20세기 러시아 미술의 골동품 테마. XX 세기의 러시아 미술. 20 세기 러시아 회화의 주요 방향

이 시기는 러시아 회화의 정점이자 리얼리즘의 도입으로 간주됩니다. 그 나라의 사회 현상과 혁명은 예술에 특별한 영향을 미쳤습니다. 이미 회화에 대한 검열과 비판이 있었다. 당시 당국은 화가의 작품에 중요한 각인을 남겼습니다. 거의 모든 국내 예술가는 새로운 정치와 새로운 사회 질서에 전념하는 적어도 하나의 그림을 그려야했습니다.

20 세기 러시아 회화의 주요 방향

20세기에는 회화에서 러시아 리얼리즘의 종말과 소비에트나 사회주의의 시작을 알렸다. 대전의 시기는 당과 인민의 단합된 운동으로 구별되는 특별한 시기로 여겨진다. 군사 그림은 인기를 얻었으며 현재와 관련이 있습니다. 풍경 장르의 사회주의적 흐름은 무엇보다도 영향을 덜 받았다.

러시아 전위

아방가르드(avant-garde)라는 단어는 혁신, 진보된 움직임을 의미합니다. 국내 아방가르드는 회화의 급진적인 흐름을 결합합니다. 처음에는 모더니즘, 새로운 예술, 추상화 및 기타 이름으로 불렸습니다. 방향에 대한 첫 번째 일견은 전쟁 이전에 나타났습니다. 러시아 아방가르드는 문화에서 과거에 대한 절대적인 거부와 파괴와 창조 과정의 통합과 같은 순간을 결합합니다. 그림에는 침략, 오래된 예술적 가치를 파괴하려는 열망, 완전히 다른 것을 창조하는 동시에 장소가 있습니다.

이 방향에서 우선 "화려한 삶", "볼가의 노래", "하얀 타원형", "모스크바" 그림을 그린 바실리 칸딘스키를 강조할 가치가 있습니다. 붉은 광장". 아방가르드에는 아방가르드 운동 중 하나인 슈퍼마티즘의 대표자인 카지미르 말레비치도 포함된다. 이 흐름은 예술의 마지막 단계인 오브제의 부재를 특징짓는다. 그들은 기하학적 추상화가 적용된 캔버스가 등장한 후 처음으로 그에 대해 이야기하기 시작했습니다.

사회주의 리얼리즘

혁명이 일어나고 많은 격변과 변화가 일어난 후 시각 예술에서 새로운 시대와 새로운 방향이 시작되었습니다. 당시에 해당하며 사회주의 리얼리즘이라고 불렸다. 정부와 국민이 요구한 것입니다. 사회주의 리얼리즘은 영웅주의의 존재, 지도자, 사람들, 사건, 당의 진실, 예술가 자신의 비전의 존재로 구별되었습니다. 전체주의 사회는 러시아 회화를 인정할 수 없을 정도로 변화시켰다. 당시의 역사적 사건, 국가의 영웅과 지도자, 단순한 노동자의 일상에 관한 그림으로 주로 구성되었습니다.

환상, 추측, 유치한 부주의가 없었기 때문에 많은 사람들이 그것을 "심각한 스타일"이라고 불렀습니다. 무자비한 진실만이 캔버스에 드러났습니다. 당시 영웅심은 지도자의 내적 긴장과 노력에 있었다. 사회주의 리얼리즘에서 일은 직업이었고 영웅은 개척자이자 건설자였다. 세기말 소비에트 문화의 붕괴와 함께 러시아 회화의 새로운 방향이 온다.

포스트모더니즘

러시아 회화의 새로운 방향은 사회에서 완전히 명확하지 않은 모더니즘을 대체하게되었습니다. 포스트 모더니즘은 사진 이미지가 특징입니다. 그림은 최대한 원래 모양에 가깝습니다. 스타일은 유형 학적 특징으로 구별됩니다. 먼저 완성된 형태입니다. 화가는 고전적인 이미지를 사용하지만 새로운 방식으로 해석하고 독점성을 부여합니다. 종종 포스트 모더니즘의 대표자는 여러 방향의 형태를 결합하여 이미지에 약간의 아이러니와 일종의 2 차적인 것을 제공합니다.

방향의 또 다른 특징은 규칙이 없다는 것입니다. 포스트모더니즘에서 예술가는 그의 그림을 묘사하는 형식과 방식의 선택을 완전히 통제합니다. 어떤 자유는 예술 전반에 신선한 숨을 불어넣었습니다. 설치미술과 공연이 있었습니다. 회화의 포스트 모더니즘은 또한 명확한 기술과 일반적인 세계적 인기가 없다는 특징이 있습니다. 이 방향의 전성기는 20 세기의 90 년대에 왔습니다. 가장 저명한 대표자는 A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik과 같은 예술가입니다.

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"러시아 예술가 연합"

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서지

소개

XIX 후반-XX 세기 초반의 러시아 문화는 러시아 사회 발전에서 복잡하고 논쟁의 여지가있는시기입니다. 세기의 전환기의 문화는 항상 과거의 문화의 전통과 새로운 신흥 문화의 혁신적인 경향을 포함하는 과도기의 요소를 포함합니다. 전통의 이전이 있고 단지 이전이 아니라 새로운 것의 출현이 있습니다. 이 모든 것은 이 시대의 사회 발전에 의해 수정된 문화 발전의 새로운 방법을 찾는 격렬한 과정과 관련이 있습니다. 러시아의 세기의 전환기는 19세기의 고전문화에서 20세기의 새로운 문화로의 변화, 국가체제의 변화, 커다란 변화가 일어나고 있는 시기이다. 러시아 문화를 발전시키는 새로운 방법을 찾는 것은 서구 문화의 진보적 경향을 동화시키는 것과 관련이 있습니다. 방향과 학교의 다양성은 세기 전환기에 러시아 문화의 특징입니다. 서양 트렌드는 특히 러시아 콘텐츠로 가득 찬 현대 트렌드로 얽혀 있고 보완됩니다. 이 시대 문화의 특징은 삶에 대한 철학적 이해를 향한 방향, 과학과 함께 예술이 큰 역할을 하는 세계에 대한 전체적인 그림을 구축할 필요성입니다. 19세기 말~20세기 초 러시아 문화의 초점은 한편으로는 다양한 학교와 과학 및 예술 분야에서 일종의 연결 고리가 되었고 일종의 출발점이 된 사람이었습니다. 다른 한편으로는 가장 다양한 문화적 유물을 분석하기 위한 것입니다. 따라서 세기의 전환기에 러시아 문화의 기초가 되는 강력한 철학적 토대가 되었습니다.

XIX 후반 - XX 세기 초반의 러시아 문화 발전에서 가장 중요한 우선 순위를 강조하면 가장 중요한 특성을 무시할 수 없습니다. 19세기 말 - 러시아 문화의 역사에서 20세기 초를 일반적으로 러시아 르네상스라고 부르거나 푸쉬킨의 황금기와 비교하여 러시아 문화의 은시대라고 합니다.

세기의 전환기에 주로 건축(오랜 기간 동안 절충주의가 지배함)에서 시작하여 아르누보 스타일이라고 하는 그래픽으로 끝나는 모든 조형 예술에 영향을 미치는 스타일이 개발되었습니다. 이 현상은 모호하지 않습니다. 현대에는 주로 부르주아 취향을 위해 고안된 퇴폐적 인 허식, 허세가 있지만 그 자체로 중요한 스타일의 통일성에 대한 열망도 있습니다. 아르누보 스타일은 건축, 회화 및 장식 예술의 합성에서 새로운 단계입니다.

시각 예술에서 Art Nouveau는 조각에서 형태의 유동성, 실루엣의 특별한 표현력, 구성의 역동성을 보여주었습니다. 그림에서 - 이미지의 상징주의, 우화에 대한 중독. 상징주의 모던 아방가르드 실버

러시아 상징주의자들은 실버 에이지의 미학 발전에 중요한 역할을 했습니다. 문학과 예술의 현상으로서의 상징주의는 19세기 후반에 프랑스에서 처음 나타났고, 세기말에는 대부분의 유럽으로 퍼졌습니다. 그러나 프랑스에 이어 러시아에서 상징주의가 문화에서 가장 규모가 크고 의미 있고 독창적인 현상으로 실현되고 있다. 처음에 러시아 상징주의는 기본적으로 서구 상징주의와 동일한 전제 조건을 가지고 있었습니다: "긍정적인 세계관과 도덕성의 위기." 러시아 상징주의의 주요 원칙은 삶의 미학화와 논리와 도덕에 대한 다양한 형태의 미학 대체에 대한 열망입니다. 우선, 러시아 상징주의는 무신론 이데올로기화, 공리주의와 함께 혁명적 민주주의 "60 년대"와 포퓰리즘의 전통과의 경계가 특징입니다. 러시아 상징 주의자에 따르면 "순수", 자유 예술의 원칙에 해당합니다.

세계적으로 의미를 갖게 된 실버 에이지의 또 다른 놀라운 현상은 아방가르드의 예술과 미학입니다. 이미 나열된 미적 의식 영역의 공간에서 전위 예술가는 강력하게 반항적인 성격으로 구별되었습니다. 그들은 고전 문화, 예술, 종교, 사회성, 국가의 위기를 자연사, 낡고 쓸모없고 부적합한 것의 파괴로 인식했고, 스스로를 혁명가이자 "모든 쓰레기"의 파괴자이자 무덤 파는 사람이자 창조자임을 깨달았습니다. 새로운 모든 것, 일반적으로 새롭게 부상하는 종족. P. Uspensky가 개발한 슈퍼맨에 대한 Nietzsche의 아이디어는 많은 전위 예술가들에 의해 문자 그대로 받아들여졌고, 특히 미래파 예술가들이 스스로 시도했습니다.

따라서 반항과 터무니없는 욕망, 예술적 표현의 수단에서 근본적으로 새로운 모든 것에 대한 욕망, 예술에 대한 접근의 원칙, 예술이 살아날 때까지 예술의 경계를 확장하려는 경향, 그러나 대표자의 것과는 완전히 다른 원칙 외과적 미학. 10년대 전위 예술가들의 삶. 20 세기 - 이것은 무엇보다도 혁명적 반란, 무정부주의적 반란이다. 부조리, 혼돈, 무정부 상태는 예술의 합리적 원리와 비합리적, 직관적, 무의식적, 무의미함, 난해함, 무형 등의 숭배에 기초한 근대성의 동의어이자 정확하게 창의적으로 긍정적인 원리로 처음으로 이해되었습니다. . 러시아 아방가르드의 주요 방향은 추상화(Vasily Kandinsky), 상위주의(Kazimir Malevich), 구성주의(Vladimir Tatlin), Cubofuturism(큐비즘, 미래파)(Vladimir Mayakovsky)이었습니다.

페인트 등

세기의 전환기의 화가들에게 있어 방랑자들의 표현 방식과 다른 표현 방식이 특징적입니다. 다른 형태의 예술적 창의성은 설명과 내러티브가 없는 모순적이고 복잡하며 현대성을 반영하는 이미지입니다. 예술가들은 조화와 아름다움이 근본적으로 동떨어진 세계에서 고통스럽게 조화와 아름다움을 추구한다. 그렇기 때문에 많은 사람들이 미적 감각을 키우는 사명을 보았습니다. 공적 생활의 변화에 ​​대한 기대인 "이브"의 이 시간은 많은 경향, 연상, 그룹화, 다른 세계관과 취향의 충돌을 일으켰습니다. 그러나 그것은 또한 "고전적인" 방랑자들 이후에 등장한 전체 세대의 예술가들의 보편주의를 일으켰습니다.

플레인 에어 페인팅의 인상파 수업, "무작위 프레이밍"의 구성, 광범위한 무료 회화 방식 -이 모든 것은 세기 전환기의 모든 장르에서 회화 수단 개발의 진화 결과입니다. "아름다움과 조화"를 찾기 위해 예술가들은 기념비적인 그림과 연극 풍경에서부터 책 디자인, 예술과 공예에 이르기까지 다양한 기법과 예술 형식을 시도합니다.

장르 회화는 1990년대에 발전했지만 1970년대와 1980년대의 "고전적인" 방랑 운동과는 다소 다르게 발전했습니다. 따라서 농민 주제는 새로운 방식으로 드러납니다. S. A. Korovin(1858-1908)은 "On the World"(1893) 그림에서 농촌 공동체의 분열을 묘사합니다.

세기의 전환기에 역사적 주제에 다소 독특한 경로가 설명되어 있습니다. 예를 들어, A.P. Ryabushkin(1861-1904)은 순수한 역사적 장르보다 역사적 장르에서 더 많이 작업합니다. "교회에서 17 세기 러시아 여성"(1899), "모스크바의 결혼식 기차. XVII 세기”(1901)-이것은 XVII 세기 모스크바 생활의 일상적인 장면입니다. Ryabushkin의 양식화는 이미지의 평면성, 플라스틱 및 선형 리듬의 특수 시스템, 밝은 주요 색상을 기반으로 하는 색 구성표, 일반적인 장식 솔루션에 반영됩니다. Ryabushkin은 예를 들어 "The Wedding Train ..."에서와 같이 지역 색상을 대담하게 소개합니다. 마차의 붉은 색, 어두운 건물과 눈을 배경으로 한 축제 옷의 큰 반점, 그러나, 최고의 색상 뉘앙스로. 풍경은 항상 러시아 자연의 아름다움을 시적으로 전달합니다.

F. A. Malyavin (1869-1940)은 민속 예술 전통을 완전히 특별한 방식으로 현대 미술 언어로 번역하고 번역 한 새로운 유형의 그림을 만들었습니다. "여성"과 "소녀"의 이미지에는 특정 상징적 의미가 있습니다. - 건강한 토양 러시아 그의 그림은 항상 표현력이 뛰어나고 일반적으로 이젤 작품이지만 작가의 붓으로 기념비적이고 장식적인 해석을받습니다. "웃음"(1899, 베니스 현대 미술관), " Whirlwind”(1906,)는 둥그런 춤을 추며 전염적으로 크게 웃거나 걷잡을 수 없이 돌진하는 시골 소녀들의 사실적인 이미지이지만, 이러한 사실주의는 세기 후반, 전체 캔버스와는 다르다.

M. V. Nesterov(1862-1942)는 고대 러시아를 주제로 다루지만 러시아의 이미지는 작가의 그림에서 자연과 조화를 이루는 일종의 이상적이고 거의 매혹적인 세계로 나타나지만 전설적인 도시 Kitezh처럼 영원히 사라졌습니다. 모든 나무와 풀잎 앞에서 자연에 대한 이 예리한 감각, 세상의 기쁨은 혁명 이전 시대의 네스테로프의 가장 유명한 작품 중 하나인 "젊음에 대한 비전"(1889-1890,)에서 특히 두드러집니다. . 그림의 줄거리 공개에서 랴부쉬킨과 같은 문체적 특징이 있지만 자연미에 대한 깊은 서정적 감각은 변함없이 표현되며 이를 통해 인물의 높은 영성, 깨달음, 소외 세상적인 소란이 전해진다.

뮤직비디오 Nesterov는 종교적인 기념비적인 그림을 많이 그렸습니다. 벽화는 항상 고대 러시아 테마에 전념합니다(예: 조지아에서 - Alexander Nevsky). Nesterov의 벽화에는 성인의 이미지에서 특히 풍경, 초상화 특징에서 많은 실제 표시가 관찰되었습니다. 우아함, 장식성, 조형 리듬의 세련된 정교함의 구성에 대한 평면 해석에 대한 예술가의 열망에는 의심할 여지 없는 아르누보의 영향이 나타났습니다.

풍경 장르 자체도 19세기 말에 새로운 방식으로 발전한다. 사실 레비탄은 풍경 속에서 방랑자들에 대한 탐색을 완료했다. 세기의 전환기의 새로운 단어는 K.A. 코로빈, V.A. 세로프와 M.A. 브루벨.

콘스탄틴 알렉세비치 코로빈

뛰어난 컬러리스트 Korovin에게 세상은 "색채의 폭동"으로 나타납니다. 천부적으로 타고난 재능을 지닌 코로빈은 초상화와 정물을 모두 작업했지만 여전히 풍경이 가장 좋아하는 장르라고 해도 과언이 아닙니다. 그는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교 - Savrasov 및 Polenov의 교사들의 강력한 사실적 전통을 예술에 도입했지만 세계에 대한 다른 견해를 가지고 있으며 다른 작업을 설정합니다. 그는 일찍이 1883년에 합창 소녀의 초상화에서 플레인 에어리즘을 그리기 시작했으며, 당시 Abramtsevo의 S. Mamontov 저택에서 만든 여러 초상화에서 구현된 플레인 에어리즘 원칙의 독립적인 발전을 볼 수 있습니다. ( "In the Boat", T.S. Lyubatovich의 초상화 등), 북부 풍경에서 S. Mamontov의 북쪽 원정 중에 실행되었습니다 ( "Lapland의 겨울",). "Parisian Lights"라는 이름으로 결합된 그의 프랑스 풍경은 이미 최고 수준의 에뛰드 문화를 지닌 완전히 인상주의적인 그림입니다. 대도시 생활에 대한 날카롭고 즉각적인 인상: 하루 중 다른 시간의 조용한 거리, 가벼운 공기 환경에 용해된 물체, 역동적이고 "떨리는" 진동 스트로크, 수천 개의 다른 증기로 포화된 도시 공기나 비의 커튼의 환상 - 마네, 피사로, 모네의 풍경을 연상시키는 기능. Korovin은 변덕스럽고 감정적이며 충동적이며 연극적이기 때문에 그의 풍경에 대한 밝은 광채와 낭만적인 고양감이 있습니다(“Paris. Capuchin Boulevard”, 1906, State Tretyakov Gallery; “Paris at night. Italian Boulevard”, 1908). Korovin은 인상주의 에튀드, 회화적 거장, 다른 모든 장르, 주로 초상화와 정물뿐만 아니라 장식 패널, 응용 예술, 연극 풍경에서 그가 평생을 바쳤던 다른 모든 장르의 눈에 띄는 예술성과 같은 동일한 특징을 유지합니다(초상화 Chaliapin, 1911, 러시아 박물관, "생선, 와인 및 과일" 1916, State Tretyakov 갤러리).

그림에 대한 Korovin의 관대한 재능은 연극 및 장식 그림에서 훌륭하게 나타났습니다. 연극 화가로서 그는 Abramtsevo Theatre(그리고 Mamontov는 아마도 그를 연극 예술가로서 처음으로 인정했을 것입니다), 모스크바 예술 극장, Chaliapin과의 평생 우정이 시작된 모스크바 개인 러시아 오페라에서 일했습니다. Diaghilev 기업. 코로빈은 연극의 풍경과 연극에서 예술가의 중요성을 새로운 차원으로 끌어올렸고, 연극에서 예술가의 역할을 이해하는 데 일대 혁명을 일으켰고 그의 다채롭고 "장대한" 풍경으로 동시대인들에게 큰 영향을 미쳤다. 뮤지컬 공연의 본질을 드러낸다.

발렌틴 알렉산드로비치 세로프

세기의 전환기에 러시아 회화의 혁신가인 가장 큰 예술가 중 한 사람은 Valentin Alexandrovich Serov(1865-1911)였습니다. Serov는 러시아 음악 문화의 뛰어난 인물들 사이에서 자랐으며 (그의 아버지는 유명한 작곡가이고 어머니는 피아니스트임) Repin과 Chistyakov와 함께 공부했습니다.

Serov는 종종 작가, 예술가, 예술가와 같은 예술적 지식인의 대표자를 그립니다(K. Korovin의 초상화, 1891, State Tretyakov Gallery; Levitan, 1893, State Tretyakov Gallery; Yermolova, 1905, State Tretyakov Gallery). 모두 다르고, 개별적으로 깊이 해석하지만, 지적 독점과 영감을 주는 창조적 삶의 빛이 모든 것에 빛을 비추고 있습니다.

초상화, 풍경, 정물, 국내, 역사 그림; 오일, 구 아슈, 템페라, 숯 - Serov가 작동하지 않는 그림 및 그래픽 장르와 사용하지 않을 재료를 찾기가 어렵습니다.

Serov의 작업에서 특별한 주제는 농민입니다. 그의 농민 장르에는 순회하는 사회적 예리함이 없지만 농민 생활의 아름다움과 조화에 대한 감각, 러시아 사람들의 건강한 아름다움에 대한 감탄 (지도상의 "마을에서. 말을 탄 여자") , 파스텔, 1898, State Tretyakov 갤러리). 겨울 풍경은 은빛 진주 색상 범위로 특히 절묘합니다.

Serov는 역사적인 주제를 자신의 방식으로 해석했습니다. Elizabeth와 Catherine II의 즐거움 산책과 함께 "왕실 사냥"은 아이러니하지만 18세기 삶의 아름다움에 변함없이 감탄하는 새로운 시대의 예술가에 의해 전달되었습니다. 18 세기에 대한 Serov의 관심은 World of Art의 영향과 러시아 대공, 차르 및 제국 사냥의 역사 출판 작업과 관련하여 발생했습니다.

Serov는 현실에 대한 새로운 형태의 예술적 실현을 끊임없이 모색하는 깊이 생각하는 예술가였습니다. 아르누보에서 영감을 받아 평평함과 장식성 증가에 대한 아이디어는 역사적인 구성뿐만 아니라 댄서 Ida Rubinstein의 초상화, Europa의 납치와 The Odyssey and Navzikai(둘 모두 1910, State Tretyakov Gallery)에 반영되었습니다. , 판지, 온도). Serov가 그의 삶의 마지막에 고대 세계로 변한다는 것은 중요합니다. 그가 자유롭게 해석한 시적 전설에서, 그는 고전적인 규범 밖에서 예술가가 그의 모든 작업을 바친 조화를 찾고 싶어합니다.

미하일 알렉산드로비치 브루벨

Mikhail Alexandrovich Vrubel(1856-1910)의 창의적인 길은 동시에 비정상적으로 복잡했지만 더 직접적이었습니다. 예술 아카데미(1880) 이전에 Vrubel은 St. Petersburg University의 법학부를 졸업했습니다. 1884년에 그는 키예프로 가서 성 시릴 교회의 프레스코화 복원을 감독했고 몇 가지 기념비적인 작품을 직접 만들었습니다. 그는 블라디미르 대성당의 벽화를 수채화로 스케치합니다. 고객이 비표준적이고 표현력에 두려워했기 때문에 스케치는 벽으로 전송되지 않았습니다.

작가가 모스크바에 정착한 90년대에는 신비에 가깝고 거의 마귀의 힘을 지닌 브루벨의 문체가 형성되었는데, 이는 어느 것과도 혼동될 수 없다. 그는 내부에서 빛나는 것처럼 다양한 색상의 날카로운 "각면 처리된" 조각으로 모자이크처럼 모양을 조각합니다("페르시아 카펫을 배경으로 한 소녀", 1886, KMRI; "점쟁이", 1895, State Tretyakov 갤러리). . 색상 조합은 색상 관계의 현실을 반영하지 않지만 상징적 의미를 갖습니다. 자연은 브루벨을 지배할 힘이 없습니다. 그는 그녀를 알고 그녀를 완벽하게 소유하지만 현실과 거의 흡사한 자신만의 판타지 세계를 만듭니다. 그는 추상적으로 해석하는 문학적 주제에 끌리며 위대한 영적 힘의 영원한 이미지를 창조하려고 노력합니다. 그래서 "악마"에 대한 삽화를 취한 그는 곧 직접 삽화의 원칙("타마라의 춤", "울지 마라, 꼬마야, 헛되이 울지 마라", "관 속의 타마라" 등. ). 악마의 이미지는 Vrubel의 전체 작업, 그의 주요 테마의 중심 이미지입니다. 1899년에 그는 "The Flying Demon", 1902년에 "The Downcast Demon"을 썼습니다. Vrubel의 악마는 무엇보다도 고통받는 생물입니다. 고통은 그 안에있는 악을 압도하며 이것이 이미지에 대한 국가 러시아 해석의 특징입니다. 동시대 인들은 올바르게 언급했듯이 그의 "악마"에서 지식인의 운명의 상징을 보았습니다. 낭만적 인 사람은 조화가없는 현실에서 꿈의 비현실적인 세계로 반항적으로 탈출하려고했지만 세속적 인 거친 현실에 뛰어 들었습니다.

Vrubel은 세기의 전환기에 풍경, 초상화, 책 삽화의 장르에서 가장 성숙한 그림과 그래픽 작품을 만들었습니다. 캔버스 또는 시트의 조직 및 장식 평면 해석, 실제와 환상의 결합, 이 시기의 그의 작품에서 장식적이고 리드미컬하게 복잡한 솔루션에 대한 헌신에서 근대성의 특징이 점점 더 스스로를 주장하고 있습니다.

K. Korovin과 마찬가지로 Vrubel은 극장에서 많이 일했습니다. 그의 최고의 풍경은 모스크바 개인 오페라 무대에서 Rimsky-Korsakov의 오페라 The Snow Maiden, Sadko, Tale of Tsar Saltan 및 기타, 즉 그에게 러시아 민속과 "소통"할 기회를 준 작품에 대해 수행되었습니다. , 동화, 전설.

재능의 보편성, 무한한 상상력, 고귀한 이상을 긍정하는 비범한 열정은 Vrubel을 그의 동시대 사람들과 구별합니다.

빅토르 엘피디포로비치 보리소프-무사토프

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov(1870-1905)는 회화적 상징주의의 직접적인 대표자입니다. 그의 작품은 텅 빈 낡고 텅 빈 "고귀한 보금자리"와 죽어가는 "벚꽃 과수원"에 대한 애가적 슬픔이며, 시간과 장소의 외적 표시를 지니지 않는 일종의 시대를 초월한 의상을 입고 영적이고 거의 비현실적인 아름다운 여성들을 위한 것입니다.

그의 이젤 작품은 무엇보다도 장식 패널이 아니라 태피스트리와 비슷합니다. 공간은 극도로 조건적이고 평면적인 방식으로 해결되며, 그 인물들은 예를 들어 그림 "연못"(1902, 템페라, State Tretyakov Gallery)에서 연못 옆의 소녀들이 꿈꾸는 명상에 잠겨있는 것처럼 거의 미묘합니다. 깊은 묵상. 색이 바랜 옅은 회색 음영은 인간의 이미지뿐만 아니라 그가 묘사하는 자연까지 확장되는 허약하고 소름 끼치는 아름다움과 허약하고 유령 같은 전반적인 인상을 향상시킵니다. Borisov-Musatov가 그의 작품 중 하나를 "Ghosts"(1903, 템페라, State Tretyakov Gallery)라고 부른 것은 우연이 아닙니다. 조용하고 비활동적인 여성 인물, 계단 옆의 대리석 조각상, 반쯤 벗은 나무-파란색의 희미한 범위, 회색, 자주색 톤은 묘사된 유령을 향상시킵니다.

"예술의 세계"

"예술의 세계"- 1898년 상트페테르부르크에서 조직되어 최고의 예술 문화의 주인, 그 당시 러시아의 예술 엘리트를 하나로 묶었습니다. "예술의 세계"는 러시아 예술 문화의 가장 큰 현상 중 하나가되었습니다. 거의 모든 유명 예술가들이 이 협회에 참여했습니다.

저널 창간호의 사설 기사에서 예술의 자율성에 관한 "예술의 세계"의 주요 조항, 현대 문화의 문제는 전적으로 예술적 형식의 문제이며 예술의 주요 임무는 주로 세계 예술 작품과의 친분을 통해 러시아 사회의 미적 취향을 교육합니다. 우리는 그들에게 정당한 대가를 주어야 합니다. 예술의 세계 덕분에 영국과 독일 예술은 정말 새로운 방식으로 높이 평가되었으며 가장 중요한 것은 18세기 러시아 회화와 상트페테르부르크 고전주의 건축이 많은 이들에게 발견이 되었습니다. "예술의 세계"는 높은 전문 문화와 학식을 갖춘 비평가-예술가의 이상을 선언하면서 "예술로서의 비평"을 위해 싸웠습니다. 그러한 비평가의 유형은 World of Art의 창시자 중 한 명인 A.N.에 의해 구현되었습니다. 베누아.

"Miriskusniki"는 전시회를 조직했습니다. 첫 번째는 또한 러시아인 외에 프랑스, ​​영국, 독일, 이탈리아, 벨기에, 노르웨이, 핀란드 등의 예술가들을 한자리에 모은 유일한 국제 행사였습니다. 상트페테르부르크와 모스크바의 화가와 그래픽 아티스트가 모두 참여했습니다. 그러나 이 두 학교(상트페테르부르크와 모스크바) 사이의 균열은 첫날부터 이미 거의 분명했습니다. 1903년 3월 세계 예술의 마지막 다섯 번째 전시회가 종료되었고 1904년 12월 World of Art 잡지의 마지막 호가 출판되었습니다. 대부분의 예술가는 모스크바 전시회 "36"을 기반으로 조직 된 "러시아 예술가 연합"으로 이동했으며 작가는 Merezhkovsky 그룹이 연 New Way 잡지로, "Vesy"매거진을 중심으로 연합 된 모스크바 상징가, 음악가 조직 " 현대 음악의 저녁"에서 디아길레프는 발레와 연극에 완전히 빠져들었다.

1910년, "예술의 세계"(Roerich가 이끄는)에 다시 생명을 불어넣으려는 시도가 있었습니다. "예술의 세계"에 영광이 찾아왔지만 사실 "예술의 세계"는 더 이상 존재하지 않았습니다. 비록 공식적으로 협회는 1920년대 초(1924)까지 존재했지만, 완전한 결여, 무한한 관용과 유연성에 대한 위치. "세계 예술"의 2세대는 이젤 페인팅 문제로 덜 바쁘고 그래픽, 주로 책, 연극 및 장식 예술에 관심이 있으며 두 영역 모두에서 진정한 예술적 개혁을 이루었습니다. "예술의 세계"의 2세대에는 주요 개인(Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin 등)도 있었지만 혁신적인 예술가는 전혀 없었습니다.

"예술의 세계"의 주요 예술가는 K. A. Somov(1869-1939)였습니다. 예술 아카데미를 졸업하고 유럽을 여행한 에르미타주 수석 큐레이터의 아들인 Somov는 우수한 교육을 받았습니다. 창조적 성숙은 일찍 그에게 다가왔지만 연구원(V.N. Petrov)이 올바르게 지적했듯이 그는 항상 강력한 현실적 본능과 고통스러운 감정적 세계관 사이의 투쟁이라는 이중성을 가지고 있었습니다.

우리가 알고 있는 Somov는 예술가 Martynova("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery)의 초상화, 초상화 그림 "Echo of the Past Time"(1903, 지도에서 아쿠아)에 나타났습니다. , 구 아슈, State Tretyakov Gallery )에서 그는 근대성의 진정한 일상적 징후를 전달하기를 거부하는 퇴폐적 모델의 허약하고 빈약한 여성의 아름다움을 시적으로 묘사합니다. 그는 모델에게 고대 의상을 입히고 은밀한 고통, 슬픔과 꿈, 고통스러운 상처의 특징을 외모에 부여합니다.

Somov는 지적 엘리트 (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky 등)의 동시대 인물의 일련의 그래픽 초상화를 소유하고 있으며, 여기서 그는 흰색 배경에 - 특정 시대를 초월한 특정 기술을 사용합니다. 구체 - 그는 귀화를 통해서가 아니라 대담한 일반화와 특징적인 세부 사항의 적절한 선택을 통해 달성되는 유사점을 그립니다. 이러한 시간의 흔적의 부족은 정적, 뻣뻣함, 차가움, 거의 비극적인 외로움의 인상을 만듭니다.

예술 세계의 다른 누구보다 먼저 Somov는 과거의 주제, 즉 18세기의 해석으로 눈을 돌렸습니다. ( "편지", 1896; "기밀", 1897), Benois의 베르사유 풍경의 선구자입니다. 그는 귀족, 영지, 궁정 문화의 모티브와 순전히 주관적인 예술적 감각을 아이러니로 엮어 만든 초현실적 세계를 최초로 창조했습니다. "예술의 세계"의 역사주의는 현실로부터의 도피였다. 과거가 아니라 그 준비, 돌이킬 수 없음을 갈망하는 것 - 이것이 그들의 주요 동기입니다. 진정한 재미는 아니지만 골목에서 키스하는 재미있는 게임입니다. Somov가 그렇습니다.

"예술의 세계"의 이념적 지도자는 A. N. Benois (1870-1960)였습니다. 이는 비정상적으로 다재다능한 재능이었습니다. 화가, 이젤 그래픽 아티스트 및 일러스트레이터, 연극 예술가, 감독, 발레 대본의 저자, ​​예술 이론가이자 역사가, 음악가인 그는 A. Bely의 말대로 "예술의 세계"의 주요 정치인이자 외교관이었습니다. 예술가로서 그는 문체 경향과 과거에 대한 중독으로 Somov와 관련이 있습니다 ( "나는 베르사유에 취해 있습니다. 이것은 일종의 질병, 사랑, 범죄 열정 ... 완전히 과거로 이동했습니다 ...") . 베르사유의 풍경에서 Benois는 17세기의 역사적 재구성을 통합했습니다. 예술가의 현대적 인상, 프랑스 고전주의에 대한 그의 인식, 프랑스 판화. 따라서 명료한 구성, 명료한 공간성, 리듬의 웅장함과 냉정함, 예술 기념물의 웅장함과 그 중 하나에 불과한 인물의 작음 사이의 대립(1896-1898년 베르사유 1차 시리즈는 "The 루이 14세의 마지막 산책"). 두 번째 베르사유 연작(1905-1906)에서는 첫 번째 시트의 특징이기도 한 아이러니가 거의 비극적인 음표로 채색되어 있습니다(“왕의 길”, c., gouache, aqua, gold, silver, pen, 1906). , 국가 Tretyakov 갤러리). Benois의 사고는 극장을 아주 잘 알고 느꼈던 탁월한 연극 예술가의 사고입니다.

자연은 역사와의 연관 관계에서 Benois에 의해 인식됩니다(Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo의 전망, 수채화 기법으로 실행됨).

삽화가 Benois(Pushkin, Hoffman)는 이 책의 역사에서 전체 페이지입니다. Somov와 달리 Benois는 내러티브 일러스트레이션을 만듭니다. 그에게 페이지의 평면은 그 자체로 끝이 아니다. 책 삽화의 걸작은 Bronze Horseman(1903,1905,1916,1921-1922, 색 목판화를 모방한 잉크와 수채화)의 그래픽 디자인이었습니다. 위대한 시를 위한 일련의 삽화에서 주인공은 지금은 엄숙하게 한심하고, 이제는 평화로우며, 이제는 불길한 상트페테르부르크의 건축적 풍경으로, 이에 대해 유진의 모습은 훨씬 더 하찮게 보입니다. 이것은 베누아가 러시아 국가의 운명과 작은 남자의 개인적인 운명 사이의 비극적인 갈등을 표현하는 방법입니다. 무거운 쿵쿵 뛰기").

연극 예술가로서 Benois는 Stravinsky의 음악에 대한 발레 "Petrushka"가 가장 유명한 "Russian Seasons"의 공연을 디자인했으며 모스크바 예술 극장에서 많이 일했으며 나중에는 거의 모든 주요 작품에서 유럽 ​​무대.

"예술의 세계"에서 특별한 장소는 N. K. Roerich(1874-1947)가 차지합니다. 고고학자이자 과학자인 동양의 철학과 민족지 전문가인 Roerich는 처음에는 가정에서, 그 다음에는 상트페테르부르크 대학교의 법학 및 역사 철학 학부에서, 그 다음에는 예술 아카데미에서 워크숍에서 우수한 교육을 받았습니다. Kuindzhi의, 그리고 파리의 F. Cormon의 스튜디오에서. 일찍 그는 과학자의 권위를 얻었다. 그는 17-18세기가 아니라 고대 러시아의 이교도 슬라브어와 스칸디나비아 고대에서 회고에 대한 같은 사랑으로 "예술의 세계"와 관련이 있습니다. 문체 경향, 연극 장식성("메신저", 1897, State Tretyakov 갤러리; "The Elders Converge", 1898, 러시아 박물관; "Sinister", 1901, 러시아 박물관). Roerich는 러시아 상징주의의 철학과 미학과 가장 밀접하게 관련되어 있었지만 그의 예술은 기존 경향의 틀에 맞지 않았습니다. 모든 민족의 우호적인 연합을 위해. 따라서 그의 그림의 특별한 서사적 성격.

1905년 이후, Roerich의 작품에는 범신론적 신비주의의 분위기가 커졌습니다. 역사적 주제는 종교적 전설에 자리를 내주었다(Heavenly Battle, 1912, 러시아 박물관). 러시아 아이콘은 Roerich에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 장식 패널 "Kerzhents 전투"(1911)는 Rimsky-Korsakov의 오페라 "Kitezh의 전설과 Kitezh의 전설"에서 같은 제목의 단편을 공연하는 동안 전시되었습니다. Maiden Fevronia"는 파리의 "러시아의 계절"에서.

"예술의 세계"는 세기 전환기의 주요 미학적 운동으로, 전체 현대 예술 문화를 재평가하고, 새로운 취향과 문제를 승인하고, 최고의 전문 수준에서 잃어버린 형태의 책 그래픽과 연극 그리고 그들의 노력으로 전 유럽에서 인정을 받은 장식회화는 새로운 미술비평을 만들어냈고, 이는 러시아 미술을 해외에 홍보하는 계기가 되었고, 실제로는 18세기 러시아처럼 그 일부 단계를 열기까지 했습니다. "예술의 세계"는 고유한 문체적 특징(독특한 문체 경향, 그림에 대한 그래픽 기술의 우세, 색상에 대한 순전히 장식적인 이해 등)을 가진 새로운 유형의 역사적인 그림, 초상화, 풍경을 만들었습니다. 이것은 러시아 예술에 대한 중요성을 결정합니다.

"예술 세계"의 약점은 주로 프로그램의 다양성과 불일치에 반영되어 "Böcklin, then Manet" 모델을 선언했습니다. 예술에 대한 이상주의적 관점, 예술의 시민적 과제에 대한 영향을 받은 무관심, 프로그램적 무관심, 그림의 사회적 중요성 상실. "예술의 세계"의 친밀함, 순수한 미학은 임박한 혁명의 무서운 비극적 전조의 시대에 그의 인생의 짧은 역사적 기간을 결정했습니다. 이것은 창의적인 탐색의 첫 걸음에 불과했으며 곧 젊은이들은 World of Art 학생들을 따라 잡았습니다.

"러시아 예술가 연합"

1903년에는 세기 초의 가장 큰 전시 협회 중 하나인 러시아 예술가 연합(Union of Russia Artists)이 설립되었습니다. 처음에는 "예술의 세계"의 거의 모든 저명한 인물인 Benois, Bakst, Somov가 들어섰고 Vrubel, Borisov-Musatov가 첫 번째 전시회에 참가했습니다. 협회 창설의 창시자는 "예술의 세계"와 관련된 모스크바 예술가들이었지만 Petersburgers의 프로그램적 미학에 짓눌렸습니다.

국가 풍경, 사랑스럽게 그려진 농민 러시아 그림 - "러시아 인상파"가 도시 주제보다는 주로 시골 지역으로 독특한 방식으로 표현한 "연합" 예술가의 주요 장르 중 하나입니다. 그래서 I.E.의 풍경. 실제 자연의 순간적인 변화를 반영하는 최고의 그림 뉘앙스와 함께 서정적인 분위기를 지닌 Grabar(1871-1960)는 프랑스 인상주의 풍경("9월의 눈", 1903, State Tretyakov Gallery)과 러시아 땅에서 일종의 평행을 이룹니다. 눈에 보이는 색상을 스펙트럼의 순수한 색상으로 분해하는 것에 대한 Grabar의 관심은 J. Seurat 및 P. Signac("March Snow", 1904, State Tretyakov 갤러리)에 대한 신인상주의와도 관련이 있습니다. 자연에서의 색채의 유희, 복잡한 색채 효과는 내러티브와 설명이 결여된 회화적이고 조형적인 조형적 세계를 캔버스에 창조하는 "동맹"에 대한 면밀한 연구의 주제가 됩니다.

"Union"의 주인의 그림에서 빛과 공기의 전달에 대한 모든 관심으로 인해 가벼운 공기 매체에서 물체의 용해는 결코 관찰되지 않습니다. 색상이 장식이 됩니다.

"세계 예술"의 그래픽 아티스트인 Petersburgers와 대조적으로 "Allies"는 장식적인 색채 감각이 고조된 화가들이다. 이것의 훌륭한 예는 F.A.의 그림입니다. 말리야빈.

전체적으로 연합군은 일반 연구뿐만 아니라 기념비적인 그림 형식에도 끌렸습니다. 1910년에 이르러 "예술의 세계"가 분리되고 이차적으로 형성되는 시기인 "연합" 전시회에서 친밀한 풍경(Vinogradov, Yuon 등), 프랑스 분단주의(Grabar)에 가까운 그림을 볼 수 있었습니다. , 초기 Larionov) 또는 상징주의에 가깝습니다( P. Kuznetsov, Sudeikin). 그들은 또한 Diaghilev의 "예술의 세계"(Benois, Somov, Bakst)의 예술가들도 참석했습니다.

국내 미술에서 중요한 역할을 한 견고한 사실주의 기반을 갖춘 "러시아 예술가 연합"은 1923년까지 존재한 소련 회화 학교의 형성에 일정한 영향을 미쳤습니다.

1907년 모스크바에서 Golden Fleece 잡지는 Blue Rose라고 불리는 Borisov-Musatov를 따르는 예술가들의 유일한 전시회를 조직했습니다. P. Kuznetsov는 Blue Rose의 주요 예술가가되었습니다. "Blue Bears"는 주로 "언어"로 표현 된 상징주의에 가장 가깝습니다. 기분의 불안정, 모호하고 번역 할 수없는 연관성의 음악성, 색상 관계의 세련미. 전시 참가자들의 미학적 플랫폼은 이후 몇 년 동안에도 영향을 미쳤고, 이 전시의 이름은 900년대 후반의 전체 미술 트렌드에 대한 가명이 되었습니다. "Blue Rose"의 전체 활동은 또한 아르누보 스타일(형태의 평면 장식 양식화, 기발한 선형 리듬)의 영향을 가장 강하게 나타냅니다.

P. V. Kuznetsov(1878-1968)의 작업은 Blue Bears의 기본 원칙을 반영합니다. Kuznetsov는 인간과 자연의 단일성, 생명과 자연의 영원한 순환의 안정성, 이 조화 속에서 인간 영혼의 탄생을 보여주기 위해 일상의 구체성에서 추상화하고자 하는 장식용 패널 그림을 만들었습니다. 따라서 기념비적인 형태의 회화에 대한 욕망, 몽환적이며 관조적이며, 순간적이고 보편적이며 시대를 초월한 모든 것의 정화, 물질의 영성을 전달하려는 끊임없는 욕망. 그림은 개념을 표현하는 기호일 뿐입니다. 색상은 감정을 전달하는 역할을 합니다. 리듬 - 감각의 특정 세계에 도입하기 위해(아이콘 페인팅에서와 같이 - 사랑, 부드러움, 슬픔 등의 상징). 따라서 Kuznetsov의 장식성의 기초 중 하나로서 캔버스 전체 표면에 균일한 빛 분포의 수용. Serov는 P. Kuznetsov의 본성이 "호흡"한다고 말했습니다. 이것은 중앙 아시아 풍경에서 그의 Kyrgyz(Steppe)와 Bukhara 스위트에서 완벽하게 표현됩니다. Kuznetsov는 초기 이탈리아 르네상스인 고대 러시아 아이콘 페인팅 기법을 연구했습니다. 연구자들이 정확하게 지적한 대로 고유한 스타일을 찾아 세계 예술의 고전적 전통에 호소하는 것은 어떤 전통도 종종 완전히 거부되는 시기에 근본적으로 중요했습니다.

동양의 이국주의 -이란, 이집트, 터키 -는 M. S. Saryan (1880-1972)의 풍경에서 실현됩니다. 동양은 아르메니아 예술가에게 자연스러운 주제였습니다. Saryan은 그의 그림에서 Kuznetsov보다 더 열정적이며 세속적인 밝은 장식으로 가득 찬 세상을 만들고 그림 솔루션은 항상 선명한 그림자 비교에서 뉘앙스가없는 대조되는 색상 관계를 기반으로합니다 ( "Date Palm, Egypt", 1911 , 지도. , 온도, GTG).

Saryan의 이미지는 형태의 일반화, 크고 다채로운 평면, 언어의 일반적인 정교성으로 인해 기념비적입니다. 이것은 일반적으로 페르시아, 아르메니아 원주민 여부에 관계없이 이집트의 일반화 된 이미지입니다. 중요한 자연 스러움을 유지하면서 자연에서 작성된 경우. Saryan의 장식용 캔버스는 항상 쾌활하며 창의력에 대한 그의 아이디어에 해당합니다. "... 예술 작품은 행복, 즉 창조적 인 작업의 결과입니다. 결과적으로, 그것은 보는 사람의 창조적 불타는 불꽃을 점화하고 행복과 자유에 대한 자연스러운 욕망의 식별에 기여해야합니다.

"다이아몬드 잭"

1910년에 P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova 등의 젊은 예술가들이 Jack of Diamonds 조직에 합류했습니다. 자신의 헌장, 전시회를 준비하고 기사 컬렉션을 출판했습니다. "다이아몬드 잭"은 실제로 1917년까지 존재했습니다. 후기 인상주의, 주로 세잔이 "인상주의에 대한 반응"이었기 때문에 "다이아몬드 잭"은 "다이아몬드 잭"의 상징적 언어의 모호함, 번역 불가능성, 미묘한 뉘앙스에 반대했습니다. Blue Rose"와 "예술의 세계"의 미학적 스타일리즘 . "다이아몬드의 건반"은 세계의 "물질", "물질"에 도취되어 그림의 명확한 구성을 공언하고 형식의 객관성, 강렬함, 색상의 충만함을 강조했습니다. 풍경이 러시아 예술가 연합 (Union of Russia Artists) 회원들이 가장 좋아하는 장르가 된 것처럼 정물이 "Valetovites"가 가장 좋아하는 장르가 된 것은 우연이 아닙니다. 기분의 변화를 전달하는 미묘함, 특성의 심리학, 국가의 절제된 표현, "Blue Bearers" 그림의 비물질화, 그들의 낭만적 시는 "Valetovites"에 의해 거부됩니다. 그들은 거의 자발적인 색의 축제, 윤곽선의 표현, 세계에 대한 낙관적 비전을 전달하여 거의 익살스럽고 정사각형의 분위기를 만드는 육즙이 많은 반죽 같은 넓은 글쓰기 방식에 반대합니다. '다이아몬드의 건반'은 대중적인 판화, 민속놀이, 기와, 간판과 같은 형태의 해석을 단순화시킨다. 원시주의 (라틴어 primitivus에서 - 원시, 초기)에 대한 갈망은 예술적 인식의 즉각성과 무결성을 얻기 위해 소위 원시 시대의 단순화 된 형태의 예술, 원시 부족 및 국적을 모방 한 다양한 예술가들에게서 나타났습니다. "Jack of Diamonds"는 Cezanne(따라서 때때로 "Russian Cezanneism"이라는 이름), 입체파(형태의 "전환")와 미래파(역학, 다양한 형태의 변형)에서 그 인식을 끌어냈습니다.

형식의 극단적인 단순화, 사이니지 예술과의 직접적인 연결은 M.F.에서 특히 두드러집니다. "Jack of Diamonds"의 창시자 중 한 명인 Larionov(1881-1964)는 이미 1911년에 그와 헤어졌습니다. Larionov는 풍경, 초상화, 정물을 그리고 Diaghilev 기업의 연극 예술가로 일한 다음 장르 회화로 전환합니다. 그의 주제는 지방 거리의 삶, 군인 막사입니다. 형태는 납작하고 그로테스크하며 마치 어린이의 그림, 인기 있는 인쇄물 또는 간판처럼 의도적으로 양식화되었습니다. 1913 년 Larionov는 그의 책 "Luchism"을 출판했습니다. 사실, 러시아에서 V. Kandinsky와 K. Malevich가 진정한 창작자였던 추상 미술의 선언문 중 첫 번째였습니다.

아티스트 N.S. 라리오노프의 아내인 곤차로바(Goncharova, 1881-1962)는 대부분 농민을 주제로 한 그녀의 풍속화에서 같은 경향을 발전시켰다. 검토 중인 몇 년 동안, Larionov의 예술보다 더 장식적이고 다채롭고 내적인 힘과 간결함이 기념비적인 그녀의 작업에서 원시주의에 대한 열정이 예리하게 느껴집니다. Goncharova와 Larionov의 작업을 설명하면서 "신원시주의"라는 용어가 자주 사용됩니다.

M.Z. 샤갈(1887-1985)은 소도시 비텝스크 생활의 지루한 인상에서 변형된 환상을 순진하고 시적이고 그로테스크한 ​​상징적 정신으로 해석했습니다. 초현실적인 공간, 밝은 색상, 의도적인 형태의 원시화로 샤갈은 서구 표현주의와 원시 민속 예술 모두에 가깝습니다(“I and the Village”, 1911, 뉴욕 현대 미술관, “Over Vitebsk”, 1914). , coll. Zak. Toronto, "Wedding", 1918, State Tretyakov 갤러리).

"청년회"

Union of Youth는 Jack of Diamonds(1909)와 거의 동시에 형성된 상트페테르부르크 조직입니다. 그 주요 역할은 L. Zheverzheev가 담당했습니다. "valetovtsy"와 마찬가지로 "Union of Youth"의 구성원은 이론 모음집을 출판했습니다. 1917년 협회가 붕괴될 때까지. '청춘연합'은 상징주의와 큐비즘, 미래주의, '비객관성'을 내세우며 구체적인 프로그램은 없었지만, 작가들마다 각자의 창의적인 얼굴이 있었다.

러시아 혁명 이전 시대의 예술은 예술적 탐구의 비범한 복잡성과 불일치로 특징지어지며, 따라서 고유한 프로그램 설정과 문체적 공감을 가진 연속적인 그룹화를 특징으로 합니다. 그러나 당시 러시아 미술에서 추상 형태 분야의 실험자들과 함께 "예술의 세계"와 "골루보로자이트", "동맹", "다이아몬드의 건달"이 동시에 계속 작동했으며, 신고전주의 풍류의 강력한 흐름, 그 예는 "2 세대"Z. E. Serebryakova (1884-1967)의 "Mir art"의 활동적인 구성원의 작품이 될 수 있습니다. 간결한 드로잉, 명백하게 관능적인 플라스틱 모델링, 구성의 균형을 갖춘 그녀의 시적 장르 캔버스에서 Serebryakova는 주로 Venetsianov와 더 나아가 고대 러시아 예술의 높은 국가 전통 러시아 예술에서 진행됩니다(“Peasants”, 1914, 러시아 박물관; "수확", 1915, 오데사 미술관; "캔버스 희게", 1917, State Tretyakov 갤러리).

마지막으로 훗날 소비에트 시대의 가장 저명한 예술의 거장이 된 예술가-사상가인 K. S. Petrov-Vodkin(1878-1939)의 작업은 위대한 고대 러시아 회화인 민족적 전통의 생명력을 보여주는 훌륭한 증거입니다. 유명한 그림 Bathing the Red Horse(1912, Fri)에서 작가는 비유적인 은유에 의지했습니다. 정확하게 언급했듯이 밝은 빨간 말을 탄 청년은 승리한 성 조지("Saint Yegory")의 대중적인 이미지와 일반화된 실루엣, 리드미컬하고 컴팩트한 구성, 대조되는 색상 반점의 채도와 연상시킵니다. 완전한 힘의 소리와 형태 해석의 평면성은 고대 러시아 아이콘을 기억합니다. Petrov-Vodkin은 기념비적인 그림 "Girls on Volga"(1915, State Tretyakov Gallery)에서 조화롭게 계몽된 이미지를 만들었습니다. 이 그림에서 그는 또한 러시아 예술의 전통에 대한 방향을 느끼고 주인을 진정한 국적으로 이끕니다.

건축물

고도로 발달한 산업 자본주의 시대는 주로 도시의 건축에서 건축에 중대한 변화를 일으켰습니다. 공장, 역, 상점, 은행과 같은 새로운 유형의 건축 구조가 있으며 영화의 출현과 함께 영화관이 있습니다. 쿠데타는 새로운 건축 자재로 이루어졌습니다. 철근 콘크리트와 금속 구조 덕분에 거대한 공간을 차단하고 거대한 상점 창문을 만들고 기괴한 바인딩 패턴을 만들 수 있었습니다.

19세기의 마지막 10년 동안 건축가들은 과거의 역사적 스타일을 사용함에 있어 건축이 막다른 골목에 도달했다는 것이 분명해졌습니다. “역사적 양식이 아니라 빠르게 성장하는 자본주의 도시의 환경 속에서 축적되고 있던 새로운 것을 창의적으로 이해하기 위해. . 19세기 말~20세기 초반은 서방에서 주로 벨기에, 남독일, 오스트리아 건축으로 형성된 러시아 근대성의 지배 시대이며, 일반적으로 세계적 현상이다(여기서 러시아 근대성은 서양과 다르다. 역사적 네오 르네상스, 네오 바로크, 네오 로코코 등이 혼합되어 있기 때문입니다.

러시아 아르누보의 놀라운 예는 F.O. 셰크텔(1859--1926). 수익성있는 주택, 맨션, 무역 회사 및 역 건물 - 모든 장르에서 Shekhtel은 그의 필적을 남겼습니다. 건물의 비대칭은 그에게 효과적입니다. 볼륨의 유기적 증가, 정면의 다른 특성, 발코니, 현관, 돌출형 창문, 창문 위의 샌드릭 사용, 백합 또는 홍채의 양식화된 이미지를 실내에 도입 건축 장식, 동일한 장식 모티브의 스테인드 글라스 창 사용, 인테리어 디자인의 다양한 재료 질감. 선의 꼬임 위에 세워진 기이한 패턴은 건물의 모든 부분으로 확장됩니다. 모던함이 사랑받는 모자이크 프리즈 또는 퇴색된 퇴폐 색상의 유약 세라믹 타일 벨트, 스테인드 글라스 창 바인딩, 울타리 패턴, 발코니 격자; 계단의 구성, 가구 등에서도 변덕스러운 곡선의 윤곽이 모든 것을 지배합니다. 아르누보에서는 특정 진화, 두 가지 발전 단계를 추적할 수 있습니다. 첫 번째는 장식, 장식용 조각 및 그림(도자기, 모자이크, 스테인드 글라스)에 대한 특별한 열정을 가진 장식이고, 두 번째는 보다 건설적이고 합리주의적입니다.

아르누보는 모스크바에서 잘 표현됩니다. 이 기간 동안 기차역, 호텔, 은행, 부유한 부르주아지의 저택, 연립 주택이 이곳에 세워졌습니다. 모스크바의 Nikitsky Gates에 있는 Ryabushinsky 맨션(1900-1902, 건축가 F.O. Shekhtel)은 러시아 아르누보의 전형적인 예입니다.

고대 러시아 건축의 전통에 호소하되, 19세기 중반의 "러시아 양식"의 특징인 중세 러시아 건축의 자연주의적 세부 사항을 모방하지 않고, 그것을 자유롭게 변화시키며, 근대성의 기술을 통해 고대 러시아의 정신을 전달하고 20세기 초의 소위 신러시아 스타일을 일으켰습니다. (때때로 신낭만주의라고도 함). 아르누보 자체와의 차이점은 건물의 내부 구조와 복잡하게 복잡한 장식 이면의 실용적인 목적인 아르누보의 전형인 노출이 아니라 주로 위장에 있습니다(Shekhtel - 모스크바의 Yaroslavsky Station, 1903-1904; A.V. Shchusev - 모스크바의 Kazansky 역, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - Tretyakov Gallery의 오래된 건물, 1900-1905). Vasnetsov와 Shchusev는 각각 고유 한 방식으로 (그리고 두 번째는 첫 번째의 매우 큰 영향을 받고 있음) 고대 러시아 건축, 특히 Novgorod, Pskov 및 초기 모스크바의 아름다움으로 가득 차 있으며 국가 정체성을 높이 평가하고 창의적으로 해석했습니다. 형태.

아르누보는 모스크바뿐만 아니라 상트페테르부르크에서도 발전했으며, 그곳에서는 의심할 여지 없는 스칸디나비아, 이른바 "북부 현대"인 P.Yu의 영향으로 발전했습니다. 1902-1904년의 수조르 Nevsky Prospekt(현재 Book House)에 Singer 회사 건물을 건설합니다. 건물 옥상에 있는 지구는 회사 활동의 국제적 성격을 상징하기로 되어 있었습니다. 파사드는 보석(화강암, 래브라도라이트), 청동 및 모자이크로 마감되었습니다. 그러나 기념비적인 상트페테르부르크 고전주의의 전통은 상트페테르부르크 모더니즘에 영향을 미쳤습니다. 이것은 20세기 신고전주의의 또 다른 모더니티의 출현을 위한 자극제가 되었습니다. A.A의 저택에서 상트페테르부르크 카메니 섬의 폴로프초프(1911-1913) 건축가 I.A. Fomin (1872-1936)은이 스타일의 특징에 완전히 영향을 미쳤습니다. 파사드 (중앙 볼륨 및 측면 날개)는 이오니아 오더로 해결되었으며 맨션의 내부는 축소되고 더 겸손한 형태로 반복됩니다. Tauride Palace 홀의 enfilade, 그러나 겨울 정원의 semi-rotunda의 거대한 창문, 건축 세부 사항의 양식화된 그림은 세기의 시작 시간을 명확하게 정의합니다. Kamennoostrovsky (No. 1-3) Avenue, Count M.P.의 시작 부분에있는 세기 초의 순수 상트 페테르부르크 건축 학교 - 연립 주택 -의 작품. 폰탄카의 톨스토이(No. 10-12), 건물 b. Bolshaya Morskaya의 Azov-Don Bank와 Astoria Hotel은 건축가 F.I.의 소유입니다. Lidval(1870-1945), St. Petersburg Art Nouveau의 가장 저명한 거장 중 한 명.

아르누보는 19세기를 끝내고 다음 시대를 연 가장 중요한 스타일 중 하나였습니다. 건축의 모든 현대적 업적이 사용되었습니다. 현대는 특정한 건설 시스템만이 아닙니다. 고전주의의 지배 이후, 모던은 아마도 전체적인 접근 방식, 인테리어의 앙상블 솔루션 측면에서 가장 일관된 스타일일 것입니다. 아르누보는 가구, 기구, 직물, 카페트, 스테인드 글라스 창문, 도자기, 유리, 모자이크의 예술을 포착한 스타일로서 그려진 윤곽과 선, 퇴색된 파스텔 색상의 특별한 색상 범위로 모든 곳에서 인식됩니다. 백합과 창포의 좋아하는 패턴.

조각품

19세기에서 20세기로 넘어가는 러시아 조각상. 최초의 혁명 이전 연도는 여러 주요 이름으로 표시됩니다. 먼저 P.P입니다. 트루베츠코이(1866-1938). 그의 초기 러시아 작품(레비탄의 초상, 말을 탄 톨스토이의 이미지, 둘 다 - 1899, 청동)은 Trubetskoy의 인상주의 방법의 완전한 그림을 제공합니다. 모든 관점과 다른 각도에서 본 이미지의 다면적 특성을 만듭니다. 러시아에서 P. Trubetskoy의 가장 주목할만한 작품은 1909년에 상트페테르부르크 Znamenskaya 광장에 세워진 Alexander III의 청동 기념물이었습니다. 여기에서 Trubetskoy는 인상주의 스타일을 남깁니다. 연구원들은 Trubetskoy의 황제 이미지가 Falconet의 것과 대조적으로 말 그대로 해결되고 The Bronze Horseman 옆에 이것은 독재의 거의 풍자적 이미지라고 반복해서 언급했습니다. 이 대조에는 다른 의미가 있는 것 같습니다. 러시아가 아니라 유럽 해역에 진수된 배처럼 “뒷다리로 솟아오른” 러시아가 아니라, 무거운 말 위에 무겁게 앉아 있는 이 기수가 평화, 안정, 힘의 러시아를 상징합니다.

독특하고 매우 개별적인 창조적 굴절의 인상주의는 A. S. Golubkina(1864-1927)의 작품에서 표현되었습니다. Golubkina의 이미지, 특히 여성의 이미지에는 높은 도덕적 순수성과 깊은 민주주의가 많이 있습니다. 이들은 대부분 평범한 가난한 사람들의 이미지입니다. 지친 여성이나 병약한 "지옥의 아이들"입니다.

Golubkina의 작품에서 가장 흥미로운 것은 그녀의 초상화이며 항상 극적이며 일반적으로이 주인의 작품의 특징이며 비정상적으로 다양합니다 (V.F. Ern의 초상화 (나무, 1913, State Tretyakov 갤러리) 또는 Andrei Bely의 흉상 (석고, 1907, State Tretyakov 갤러리)) .

Trubetskoy와 Golubkina의 작업에는 모든 차이점에도 불구하고 공통점이 있습니다. 즉 인상주의뿐만 아니라 유동적인 선의 리듬과 근대성의 형태와도 관련이 있는 특징이 있습니다.

세기 초의 조각품을 포착한 인상주의는 S. T. Konenkov(1874-1971)의 작품에 거의 영향을 미치지 않았습니다. 뺨에 보조개가있는 둥근 얼굴의 명확한 초상화 (또한 슬라브어) 특징이있는 대리석 "Nike"(1906, State Tretyakov Gallery)는 Konenkov가 1912 년 그리스 여행 후 수행 한 작품을 보여줍니다. 그리스 이교도 신화의 이미지는 다음과 같습니다. 슬라브 신화와 얽혀있다. Konenkov는 나무에서 일하기 시작하고 러시아 민속, 러시아 동화에서 많은 것을 그립니다. 따라서 그의 "Stribog"(나무, 1910, State Tretyakov Gallery), "Velikosil"(나무, 개인, 공동), 거지와 노인의 이미지("Old Man-Polyevichok", 1910).

목조 조각의 부활, Konenkov의 큰 장점. 러시아 서사시에 대한 사랑, 러시아 동화에 대한 사랑은 고대 러시아 건축에 대한 관심과 함께 고대 러시아 아이콘 그림, 고대 러시아 목조 조각의 "발견"과 일치했습니다. Golubkina와 달리 Konenkov는 드라마, 정신 붕괴가 없습니다. 그의 이미지는 대중적인 낙관론으로 가득 차 있습니다.

초상화에서 Konenkov는 세기 초에 색 문제를 제기한 최초의 사람 중 한 사람입니다. 그의 돌이나 나무의 채색은 재료의 특성과 플라스틱 용액의 특성을 고려하여 항상 매우 섬세합니다.

세기 초의 기념비적인 작품 중에서 N.V. 고골 N.A. Andreev(1873-1932)는 1909년 모스크바에서 문을 열었습니다. 이것은 말기 병에 걸린 그의 생애 말년의 고골입니다. 예리한("고골") 코와 외투에 싸인 가느다란 인물이 있는 그의 슬픈 옆모습은 비정상적으로 표현적입니다. 조각이라는 세련된 언어로 Andreev는 위대한 창조적 인물의 비극을 전달했습니다. 여러 형태의 구성으로 된 받침대의 옅은 프리즈에서 Gogol의 불멸의 영웅은 유머로 또는 심지어 풍자적으로 완전히 다른 방식으로 묘사됩니다.

A. T. Matveev (1878-1960). 그는 초기 작품에서 교사의 인상주의적 영향을 극복했습니다. 누드 (그 해의 주요 주제. 엄격한 건축학, 안정적인 일반화 된 형태의 간결함, 계몽 상태, 평화, 조화의 상태는 Matveev를 구별하여 그의 작업을 조각과 직접 대조합니다. 인상주의.

연구원들이 올바르게 지적한 바와 같이, 마스터의 작품은 길고 사려 깊은 인식을 위해 설계되었으며 내면의 분위기, "침묵"이 필요하며 가장 완전하고 깊이 열립니다. 그들은 조형적 형태의 음악성, 훌륭한 예술적 취향과 시를 가지고 있습니다. 이러한 모든 특성은 V.E.의 묘비에 내재되어 있습니다. Tarusa의 Borisov-Musatov (1910, 화강암). 잠자는 소년의 모습에서는 잠과 존재의 경계가 잘 보이지 않는데, 이는 18세기 최고의 추모조형물 전통으로 이루어지고 있다. Kozlovsky와 Martos는 죽음에 대한 현명하고 침착한 수용으로 우리를 더 나아가 "장례식" 장면이 있는 고풍스러운 골동품 비석으로 안내합니다. 이 묘비는 여전히 생산적으로 일하고 유명한 소비에트 조각가 중 한 명이 되어야 했던 혁명 이전 시대의 Matveev의 작품에서 정점입니다. 10 월 이전 기간에는 1910 년대에 막 창작 활동을 시작한 러시아 조각 (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr 등)에 재능있는 젊은 대가들이 많이 나타났습니다. 그들은 다른 방향으로 일했지만 새로운 예술에 가져온 현실적인 전통을 유지하여 형성과 발전에 중요한 역할을 했습니다.

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사회적, 역사적 문제와 경향에 의존하지 않는 가치를 선언하는 "순수"예술은 아름답지만 비현실적인 현상입니다.

공식 및 비공식 사회에 만연한 아이디어에주의를 기울이지 않고 일상 생활과 분리하여 창작하는 것은 불가능합니다. 20세기 러시아 미술은 그 어떤 나라에도 알려지지 않은 사회제도의 강력한 변화의 영향을 받았다.

세기의 시작, 새로운 아이디어의 탐색

20세기의 100년은 문명 전체에 전례 없는 격변의 시대였습니다. 20세기 말까지 과학과 기술의 진보는 전 지구를 위한 시간과 공간을 압축했고, 제한된 지역의 사회적 갈등은 행성의 격변으로 발전했습니다. 20세기 러시아의 문화와 예술은 유럽과 미국의 모든 사회 활동과 마찬가지로 최근 역사의 가장 중요한 사건에 일시적인 애착을 가지고 있습니다.

새로운 세기의 시작을 알리는 숫자의 마법은 항상 변화에 대한 기대, 새롭고 행복한 시간의 시작에 대한 희망을 불러일으킵니다. 러시아 문화에 대한 세계적인 명성을 만든 19세기는 하룻밤 사이에 사라질 수 없는 전통을 남기고 과거로 사라져 가고 있었습니다.

"예술의 세계"는 1898년에 결성되어 1924년까지 간헐적으로 존재했던 예술가 협회의 이름이었습니다. "예술의 세계"에는 하나의 공통적으로 발전된 스타일이 없었습니다. 화가, 그래픽 아티스트, 조각가는 각자 자신의 길을 갔고 예술의 목표와 사회에서의 역할에 대한 견해에 동의했습니다. 이 견해의 많은 특징은 Mikhail Vrubel의 천재성에 의해 표현되었습니다. 협회의 기초인 공식적인 핵심은 L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov였습니다. 다른 시간에 Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov 및 기타 마스터가 참여했습니다.

그들 모두는 예술에서의 전문성의 중요성, 창조적 자유의 막강한 역할, 사회적 독단으로부터 예술가의 독립성을 인정하면서도 한편으로는 학문의 경직성에 항의하면서 인간의 삶에서 예술의 가치를 부정하지 않고, 다른 한편으로는 방랑자들에 의한 회화의 과도한 정치화. 전통 지지자들에 의해 비판을 받은 World of Art는 "프롤레타리아트" 회화의 탄생이라는 격동의 과정에 맞지 않았지만 러시아의 20세기 모든 미술에 막대한 영향을 미쳤습니다. 소련과 이민으로 끝난 사람들.

현대의

19 세기의 마지막 수십 년은 미술과 건축의 거장들의 작품에 흔적을 남긴 새로운 스타일의 탄생 기간이었습니다. 그것은 유럽의 특정 지역에서 고유 한 특성을 가지고 있었고, 심지어 다르게 불려졌습니다. 벨기에와 프랑스에서는 "Art Nouveau"라는 이름이 독일에서는 "Art Nouveau", 오스트리아에서는 "Secession"으로 고정되었습니다. 이 스타일의 가장 유명한 예술가 또는 이 방향으로 가구, 보석 및 기타 제품을 생산한 회사와 관련된 다른 이름이 알려져 있습니다. mush 스타일, Guimard 스타일 - 프랑스, ​​Liberty 이탈리아, 미국 - Tiffany 스타일 등 of Russia 20세기, 특히 건축은 그것을 아르누보로 알고 있습니다.

오랜 기간 동안 스타일리시한 시간을 초월한 아르누보는 가장 표현적이고 시각적으로 형성된 예술적 운동 중 하나가 되었습니다. 풍부한 장식 라인의 식물적이고 부드러운 특성은 기하학적으로 단순하고 표현력있는 대량의 형태와 결합하여 신선함과 참신함으로 예술가와 건축가를 매료 시켰습니다.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - 러시아 건축 근대성의 스타. 그의 재능은 본질적으로 국제적인 스타일에 국가적 특징을 부여했으며 Shekhtel의 걸작 - Yaroslavsky 기차역, Ryabushinsky 맨션 -은 일반적으로 그리고 작은 것 모두에서 러시아 건축가의 작품입니다.

혁명 이전의 아방가르드

새로운 형태의 예술과 그 이상의 새로운 본질을 찾는 과정은 모든 유럽과 미국의 예술과 관련이 있습니다. 20세기 러시아 예술에는 여러 개혁가의 작업이 예술적 사고의 발전에 새로운 방향을 제시한 몇 가지 진정으로 혁명적인 시기가 포함되어 있습니다. 가장 인상적이고 인상적인 것 중 하나는 1905년부터 1917년까지의 혁명 간 기간이었습니다. 러시아 아방가르드 예술의 특징은 러일 전쟁과 1905년 혁명의 비극 이후 러시아의 공적 삶의 위기에서 비롯되었습니다.

당시 생겨난 수많은 아방가르드 운동과 창조적 협회는 유사한 생성 원인과 유사한 예술적 탐색의 목표를 가지고 있었습니다. 러시아의 20세기 미술의 주요 유형에 강력한 영향을 미친 미래파와 큐보-미래파, "다이아몬드 잭"과 "블루 로즈", Kandinsky와 Malevich의 Suprematism은 다양한 방식으로 새로운 세계를 모색하는 위기를 표현했습니다. 현실과의 접점을 잃어버린 구미술의 시대가 도래할 것을 예고했다.

아방가르드 예술가들이 탄생시킨 새로운 아이디어 중에는 20세기 러시아에 대한 생각이 있었는데, 여기에는 새로운 예술 "Victory over the Sun"(1913)의 선언문과 같은 유명한 공연과 같은 페이지가 포함되어 있습니다. 그것은 미래파 시인 M. Matyushin, V. Khlebnikov의 공동 작업의 결과였으며 장식은 Kazimir Malevich가 수행했습니다.

그들의 검색으로 20 세기 러시아 예술을 풍요롭게 한 예술가 P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall은 세계적으로 인정받은 그림의 작가가되었습니다. 그리고 이러한 인식은 20세기의 10년대, 즉 현대사에서 아방가르드 회화가 탄생한 시대로 거슬러 올라갑니다.

10월 혁명 이후 러시아는 예술을 포함한 공공 생활에서 전 세계에 새로운 지평을 열 기회를 가졌습니다. 그리고 처음에는 각 재능있는 사람의 가치가 헤아릴 수 없을 정도로 증가했을 때 조건이 만들어졌으며 새로운 창의적인 아이디어의 생성자가 나타났습니다.

미술사는 그 시대를 어떻게 해석하는가? 20 세기, 러시아, 격동의 20 대 - 이것은 수많은 창조적 인 협회의 전례없이 활발한 예술적 삶이며 그 중 두드러집니다.

UNOVIS - "새로운 예술에 대한 긍정"(Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Vitebsk 미술 학교를 기반으로 설립된 이 협회는 예술에 대한 새로운 주제와 형식을 모색할 것을 제안하는 예술적 아방가르드의 옹호자였습니다.

- "4개의 예술" - "예술의 세계"에 따른 흐름 주요 목표는 건축, 조각, 그래픽 및 회화의 엄청난 표현 가능성을 보여주는 것입니다. 높은 전문성과 창의적인 자유의 필요성이 선언되었습니다. 가장 저명한 대표자 : 건축가 A. V. Shchusev, 그래픽 아티스트 V. A. Favorsky, 조각가 V. I. Mukhina, 화가 K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva 등.

- "OST", "이젤 예술가의 사회". 새로운 평화로운 삶의 시작, 현대 젊은 국가 건설의 징후를 선진 표현이지만 단순하고 명확한 스타일로 보여주는 것을 주요 고려했습니다. 지도자: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "예술가의 서클"(레닌그라드). 공식 과정에 이어 "시대의 스타일"을 개발합니다. 그룹의 활성 회원 : A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "혁명적 러시아 예술가 협회"- 이후에 창설된 소련 예술가 연합의 기초가 된 협회, 예술 과정의 이데올로기적 지도력을 위한 적극적인 지휘자, 당 선전 도구, 상속인 방랑자의. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson이 선두에 있었습니다.

구성주의

가장 권위있는 프로그램에서 교육 기관건축가를 준비하면서 항상 "러시아 구성주의 - 20 년대의 건축 전위"라는 주제에 대한 연구가 있습니다. 건축 기술을 이해하는 것은 매우 중요하며, 그 방향의 지도자들이 선언한 아이디어는 언제라도 매우 관련이 있습니다. Konstantin Melnikov (Krivoarbatsky Lane의 건축가 주거용 건물, Stromynka의 Rusakov 클럽, Novoryazanskaya Street의 차고 등), Vesnin 형제, Moses Ginzburg (Novinsky Boulevard의 Narkomfin House) 및 기타 러시아 건축 스타의 생존 건물은 러시아 건축의 황금 기금.

기능주의, 불필요한 장식의 거부, 건축물의 미학, 창조된 생활환경의 조화 - 이러한 아이디어는 산업디자인이라 불리기 시작한 분야의 젊은 건축가, 예술가, 전문가에게 주어진 새로운 문제를 해결하는 기초가 되었습니다. . 그들은 새로운 도시를위한 대량 주택, 개인의 포괄적 인 발전을위한 노동자 클럽, 새로운 사람의 작업 및 레크리에이션을위한 시설을 만들어야했습니다. 20 년대 아방가르드의 놀라운 업적은 무시할 수 없으며 이후의 모든 러시아, 유럽 및 미국의 예술을 연구하는 것은 주로 그것들을 기반으로합니다. 이러한 진보적 인 아이디어가 고국에서 가장 수요가 적은 것으로 판명되었으며 "스탈린 제국 스타일"은 많은 사람들이 소비에트 건축의 가장 위대한 업적으로 간주됩니다.

전체주의 시대의 예술

1932년, 창조적 협회 작업에 관한 볼셰비키 전노조 공산당 중앙위원회 법령이 발표되었습니다. 각종 조류와 방향의 격동의 시대는 독재권력이 강해지는 사상기구의 통제를 받아 권력을 얻은 국가기구의 영향으로 막을 내렸다. 수년 동안 20 세기 러시아의 예술은 국가의 삶과 마찬가지로 Joseph Stalin이라는 한 사람의 의견에 의존하기 시작했습니다.

창조적 노동조합은 예술사상을 획일적인 사상적 기준에 종속시키는 수단이 되었다. 사회주의 시대가 도래했고, 공식 경로에서 이탈하는 것은 점차적으로 범죄로 선언되기 시작했고, 이에 동의하지 않는 사람들은 진정한 탄압을 받게 되었습니다. 당의 노선을 이탈했다는 비난이 창의적 토론을 해결하는 수단이 됐다. 이것의 진보성은 매우 의심스럽다. 예를 들어, 위대한 무대 개혁가 Vsevolod Meyerhold가 억압의 희생자가 되지 않았다면 20세기 러시아의 연극 예술은 어떻게 발전했을까요?

예술적 재능의 본질은 복잡하고 설명할 수 없습니다. 지도자의 이미지는 훌륭한 기술과 성실한 감정으로 구현되었습니다. 가장 잔인한 탄압은 이념적 틀에 관계없이 자기 표현이 주된 관심사인 진정으로 재능 있는 예술가의 출현을 막을 수 없었습니다.

건축에서는 "스탈린주의 제국"의 시대가 왔습니다. 전위 예술가에 대한 검색은 입증된 표준으로의 복귀로 대체되었습니다. 공산주의 이데올로기의 힘은 재작업된 신고전주의의 멋진 예인 스탈린의 "초고층 빌딩"으로 구현되었습니다.

전쟁 기간의 예술

우리나라 역사상 최대의 비극이자 유례없는 영적 고양의 단계가 된 때가 있습니다. 20세기와 21세기 러시아의 예술은 역사적 격변기에 러시아 민중 캐릭터의 위대함, 개인을 사로잡을 수 있는 감정의 깊이, 거대한 대중을 표현할 수 있는 주요 주제 중 하나를 받았다.

위대한 조국 전쟁은 첫날부터 놀라운 힘의 시각적 이미지로 표현되었습니다. 포스터 I. Toidze "조국이 부른다!" 어떤 지휘관보다 국가의 방어를 위해 제기되었으며, Deineka의 "세바스토폴 방어"는 그가 공유하는 아이디어와 상관없이 누구에게나 충격을 줍니다. 드미트리 쇼스타코비치의 교향곡 7번도 마찬가지로 인상적이며, 20세기 러시아의 음악 예술은 다른 유형의 창의성 못지않게 파시즘과의 전쟁이라는 주제에 경의를 표했습니다.

해동

대승리 이후 소련의 공적 생활에 영향을 미친 다음으로 강력한 역사적 요인은 스탈린의 죽음(1953년 3월)과 공산당 제20차 대회로 개인숭배를 폭로하는 문제를 제기했다. 한동안 예술가와 사회 전체에 창의성과 새로운 아이디어의 자유로움이 있었습니다. "60년대"의 세대는 매우 특정한 현상이며, 측정되고 계획되고 규제된 존재의 늪으로 수십 년 동안 다시 뛰어들기 전에 신선한 공기를 짧게 들이마신 것과 같은 기억을 남겼습니다.

모스크바 30주년 기념 전시회에서 E. Beyutin, Y. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky 등의 작품인 "두 번째 물결"의 예술적 전위 예술의 첫 번째 실험 예술가 연합의 지부는 N Khrushchev 국가의 새로운 지도자에 의해 개인적으로 정죄되었습니다. 당은 다시 사람들에게 어떤 예술이 필요한지, 예술가들에게 어떻게 그림을 그릴 것인지 설명하기 시작했습니다.

건축은 전후 기간의 경제적 어려움, 대량 주택 건설의 시대, 주택 문제의 심각성을 다소 제거했지만 변형 된 "Khrushchev"의 시대에 의해 올바르게 설명 된 초과를 처리하도록 지시 받았습니다. 많은 도시의 모습.

"발전된 사회주의"의 예술

여러 면에서 20세기 후반 러시아 예술은 주로 예술적 개성과 지배적 이데올로기 간의 대결에 관한 이야기다. 그러나 정신적인 공간의 모든 부분이 이념적으로 규제되는 분위기 속에서도 많은 예술가들은 사회주의 리얼리즘의 규정된 방식을 약간 수정하는 방법을 찾았다.

따라서 젊은이들에게 진정한 예는 N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov 등 20대에 자신의 신념을 형성한 주인입니다. 1962 년에 쓰여진 예술 협회 "OST"Y. Pimenov "Wedding on Tomorrow's street"의 전 회원의 그림은 갱신에 대한 사회의 희망의 상징이되었습니다.

그 당시 소비에트 회화의 또 다른 놀라운 현상은 "심각한 스타일"의 형성이었습니다. 이 용어는 G. Korzhov, P. Ossovsky, Smolin 형제, P. Nikonov 등의 작품을 나타냅니다. 다양한 장르(일상, 역사)로 그려진 그들의 그림에서 지시가 필요 없는 영웅이 나타났습니다. 이해할 수 있고 필요한 사업. 그는 불필요한 세부 사항과 색채 프릴 없이 대담하고 표현력 있게 묘사되었습니다.

특히 중요한 것은 그의 캔버스의 시민적 소리가 소비에트 미술에서는 보기 드문 인본주의적이고 거의 종교적인 메시지를 담고 있고 회화 스타일은 이탈리아 르네상스에 뿌리를 두고 있다는 점입니다.

비순응

"사회주의적 사실주의"의 공식적 지배는 비공식 예술가들로 하여금 청중에게 가는 길을 찾거나 이민에 의지하도록 강요했다. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny 및 기타 많은 사람들이 떠났습니다. 이들은 20세기 초 러시아의 전위예술가들이 낳은 정신적 가치를 지닌 자들이며, 공산주의 이념의 붕괴 이후에 고국으로 돌아온 20세기 예술가들이다.

그리고 그 통치 기간 동안 내부 이민이 등장하여 당국과 창조적 인 노동 조합의 지도력에 의해 박해를 받았지만 독립적 인 서구 전문가들은 높이 평가하는 정신 병원에 거주하는 정신 병원에 거주하는 미친, 영원히 술에 취한 예술가의 인기있는 주제를 낳았습니다. 그러한 이미지의 전형적인 보유자는 A. Zverev였습니다. 이는 사회주의가 발전한 시대에 모스크바의 전설적인 인물입니다.

다원주의와 다원주의

소비에트 시대의 국가 명령에서 해방 된 러시아의 20 세기 순수 예술은 공통된 속성과 경향을 가진 불가분의 일부로 글로벌 프로세스에 진입했습니다. 오랫동안 서구에 친숙한 많은 형태의 창의성은 국내 예술가들에 의해 빠르게 마스터되었습니다. "퍼포먼스", "비디오 설치" 등의 단어는 우리의 연설에서 친숙하게 자리 잡았으며, 세계적으로 명성이 있는 가장 중요한 현대 거장 중 Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev, A. 부르가노프 외 다수.

지구의 6분의 1을 차지하는 폭풍우가 몰아치고 예측할 수 없는 이 나라의 최근 역사는 거울을 들여다보고 - 20세기 러시아의 예술 - 잊을 수 없는 수천 개의 이미지로 그 안에 반영됩니다 ...

1. 20세기 말 러시아의 예술.러시아에서 20세기의 마지막 10년은 국가의 상황을 근본적으로 변화시킨 정치적, 경제적 사건으로 가득했습니다. 1991년 연방의 붕괴와 정치적 행로의 변화, 시장 관계로의 전환, 경제 발전의 서구 모델에 대한 분명한 지향, 그리고 마침내 완전한 폐지까지 이데올로기 통제의 약화 - 이 모든 것이 1990년대 초반은 문화환경이 급변하기 시작했다는 사실에 일조했다. 국가의 자유화와 민주화는 민족 예술의 새로운 경향과 방향의 발전과 확립에 기여했습니다. 1990년대 러시아 예술의 진화는 포스트모더니즘에 내재된 경향의 출현과 함께 다음과 같은 분야에서 일하는 새로운 세대의 젊은 예술가의 출현과 함께 발생합니다. 개념주의, 컴퓨터 그래픽, 신고전주의러시아의 컴퓨터 기술 발전과 관련이 있습니다. 고전적 절충주의에서 비롯된 "신 러시아 신고전주의"는 모더니즘 시대 이전의 "고전"에 속하지 않은 다양한 경향을 결합하여 "다면적 다이아몬드"가되었습니다. 신고전주의- 이것은 예술가들이 회화, 그래픽, 조각의 고전적 전통을 되살리면서 동시에 최신 기술을 적극적으로 사용하는 예술의 방향입니다. 영국의 역사가이자 미술 이론가 에드워드 루시 스미스러시아 신고전주의는 "카지미르 말레비치 이후 세계 예술 과정에 영향을 미친 러시아 문화의 첫 번째 두드러진 현상"이라고 불렀습니다. 신고전주의는 고전주의와는 다른 고대에 대한 태도를 요구했다. 그리스 문화에 대한 역사적 견해는 고대 작품을 절대적이지 않고 특정한 역사적 이상으로 만들었으므로 그리스인의 모방은 다른 의미를 얻었습니다. 고대 예술의 인식에서 전면에 나온 것은 규범성이 아니라 자유입니다. , 나중에 규범이 될 규칙의 조건성, 사람들의 실제 생활 . D.V. 사라비아노프신고전주의를 모더니티의 일종의 "복잡함"으로 찾습니다. 같은 확률로 신고전주의는 후기 근대와 독립 경향으로 간주 될 수 있습니다. "새로운 예술가"의 작업에는 순수한 현대성이나 별도의 신고전주의가 없으며 항상 상호 연결되어 행동하며 새로운 아카데미의 예술가는 아방가르드, 포스트 모더니즘, "콜라주"의 고전주의와 같은 시각 예술의 여러 경향을 한 번에 결합했습니다. 우주". "신인 예술가"의 작품은 컴퓨터 그래픽, 에칭, 페인팅 및 사진을 결합한 절충주의입니다. 예술가들은 완성된 작품을 디지털화하고 필요한 조각을 선택하고 콜라주를 만들어 고대의 의상과 장식을 능숙하게 복원했습니다. 컴퓨터 그래픽 프로그램의 기능과 전통적인 방법의 결합은 예술가의 창조적 잠재력을 확장했습니다. 스캔한 자료에서 콜라주를 조립하고 예술적 특수 효과를 적용하고 변형하여 환상적인 구성을 만듭니다. 1990년대 초 상트페테르부르크 신고전주의의 가장 저명한 대표자들은 O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff.신고전주의 토벌루트낭만주의의 표현 중 하나입니다. 그녀의 작품은 사람의 감정, 꿈, 귀족, 열정적 인 무언가를 구현하고 실현할 수없는 이상으로 변했습니다. . 작가 자신이 작품의 여주인공이 된다. 스타일적으로 O. Toberluts의 작업은 고대 사원, 르네상스 인테리어, 네덜란드 풍차 및 디자이너 K. Goncharov의 의상을 모더니티의 터치로 묘사하는 절충주의의 세계로서 포스트모던 의식을 통과한 신고전주의로 정의될 수 있습니다. 컴퓨터 그래픽의 무한한 가능성은 O.Tobreluts의 작품을 환상적이고 초자연적으로 만듭니다. 컴퓨터 기술의 도움으로 이셰프고대 그리스, 고대 로마로 돌아가 콜라주에서 고대 신화의 이미지를 만듭니다. 시리즈 중 "루드비히의 신화"작가는 그리스 조각, 건축 구조의 사진을 사용하여 고대의 영향을 중첩했습니다. 컴퓨터 기술의 도움으로 예술가는 콜로세움의 독창성을 복원하고 주변을 둘러보는 흥미진진한 여행을 합니다. 디지털 페인팅 슈토프그의 많은 취미의 감정적 등가물을 나타냅니다. 그리스의 고전과 민족지학적 연구의 메아리, 청소년 서브컬처의 요소를 모두 담고 있어 20세기 말은 러시아의 정치·경제적 삶의 전환점이 되었을 뿐만 아니라 미술. 1990년대에는 시각 예술의 강력한 트렌드인 "새로운 러시아 신고전주의"가 확립되었습니다. 러시아의 컴퓨터 기술 발전은 예술가의 창조적 잠재력을 확장시켰고, 새로운 예술가는 새로운 기술을 사용하여 고전 작품을 만들었습니다. 가장 중요한 것은 기술과 기술이 아니라 미학입니다. 현대 미술도 고전이 될 수 있습니다. 2. 21세기 초 러시아의 예술. 20세기~21세기 전환기 미술의 특징은 검열의 탄압, 국가의 영향으로부터 자유로워졌지만 시장경제로부터 자유로워졌다는 것이다. 소비에트 시대에 전문 예술가에게 사회적 보장 패키지가 제공된다면 그들의 그림은 국가 전시회와 갤러리를 위해 구입되었지만 이제는 자신의 힘에만 의존 할 수 있습니다. 그러나 러시아 회화는 죽지 않고 서유럽과 미국 예술의 유사품으로 바뀌지 않았으며 러시아 전통을 기반으로 계속 발전하고 있습니다. 현대 미술은 현대 미술관, 개인 수집가, 상업 기업, 주립 미술 기관, 현대 미술관, 미술 스튜디오 또는 예술가가 운영하는 공간에서 예술가 자신에 의해 전시됩니다. 현대미술가들은 보조금, 상금, 상금 등을 통해 재정적 지원을 받고 작품 판매를 통한 자금도 지원받는다. 러시아 관습은 이 점에서 서구 관습과 다소 다릅니다. 박물관, 비엔날레, 축제 및 현대 미술 박람회는 점차 자본 유치, 관광 사업 투자 또는 정부 정책의 일부를 위한 도구가 되고 있습니다. 개인 수집가는 현대 미술의 전체 시스템에 큰 영향을 미칩니다. 러시아에서는 가장 큰 현대 미술 컬렉션 중 하나가 상트페테르부르크에 있는 비국가 에라르타 현대 미술관에서 소장하고 있습니다. 현대 미술의 경향: 비 스펙터클 아트- 스펙타클과 연극성을 거부하는 현대미술의 경향. 그러한 예술의 예는 2000년 "매니페스타" 전시회에서 폴란드 예술가 Pavel Althamer "Script Outline"의 공연입니다. 러시아에서 그는 비 스펙터클 예술의 자신의 버전을 제공했습니다. Anatoly Osmolovsky 거리 예술(영어) 거리 미술- 거리 예술) - 뚜렷한 도시 스타일이 특징인 순수 예술. 스트리트 아트의 주요 부분은 그래피티(그렇지 않으면 스프레이 아트)이지만, 스트리트 아트가 그래피티라고 볼 수는 없습니다. 거리 예술에는 포스터(비상업적), 스텐실, 다양한 조각 설치 등이 포함됩니다. 거리 예술에서는 모든 세부 사항, 사소한 것, 그림자, 색상, 선이 중요합니다. 작가는 "독특한 기호"인 자신만의 양식화된 로고를 만들어 도시 경관의 일부에 묘사합니다. 스트리트 아트에서 가장 중요한 것은 적절한 영역이 아니라 관객을 대화에 참여시키고 다른 플롯 프로그램을 보여주는 것입니다. 지난 10년은 거리 예술이 선택하는 방향의 다양성을 나타냅니다. 기성 세대를 존경하는 젊은 작가들은 자신의 스타일을 개발하는 것이 중요하다는 것을 알고 있습니다. 이런 식으로 새로운 가지가 생겨나며 운동의 풍요로운 미래를 예고합니다. 새롭고 다양한 형태의 거리 예술은 때때로 이전에 만들어진 모든 것을 능가합니다. 항공학 -압축 공기를 사용하여 액체 또는 분말 염료를 모든 표면에 적용하는 도구로 에어 브러시를 사용하는 순수 예술의 그림 기법 중 하나입니다. 스프레이 페인트를 사용할 수도 있습니다. 에어브러싱의 광범위한 사용과 다양한 페인트 및 구성의 출현으로 인해 에어브러싱은 개발을 위한 새로운 자극을 받았습니다. 이제 에어브러싱은 그림, 사진 수정, 박제, 모델링, 섬유 페인팅, 벽화, 바디 아트, 네일 페인팅, 기념품 및 장난감 페인팅, 접시 그림을 만드는 데 사용됩니다. 자동차, 오토바이, 기타 장비, 인쇄, 디자인 등에 그림을 그리는 데 자주 사용됩니다. 페인트의 얇은 층과 표면에 부드럽게 분사될 가능성으로 인해 우수한 장식 효과를 얻을 수 있으며, 부드러운 색상 전환, 3차원, 결과 이미지의 사진적 사실성, 이상적인 표면 부드러움을 가진 거친 질감의 모방 등.

세미나 주제 및 질문

주제 1. 미술사와 미술사의 기본 개념.

질문:

1. 예술 분류 문제.

2. "예술 작품"의 개념. 예술 작품의 출현과 과제. 일과 예술.

3. 예술의 본질, 목표, 과제.

4. 예술의 기능과 의미.

5. "스타일"의 개념. 예술적 스타일과 그 시대.

6. 예술의 분류.

7. 예술 비평의 출현과 형성의 역사.

토론할 문제:

1. 예술에는 5가지 정의가 있습니다. 각각의 특징은 무엇입니까? 어떤 정의를 따르십니까? 예술에 대한 정의를 공식화할 수 있습니까?

2. 예술의 목적은 무엇인가?

3. 예술 작품을 어떻게 정의할 수 있습니까? "예술 작품"과 "예술 작품"은 어떻게 공존합니까? 예술 작품의 출현 과정을 설명하십시오 (I. Ten에 따름). (P.P. Gnedich에 따르면) 예술 작품의 임무는 무엇입니까?

4. 예술의 4가지 주요 기능(I.P. Nikitina에 따름)과 4가지를 나열하십시오.

예술의 의미에 대한 가능한 이해.

5. "스타일" 개념의 의미를 정의합니다. 유럽 ​​미술의 어떤 스타일을 알고 있습니까? "예술적 스타일", "예술적 공간"이란 무엇입니까?

6. 공간 예술, 시간 예술, 시공간 예술, 장엄한 예술 등 예술 유형을 나열하고 간략하게 설명합니다.

7. 미술사의 주제는 무엇인가?

8. 미술사 연구를 위한 박물관, 전시, 갤러리, 도서관의 역할은 무엇이라고 생각하십니까?

9. 예술에 대한 고대 사상의 특징: 예술에 관한 최초의 문학 사례에 대한 생존 정보(Polykleitos의 "Canon", Duris의 논문, Xenocrates). 예술에 대한 문학의 "지형적" 방향: Pausanias의 "헬라스에 대한 설명". Lucian의 예술 작품에 대한 설명. 조화로운 전체로서의 "우주"의 피타고라스 개념은 "조화와 수"의 법칙과 건축 이론의 시작에 대한 중요성에 종속됩니다. 건축 및 도시 계획의 질서와 비율에 대한 아이디어. 플라톤(법률 6권, 대화 크리티아스)과 아리스토텔레스(정치학 7권)의 저작에서 이상적인 도시의 이미지. 고대 로마의 예술 이해. 고대 예술의 역사에 대한 정보의 주요 출처인 Pliny Elder(1세기 AD)의 "자연사". 비트루비우스의 논문: 고전 건축 이론의 체계적인 설명.

10. 중세 고대 전통의 운명과 예술에 대한 중세 사상의 특징: 중세의 미학적 견해(Augustine, Thomas Aquinas), 주요 미학적 사상: 신은 아름다움의 근원(Augustine)과 그 ​​의미 예술 이론과 실천. "프로토타입"의 아이디어. 예술에 대한 중세 문학의 특징. 실용적인 기술, 처방 매뉴얼: Afaon Dionysius Furnagrafiot 산의 "화가들의 안내서", Heraclius의 "로마인의 색채와 예술에 관하여", Theophilus의 "Schedula"(스케줄라 - 학생). 연대기의 건축 기념물과 성도의 삶에 대한 설명.

11. 유럽 미술과 미술사의 발전사에서 전환점으로서의 르네상스. 고대에 대한 새로운 태도(고대 기념물 연구). 세속적 세계관의 발전과 실험과학의 출현. 예술 현상에 대한 역사적이고 비판적인 해석을 향한 경향의 형성: 도시 계획(Filaret), 건축의 비율(Francesco di Giorgio), 회화의 관점(Piero dela Francesca)과 같은 특별한 문제에 대한 Lorenzo Ghiberti의 논문 논문. 레온 바티스타 알베르티(Leon Batista Alberti)의 논문(“On the Statue”, 1435, “On Painting”, 1435-36, “On Architecture”)에서 예술 발전의 르네상스 전환점과 고대 유산에 대한 인본주의적 연구의 경험에 대한 이론적 이해 "), 레오나르도 다빈치("회화에 관한 논문", 사후 출판), 알브레히트 뒤러(인간 비율에 관한 네 권의 책, 1528). Leon Baptiste Alberti의 "Ten Books on Architecture"(1485)에서 Vitruvius의 건축 이론에 대한 비판. Vitruvian "Academy of Valor" 및 Vitruvius 작업의 연구 및 번역 활동. Giacomo da Vignola의 논문 "The Rule of the Five Orders of Architecture"(1562). Andrea Palladio의 Four Books on Architecture(1570)는 르네상스 건축 역사의 고전적인 에필로그입니다. 바로크와 고전주의의 건축 아이디어 개발에서 Palladio의 역할. 팔라디오와 팔라디아주의.

12. 뉴에이지 역사 미술사 형성의 주요 단계: Vasari에서 Winckelmann까지: "가장 저명한 화가, 조각가 및 건축가의 삶" Giorgio Vasari(1550, 1568)의 ​​역사에서 이정표 작품 예술 비평의 형성. 네덜란드 회화의 재료를 기반으로 한 Vasari의 전기의 연속으로 Karel Van Mander의 "예술가의 책".

13. 예술의 스타일 형성 문제, 예술적 방법, 사회에서 예술가의 위치와 역할에 관한 18세기 사상가: 예술사의 합리주의. Nicolas Poussin의 고전 이론. Nicolas Buallo(1674)의 "시적 예술"과 A. Feliben(1666-1688)의 "가장 유명한 화가들에 대한 대화"에서 고전주의의 이론적 프로그램.

14. 계몽시대(18세기)와 예술의 이론적, 방법론적 문제. 예술의 일반 이론의 틀 내에서 국립 학교의 형성. 프랑스 미술비평의 발전. 프랑스 예술 생활에서 살롱의 역할. 미술에 대한 비평 문헌의 주요 형식으로서의 살롱에 대한 리뷰. 예술비평의 과제(창의성 평가 또는 대중의 교육)에 관한 분쟁. 독일 미술사의 특징. Gotthold Ephraim Lessing의 순수 예술 이론에 대한 공헌. 논문 "라오콘"(1766)과 회화와 시의 경계 문제. "순수 예술"대신 "순수 예술"의 개념 도입(아름다움에서 진실로 강조를 옮기고 예술의 구상적 사실적 기능을 강조). 예술의 역사 과학 발전을 위한 요한 요아킴 빙켈만의 활동의 중요성. Winckelmann의 고대 예술 개념과 그 발전의 시대화.

15. 예술에 대한 러시아 사상의 기원. 러시아 중세 연대기와 서신 출처의 예술가와 예술적 기념물에 대한 정보. 16세기의 사회적, 정치적 삶에서 예술에 대한 질문을 제기합니다. 비판적 사고의 각성과 다양한 이념적 경향의 투쟁의 증거로 (1551 년 Stoglavy 대성당 및 기타 대성당).

16. 17세기 러시아 예술의 급진적 변화: 세속적 세계관의 형성과 유럽의 예술 문화에 대한 최초의 친분 형성. 예술적, 이론적 사고의 형성. Avvakum의 "생활"에 있는 "도상학" 장. Joseph Vladimirov(1665-1666)의 "Essay on Art"와 Simon Ushakov(1666-1667)의 "Word to the Curious Icon Painting"은 러시아 최초의 예술 이론에 관한 작품입니다.

17. 18세기에 새로운 세속적 문화 형태의 적극적인 형성. 메모

J. von Stehlin은 러시아 미술의 역사를 창조하려는 첫 번째 시도입니다.

18. K.N.의 비평 기사에서 예술에 대한 새로운 낭만적인 이해 Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. 오도예프스키, D.V. 베네비티노바, N.V. 고골.

19. 19세기 후반 - 20세기의 미술사: 형식학파의 업적을 비평가의 개념인 예술 스타일의 "구조 과학"과 통합하려는 시도. 미술사의 기호학적 접근. Yu.M.의 작품에서 미술 작품의 기호학 연구의 특징. Lotman, S.M. 다니엘, B.A. 우스펜스키. 현대 국내 과학에서 예술을 연구하는 다양한 방법. M. Alpatov ( "고대 그리스 예술의 예술적 문제", "이탈리아 르네상스의 예술적 문제") 작품에서 예술 작품 분석의 원칙과 예술사 연구에 대한 문제 접근 방식. V. Lazarev의 방법론적 접근(형식-양식, 도상학, 도상학, 사회학)의 종합. D. Sarabyanov의 작품에서 비교 역사적 연구 방법 ( "유럽 학교 중 19 세기 러시아 회화. 비교 연구 경험"). 예술과 그 특징에 대한 체계적인 접근.

1. 알렉세예프 V.V. 예술이란 무엇인가? 화가, 그래픽 아티스트 및 조각가가 세상을 어떻게 묘사하는지에 대해. – M.: 예술, 1991.

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8. 얀손 H.V. 미술사의 기초. – M.: 예술, 2001.

테마 2. 고대 세계의 예술. 원시 공동체 체제와 고대 동양 시대의 예술.

질문:

1. 원시사회 예술의 시대화. 시대의 원시 예술의 특징: 구석기, 중석기, 신석기, 청동기.

2. 원시 예술의 혼합주의 개념과 그 예.

3. 고대 동양 예술의 일반법과 원칙.

4. 고대 메소포타미아의 예술.

5. 고대 수메르인의 예술.

6. 고대 바빌로니아와 아시리아의 예술.

토론할 문제:

1. 원시미술의 시대화에 대해 간략히 설명하시오. 각 시대 예술의 특징은 무엇입니까?

2. 혼합주의, 물신숭배, 정령숭배, 토테미즘과 같은 원시 예술의 주요 특징을 설명하십시오.

3. 고대 동양(이집트와 메소포타미아)의 예술에 등장하는 인물의 묘사에서 정경을 비교하십시오.

4. 고대 메소포타미아 미술의 특징은 무엇입니까?

5. 특정 기념물의 예에서 메소포타미아의 건축에 ​​대해 알려주십시오.

Ur에 있는 Etemenniguru의 지구라트와 New Babylon에 있는 Etemenanki의 지구라트.

6. 특정 기념물의 예에서 메소포타미아 조각에 대해 알려주십시오: 행렬 도로, 이슈타르 문, 아슈르나시르팔 궁전의 부조

7. 메소포타미아의 조각 부조 이미지의 주제는 무엇입니까?

8. 최초의 바빌론 건축 기념물의 이름은 무엇이었습니까? 그들의 무엇이었습니까?

약속?

9. 수메로-아카드 문화의 우주론의 특징은 무엇입니까?

10. 수메로-아카드 문명 예술의 업적을 나열하십시오.

1. 비노그라도바 N.A. 동양의 전통예술. - M.: 예술, 1997.

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4. 고대 이집트의 예술. 회화, 조각, 건축, 응용 예술. – M.: 시각 예술, 1972.

5. 고대 세계의 예술. – 남: 2001.

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7. 세계 예술의 기념물. 문제 III, 첫 번째 시리즈. 고대 동양의 예술. - M.: 예술, 1970.

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9. 스톨야르 A.D. 순수미술의 기원. – M.: 예술, 1985.

이 기사에는 20세기의 주요 예술 스타일에 대한 간략한 설명이 포함되어 있습니다. 아티스트와 디자이너를 모두 아는 것이 유용할 것입니다.

모더니즘(프렌치 모던 모던에서)

예술에서 자연과 전통의 정신에 대한 집착이 지배적이지 않고 주인의 자유로운 견해가 지배적 인 새로운 형태의 창의성의 형태로 19 세기 후반에 확립 된 예술적 경향의 누적 이름 , 개인적인 인상, 내면의 아이디어 또는 신비로운 꿈에 따라 자신의 재량에 따라 가시적인 세계를 자유롭게 변경할 수 있습니다(이러한 경향은 주로 낭만주의의 라인을 계속했습니다). 인상주의, 상징주의, 모더니즘이 가장 중요하고 종종 적극적으로 상호 작용하는 방향이었습니다. 소비에트 비평에서 "모더니즘"의 개념은 사회주의 리얼리즘의 규범에 해당하지 않는 20 세기의 모든 예술 운동에 반 역사적으로 적용되었습니다. .

추상화("제로 형태"의 기호 아래 예술, 비 객관적 예술) - 실제 보이는 세계의 형태를 완전히 거부하는 20 세기 전반부의 예술에서 형성된 예술적 방향. 추상주의의 창시자는 V. 칸딘스키, P. 몬드리안과 K. 말레비치. W. Kandinsky는 인상파와 "야생" 반점을 객관성의 징후로부터 해방시켜 자신만의 추상화 유형을 만들었습니다. Piet Mondrian은 Cezanne과 Cubists에 의해 시작된 자연의 기하학적 양식화를 통해 무의미하게 되었습니다. 추상화에 중점을 둔 20 세기의 모더니즘 경향은 전통적 원리에서 완전히 벗어나 사실주의를 거부하지만 동시에 예술의 틀 안에 남아 있습니다. 추상주의의 도래와 함께 예술의 역사는 혁명을 경험했습니다. 그러나 이 혁명은 우연히 일어난 것이 아니라 아주 자연스럽게 일어났으며 플라톤이 예언한 것입니다! 후기 작품인 필레부스(Philebus)에서 그는 눈에 보이는 대상이나 모방을 모방하는 것과는 별개로 선, 표면 및 공간 형태 자체의 아름다움에 대해 썼습니다. 플라톤에 따르면 이러한 종류의 기하학적 아름다움은 자연적인 "불규칙한" 형태의 아름다움과 대조적으로 상대적이 아니라 무조건적이며 절대적입니다.

미래파- 1910년대 예술의 문학적, 예술적 경향. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. 미래주의의 중요한 예술적 아이디어는 현대 생활의 속도의 주요 표시로서 움직임의 신속함의 조형적 표현을 찾는 것이었습니다. 미래파의 러시아 버전은 kybofuturism이라고 불리며 프랑스 입체파의 플라스틱 원리와 미래파의 유럽 일반 미적 설치의 조합을 기반으로합니다. 작가들은 교차, 교대, 충돌과 형태의 유입을 통해 동시대인, 도시 거주자의 압도하는 복수의 인상을 표현하고자 했다.

입체파- "르네상스 이후 가장 완전하고 급진적인 예술적 혁명"(J. 골딩). 화가: 피카소 파블로, 조르주 브라크, 페르낭 레제 로베르 들로네, 후안 그리, 글레이즈 메칭거. 큐비즘 - (프랑스 큐비즘, 큐브 - 큐브에서) 20세기 1/4분기 예술의 방향. 입체파의 조형 언어는 물체의 변형과 기하학적 평면으로의 분해, 형태의 소성 이동에 기반을 둡니다. 많은 러시아 예술가들은 입체파에 매료되어 종종 그 원리를 미래주의와 원시주의와 같은 다른 현대 예술 경향의 기술과 결합합니다. Cubo-futurism은 러시아 토양에 대한 입체파 해석의 특정 변형이되었습니다.

순수주의- (프랑스 순수주의, 라틴어 purus - clean에서 유래) 1910년대 후반과 20년대 프랑스 회화의 경향. 주요 대표자는 예술가입니다. A. 오잔판그리고 건축가 C. E. Jeanneret(르 코르뷔지에). 1910년대의 큐비즘과 다른 전위적 운동의 장식적 경향, 그들이 채택한 자연의 변형을 거부하고 순수주의자들은 마치 세부 사항이 "제거된" 것처럼 안정적이고 간결한 대상 형태를 "기본" 요소. 순수 주의자들의 작품은 평평하고 가벼운 실루엣의 부드러운 리듬과 같은 유형의 물체 (주전자, 안경 등)의 윤곽이 특징입니다. 이젤 형태로 개발되지 않은 순수주의의 본질적으로 재검토된 예술적 원리는 현대 건축, 주로 르 코르뷔지에의 건물에 부분적으로 반영되었습니다.

Serrealism- 1924년 프랑스에서 발생하여 1969년에 공식적으로 소멸된 문학, 회화 및 영화의 세계적인 운동. 그것은 현대인의 의식 형성에 크게 기여했습니다. 운동의 주요 인물 안드레 브르통- 작가, 지도자 및 운동의 이데올로기적 영감, 루이스 아라곤- 나중에 기이한 방식으로 공산주의 가수로 변신한 초현실주의의 창시자 중 한 명, 살바도르 달리- "초현실주의는 나다!"라는 말로 운동의 본질을 정의한 예술가, 이론가, 시인, 시나리오 작가, 고도로 초현실주의적인 촬영 감독 루이스 부뉴엘, 화가 후안 미로- "초현실주의의 모자에 있는 가장 아름다운 깃털"은 브르타뉴와 전 세계의 많은 예술가들이 부른 것처럼.

포비즘(프랑스어 les fauves - wild (animals)에서) 초기 회화의 지역 방향. 20 세기 F.라는 이름은 파리의 젊은 예술가 그룹을 조롱하기 위해 지어졌습니다. A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. 반 동겐)는 1905년 첫 번째 전시회 이후 1905-1907년에 여러 전시회에 공동으로 참가했습니다. 그룹 자체에서 이름을 채택하고 그룹 뒤에 확고하게 자리를 잡았습니다. 방향은 명확하게 공식화 된 프로그램, 선언문 또는 자체 이론이 없었고 오래 지속되지 않았지만 예술사에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 그 참가자들은 극도로 밝은 열린 색상의 도움으로 독점적으로 예술적 이미지를 만들고자하는 열망으로 그 해에 단결되었습니다. 후기 인상파 화가들의 예술적 업적 개발( 세잔, 고갱, 반 고흐), 인상파 시대부터 프랑스 예술계에서 유행했던 중세 미술(스테인드 글라스, 로마네스크 미술)과 일본 판화의 형식적인 기법에 의존하여 야수파는 회화의 색채적 가능성을 최대한 활용하고자 했습니다.

표현주의(프랑스 표현에서 - 표현력) - 1 차 세계 대전 직전에 특정 역사적시기에 발전한 20 세기 1/3을 주로 독일에서 서유럽 예술의 모더니스트 경향. 표현주의의 이데올로기적 기반은 추악한 세계에 대한 개인주의적 항의, 세계로부터 인간이 점점 더 소외되는 느낌, 노숙자에 대한 감정, 붕괴, 그리고 유럽 문화가 그토록 확고하게 기반을 두고 있는 원칙들의 붕괴였다. 표현주의자들은 신비주의와 비관주의에 끌리는 경향이 있습니다. 표현주의의 특징적인 예술적 기법: 환상적 공간의 거부, 사물의 평면적 해석에 대한 욕망, 사물의 변형, 날카로운 다채로운 불협화음에 대한 사랑, 종말론적 드라마를 구현하는 특별한 색. 예술가들은 창의성을 감정을 표현하는 방법으로 인식했습니다.

우월주의(위도 supremus에서 - 가장 높은, 가장 높은, 첫 번째, 마지막, 극단, 분명히 폴란드어 supremacja를 통해 - 우월성, 우위) 20 세기 1/3의 전위 예술의 방향, 창조자, 주요 대표자 및 이론가 그 중 러시아 예술가는 카지미르 말레비치. 이 용어 자체는 절대주의의 본질을 반영하지 않습니다. 사실 말레비치의 이해에서 이것은 추정된 특성이다. 절대주의는 비예술적인 모든 것에서 해방되는 길, 모든 예술의 본질로서의 비객관성이 궁극적으로 계시되는 길에 있는 예술 발전의 가장 높은 단계입니다. 이러한 의미에서 말레비치는 또한 원시적인 장식 예술을 최고주의자(또는 "최고의 것")로 간주했습니다. 그는 이 용어를 페트로그라드 미래파 전시회 "0-0"에서 전시된 흰색 바탕의 유명한 "검은 사각형", "검은 십자가" 등을 포함하여 기하학적 추상화를 묘사하는 많은 그림(39점 이상)에 처음으로 이 용어를 적용했습니다. 1915년에 말레비치 자신이 20년대의 많은 작품을 언급하긴 했지만, 이러한 기하학적 추상화와 유사한 기하학적 추상화의 배후에서 슈프리마티즘이라는 이름이 붙었다. "우월주의 정신". 그리고 사실, 말레비치의 후기 이론적 발전은 비록 그것이 물론 그 핵심, 본질, 심지어 (흑백과 백색과 백색)을 구성하기는 하지만, 절대주의(적어도 말레비치 자신)를 기하학적 추상으로 환원할 근거를 제공하지 않습니다. Suprematism)은 회화를 예술의 한 형태로서 일반적으로 존재의 한계, 즉 더 이상 적절한 회화가 없는 회화적 0에 이르게 합니다. 세기 후반의 이 길은 붓, 물감, 캔버스를 포기한 미술 활동의 여러 방향으로 계속되었습니다.

러시아인 아방가르드 1910년대는 다소 복잡한 그림을 보여줍니다. 스타일과 트렌드의 급격한 변화, 풍부한 예술가 그룹 및 협회가 특징이며, 각각은 자신의 창의성 개념을 선언했습니다. 세기 초 유럽 회화에서도 비슷한 일이 일어났습니다. 그러나 스타일의 혼합, 조류 및 방향의 "혼란"은 새로운 형태를 향한 움직임이 더 일관적인 서구에서는 알려지지 않았습니다. 비범한 신속함을 지닌 젊은 세대의 많은 대가들은 화풍에서 화풍으로, 무대에서 무대로, 인상주의에서 모더니티로, 그리고 원시주의, 큐비즘 또는 표현주의로 옮겨가는 여러 단계를 거쳤으며, 이는 프랑스나 독일 회화의 거장들에게는 완전히 이례적인 것이었다. . 러시아 회화에서 발전한 상황은 주로 국가의 혁명 이전 분위기 때문이었습니다. 그녀는 모든 유럽 예술 전체에 내재된 많은 모순을 악화시켰습니다. 러시아 예술가들은 유럽 모델을 공부했으며 다양한 학교와 화보 트렌드를 잘 알고있었습니다. 따라서 예술적 삶에서 일종의 러시아 "폭발"이 역사적 역할을했습니다. 1913년이 되자 새로운 국경과 지평에 도달한 것은 러시아 예술이었습니다. 비객관성의 완전히 새로운 현상이 나타났습니다. 프랑스 입체파 화가들이 감히 넘지 못한 선입니다. Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

큐보 퓨처리즘 20세기 초 러시아 아방가르드(회화와 시)의 지역적 경향. 시각 예술에서 입체파 미래주의는 회화적 발견, 입체파, 미래파, 러시아 신원시주의에 대한 재고를 기반으로 발생했습니다. 주요 작품은 1911년에서 1915년 사이에 만들어졌습니다. cubo-futurism의 가장 특징적인 그림은 K. Malevich의 브러시 아래에서 나왔고 Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter도 작성했습니다. 1913년 유명한 전시회에서 말레비치의 최초의 미래지향적인 입체 작품이 전시되었습니다. Larionov의 Luchism도 데뷔 한 "Target". 큐보-미래주의적 작품들은 외관상 F. Leger가 동시에 창작한 구도와 공통점이 있으며, 원기둥, 원뿔, 플라스크, 조개껍데기 형태의 속이 빈 3차원 채색 형태로 이루어진 반객관적 구도이다. , 종종 금속 광택이 있습니다. 말레비치의 첫 번째 그러한 작품에서 이미 기계 세계의 자연스러운 리듬에서 순전히 기계적인 리듬으로 이동하는 눈에 띄는 경향이 있습니다(Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait of Klyun, 1913).

신생물- 추상 미술의 초기 변종 중 하나. 1917년 네덜란드 화가 P. 몬드리안과 스타일 협회에 소속된 다른 예술가들이 만들었습니다. 신 생물은 제작자에 따르면 수직 검은 선으로 명확하게 구분되고 주요 스펙트럼의 로컬 색상으로 칠해진 큰 직사각형 모양의 엄격하게 균형 잡힌 조합으로 표현되는 "보편적인 조화"에 대한 열망이 특징입니다. 회색 톤). Neo-plasticisme(누벨 플라스티크) 이 용어는 20세기에 네덜란드에서 나타났습니다. 피트 몬드리안그는 1917년에 라이덴에서 창간된 그룹과 잡지 "스타일"("De Stiji")에 의해 체계화되고 옹호된 자신의 조형 개념을 정의했습니다. 신생물주의의 주요 특징은 표현 수단의 엄격한 사용이었습니다. Neoplasticism은 수평선과 수직선 만 형태를 만들 수 있습니다. 선을 직각으로 교차시키는 것이 첫 번째 원칙입니다. 1920년경에 두 번째 것이 추가되어 획을 제거하고 평면을 강조하여 색상을 빨간색, 파란색 및 노란색으로 제한합니다. 흰색과 검은색만 추가할 수 있는 세 가지 순수한 기본 색상. 이러한 엄격함의 도움으로 신조형주의는 보편주의를 달성하고 세계에 대한 새로운 그림을 만들기 위해 개성을 넘어서고자 했습니다.

공식 "세례" 오르피즘 1913년 Salon des Indépendants에서 일어났습니다. 그래서 비평가 Roger Allard는 살롱에 대한 그의 보고서에서 다음과 같이 썼습니다. 1913년 3월 19일 파리). 그는 또 다른 비평가 Andre Varno에 의해 반향되었습니다. "1913년 살롱은 Orphic 학교의 새로운 학교의 탄생으로 특징지어졌습니다"("Comoedia" 파리 1913년 3월 18일). 드디어 기욤 아폴리네르“이것이 오르피즘이다. 여기에서 처음으로 내가 예측한 이러한 경향이 나타났습니다.”(“Montjoie!” Paris Supplement to March 18, 1913). 실제로 용어가 발명되었습니다. 아폴리네르(오르페우스 숭배로서의 오르피즘) 그리고 1912년 10월 현대 회화에 대한 강의에서 처음 공개적으로 발표되었고 읽혔습니다. 그가 의미하는 바는 무엇이었습니까? 그 자신도 모르는 것 같습니다. 게다가 그는 이 새로운 방향의 경계를 어떻게 정의해야 할지 몰랐다. 사실 오늘날까지 만연한 혼란은 아폴리네르가 서로 연결된 두 가지 문제를 무의식적으로 혼동한 데서 기인하는 것은 당연하지만, 그것들을 연결하기 전에 차이점을 강조했어야 했다. 한편, 창조 들로네회화적 표현은 전적으로 색채에 기반을 두고 있으며, 다른 한편으로는 여러 방향의 출현을 통한 큐비즘의 확장을 의미한다. 1912년 여름이 끝날 무렵 Marie Laurencin과 휴식을 취한 후 Apollinaire는 Rue Grand-Augustin에 있는 워크샵에서 그를 우호적인 이해로 받아들인 Delaunay 가족에게서 피난처를 찾았습니다. 바로 이번 여름, Robert Delaunay와 그의 아내는 심오한 미학적 진화를 경험하여 후에 그가 오로지 색상 대비의 건설적이고 시공간적인 특성에 기초한 회화의 "파괴적인 시기"라고 불렀습니다.

포스트모더니즘(포스트모더니즘, 포스트아방가르드) -

(라틴어 post "after"와 모더니즘에서 유래) 1960년대에 특히 분명해졌고 모더니즘과 아방가르드의 입장을 근본적으로 수정한 것이 특징인 예술적 경향의 총칭.

추상 표현주의전후 (XX 세기의 40 년대 후반 - 50 년대) 추상 미술 발전의 단계. 이 용어 자체는 1920년대 독일 미술 평론가에 의해 도입되었습니다. E. 폰 시도우 (E. von Sydow) 표현주의 예술의 특정 측면을 언급합니다. 1929년 American Barr는 Kandinsky의 초기 작품을 특징짓기 위해 이것을 사용했고, 1947년에는 그 작품을 "추상 표현주의"라고 불렀다. 빌렘 드 쿠닝그리고 대구 무리. 그 이후로 추상 표현주의의 개념은 50년대에 빠르게 발전한 추상 회화(및 이후의 조각)의 상당히 넓고 문체 및 기술적으로 다양한 분야 뒤에 통합되었습니다. 미국, 유럽, 그리고 전 세계에서. 추상 표현주의의 직계 조상은 초기의 것으로 간주됩니다. 칸딘스키, 표현주의 자, 오르피스트, 부분적으로 다다이스트 및 초현실주의 자, 정신적 자동주의 원칙. 추상적 표현주의의 철학적, 미학적 기초는 주로 전후 시대에 유행한 실존주의 철학이었다.

기성품(English ready-made - ready) 이 용어는 예술가에 의해 미술사 사전에 처음 소개되었습니다. 마르셀 뒤샹일상적인 기능의 환경에서 분리되어 미술전에서 아무런 변화 없이 전시되는 실용의 대상이 되는 그들의 작품을 예술작품으로 지정하는 것. Ready-Made는 사물과 사물성에 대한 새로운 시각을 주장했습니다. 공리적 기능을 더 이상 수행하지 않고 예술의 공간이라는 맥락 속에 포함된 오브제, 즉 비공리적인 사색의 대상이 되었던 오브제는 전통 미술이나 미술계에 알려지지 않은 새로운 의미와 연상적 움직임을 드러내기 시작했다. 일상적이고 실용적인 존재의 영역. 미학과 공리주의의 상대성 문제가 첨예하게 드러났습니다. 최초의 기성품 뒤샹 1913년 뉴욕에서 전시. 그의 레디메이드 중 가장 악명 높은 작품. 강철 "자전거 바퀴"(1913), "병 건조기"(1914), "분수"(1917) - 이것이 일반 소변기가 지정된 방식입니다.

팝 아트.제2차 세계 대전 후, 그들에게 특별히 중요하지 않은 상품을 살 수 있을 만큼 충분한 돈을 번 사람들의 대규모 사회적 계층이 미국에서 형성되었습니다. 예를 들어, 상품 소비: 코카콜라 또는 리바이스 청바지는 이 사회의 중요한 속성이 됩니다. 이 제품이나 저 제품을 사용하는 사람은 특정 사회적 계층에 속해 있음을 나타냅니다. 현재의 대중 문화가 형성되었습니다. 사물은 상징, 고정관념이 되었습니다. 팝아트는 반드시 고정관념과 상징을 사용한다. 팝 아트(팝아트)는 뒤샹의 창조적 원리에 의존한 새로운 미국인들의 창조적 탐구를 구체화했다. 그것: 재스퍼 존스, K. 올덴버그, 앤디 워홀, 다른 사람. 팝아트는 대중문화의 중요성을 띠고 있기 때문에 그것이 미국에서 형태를 취하고 예술운동이 된 것은 놀라운 일이 아니다. 동맹국: Hamelton R, 톤 차이나권위자로 선정 커트 슈비터스. 팝 아트는 작품, 즉 대상의 본질을 설명하는 게임의 환상이 특징입니다. 예: 파이 K. 올덴버그다양한 방식으로 묘사됩니다. 예술가는 케이크를 묘사하지 않을 수 있지만 환상을 없애고 사람이 실제로 보는 것을 보여줍니다. R. Rauschenberg도 독창적입니다. 그는 다양한 사진을 캔버스에 붙여넣고 윤곽을 그리며 작품에 박제 동물을 붙였습니다. 그의 유명한 작품 중 하나는 박제 고슴도치입니다. 또한 잘 알려진 것은 케네디의 사진을 사용한 그의 그림입니다.

원시주의(순진한 예술). 이 개념은 여러 의미로 사용되며 실제로 개념과 동일합니다. "원시 예술". 다른 언어와 다른 과학자에 의해 이러한 개념은 예술 문화에서 동일한 범위의 현상을 나타내는 데 가장 자주 사용됩니다. 러시아어(일부 다른 언어와 마찬가지로)에서 "원시적"이라는 용어는 다소 부정적인 의미를 갖습니다. 따라서 개념에 중점을 두는 것이 더 적절합니다. 순진한 예술. 가장 넓은 의미에서 이것은 회화 및 표현 언어의 단순성(또는 단순화), 명확성 및 형식적 즉각성을 특징으로 하는 순수 예술을 의미하며, 이를 통해 문명 관습에 얽매이지 않는 세계에 대한 특별한 비전이 표현됩니다. . 이 개념은 지난 세기의 새로운 유럽 문화에 나타났으므로 가장 높은 발전 단계로 간주되는이 문화의 전문적인 위치와 아이디어를 반영합니다. 이러한 입장에서 순진한 예술은 고대 민족의 고대 예술(이집트 이전 또는 고대 그리스 문명 이전), 예를 들어 원시 예술을 의미하는 것으로 이해됩니다. 문화적, 문명적 발전이 지연된 사람들의 예술(아프리카, 오세아니아, 아메리카 인디언) 가장 넓은 규모의 아마추어 및 비전문 예술(예를 들어, 카탈로니아의 유명한 중세 프레스코화 또는 유럽에서 온 최초의 미국 이민자의 비전문 예술); 소위 "국제 고딕"의 많은 작품; 민속 예술; 마지막으로, 전문적인 미술교육을 받지는 못했지만 스스로 예술적 창의성의 은사를 느끼고 예술의 독자적 실현에 매진한 20세기의 재능 있는 원시주의 작가들의 작품이다. 그 중 일부(프랑스어 A. 루소, K. 봄부아, 그루지야어 N. 피로스마니쉬빌리, 크로아티아어 I. Generalich, 미국 오전. 로버트슨등)은 세계 예술의 보물창고의 일부가 된 진정한 예술적 걸작을 만들었습니다. 순진한 예술은 세계에 대한 비전과 예술적 표현 방법 측면에서 어린이 예술에 다소 가깝습니다. 다른 한편으로는 정신병자의 일에 관한 것입니다. 그러나 본질적으로 둘 다 다릅니다. 세계관의 관점에서 아동미술에 가장 가까운 것은 오세아니아와 아프리카 원주민과 고대민족의 순진한 미술이다. 아동미술과의 근본적인 차이점은 깊은 신성함, 전통주의, 정경성에 있다.

예술이 없다(Net Art - from English net - network, art - art) 컴퓨터 네트워크, 특히 인터넷에서 발전하는 최신 형태의 예술, 현대 미술 관행. 개발에 기여한 러시아의 연구원인 O. Lyalina, A. Shulgin은 Net-art의 본질이 모든 사람에게 네트워크 존재의 완전한 자유를 제공하는 웹상의 커뮤니케이션 및 창의적인 공간의 생성에 있다고 믿습니다. 그러므로 넷아트의 본질. 표현이 아니라 커뮤니케이션이며, 원래 예술 단위는 전자 메시지입니다. 80년대와 90년대에 일어난 넷아트의 발전에는 적어도 세 단계가 있다. 20 세기 첫 번째는 웹 아티스트 지망생이 컴퓨터 키보드에 있는 문자와 아이콘으로 그림을 만들 때였습니다. 두 번째는 언더그라운드 아티스트와 자신의 작품에서 무언가를 보여주고 싶어하는 모든 사람들이 인터넷에 왔을 때 시작되었습니다.

옵아트(Eng. Op-art - 광학 예술의 축약형 - 광학 예술) - 평면 및 공간 인물에 대한 인식의 특징을 기반으로 한 다양한 시각적 환상을 사용하는 20세기 후반의 예술적 운동. 현재는 기술주의(모더니즘)의 합리주의적 노선을 계속하고 있다. 그것은 소위 "기하학적" 추상주의로 거슬러 올라갑니다. V. 바사렐리(1930년부터 1997년까지 그는 프랑스에서 일함) - 옵아트의 창시자. Op-art의 가능성은 산업 그래픽, 포스터 및 디자인 아트에서 일부 응용 프로그램을 찾았습니다. 옵아트(광학)의 방향은 50년대 추상주의 내에서 시작되었지만, 이번에는 기하학적 추상화라는 다른 다양성이 있었습니다. 현재의 분포는 60년대로 거슬러 올라갑니다. 20 세기

낙서(그래피티-고고학에서, 이탈리아 그래피아-스크래치에서 온 모든 표면에 긁힌 그림이나 글자) 이것은 주로 공공 건물, 구조물, 운송 수단의 벽에 있는 대형 이미지인 하위 문화 작품의 지정입니다. 스프레이 건, 에어로졸 페인트 캔의 종류. 따라서 다른 이름 "스프레이 아트" - 스프레이 아트. 그 기원은 그래피티의 대량 출현과 관련이 있습니다. 70년대. 뉴욕 지하철 차량에서 그리고 공공 건물의 벽에 블라인드를 보관하십시오. 낙서의 첫 번째 작가. 주로 푸에르토 리코 인 소수 민족의 젊은 실직 예술가가 있었기 때문에 첫 번째 낙서에서 라틴 아메리카 민속 예술의 일부 문체 특징이 나타났고 이것을 의도하지 않은 표면에 나타나는 바로 그 사실에 대해 작가는 그들의 작품에 대해 항의했습니다. 무력한 위치. 80년대 초. 거의 전문적인 마스터 G.의 전체 추세가 형성되었습니다. 이전에 가명으로 숨겨져 있던 실명이 알려지게되었습니다 ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, 이, 본, 데이즈). 그들 중 일부는 자신의 기술을 캔버스에 옮겨 뉴욕의 갤러리에 전시하기 시작했으며 곧 유럽에 그래피티가 나타났습니다.

초현실주의(초현실주의 - 영어) 또는 포토리얼리즘(포토리얼리즘 - 영어) - 아티스트. 사진을 기반으로 한 회화와 조각의 움직임, 현실의 재현. 자연주의와 실용주의에 대한 실천과 미학적 방향 모두에서 하이퍼 리얼리즘은 팝 아트에 가깝습니다. 그것들은 주로 비유로의 회귀에 의해 결합됩니다. 그것은 재현과 단절되었을 뿐만 아니라 예술의 물질적 실현의 원리 자체에 의문을 제기하는 개념주의에 반대되는 역할을 한다. 개념.

토지 예술(영국 땅 예술 - 흙 예술에서), 마지막 3분의 1 예술에서의 방향더블 엑스세기는 실제 풍경을 주요 예술 재료 및 대상으로 사용하는 것을 기반으로 합니다. 예술가들은 참호를 파고, 기괴한 돌 더미를 만들고, 바위를 칠하고, 자연 그대로의 자연 경관과 같은 행동을 위해 일반적으로 황량한 장소를 선택하여 예술을 자연으로 되돌리기 위해 노력합니다. 그의 덕분에<первобытному>이러한 종류의 행위와 대상은 대부분이 일련의 사진에서만 감상할 수 있기 때문에 외관상으로는 고고학 및 사진 예술에 가깝습니다. 우리는 러시아어로 된 또 다른 야만성을 받아들여야 할 것 같습니다. 우연의 일치인지는 모르겠지만<лэнд-арт>마지막에 등장 60년대 선진 사회에서 학생회의 반항적인 정신이 기성 가치를 타도하기 위해 힘을 가하던 시기에.

미니멀리즘(minimal art - 영어: Minimal art) - 예술가. 창작 과정에서 사용되는 재료의 최소한의 변형에서 나오는 흐름, 단순함과 형태의 획일성, 모노크롬, 크리에이티브. 예술가의 자제. 미니멀리즘은 주관성, 재현, 환상주의를 거부하는 것이 특징입니다. 고전을 거부하다 창의성과 전통. 예술적 재료, 미니멀리스트는 단순한 기하학의 산업 및 천연 재료를 사용합니다. 모양과 중간 색상(검정색, 회색), 소량, 직렬, 산업 생산의 컨베이어 방법이 사용됩니다. 창의성이라는 미니멀리즘 개념의 인공물은 생산 과정의 미리 결정된 결과입니다. 회화와 조각에서 가장 완전한 발전을 이룬 미니멀리즘은 넓은 의미에서 예술가의 경제로 해석된다. 기금은 주로 연극과 영화와 같은 다른 형태의 예술에 응용되었습니다.

미니멀리즘은 트랜스에서 미국에서 시작되었습니다. 바닥. 60년대 그것의 기원은 구성주의, 우월주의, 다다이즘, 추상주의, 형식주의 Amer에 있습니다. 1950년대의 회화, 팝 아트. 직접 미니멀리즘의 전조. 아메르입니다. 화가 F. 스텔라, 그는 1959-60년에 질서정연한 직선이 지배적인 "검은 그림" 시리즈를 발표했습니다. 최초의 미니멀리즘 작품은 1962-63년에 "미니멀리즘"이라는 용어가 등장합니다. 창의성 분석과 관련하여 소개한 R. Walheim에 속합니다. M. 뒤샹환경에 대한 예술가의 개입을 최소화하는 팝 아티스트. 동의어는 "멋진 예술", "ABC 예술", "연속 예술", "기본 구조", "과정으로서의 예술", "체계적 예술"입니다. 페인트 등". 가장 대표적인 미니멀리스트는 - C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. 재료의 자연스러운 질감을 이기기 위해 인공물을 환경에 맞추려는 열망으로 결합되었습니다. D. 제이드"구체적"으로 정의합니다. 대상'으로, 고전적인 것과는 다릅니다. 플라스틱 작업. 기예. 독립적인 조명은 미니멀리스트 아트를 만드는 방법의 역할을 합니다. 상황, 독창적인 공간 솔루션; 작품을 만드는 컴퓨터 방법이 사용됩니다.