicou um novo olhar sobre a coisa e a coisidade. Um objecto que deixou de cumprir as suas funções utilitárias e foi incluído no contexto do espaço da arte, ou seja, tornou-se objecto de contemplação não utilitária, começou a revelar alguns novos significados e movimentos associativos, desconhecidos quer da arte tradicional quer da a esfera cotidiana-utilitária do ser. O problema da relatividade do estético e do utilitário emergiu de forma aguda. Primeiro Pronto duchamp exibido em Nova York em 1913. O mais infame de seu Ready-Made. aço "Roda de bicicleta" (1913), "Secador de garrafas" (1914), "Fonte" (1917) - assim foi designado um mictório comum.

Arte pop. Após a Segunda Guerra Mundial, formou-se na América um grande estrato social de pessoas que ganhavam dinheiro suficiente para comprar mercadorias que não eram particularmente importantes para elas. Por exemplo, o consumo de mercadorias: a Coca-Cola ou o jeans Levi's tornam-se um importante atributo dessa sociedade. Uma pessoa que usa este ou aquele produto mostra seu pertencimento a um determinado estrato social. A cultura de massa atual foi formada. As coisas se tornaram símbolos, estereótipos. A pop art necessariamente usa estereótipos e símbolos. arte pop(Pop Art) encarnava a busca criativa dos novos americanos, que se baseavam nos princípios criativos de Duchamp. Esse: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, e outros. A pop art está assumindo a importância da cultura de massa, então não é de se estranhar que tenha tomado forma e se tornado um movimento artístico na América. Seus aliados: Hamelton R, Ton China escolhido como a autoridade Kurt Schwieters. A pop art é caracterizada por uma obra - uma ilusão de um jogo que explica a essência do objeto. Exemplo: torta K. Oldenburg representada de várias maneiras. Um artista pode não retratar um bolo, mas dissipar ilusões, mostrar que uma pessoa vê de verdade. R. Rauschenberg também é original: colou várias fotos na tela, delineou-as e anexou algum bichinho de pelúcia à obra. Uma de suas obras famosas é um ouriço de pelúcia. Também conhecida é a sua pintura, onde usou fotografias de Kenedy.

Primitivismo (Arte Naif). Este conceito é usado em vários sentidos e é de fato idêntico ao conceito "arte primitiva". Em diferentes idiomas e por diferentes cientistas, esses conceitos são usados ​​com mais frequência para se referir a uma mesma gama de fenômenos na cultura artística. Em russo (assim como em alguns outros), o termo "primitivo" tem um significado um tanto negativo. Portanto, é mais apropriado focar no conceito arte ingênua. No sentido mais amplo, isso se refere às belas artes, que se distinguem pela simplicidade (ou simplificação), clareza e imediatismo formal da linguagem pictórica e expressiva, com a ajuda da qual é expressa uma visão especial do mundo não sobrecarregada por convenções civilizacionais . O conceito surgiu na nova cultura européia dos últimos séculos, portanto reflete as posturas e ideias profissionais dessa cultura, que se considerava o estágio mais elevado de desenvolvimento. Nessas posições, a arte naïf também significa a arte arcaica dos povos antigos (civilizações pré-egípcias ou pré-gregas), por exemplo, arte primitiva; a arte de povos atrasados ​​em seu desenvolvimento cultural e civilizatório (populações indígenas da África, Oceania, índios da América); arte amadora e não profissional em escala mais ampla (por exemplo, os famosos afrescos medievais da Catalunha ou a arte não profissional dos primeiros imigrantes americanos da Europa); muitas obras do chamado "gótico internacional"; Arte folclórica; e, finalmente, a arte de talentosos artistas primitivistas do século XX, que não receberam uma educação artística profissional, mas sentiram em si o dom da criatividade artística e se dedicaram à sua realização independente na arte. Alguns deles (francês A. Russo, K. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, americano SOU. Robertson e outros) criaram verdadeiras obras-primas artísticas que passaram a fazer parte do tesouro da arte mundial. A arte ingênua, pela sua visão do mundo e pelos métodos da sua apresentação artística, aproxima-se um pouco da arte das crianças, por um lado lado, e ao trabalho dos doentes mentais, por outro. No entanto, em essência, difere de ambos. O mais próximo em termos de visão de mundo da arte infantil é a arte ingênua dos povos arcaicos e nativos da Oceania e da África. Sua diferença fundamental em relação à arte infantil reside em sua profunda sacralidade, tradicionalismo e canonicidade.

sem arte(Net Art - do inglês net - rede, arte - arte) A mais nova forma de arte, práticas de arte moderna, desenvolvendo-se em redes de computadores, em particular, na Internet. Seus pesquisadores na Rússia, contribuindo para o seu desenvolvimento, O. Lyalina, A. Shulgin, acreditam que a essência da Net-art se resume à criação de comunicação e espaços criativos na Web, proporcionando total liberdade de estar em rede para todos. Portanto, a essência da Net-art. não representação, mas comunicação, e sua unidade artística original é uma mensagem eletrônica. Existem pelo menos três fases no desenvolvimento da Net-art, que surgiram nas décadas de 80 e 90. século 20 A primeira foi quando aspirantes a artistas da web criaram imagens a partir de letras e ícones encontrados em um teclado de computador. A segunda começou quando artistas underground e todo mundo que queria mostrar algo de seu trabalho veio para a Internet.

OP-ART(eng. Op-art - uma versão abreviada da arte óptica - arte óptica) - um movimento artístico da segunda metade do século XX, utilizando várias ilusões visuais baseadas nas características da percepção de figuras planas e espaciais. A corrente continua a linha racionalista do tecnicismo (modernismo). Ela remonta ao chamado abstracionismo "geométrico", cujo representante era V. Vasarely(de 1930 a 1997 trabalhou na França) - o fundador da op art. As possibilidades da Op-art encontraram alguma aplicação em gráficos industriais, pôsteres e arte de design. A direção da op art (arte óptica) teve origem nos anos 50 dentro do abstracionismo, embora desta vez fosse de uma variedade diferente - a abstração geométrica. A sua distribuição como corrente remonta à década de 60. século 20

grafite(grafite - em arqueologia, quaisquer desenhos ou letras riscadas em qualquer superfície, do graffiare italiano - arranhão) Esta é a designação de obras de subcultura, que são principalmente imagens de grande formato nas paredes de prédios públicos, estruturas, transporte, feitas com vários tipos de pistolas de pulverização, latas de tinta aerossol. Daí o outro nome "spray art" - Spray-art. Sua origem está associada ao aparecimento em massa de graffiti. nos anos 70. nos vagões do metrô de Nova York e depois nas paredes dos prédios públicos, persianas de lojas. Os primeiros autores do graffiti. havia principalmente jovens artistas desempregados de minorias étnicas, principalmente porto-riquenhos; posição impotente. No início dos anos 80. formou-se toda uma tendência de mestres quase profissionais G. Seus nomes reais, antes escondidos sob pseudônimos, tornaram-se conhecidos ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Alguns deles transferiram sua técnica para a tela e começaram a expor em galerias de Nova York, e logo o grafite apareceu na Europa.

HIPER-REALISMO(hiperrealismo - inglês) ou fotorrealismo (fotorrealismo - inglês) - artista. movimento na pintura e na escultura, com base na fotografia, reprodução da realidade. Tanto na sua prática como nas suas orientações estéticas para o naturalismo e o pragmatismo, o hiper-realismo aproxima-se da pop art. eles estão unidos principalmente por um retorno à figuratividade. Atua como uma antítese do conceitualismo, que não apenas rompeu com a representação, mas também pôs em questão o próprio princípio da realização material da arte. conceito.

arte da terra(do inglês land art - earthen art), uma direção na arte do último terçoXXséculo XX, baseado na utilização de uma paisagem real como principal material e objeto artístico. Artistas cavam trincheiras, criam montes bizarros de pedras, pintam rochas, escolhendo para suas ações lugares geralmente desertos - paisagens intocadas e selvagens, assim, por assim dizer, se esforçando para devolver a arte à natureza. Graças ao seu<первобытному>Aparentemente, muitas ações e objetos desse tipo se aproximam da arqueologia, assim como da fotoarte, já que a maioria do público pode contemplá-los apenas em séries de fotografias. Parece que teremos que enfrentar mais uma barbárie da língua russa. Não sei se é coincidência que o termo<лэнд-арт>apareceu no final anos 60 numa época em que nas sociedades desenvolvidas o espírito rebelde do corpo estudantil direcionava suas forças para derrubar os valores estabelecidos.

MINIMALISMO(minimal art - inglês: minimal art) - artist. fluxo que emana da transformação mínima dos materiais utilizados no processo de criatividade, simplicidade e uniformidade das formas, monocromático, criativo. autocontrole do artista. O minimalismo é caracterizado pela rejeição da subjetividade, da representação, do ilusionismo. Rejeitando o clássico criatividade e tradição. artístico materiais, os minimalistas usam materiais industriais e naturais de geometria simples. formas e cores neutras (preto, cinza), pequenos volumes, série, métodos de transporte de produção industrial são usados. Um artefato no conceito minimalista de criatividade é um resultado predeterminado do processo de sua produção. Tendo recebido o desenvolvimento mais completo em pintura e escultura, o minimalismo, interpretado em sentido amplo como a economia do artista. fundos, encontrou aplicação em outras formas de arte, principalmente teatro e cinema.

O minimalismo se originou nos Estados Unidos no trans. chão. anos 60 Suas origens estão no construtivismo, suprematismo, dadaísmo, abstracionismo, Amer formalista. pintura da década de 1950, pop art. direto precursor do minimalismo. é um americano. artista F. Stella, que apresentou em 1959-60 uma série de "Pinturas Negras", onde prevaleceram linhas rectas ordenadas. As primeiras obras minimalistas aparecem em 1962-63 O termo "minimalismo". pertence a R. Walheim, que o introduz em relação à análise da criatividade Sr. Duchamp e artistas pop, minimizando a intervenção do artista no ambiente. Seus sinônimos são "arte legal", "arte ABC", "arte serial", "estruturas primárias", "arte como processo", "arte sistemática". pintura". Entre os minimalistas mais representativos estão − C. André, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Eles estão unidos pelo desejo de encaixar o artefato no ambiente, de vencer a textura natural dos materiais. D. Jade define-o como "específico". objeto”, diferente do clássico. obras plásticas. artes. Independente, a iluminação desempenha um papel como forma de criar arte minimalista. situações, soluções espaciais originais; métodos de computador de criação de obras são usados.