Antiikkiteema 1900-luvun venäläisessä taiteessa. Venäjän XX vuosisadan kuvataide. 1900-luvun venäläisen maalauksen pääsuunnat

Tätä aikaa pidetään venäläisen maalauksen huippuna ja realismin tuomisena siihen. Maan yhteiskunnallisilla ilmiöillä ja vallankumouksilla oli erityinen vaikutus taiteeseen. Maalauksessa oli jo sensuuria ja kritiikkiä. Tuon ajan viranomaiset jättivät merkittävän jäljen maalarien työhön. Lähes jokaisen kotimaisen taiteilijan oli pakko maalata ainakin yksi uudelle politiikalle ja uudelle yhteiskuntajärjestykselle omistettu kuva.

1900-luvun venäläisen maalauksen pääsuunnat

1900-luvun aikana se merkitsi venäläisen realismin loppua maalauksessa ja Neuvostoliiton tai sosialistisen alkua. Suuren sodan aikaa pidetään erityisenä, joka erottui puolueen ja kansan yhtenäisestä liikkeestä. Sotilaalliset maalaukset loistivat ja ovat merkityksellisiä nykyaikana. Vähiten vaikutti maisemagenren sosialistiseen virtaukseen.

Venäläinen avantgarde

Sana "avantgarde" tarkoittaa innovaatiota, edistynyttä liikettä. Kotimainen avantgarde yhdistää maalauksen radikaalit virtaukset. Aluksi sitä kutsuttiin modernismiksi, uudeksi taiteeksi, abstraktioksi ja muilla nimillä. Ensimmäiset välähdykset suuntaan ilmestyivät sotaa edeltävinä vuosina. Venäläinen avantgarde yhdistää sellaiset hetket kuin menneisyyden ehdoton hylkääminen kulttuurissa ja tuhoamis- ja luomisprosessien yhdistäminen. Maalauksessa on samaan aikaan paikka aggressiolle, halulle tuhota vanhoja taiteellisia arvoja ja jotain täysin erilaista.

Tässä suunnassa on ensinnäkin syytä korostaa Wassily Kandinskya, joka maalasi maalaukset “Värillinen elämä”, “Volgan laulu”, “Valkoinen soikea”, “Moskova. Punainen tori". Avangardistien joukossa on myös Kazimir Malevich, joka edustaa supermatismia, yksi avantgarde-liikkeistä. Tämä virtaus luonnehtii taiteen viimeistä vaihetta, esineiden puuttumista. He alkoivat puhua hänestä ensin geometrisilla abstrakteilla varustettujen kankaiden ilmestymisen jälkeen.

sosialistista realismia

Vallankumouksen ja monien mullistusten ja muutosten jälkeen kuvataiteessa alkoi uusi aikakausi ja uusi suunta. Se vastasi tuota aikaa ja sitä kutsuttiin sosialistiseksi realismiksi. Tätä vaati hallitus ja kansa. Sosialistinen realismi erottui sankaruuden läsnäolosta, ilmaistuista johtajista, ihmisistä, tapahtumista, puolueen totuudesta, ei taiteilijan itsensä visiosta. Totalitaarinen yhteiskunta on muuttanut venäläisen maalaustaiteen tuntemattomaksi. Se koostui pääasiassa maalauksista, jotka oli omistettu sen ajan historiallisille tapahtumille, sankareille ja valtion johtajille sekä yksinkertaisen työläisen arkeen.

Monet kutsuivat sitä "vakavaksi tyyliksi", koska siinä ei ollut illuusioita, olettamuksia, lapsellista huolimattomuutta. Vain armoton totuus esitettiin kankaille. Tuon ajan sankarillisuus piilee johtajan sisäisessä jännityksessä ja ponnisteluissa. Sosialistisessa realismissa työ oli kutsumus, ja sankarit olivat pioneereja ja rakentajia. Vuosisadan lopussa neuvostokulttuurin romahtamisen myötä venäläiseen maalaukseen tulee uusi suunta.

Postmodernismi

Uusi suunta venäläisessä maalauksessa korvasi modernismin, joka ei ollut yhteiskunnassa täysin selvä. Postmodernismille on ominaista valokuvauskuvat. Maalaus on mahdollisimman lähellä alkuperäistä ilmettä. Tyyli erottuu typologisista piirteistä. Ensinnäkin valmis muoto. Maalarit käyttävät klassisia kuvia, mutta tulkitsevat niitä uudella tavalla, antavat eksklusiivisuutta. Hyvin usein postmodernismin edustajat yhdistävät muotoja useista suunnista antaen kuvalle lievää ironiaa ja jonkinlaista toissijaisuutta.

Toinen suunnan piirre on sääntöjen puute. Postmodernismissa taiteilijalla on täysi määräysvalta maalauksensa muotojen ja tapojen valinnassa. Tietty vapaus antoi raikasta henkeä taiteelle yleensä. Siellä oli taideinstallaatioita ja esityksiä. Postmodernismille maalauksessa on ominaista myös selkeiden tekniikoiden puute ja yleinen globaali suosio. Tämän suunnan kukoistus tuli 1900-luvun 90-luvulla. Sen tunnetuimpia edustajia ovat seuraavat taiteilijat: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

Lähetä hyvä työsi tietokanta on yksinkertainen. Käytä alla olevaa lomaketta

Opiskelijat, jatko-opiskelijat, nuoret tutkijat, jotka käyttävät tietopohjaa opinnoissaan ja työssään, ovat sinulle erittäin kiitollisia.

Lähetetty http://www.allbest.ru/

Liittovaltion koulutusvirasto

Valtion oppilaitos

korkeampi ammatillinen koulutus

taidehistoria

Ohjaa kurssityötä

Venäjän taidetta 1800-luvun lopulla - 1900-luvun alussa

Johdanto

Maalaus

Konstantin Aleksejevitš Korovin

Valentin Aleksandrovitš Serov

Mihail Aleksandrovitš Vrubel

"Taiteen maailma"

"Venäjän taiteilijoiden liitto"

"Timanttien Jack"

"Nuortenliitto"

Arkkitehtuuri

Veistos

Bibliografia

Johdanto

XIX lopun - XX vuosisadan alun venäläinen kulttuuri on monimutkainen ja kiistanalainen ajanjakso venäläisen yhteiskunnan kehityksessä. Vuosisadan vaihteen kulttuuri sisältää aina elementtejä siirtymäkaudesta, joka sisältää menneisyyden kulttuurin perinteet ja uuden nousevan kulttuurin innovatiiviset suuntaukset. Tapahtuu perinteiden siirtoa, ei vain siirtoa, vaan uusien syntyminen, kaikki tämä liittyy myrskyiseen prosessiin etsiä uusia tapoja kehittää kulttuuria, jota tämän ajan sosiaalinen kehitys korjaa. Vuosisadan vaihto Venäjällä on suurten muutosten aikaa, muutosta valtiojärjestelmässä, muutosta 1800-luvun klassisesta kulttuurista 1900-luvun uuteen kulttuuriin. Uusien tapojen etsiminen venäläisen kulttuurin kehittämiseksi liittyy länsimaisen kulttuurin edistyksellisten suuntausten sulautumiseen. Suuntojen ja koulujen monimuotoisuus on ominaista vuosisadan vaihteen venäläiselle kulttuurille. Länsimaiset trendit kietoutuvat yhteen ja täydentävät modernia, venäläistä sisältöä täynnä. Tämän ajanjakson kulttuurin piirre on suuntautuminen filosofiseen elämänymmärrykseen, tarve rakentaa kokonaisvaltainen kuva maailmasta, jossa taiteella ja tieteellä on valtava rooli. 1800-luvun lopun - 1900-luvun alun venäläisen kulttuurin painopiste oli henkilö, josta tulee eräänlainen yhdistävä lenkki koulujen ja tieteen ja taiteen kirjavassa kirjossa ja toisaalta eräänlainen lähtökohta kaiken analysoinnille. toisaalta monipuolisimmat kulttuuriesineet. Tästä johtuu vuosisadan vaihteen venäläisen kulttuurin taustalla oleva voimakas filosofinen perusta.

Korostamalla tärkeimpiä prioriteetteja Venäjän kulttuurin kehityksessä XIX lopun - XX vuosisadan alun, ei voida sivuuttaa sen tärkeimpiä ominaisuuksia. Venäläisen kulttuurin historiassa 1800-luvun loppua - 1900-luvun alkua kutsutaan yleensä venäläiseksi renessanssiksi tai Puškinin kulta-aikaan verrattuna venäläisen kulttuurin hopeakaudeksi.

Vuosisadan vaihteessa kehittyi tyyli, joka vaikutti kaikkiin plastiikkataiteisiin, alkaen ensisijaisesti arkkitehtuurista (jossa eklektiikka hallitsi pitkään) ja päättyen grafiikkaan, jota kutsuttiin jugendtyyliksi. Tämä ilmiö ei ole yksiselitteinen, modernissa on myös pääosin porvarilliseen makuun suunniteltua dekadenttia vaatimattomuutta, pretenteettömyyttä, mutta on myös itsessään merkittävää tyylin yhtenäisyyttä. Art nouveau -tyyli on uusi vaihe arkkitehtuurin, maalauksen ja koristetaiteen synteesissä.

Kuvataiteellisessa taiteessa jugend ilmaantui: kuvanveistossa - muotojen sujuvuudella, siluetin erityisellä ilmeisyydellä, sävellysten dynamisuudella; maalauksessa - kuvien symboliikka, riippuvuus allegorioista. symboliikka moderni avantgarde hopea

Venäläisillä symbolisteilla oli tärkeä rooli hopeakauden estetiikan kehityksessä. Symbolismi kirjallisuuden ja taiteen ilmiönä ilmestyi ensimmäisen kerran Ranskassa 1800-luvun viimeisellä neljänneksellä ja vuosisadan loppuun mennessä oli levinnyt suureen osaan Eurooppaa. Mutta Ranskan jälkeen symbolismi toteutuu Venäjällä kulttuurin laajimpana, merkittävimpänä ja omaperäisimpänä ilmiönä. Venäläisellä symboliikalla oli aluksi periaatteessa samat edellytykset kuin länsimaisessa symboliikassa: "positiivisen maailmankatsomuksen ja moraalin kriisi". Venäläisten symbolistien pääperiaate on elämän estetisointi ja halu korvata estetiikka logiikan ja moraalin eri muodoilla. Ensinnäkin venäläiselle symbolismille on ominaista rajautuminen vallankumouksellis-demokraattisen "60-luvun" perinteisiin ja populismiin, ateismin ideologisaatioon, utilitarismiin. Venäjän symbolistien mukaan ne vastaavat "puhtaan, vapaan taiteen" periaatteita.

Toinen silmiinpistävä hopeakauden ilmiö, joka on saavuttanut maailmanlaajuisen merkityksen, on avantgarden taide ja estetiikka. Jo lueteltujen esteettisen tietoisuuden alueiden tilassa avantgarde-taiteilijat erottuivat painokkaasti kapinallisesta luonteesta. He näkivät klassisen kulttuurin, taiteen, uskonnon, sosiaalisuuden, valtiollisuuden kriisin ilolla luonnollisena kuolemana, vanhan tuhoamisena, vanhentuneena, merkityksettömänä, ja he ymmärsivät olevansa vallankumouksellisia, "kaiken roskan" tuhoajia ja haudankaivajia sekä kaikki uusi, yleensä uusi nouseva rotu. P. Uspenskyn kehittämät Nietzschen ideat supermiehestä otettiin kirjaimellisesti monien avantgarde-taiteilijoiden toimesta, ja niitä kokeilivat varsinkin futuristit itselleen.

Tästä johtuu kapina ja röyhkeys, halu kaikkeen perustavanlaatuiseen uuteen taiteellisen ilmaisun keinoissa, taiteen lähestymistavan periaatteissa, taipumus laajentaa taiteen rajoja, kunnes se herää henkiin, mutta täysin eri periaattein kuin edustajien. teurgisesta estetiikasta. Elämää 10-luvun avantgardisteille. 20. vuosisata - Tämä on ennen kaikkea vallankumouksellinen kapina, anarkistinen kapina. Absurdisuus, kaaos, anarkia ymmärretään ensimmäistä kertaa modernin synonyymeinä ja nimenomaan luovasti positiivisina periaatteina, jotka perustuvat taiteen rationaalisen periaatteen täydelliseen kieltämiseen ja irrationaalisen, intuitiivisen, tiedostamattoman, merkityksettömän, abstraktin, muodottoman jne. . Venäläisen avantgardin pääsuunnat olivat: abstraktionismi (Vasili Kandinsky), suprematismi (Kazimir Malevich), konstruktivismi (Vladimir Tatlin), kubofuturismi (kubismi, futurismi) (Vladimir Majakovski).

Maalaus

Vuosisadan vaihteen maalareille muut ilmaisutavat ovat luonteenomaisia ​​kuin Vaeltajat, muut taiteellisen luovuuden muodot - ristiriitaisissa, monimutkaisissa ja nykyaikaisuutta heijastavissa kuvissa ilman havainnollistavuutta ja kerrontaa. Taiteilijat etsivät tuskallisesti harmoniaa ja kauneutta maailmassa, joka on pohjimmiltaan vieras sekä harmonialle että kauneudelle. Siksi monet näkivät tehtävänsä kauneuden tunteen kasvattamisessa. Tämä "aattojen" aika, julkisen elämän muutosten odotus, synnytti monia trendejä, assosiaatioita, ryhmittymiä, erilaisten maailmankatsomusten ja makujen yhteentörmäystä. Mutta se synnytti myös kokonaisen taiteilijasukupolven universalismin, joka tuli esiin "klassisten" Wanderersin jälkeen.

Impressionistiset oppitunnit plein air -maalauksessa, "satunnaisen kehystyksen" sommittelu, laaja vapaa kuvallinen tapa - kaikki tämä on seurausta kuvallisten keinojen kehityksen kehityksestä vuosisadan vaihteen kaikissa genreissä. Etsiessään "kauneutta ja harmoniaa" taiteilijat kokeilevat itseään erilaisissa tekniikoissa ja taidemuodoissa – monumentaalista maalauksesta ja teatterimaisemista kirjasuunnitteluun ja taiteeseen ja käsityöhön.

Genremaalaus kehittyi 1990-luvulla, mutta se kehittyi hieman eri tavalla kuin 1970- ja 1980-luvun "klassisessa" vaeltavassa liikkeessä. Näin talonpoikaisteema paljastuu uudella tavalla. S. A. Korovin (1858-1908) kuvaa maaseutuyhteisön jakautumista maalauksessa "Maailmasta" (1893).

Vuosisadan vaihteessa historialliseen teemaan hahmottuu hieman erikoinen polku. Joten esimerkiksi A. P. Ryabushkin (1861-1904) työskentelee enemmän historiallisessa genressä kuin puhtaasti historiallisessa genressä. "1600-luvun venäläiset naiset kirkossa" (1899), "Hääjuna Moskovassa. XVII vuosisata ”(1901) - nämä ovat jokapäiväisiä kohtauksia Moskovan elämästä XVII vuosisadalla. Rjabushkinin tyylitelty heijastuu kuvan tasaisuudessa, erityisessä plastisen ja lineaarisen rytmin järjestelmässä, kirkkaille suurväreille rakennetussa värimaailmassa, yleiskoristeratkaisussa. Rjabushkin tuo rohkeasti paikallisia värejä ulkoilmamaisemaan, esimerkiksi "Hääjunassa ..." - vaunun punainen väri, suuret juhlavaatteiden täplät tummien rakennusten ja lumen taustalla, kuitenkin, hienoimmissa värisävyissä. Maisema välittää aina runollisesti Venäjän luonnon kauneutta.

F. A. Malyavin (1869-1940) loi uudenlaisen maalauksen, jossa kansanperinteen taiteellisia perinteitä hallitaan aivan erityisellä tavalla ja käännetään modernin taiteen kielelle. Hänen kuvissaan "naisista" ja "tytöistä" on tietty. symbolinen merkitys - terve maaperä Venäjä. Hänen maalauksensa ovat aina ilmeikkäitä, ja vaikka nämä ovat yleensä maalausteoksia, ne saavat monumentaalisen ja koristeellisen tulkinnan taiteilijan siveltimen alla."Naurua" (1899, Museum of Modern Art, Venetsia) , "Whirlwind" (1906,) on realistinen talonpoikatyttökuva, joka nauraa tarttuvasti ääneen tai ryntää hallitsemattomasti pyöreässä tanssissa, mutta tämä realismi on erilaista kuin vuosisadan jälkipuoliskolla.koko kangas.

M. V. Nesterov (1862-1942) käsittelee muinaisen Venäjän teemaa, mutta Venäjän kuva esiintyy taiteilijan maalauksissa eräänlaisena ihanteellisena, melkein lumoutuneena maailmana, sopusoinnussa luonnon kanssa, mutta katosi ikuisesti kuin legendaarinen Kitezh-kaupunki. Tämä innokas luonnontuntemus, ilo maailmasta, jokaisen puun ja ruohonkorren edessä näkyy erityisen selvästi yhdessä Nesterovin vallankumousta edeltäneen ajan tunnetuimmista teoksista - "Nuoren Bartolomeuksen visio" (1889-1890, ). Kuvan juonen paljastamisessa on samat tyylilliset piirteet kuin Rjabushkinilla, mutta syvästi lyyrinen tunne luonnon kauneudesta ilmaistaan ​​poikkeuksetta, jonka kautta hahmojen korkea henkisyys, heidän valaistuneisuus, heidän vieraantuminen. maallinen meteli välitetään.

M.V. Nesterov teki paljon uskonnollista monumentaalimaalausta. Seinämaalaukset on aina omistettu muinaiselle venäläiselle teemalle (esimerkiksi Georgiassa - Aleksanteri Nevskille). Nesterovin seinämaalauksissa on monia havaittuja todellisia merkkejä, erityisesti maisemassa, muotokuvia - pyhimysten kuvassa. Taiteilijan pyrkimyksissä tasaiseen tulkintaan eleganssin, ornamentaalin, plastisten rytmien hienostuneisuuden sommittelusta ilmeni kiistaton jugendvaikutus.

Itse maisemagenre kehittyy 1800-luvun lopulla myös uudella tavalla. Itse asiassa Levitan sai päätökseen vaeltajien etsinnän maisemasta. Uuden sanan vuosisadan vaihteessa piti sanoa K.A. Korovin, V.A. Serov ja M.A. Vrubel.

Konstantin Aleksejevitš Korovin

Loistavalle koloristille Korovinille maailma näyttää "värien mellakana". Luonnon avokätisesti lahjakas Korovin harjoitti sekä muotokuvia että asetelmia, mutta ei olisi virhe sanoa, että maisema säilyi hänen suosikkigenrensä. Hän toi taiteeseen Moskovan maalaustaiteen, kuvanveiston ja arkkitehtuurin koulun opettajiensa - Savrasovin ja Polenovin - vahvat realistiset perinteet, mutta hänellä on erilainen näkemys maailmasta, hän asettaa muita tehtäviä. Hän aloitti maalaamisen en plein air varhain, jo vuonna 1883 kuvatussa kuorotytön muotokuvassa näkyy hänen itsenäinen plein airismin periaatteiden kehittyminen, joka ilmeni silloin useissa muotokuvissa, jotka tehtiin S. Mamontovin kartanolla Abramtsevossa. ("In the Boat", muotokuva T.S. Lyubatovitšista jne.), pohjoisissa maisemissa, toteutettu S. Mamontovin pohjoisen tutkimusmatkan aikana ("Talvi Lapissa"). Hänen ranskalaiset maisemat, joita yhdistää nimi "Pariisilaiset valot", ovat jo täysin impressionistinen maalaus, jossa on korkein etydikulttuuri. Teräviä, välittömiä vaikutelmia suurkaupungin elämästä: hiljaisia ​​katuja eri vuorokaudenaikoina, kevyeen ilmaan liuenneita esineitä, jotka on muotoiltu dynaamisella, "vapistavalla", värisevällä vedolla, tällaisten vetojen virta, jotka luovat illuusio sateen verhosta tai kaupunkiilmasta, joka on kyllästetty tuhansilla erilaisilla höyryillä, - piirteet muistuttavat Manetin, Pissarron ja Monetin maisemia. Korovin on temperamenttinen, tunteellinen, impulsiivinen, teatraalinen, tästä johtuen hänen maisemiensa kirkas loisto ja romanttinen elämys ("Pariisi. Capuchin Boulevard", 1906, Tretjakovin osavaltion galleria; "Pariisi yöllä. Italian bulevardi", 1908,). Korovin säilyttää samat impressionistisen etüüdin, maalauksellisen maestron, silmiinpistävän taiteen piirteet kaikissa muissa genreissä, ensisijaisesti muotokuvissa ja asetelmissa, mutta myös koristepaneeleissa, soveltavassa taiteessa, teatterimaisemissa, joita hän harjoitti koko elämänsä (Muotokuva Chaliapin, 1911, Venäjän museo; "Kala, viini ja hedelmät" 1916, Valtion Tretjakovin galleria).

Korovinin antelias maalauslahja ilmeni loistavasti teatteri- ja koristemaalauksessa. Teatterimaalarina hän työskenteli Abramtsevo-teatterissa (ja Mamontov oli ehkä ensimmäinen, joka arvosti häntä teatteritaiteilijana), Moskovan taideteatterissa, Moskovan yksityisessä venäläisessä oopperassa, jossa hän aloitti elinikäisen ystävyytensä Chaliapinin kanssa. Diaghilev-yritys. Korovin nosti teatterimaisemat ja taiteilijan merkityksen teatterissa uudelle tasolle, hän teki kokonaisen vallankumouksen taiteilijan roolin ymmärtämisessä teatterissa ja vaikutti aikalaisiinsa värikkäillä, "näyttävällä" maisemallaan. , joka paljastaa musiikkiesityksen olemuksen.

Valentin Aleksandrovitš Serov

Yksi suurimmista taiteilijoista, venäläisen maalauksen uudistaja vuosisadan vaihteessa, oli Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911). Serov kasvatettiin venäläisen musiikkikulttuurin merkittävien henkilöiden joukossa (hänen isänsä on kuuluisa säveltäjä, äitinsä pianisti), hän opiskeli Repinin ja Chistyakovin kanssa.

Serov maalaa usein taiteellisen älymystön edustajia: kirjailijoita, taiteilijoita, taiteilijoita (K. Korovinin muotokuvia, 1891, valtion Tretjakovin galleria; Levitan, 1893, valtion Tretjakovin galleria; Jermolova, 1905, valtion Tretjakovin galleria). Kaikki ovat erilaisia, hän tulkitsee niitä kaikkia syvästi yksilöllisesti, mutta henkisen eksklusiivisuuden ja inspiroidun luovan elämän valo loistaa heissä kaikissa.

Muotokuva, maisema, asetelma, kotimainen, historiallinen maalaus; öljy, guassi, tempera, puuhiili - on vaikea löytää sekä kuvallisia että graafisia genrejä, joissa Serov ei toimisi, ja materiaaleja, joita hän ei käyttäisi.

Erityinen teema Serovin työssä on talonpoika. Hänen talonpoikalajissaan ei ole liikkuvaa sosiaalista terävyyttä, mutta talonpojan elämän kauneuden ja harmonian tunnetta, ihailua Venäjän kansan terveestä kauneudesta ("Kylässä. Nainen hevosen kanssa", kartalla , pastelli, 1898, valtion Tretjakovin galleria). Talvimaisemat ovat erityisen upeita hopea-helmivärivalikoimallaan.

Serov tulkitsi historiallisen teeman omalla tavallaan: Elisabetin ja Katariina II:n "kuninkaalliset metsästykset" huvikävelyineen välitti uuden ajan taiteilija, ironinen, mutta myös poikkeuksetta 1700-luvun elämän kauneutta ihaileva. Serovin kiinnostus 1700-luvulle syntyi Taiteen maailman vaikutuksesta ja Venäjän suurherttuan, tsaarin ja keisarillisen metsästyksen historian julkaisutyön yhteydessä.

Serov oli syvästi ajatteleva taiteilija, joka etsi jatkuvasti uusia muotoja todellisuuden taiteelliseen toteuttamiseen. Art nouveausta inspiroima ajatukset tasaisuudesta ja koristeellisuuden lisääntymisestä eivät heijastuneet vain historiallisissa sävellyksessä, vaan myös hänen muotokuvassaan tanssija Ida Rubinsteinista, hänen luonnoksissaan Europan sieppauksesta ja Odysseiasta ja Navzikaista (molemmat 1910, Tretjakovin osavaltion galleria, pahvi, tempera). On merkittävää, että Serov kääntyy elämänsä lopussa muinaiseen maailmaan. Hänen vapaasti tulkitsemassaan, klassisten kaanonien ulkopuolella, runollisessa legendassa hän haluaa löytää harmonian, jonka etsimiseen taiteilija omistautui kaiken työnsä.

Mihail Aleksandrovitš Vrubel

Mihail Aleksandrovich Vrubelin (1856-1910) luova polku oli suorempi, vaikkakin samalla epätavallisen monimutkainen. Ennen Taideakatemiaa (1880) Vrubel valmistui Pietarin yliopiston oikeustieteellisestä tiedekunnasta. Vuonna 1884 hän meni Kiovaan valvomaan Pyhän Kyrilloksen kirkon freskojen entisöintiä ja loi itse useita monumentaalisia sävellyksiä. Hän tekee akvarelliluonnoksia Vladimirin katedraalin seinämaalauksista. Luonnoksia ei siirretty seinille, koska asiakas pelästyi niiden epäkanonisesta ja ilmaisuvoimaisuudesta.

90-luvulla, kun taiteilija asettui Moskovaan, muodostui Vrubelin mysteeriä ja lähes demonista voimaa täynnä oleva kirjoitustyyli, jota ei voi sekoittaa mihinkään muuhun. Hän veistää muodon mosaiikin tavoin terävistä "fasetoiduista" erivärisistä paloista, jotka ikään kuin hehkuisivat sisältäpäin ("Tyttö persialaisen maton taustalla", 1886, KMRI; "Fortuneteller", 1895, Tretjakovin osavaltion galleria) . Väriyhdistelmät eivät heijasta värisuhteen todellisuutta, vaan niillä on symbolinen merkitys. Luonnolla ei ole valtaa Vrubeliin. Hän tuntee hänet, omistaa hänet täydellisesti, mutta luo oman fantasiamaailmansa, vähän kuin todellisuus. Hän vetoaa kirjallisiin aiheisiin, joita hän tulkitsee abstraktisti yrittäen luoda ikuisia kuvia suuresta henkisestä voimasta. Joten otettuaan kuvia "Demoniin" hän poikkeaa pian suoran kuvauksen periaatteesta ("Tamaran tanssi", "Älä itke, lapsi, älä itke turhaan", "Tamara arkussa" jne. ). Demonin kuva on Vrubelin koko teoksen keskeinen kuva, hänen pääteemansa. Vuonna 1899 hän kirjoitti "The Flying Demon", vuonna 1902 - "The Downcast Demon". Vrubelin demoni on ennen kaikkea kärsivä olento. Kärsimys voittaa siinä pahuuden, ja tämä on kansallisen venäläisen kuvan tulkinnan erikoisuus. Aikalaiset, kuten aivan oikein huomautettiin, näkivät hänen "Demoneissaan" symbolin intellektuellin kohtalosta - romanttisesta, joka yritti kapinallisesti paeta harmoniattoman todellisuudesta epätodelliseen unelmien maailmaan, mutta syöksyi maallisen karkeaan todellisuuteen.

Vrubel loi kypsimmät maalauksensa ja graafiset teoksensa vuosisadan vaihteessa - maisema-, muotokuva-, kirjankuvituksen genressä. Kankaan tai arkin organisoinnissa ja koriste-tasomaisessa tulkinnassa, todellisen ja fantastisen yhdistämisessä, sitoutumisessa ornamentaalisiin, rytmillisesti monimutkaisiin ratkaisuihin hänen tämän aikakauden teoksissa korostuvat yhä enemmän modernisuuden piirteet.

Kuten K. Korovin, Vrubel työskenteli paljon teatterissa. Hänen parhaita maisemiaan esitettiin Moskovan yksityisoopperan näyttämöllä Rimski-Korsakovin oopperoihin Lumityttö, Sadko, Tsaari Saltanin tarina ja muihin, eli niille teoksille, jotka antoivat hänelle mahdollisuuden "kommunikoida" venäläisen kansanperinteen kanssa. , satu, legenda.

Lahjakkuuden universalismi, rajaton mielikuvitus, poikkeuksellinen intohimo jalojen ihanteiden vahvistamisessa erottavat Vrubelin monista hänen aikalaisistaan.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) on kuvallisen symbolismin suora edustaja. Hänen teoksensa ovat elegista surua vanhoille tyhjille "jalopesille" ja kuoleville "kirsikkatarhoille", kauniille naisille, henkistyneelle, melkein epämaalliselle, pukeutuneille jonkinlaisiin ajattomiin pukuihin, jotka eivät sisällä ulkoisia paikan ja ajan merkkejä.

Hänen maalausteoksensa eivät muistuta ennen kaikkea edes koristepaneeleja, vaan kuvakudoksia. Tila on ratkaistu äärimmäisen ehdollisesti, tasomaisesti, hahmot ovat lähes eteerisiä, kuten esimerkiksi unenomaiseen meditaatioon upotetut tytöt lammen rannalla maalauksessa "Pond" (1902, tempera, State Tretjakovin galleria) syvää pohdintaa. Haalistuneet, vaaleanharmaat värisävyt vahvistavat yleisvaikutelmaa haurasta, epämaallisesta kauneudesta ja aneemisesta, aavemaisuudesta, joka ulottuu paitsi ihmiskuviin, myös hänen kuvaamaansa luontoon. Ei ole sattumaa, että Borisov-Musatov kutsui yhtä töistään "Aaveiksi" (1903, tempera, Valtion Tretjakovin galleria): hiljaiset ja passiiviset naishahmot, marmoripatsaat portaiden vieressä, puolialaston puu - haalistunut sininen valikoima, harmaat, violetit sävyt lisäävät kuvatun aavemaisuutta.

"Taiteen maailma"

"World of Art" - organisaatio, joka syntyi Pietarissa vuonna 1898 ja yhdisti korkeimman taiteellisen kulttuurin mestarit, noiden vuosien Venäjän taiteellisen eliitin. "World of Art" on tullut yksi Venäjän taiteellisen kulttuurin suurimmista ilmiöistä. Lähes kaikki kuuluisat taiteilijat osallistuivat tähän yhdistykseen.

Lehden ensimmäisten numeroiden toimituksellisissa artikkeleissa "Taiteen maailman" päämääräykset taiteen autonomiasta, että modernin kulttuurin ongelmat ovat yksinomaan taiteellisia muotoongelmia ja että taiteen päätehtävä on kouluttaa venäläisen yhteiskunnan esteettisiä makuja ensisijaisesti tutustumalla maailman taiteen teoksiin. Meidän on annettava heille ansionsa: taiteen maailman ansiosta englantilainen ja saksalainen taide todella arvostettiin uudella tavalla, ja mikä tärkeintä, 1700-luvun venäläinen maalaus ja Pietarin klassismin arkkitehtuuri tulivat monelle löydökseksi. "World of Art" taisteli "kritiikin taiteena" puolesta julistaen ihannetta kriitikko-taiteilijasta, jolla on korkea ammattikulttuuri ja eruditio. Tällaisen kriitikon tyyppiä esitti yksi The World of Artin luojista, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" järjesti näyttelyitä. Ensimmäinen oli myös ainoa kansainvälinen, joka kokosi venäläisten lisäksi taiteilijoita Ranskasta, Englannista, Saksasta, Italiasta, Belgiasta, Norjasta, Suomesta jne. Siihen osallistuivat sekä Pietarin että Moskovan taidemaalarit ja graafikot. Mutta halkeama näiden kahden koulun - Pietarin ja Moskovan - välillä oli ilmeinen jo melkein ensimmäisestä päivästä lähtien. Maaliskuussa 1903 päättyi viimeinen, viides World of Art -näyttely, joulukuussa 1904 ilmestyi World of Art -lehden viimeinen numero. Suurin osa taiteilijoista siirtyi Moskovan näyttelyn "36" perusteella järjestettyyn "Venäjän taiteilijoiden liittoon", kirjailijat - Merežkovskin ryhmän avaamaan New Way -lehteen, Moskovan symbolistit yhdistyivät "Vesy"-lehden ympärille, muusikot järjestivät " Nykymusiikin illat", Diaghilev meni kokonaan balettiin ja teatteriin.

Vuonna 1910 yritettiin puhaltaa elämää takaisin "taiteen maailmaan" (johti Roerich). Maine tuli "taiteen maailmalle", mutta "taiteiden maailmaa" ei käytännössä enää ollut olemassa, vaikka muodollisesti yhdistys oli olemassa 1920-luvun alkuun (1924) saakka - täydellisellä rehellisyyden puutteella, rajattomalla suvaitsevaisuudesta ja asemien joustavuudesta. "World of Art":n toinen sukupolvi ei ollut niin kiireinen maalaustelinemaalauksen ongelmien kanssa, heidän kiinnostuksen kohteensa ovat grafiikka, pääasiassa kirja, sekä teatteri- ja koristetaide, molemmilla alueilla he tekivät todellisen taiteellisen uudistuksen. "Taiteen maailman" toisessa sukupolvessa oli myös suuria henkilöitä (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Jakovlev, Shukhaev, Mitrohhin jne.), mutta innovatiivisia taiteilijoita ei ollut ollenkaan.

"Taiteen maailman" johtava taiteilija oli K. A. Somov (1869-1939). Eremitaasin pääkuraattorin poika, joka valmistui Taideakatemiasta ja matkusti ympäri Eurooppaa, Somov sai erinomaisen koulutuksen. Luova kypsyys tuli hänelle varhain, mutta, kuten tutkija (V. N. Petrov) perustellusti totesi, hänellä oli aina kaksinaisuutta - taistelu voimakkaan realistisen vaiston ja tuskallisen emotionaalisen maailmankuvan välillä.

Somov, sellaisena kuin me hänet tunnemme, esiintyi taiteilija Martynovan muotokuvassa ("Lady in Blue", 1897-1900, valtion Tretjakovin galleria), muotokuvamaalauksessa "Echo of the Past Time" (1903, kartalla, aqua. , guassi, State Tretyakov Gallery ), jossa hän luo runollisen luonnehdinnan dekadenttisen mallin hauraasta, aneemisesta naisen kauneudesta, kieltäytyen välittämästä modernin todellisia jokapäiväisiä merkkejä. Hän pukee mallit ikivanhoihin pukuihin, antaa heille salaisen kärsimyksen, surun ja unenomaisuuden, tuskallisen murtuman piirteitä.

Somov omistaa sarjan graafisia muotokuvia aikalaisistaan ​​- älyllisestä eliitistä (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky jne.), joissa hän käyttää yhtä yleistä tekniikkaa: valkoisella pohjalla - tietyssä ajattomassa pallo - hän piirtää kasvot, samankaltaisuuden, jossa se ei saavuteta naturalisoinnilla, vaan rohkeilla yleistyksellä ja osuvalla luonteenomaisten yksityiskohtien valinnalla. Tämä ajan merkkien puute luo vaikutelman staattisuudesta, jäykkyydestä, kylmyydestä, melkein traagisesta yksinäisyydestä.

Ennen kuin kukaan muu Taiteen maailmassa Somov kääntyi menneisyyden teemoihin, 1700-luvun tulkintaan. ("Kirje", 1896; "Luottamuksellisuus", 1897), joka on Benois'n Versailles-maisemien edelläkävijä. Hän on ensimmäinen, joka luo surrealistisen maailman, joka on kudottu aateliston, kartanon ja hovikulttuurin motiiveista ja omista puhtaasti subjektiivisista taiteellisista tuntemuksistaan, jotka ovat ironiaa läpäiseviä. "Taiteen maailman" historismi oli pakoa todellisuudesta. Ei menneisyys, vaan sen lavastus, peruuttamattomuuden kaipuu - tämä on heidän päämotiivinsa. Ei aitoa hauskanpitoa, vaan hauskaa leikkimistä suudelmilla kujilla - sellainen on Somov.

"Taiteen maailman" ideologinen johtaja oli A. N. Benois (1870-1960) - epätavallisen monipuolinen lahjakkuus. Taidemaalari, maalaustelinegraafikko ja kuvittaja, teatteritaiteilija, ohjaaja, balettilibrettojen kirjoittaja, taideteoreetikko ja historioitsija, musiikkihahmo, hän oli A. Belyn sanoin "taiteen maailman" pääpoliitikko ja diplomaatti. Taiteilijana hänet sukua Somoviin tyylilliset taipumukset ja riippuvuus menneisyydestä ("Olen päihtynyt Versaillesista, tämä on jonkinlainen sairaus, rakkaus, rikollinen intohimo ... Muutin kokonaan menneisyyteen ...") . Versaillesin maisemissa Benois yhdisti 1600-luvun historiallisen jälleenrakentamisen. ja nykyajan vaikutelmia taiteilijasta, hänen käsityksensä ranskalaisesta klassismista, ranskalaisesta kaiverruksesta. Tästä johtuu selkeä sommittelu, selkeä tilallisuus, rytmien loisto ja kylmä ankaruus, vastakohta taidemonumenttien suurenmoisuuden ja ihmishahmojen pienuuden välillä, jotka ovat vain henkilökunnan joukossa (1. Versailles-sarja 1896-1898 otsikolla "Louis XIV:n viimeiset kävelyt"). Toisessa Versailles-sarjassa (1905-1906) myös ensimmäisille arkkeille tyypillistä ironiaa väritetään lähes traagisilla sävyillä ("Kuninkaan kävely", n., guassi, vesi, kulta, hopea, kynä, 1906 , Valtion Tretjakovin galleria). Benoisin ajattelu on teatteritaiteilijan ajattelua, joka tunsi ja tunsi teatterin erittäin hyvin.

Benois näkee luonnon assosiatiivisessa yhteydessä historiaan (näkemykset Pavlovskista, Peterhofista, Tsarskoje Selosta, hänen akvarellitekniikalla toteuttamansa).

Kuvittaja Benois (Pushkin, Hoffman) on kokonainen sivu kirjan historiassa. Toisin kuin Somov, Benois luo narratiivisen kuvituksen. Sivun taso ei ole hänelle itsetarkoitus. Kirjakuvituksen mestariteos oli Pronssiratsumiehen graafinen suunnittelu (1903,1905,1916,1921-1922, tussi ja vesiväri jäljittelevät värillistä puupiirrosta). Suuren runon kuvitussarjassa päähenkilönä on Pietarin arkkitehtuurimaisema, nyt juhlallisesti säälittävä, nyt rauhallinen, nyt synkkä, jota vastaan ​​Eugenin hahmo näyttää vielä merkityksettömämmältä. Näin Benois ilmaisee traagisen ristiriidan Venäjän valtion kohtalon ja pienen miehen henkilökohtaisen kohtalon välillä ("Ja koko yön hullu hullu, / minne hän käänsi jalkansa, / Pronssiratsumies oli kaikkialla hänen kanssaan / raskas stomp laukkaa").

Teatteritaiteilijana Benois suunnitteli "Venäjän vuodenaikojen" -esityksiä, joista tunnetuin oli baletti "Petrushka" Stravinskin musiikkiin, hän työskenteli paljon Moskovan taideteatterissa ja myöhemmin - melkein kaikilla tärkeillä Euroopan vaiheet.

Erityinen paikka "taiteen maailmassa" on N. K. Roerichilla (1874-1947). Idän filosofian ja etnografian tuntija, arkeologi-tieteilijä Roerich sai erinomaisen koulutuksen ensin kotona, sitten Pietarin yliopiston oikeustieteellisessä ja historiallis-filologisessa tiedekunnassa, sitten Taideakatemian työpajassa. Kuindzhissa ja Pariisissa F. Cormonin studiossa. Varhain hän sai tiedemiehen arvovallan. Häntä sukua "taiteen maailmaan" sama rakkaus retrospektiiviin, mutta ei 1600-1700-luvuilla, vaan pakanallisen slaavilaisen ja skandinaavisen antiikin muinaisessa Venäjällä; tyylisuuntauksia, teatterin koristeellisuutta ("Messenger", 1897, Valtion Tretjakovin galleria; "The Elders Converge", 1898, Venäjän museo; "Sinister", 1901, Venäjän museo). Roerich liittyi läheisimmin venäläisen symbolismin filosofiaan ja estetiikkaan, mutta hänen taiteensa ei mahtunut olemassa olevien suuntausten kehykseen, koska se kääntyi taiteilijan maailmankuvan mukaisesti ikään kuin koko ihmiskunnan puoleen. vetoaa kaikkien kansojen ystävällisen liiton puolesta. Tästä johtuu hänen maalaustensa erityinen eeppinen luonne.

Vuoden 1905 jälkeen panteistisen mystiikan tunnelma kasvoi Roerichin teoksissa. Historialliset teemat väistyvät uskonnollisille legendoille (Taivaallinen taistelu, 1912, Venäjän museo). Venäläisellä ikonilla oli valtava vaikutus Roerichiin: hänen koristetaulunsa Kerzhentsin taistelu (1911) esitettiin Rimski-Korsakovin oopperan Tarina Kitezhin näkymättömästä kaupungista ja Neitsyt Fevroniasta esitettäessä samanniminen fragmentti. Pariisin Venäjän vuodenajat.

"Taiteen maailma" oli vuosisadan vaihteen suuri esteettinen liike, joka arvioi uudelleen koko modernin taidekulttuurin, hyväksyi uusia makuja ja ongelmia, palautti taiteeseen - korkeimmalla ammattitasolla - kirjagrafiikan ja teatterin kadonneet muodot. ja heidän ponnistelullaan koko Euroopan tunnustusta saanut koristemaalaus loi uutta taidekritiikkiä, joka edisti venäläistä taidetta ulkomailla, itse asiassa jopa avasi osan sen vaiheista, kuten Venäjän 1700-luvulla. "World of Art" loi uudenlaisen historiallisen maalauksen, muotokuvan, maiseman, jolla on omat tyylilliset piirteensä (selkeät tyylisuuntaukset, graafisten tekniikoiden hallitseminen kuvallisiin, puhtaasti koristeellinen ymmärrys väristä jne.). Tämä määrittää niiden merkityksen venäläiselle taiteelle.

"World of Art" -ohjelman heikkoudet näkyivät ensisijaisesti ohjelman monimuotoisuudessa ja epäjohdonmukaisuudessa, joka julisti mallin "joko Böcklin, sitten Manet"; idealistisissa taidenäkemyksissä, vaikuttuneessa välinpitämättömyydessä taiteen kansalaistehtäviä kohtaan, ohjelmallisessa apatiassa, kuvan yhteiskunnallisen merkityksen menettämisessä. "Taiteen maailman" läheisyys, sen puhdas estetismi määritti hänen elämänsä lyhyen historiallisen ajanjakson lähestyvän vallankumouksen valtavien traagisten merkkien aikakaudella. Nämä olivat vasta ensimmäisiä askeleita luovien etsintöjen tiellä, ja hyvin pian nuoret ohittivat World of Art -opiskelijat.

"Venäjän taiteilijoiden liitto"

Vuonna 1903 perustettiin yksi vuosisadan alun suurimmista näyttelyyhdistyksistä, Venäjän taiteilijoiden liitto. Aluksi melkein kaikki "taiteen maailman" näkyvät henkilöt - Benois, Bakst, Somov - tulivat siihen, Vrubel, Borisov-Musatov osallistuivat ensimmäisiin näyttelyihin. Yhdistyksen perustamisen aloitteentekijänä olivat "taiteen maailmaan" liittyvät Moskovan taiteilijat, joita painoi kuitenkin pietarilaisten ohjelmallinen estetiikka.

Kansallismaisema, rakkaudella maalatut kuvat talonpoikaisesta Venäjästä - yksi "Unionin" taiteilijoiden päälajeista, jossa "venäläinen impressionismi" ilmaisi itsensä omituisella tavalla pääasiassa maaseutu- eikä kaupunkiaiheineen. Joten I.E.:n maisemat Grabar (1871-1960) lyyrisellä tunnelmallaan, hienoimmilla kuvaviivoillaan heijastaa hetkellisiä muutoksia todellisessa luonnossa, on eräänlainen rinnakkaisuus Venäjän maaperällä ranskalaiseen impressionistiseen maisemaan ("Syyskuun lumi", 1903, Valtion Tretjakovin galleria). Grabarin kiinnostus näkyvän värin hajoamiseen paletin spektraalisiksi, puhtaiksi väreiksi tekee hänestä sukulaisensa myös uusimpressionismiin, J. Seuratiin ja P. Signaciin ("Maaliskuun lumi", 1904, State Tretjakovin galleria). Luonnon värien leikki, monimutkaiset koloristiset efektit ovat "liittoutuneiden" läheisen tutkimuksen kohteena, jotka luovat kankaalle kuvallisen ja plastisen figuratiivisen maailman, jossa ei ole kerrontaa ja havainnollistavuutta.

Kaikesta kiinnostuksesta valon ja ilman välittämiseen "Unionin" mestareiden maalauksessa, esineen liukenemista valo-ilmaväliaineeseen ei koskaan havaita. Väristä tulee koristeellinen.

"Allies", toisin kuin pietarilaiset - "taiteen maailman" graafikot - ovat enimmäkseen maalareita, joilla on korostunut koristeellinen väritaju. Erinomainen esimerkki tästä ovat F.A.:n maalaukset. Malyavin.

Kaiken kaikkiaan Liittoutuneet vetosivat paitsi plein-air -tutkimuksiin myös monumentaalisiin kuvamuotoihin. Vuoteen 1910 mennessä, "taiteen maailman" jakautumisen ja toissijaisen muodostumisen aikaan, "Unionin" näyttelyissä voitiin nähdä intiimi maisema (Vinogradov, Yuon jne.), maalausta lähellä ranskalaista divisionismia (Grabar) , varhainen Larionov) tai lähellä symbolismia (P. Kuznetsov, Sudeikin); niihin osallistuivat myös Diaghilevin "World of Art" -teoksen taiteilijat - Benois, Somov, Bakst.

"Venäläisten taiteilijoiden liitolla", jolla on vankat realistiset perustat ja jolla oli merkittävä rooli kotimaisessa kuvataiteessa, oli tietty vaikutus Neuvostoliiton maalauskoulun muodostumiseen, joka oli olemassa vuoteen 1923 asti.

Vuonna 1907 Moskovassa Golden Fleece -lehti järjesti ainoan Borisov-Musatovia seuraavien taiteilijoiden näyttelyn, nimeltään Sininen ruusu. P. Kuznetsovista tuli Sinisen ruusun johtava taiteilija. ”Siniset karhut” ovat lähimpänä symboliikkaa, joka ilmaantui ensisijaisesti heidän "kielellään": tunnelman epävakaus, assosiaatioiden epämääräinen, kääntämätön musikaalisuus, värisuhteiden hienostuneisuus. Näyttelyn osallistujien esteettinen alusta vaikutti myös myöhempinä vuosina, ja tämän näyttelyn nimestä tuli tuttu nimi koko taiteen suuntaukselle 900-luvun jälkipuoliskolla. "Sinisen ruusun" koko toiminnassa on myös voimakkain jugendtyylin vaikutus (tasokoristeellinen muotojen stilisointi, hassu lineaariset rytmit).

P. V. Kuznetsovin (1878-1968) teokset heijastavat Blue Bearsin perusperiaatteita. Kuznetsov loi koristeellisen paneelikuvan, jossa hän pyrki abstrahoitumaan arkipäiväisestä konkreettisuudesta, näyttämään ihmisen ja luonnon yhtenäisyyttä, elämän ja luonnon ikuisen kierron vakautta, ihmissielun syntyä tässä harmoniassa. Tästä johtuu halu monumentaalisiin maalauksen muotoihin, unenomaiseen-mielehtivään, kaikesta hetkellisestä puhdistetusta, yleismaailmallisesta, ajattomasta nuoteista, jatkuva halu välittää aineen henkisyyttä. Figuuri on vain merkki, joka ilmaisee käsitteen; väri välittää tunteita; rytmi - tuodakseen tiettyyn tunteiden maailmaan (kuten ikonimaalauksessa - rakkauden, arkuuden, surun jne. symboli). Tästä syystä valon tasaisen jakautumisen vastaanotto koko kankaan pinnalle yhtenä Kuznetsovin koristeellisuuden perustana. Serov sanoi, että P. Kuznetsovin luonto "hengittää". Tämä näkyy täydellisesti hänen Kirgisia- (Steppe)- ja Bukhara-sviiteissään Keski-Aasian maisemissa. Kuznetsov opiskeli muinaisen venäläisen ikonimaalauksen tekniikoita, varhaista italialaista renessanssia. Tämä vetoomus maailmantaiteen klassisiin perinteisiin etsimään omaa suurta tyyliään, kuten tutkijat ovat oikein todenneet, oli perustavanlaatuista aikana, jolloin perinteet usein kiellettiin kokonaan.

Idän eksotiikka - Iran, Egypti, Turkki - toteutuu M. S. Saryanin (1880-1972) maisemissa. Itä oli luonnollinen teema armenialaiselle taiteilijalle. Saryan luo maalauksessaan maailman täynnä kirkasta koristeellisuutta, intohimoisemman, maanläheisemmän kuin Kuznetsovin, ja kuvallinen ratkaisu rakentuu aina vastakkaisille värisuhteille, ilman vivahteita, terävässä varjovertailussa ("Tatetelpalmu, Egypti", 1911) , kartat. , tempera, GTG).

Saryanin kuvat ovat monumentaalisia muotojen yleistymisen, suurten värikkäiden tasojen, kielen yleisen lapidaarisuuden vuoksi - tämä on yleensä yleistetty kuva Egyptistä, olipa kyseessä Persia, kotimainen Armenia, säilyttäen samalla elintärkeän luonnollisuuden, kuten jos luonnosta on kirjoitettu. Saryanin koristeelliset kankaat ovat aina iloisia, ne vastaavat hänen ajatustaan ​​luovuudesta: "... taideteos on onnen, eli luovan työn, tulos. Näin ollen sen pitäisi sytyttää katsojassa luovan palamisen liekki, edistää hänen luonnollisen onnen- ja vapaudenhalun tunnistamista.

"Timanttien Jack"

Vuonna 1910 joukko nuoria taiteilijoita - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova ja muita - yhdistyi Jack of Diamonds -organisaatioon, jolla oli omansa. oma peruskirja, järjestetty näyttelyitä ja julkaissut omia artikkelikokoelmia. "Jack of Diamonds" oli itse asiassa olemassa vuoteen 1917 asti. Koska postimpressionismi, ensisijaisesti Cezanne, oli "reaktio impressionismiin", niin "Jack of Diamonds" vastusti "sinisen" symbolisen kielen epämääräisyyttä, kääntämättömyyttä ja hienoimpia vivahteita. Rose” ja ”World of Art” esteettinen tyyli. Maailman aineellisuuden, "aineellisuuden" kantama "timanttien roisto" tunnusti kuvan selkeää rakennetta, korosti muodon objektiivisuutta, intensiteettiä, värien täyteyttä. Ei ole sattumaa, että asetelmasta tulee "Valetovisien" suosikkigenre, aivan kuten maisemasta tulee Venäjän taiteilijoiden liiton jäsenten suosikkigenre. "Valetovitit" hylkäävät tunnelmien muutoksen välittämisen hienovaraisuuden, ominaisuuksien psykologisuuden, tilojen aliarvioinnin, "sinisten kantajien" maalauksen dematerialisoitumisen, heidän romanttisen runoutensa. Niitä vastustavat värien lähes spontaani juhlallisuus, ääriviivapiirroksen ilmaisu, mehukas tahnamainen leveä kirjoitustapa, jotka välittävät optimistista maailmankatsomusta ja luovat lähes farssisen, neliömäisen tunnelman. "Knave of Diamonds" mahdollistaa sellaiset yksinkertaistukset muodon tulkinnassa, jotka muistuttavat suosittua suosittua printtiä, kansanlelua, maalauslaattoja, kylttiä. Primitivismin himo (latinan sanasta primitivus - primitiivinen, alkukanta) ilmeni useissa taiteilijoissa, jotka matkivat niin sanottujen primitiivisten aikakausien yksinkertaistettuja taiteen muotoja - primitiivisiä heimoja ja kansallisuuksia - etsiessään taiteellisen havainnoinnin välittömyyttä ja eheyttä. "Jack of Diamonds" veti käsityksensä Cezannesta (siitä joskus nimi "venäläinen cezanneismi"), vielä enemmän kubismista (muotojen "muutos") ja jopa futurismista (dynamiikka, erilaiset muodon muunnelmat).

Muodon äärimmäinen yksinkertaistaminen, suora yhteys kylttitaitoon on erityisen havaittavissa M.F. Larionov (1881-1964), yksi "Jack of Diamondsin" perustajista, mutta jo vuonna 1911 erosi hänestä. Larionov maalaa maisemia, muotokuvia, asetelmia, työskentelee Diaghilev-yrityksen teatteritaiteilijana, sitten siirtyy genremaalaukseen, hänen teemansa on maakuntakadun elämä, sotilaiden kasarmi. Muodot ovat litteitä, groteskeja, ikään kuin tarkoituksella tyyliteltyjä lapsen piirrokseksi, suosituksi printiksi tai kylttiksi. Vuonna 1913 Larionov julkaisi kirjansa "Luchism" - itse asiassa ensimmäinen abstraktin taiteen manifesteista, jonka todellisia luojia Venäjällä olivat V. Kandinsky ja K. Malevich.

Taiteilija N.S. Goncharova (1881-1962), Larionovin vaimo, kehitti samoja suuntauksia genremaalauksissaan, enimmäkseen talonpoikateemalla. Tarkasteltavina vuosina hänen Larionovin taidetta koristeellisemmassa ja värikkäämmässä, sisäisessä vahvuudessaan ja lakonisuudessaan monumentaalisessa työssään näkyy vahvasti intohimo primitivismiin. Kuvattaessa Goncharovan ja Larionovin työtä, termiä "uusprimitivismi" käytetään usein.

M.Z. Chagall (1887-1985) loi pikkukaupungin Vitebskin elämän tylsistä vaikutelmista muunnettuja fantasioita, jotka on tulkittu naiivi-poeettiseen ja groteski-symboliseen henkeen. Surrealistisen tilan, kirkkaiden värien ja tarkoituksellisen muodon primitivisoinnin ansiosta Chagall osoittautuu läheiseksi sekä länsimaista ekspressionismia että primitiivistä kansantaidetta ("Minä ja kylä", 1911, Museum of Contemporary Art, New York; "Over Vitebsk", 1914 , ko. Zak. Toronto; "Häät", 1918, Tretjakovin osavaltiogalleria).

"Nuortenliitto"

Union of Youth on Pietarin järjestö, joka perustettiin lähes samanaikaisesti Jack of Diamonds -järjestön (1909) kanssa. Pääroolia siinä näytteli L. Zheverzheev. Aivan kuten "valetovtsy", "Nuorten liiton" jäsenet julkaisivat teoreettisia kokoelmia. Yhdistyksen romahtamiseen saakka vuonna 1917. "Nuorten liitolla" ei ollut erityistä ohjelmaa, joka tunnusti symboliikkaa ja kubismia, futurismia ja "ei-objektiivisuutta", mutta jokaisella taiteilijalla oli omat luovat kasvonsa.

Vallankumousta edeltävien vuosien taidetta Venäjällä leimaa taiteellisten etsintöjen epätavallinen monimutkaisuus ja epäjohdonmukaisuus, mistä johtuen peräkkäiset ryhmittymät omilla ohjelma-asetuksillaan ja tyylisympatioillaan. Mutta tuon ajan venäläisen taiteen abstraktien muotojen alan kokeilijoiden ohella "taiteen maailma" ja "goluborosiitit", "liittolaiset", "timanttien räpylät" jatkoivat työtä samaan aikaan, oli myös voimakas uusklassisten virtausten virta, josta esimerkkinä voi olla "Mir-taiteen" aktiivisen jäsenen työ "toisessa sukupolvessaan" Z. E. Serebryakova (1884-1967). Serebryakova tulee runollisissa genren kankaissaan lakonisilla piirrotuksillaan, tuntuvasti aistillisilla muovimuovauksilla ja sommittelun tasapainolla venäläisen taiteen korkeista kansallisista perinteistä, ensisijaisesti Venetsianovista ja vielä pidemmältä - muinaisesta venäläisestä taiteesta ("Talonpojat", 1914, Venäjän museo; "Sadonkorjuu", 1915, Odessan taidemuseo; "Kankaan valkaisu", 1917, Valtion Tretjakovin galleria).

Lopuksi, loistava todiste kansallisten perinteiden elinvoimaisuudesta, suuri muinainen venäläinen maalaus on K. S. Petrov-Vodkinin (1878-1939), taiteilija-ajattelijan työ, josta tuli myöhemmin neuvostoajan merkittävin taiteen mestari. Kuuluisassa maalauksessa Bathing the Red Horse (1912, pe) taiteilija turvautui kuvaannolliseen metaforaan. Kuten oikein todettiin, nuori mies kirkkaan punaisella hevosella herättää assosiaatioita suosittuun Pyhän Yrjön Voittajan ("Pyhä Egor") kuvaan ja yleiseen siluettiin, rytmiseen, kompaktiin sommitteluun ja kontrastisten väritäplien kylläisyyteen, joka ääni täydellä voimalla, ja muotojen tulkinnan tasaisuus johtaa muinaisen venäläisen ikonin muistoon. Petrov-Vodkin luo harmonisesti valaistun kuvan monumentaalisessa maalauksessa "Tytöt Volgalla" (1915, Valtion Tretjakovin galleria), jossa hän myös tuntee suuntautumisensa venäläisen taiteen perinteisiin, mikä johtaa mestarin todelliseen kansallisuuteen.

Arkkitehtuuri

Pitkälle kehittyneen teollisen kapitalismin aikakausi aiheutti merkittäviä muutoksia arkkitehtuurissa, ennen kaikkea kaupungin arkkitehtuurissa. On olemassa uudenlaisia ​​arkkitehtonisia rakenteita: tehtaita, asemia, kauppoja, pankkeja, elokuvateatterin - elokuvateattereita - tulon myötä. Vallankaappauksen tekivät uudet rakennusmateriaalit: teräsbetoni- ja metallirakenteet, jotka mahdollistivat jättimäisten tilojen tukkimisen, valtavien näyteikkunoiden tekemisen ja omituisen sidoskuvion.

1800-luvun viimeisellä vuosikymmenellä arkkitehdeille kävi selväksi, että menneisyyden historiallisia tyylejä käyttäen arkkitehtuuri joutui umpikujaan, tutkijoiden mukaan oli välttämätöntä, että historiaa ei "järjestää" uudelleen. tyylejä, vaan ymmärtämään luovasti uutta, joka kertyi nopeasti kasvavan kapitalistisen kaupungin ympäristöön. 1800-luvun viimeiset vuodet - 1900-luvun alku ovat modernin dominoinnin aikaa Venäjällä, joka muodostui lännessä ensisijaisesti belgialaiseen, eteläsaksalaiseen ja itävaltalaiseen arkkitehtuuriin, joka on yleinen kosmopoliittinen ilmiö (vaikka tässä venäläinen modernius eroaa länsimaisesta eurooppalainen, koska se on sekoitus historiallista uusrenessanssia, uusbarokkia, uusrokokooa jne.).

Silmiinpistävä esimerkki jugendista Venäjällä oli F.O. Shekhtel (1859-1926). Kannattavat talot, kartanot, kauppayhtiöiden rakennukset ja asemat - kaikissa genreissä Shekhtel jätti käsialansa. Rakennuksen epäsymmetria on hänelle tehokasta, tilavuuden orgaaninen kasvu, julkisivujen erilaisuus, parvekkeiden, kuistien, erkkeri-ikkunoiden, ikkunoiden yläpuolella olevien sandrikkien käyttö, tyylitellyn lilja- tai iiriskuvan tuominen sisätiloihin. arkkitehtoninen sisustus, lasimaalausten käyttö samalla ornamentikatiivilla, erilaiset materiaalikuviot sisustussuunnittelussa. Linjojen kierteisiin rakennettu outo kuvio ulottuu kaikkiin rakennuksen osiin: jugendin rakastama mosaiikkifriisi tai lasitettujen keraamisten laattojen vyö haalistuneissa dekadenttisissa väreissä, lasimaalaukset, aitakuvio, parveke ristikot; portaiden koostumukseen, jopa huonekaluihin jne. Oikeita kaarevia ääriviivoja hallitsevat kaikkea. Art Nouveaussa voidaan jäljittää tietty kehitys, kaksi kehitysvaihetta: ensimmäinen on koristeellinen, jolla on erityinen intohimo ornamenttiin, koristeveistokseen ja maalaukseen (keramiikka, mosaiikit, lasimaalaukset), toinen on rakentavampi, rationalistisempi.

Art Nouveau on hyvin edustettuna Moskovassa. Tänä aikana tänne rakennettiin rautatieasemia, hotelleja, pankkeja, varakkaan porvariston kartanoita, vuokrataloja. Ryabushinsky-kartano Nikitski-porttien vieressä Moskovassa (1900-1902, arkkitehti F.O. Shekhtel) on tyypillinen esimerkki venäläisestä jugendista.

Vetoa muinaisen venäläisen arkkitehtuurin perinteisiin, mutta nykyaikaisuuden tekniikoiden avulla, ei kopioida keskiaikaisen venäläisen arkkitehtuurin naturalistisia yksityiskohtia, jotka olivat tyypillisiä 1800-luvun puolivälin "venäläiselle tyylille", vaan vaihtelemalla sitä vapaasti yrittäen välittää muinaisen Venäjän henkeä, synnytti 1900-luvun alun niin sanotun uusvenäläisen tyylin (kutsutaan joskus uusromantiikaksi). Sen ero jugendista itsessään on ensisijaisesti naamioitumisessa, ei jugendille tyypillisessä paljastamisessa, rakennuksen sisäisessä rakenteessa ja monimutkaisen koristelun takana oleva utilitaarinen tarkoitus (Shekhtel - Jaroslavsky Station Moskovassa, 1903-1904; A.V. Shchusev - Kazansky-asema Moskovassa, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - Tretjakovin gallerian vanha rakennus, 1900-1905). Sekä Vasnetsov että Shchusev, kumpikin omalla tavallaan (ja toinen ensimmäisen erittäin suuren vaikutuksen alaisena), olivat täynnä muinaisen venäläisen arkkitehtuurin, erityisesti Novgorodin, Pihkovan ja varhaisen Moskovan arkkitehtuurin kauneutta, arvostivat sen kansallista identiteettiä ja tulkitsivat sitä luovasti. lomakkeita.

Art nouveau ei kehitetty ainoastaan ​​Moskovassa, vaan myös Pietarissa, missä se kehittyi kiistatta skandinaavisen, niin kutsutun "pohjoisen modernin" vaikutuksen alaisena: P.Yu. Suzor vuosina 1902-1904 rakentaa Singer-yhtiön rakennuksen Nevski Prospektille (nykyinen Kirjatalo). Rakennuksen katolla olevan maapallon piti symboloida yrityksen toiminnan kansainvälistä luonnetta. Julkisivu oli verhoiltu jalokivillä (graniitti, labradoriitti), pronssilla ja mosaiikeilla. Mutta monumentaalisen Pietarin klassismin perinteet vaikuttivat Pietarin modernismiin. Tämä toimi sysäyksenä uuden modernin haaran - 1900-luvun uusklassismin - syntymiselle. A.A.:n kartanossa. Polovtsov Kamenny-saarella Pietarissa (1911-1913) arkkitehti I.A. Fomin (1872-1936) vaikutti täysin tämän tyylin piirteisiin: julkisivu (keskitilavuus ja sivusiivet) on ratkaistu joonialaisessa järjestyksessä, ja kartanon sisätilat ikään kuin pelkistetyssä ja vaatimattomassa muodossa toistavat Tauriden palatsin salin enfiladi, mutta talvipuutarhan puolirotundan suuret ikkunat, tyylitelty piirustus arkkitehtonisista yksityiskohdista määrittelevät selkeästi vuosisadan alun ajan. Puhtaasti pietarilaisen vuosisadan alun arkkitehtuurikoulun teoksia - vuokrataloja - Kamennoostrovsky-kadun (nro 1-3) alussa, kreivi M.P. Tolstoi Fontankassa (nro 10-12), rakennukset b. Azov-Don Bank Bolshaya Morskaya ja Astoria Hotel kuuluvat arkkitehti F.I. Lidval (1870-1945), yksi Pietarin jugendn merkittävimmistä mestareista.

Art nouveau oli yksi merkittävimmistä tyyleistä, joka päätti 1800-luvun ja avasi seuraavan. Siinä käytettiin kaikkia moderneja arkkitehtuurin saavutuksia. Moderni ei ole vain tietty rakentava järjestelmä. Moderni on klassismin valtakaudesta lähtien ehkä yhtenäisin tyyli kokonaisvaltaisen lähestymistavan, sisustuksen kokonaisratkaisun kannalta. Art nouveau tyylinä vangitsi huonekalujen, astioiden, kankaiden, mattojen, lasimaalausten, keramiikan, lasin, mosaiikkien taiteen, se on tunnistettavissa kaikkialla piirretyistä ääriviivoistaan ​​ja viivoistaan, erityisestä haalistuneiden, pastellivärien väripaletista ja sen suosikkikuvio liljoista ja iirisistä.

Veistos

Venäläistä kuvanveistoa 1800-1900-luvun vaihteessa. ja ensimmäisiä vallankumousta edeltäviä vuosia edustavat useat suuret nimet. Ensinnäkin tämä on P.P. Trubetskoy (1866-1938). Hänen varhaiset venäläiset teoksensa (Levitanin muotokuva, Tolstoin kuva hevosen selässä, molemmat - 1899, pronssi) antavat täydellisen kuvan Trubetskoyn impressionistisesta menetelmästä: muoto on ikään kuin valon ja ilman läpäisevä, dynaaminen, katseltavaksi suunniteltu. kaikista näkökulmista ja eri näkökulmista luo kuvasta monitahoisen luonnehdinnan. P. Trubetskoyn merkittävin teos Venäjällä oli Aleksanteri III:n pronssinen monumentti, joka pystytettiin vuonna 1909 Pietariin Znamenskaja-aukiolle. Tässä Trubetskoy jättää impressionistisen tyylinsä. Tutkijat ovat toistuvasti todenneet, että Trubetskoyn kuva keisarista on ikään kuin ratkaistu, toisin kuin Falconet'n, ja Pronssiratsumiehen vieressä tämä on melkein satiirinen kuva itsevaltiudesta. Meistä näyttää siltä, ​​että tällä kontrastilla on erilainen merkitys; ei "takajaloillaan nostettua" Venäjää kuin Euroopan vesille laskettu laiva, vaan rauhan, vakauden ja voiman Venäjää symboloi tämä raskaalla hevosella istuva ratsastaja.

Impressionismi omituisessa, hyvin yksilöllisessä luovassa taittumisessa sai ilmaisun A. S. Golubkinan (1864-1927) teoksissa. Golubkinan, erityisesti naisten, kuvissa on paljon korkeaa moraalista puhtautta, syvää demokratiaa. Nämä ovat useimmiten kuvia tavallisista köyhistä ihmisistä: uupuneista naisista tai sairaalloisista "vankityrmän lapsista".

Mielenkiintoisin asia Golubkinan työssä ovat hänen muotokuvansa, aina dramaattisen intensiiviset, mikä on yleensä tämän mestarin töille ominaista, ja epätavallisen monipuolisia (V.F. Ernin muotokuva (puu, 1913, Valtion Tretjakovin galleria) tai Andrei Belyn rintakuva () kipsi, 1907, Valtion Tretjakovin galleria)) .

Trubetskoyn ja Golubkinan teoksissa on kaikista eroistaan ​​huolimatta jotain yhteistä: piirteitä, jotka tekevät heistä liittyvät paitsi impressionismiin, myös nykyaikaisuuden juoksevien linjojen ja muotojen rytmiin.

Impressionismi, joka vangitsi vuosisadan alun veistoksen, ei juurikaan vaikuttanut S. T. Konenkovin (1874-1971) työhön. Marmorinen "Nike" (1906, Tretjakovin osavaltion galleria), jossa on selvästi muotokuvallisia (lisäksi slaavilaisia) piirteitä pyöreistä kasvoista, joissa on kuoppia poskissa, kuvaa teoksia, jotka Konenkov esitti Kreikan matkan jälkeen vuonna 1912. Kreikan pakanallisen mytologian kuvia ovat kietoutunut slaavilaisen mytologian kanssa. Konenkov alkaa työskennellä puulla, ammentaa paljon venäläisestä kansanperinteestä, venäläisistä saduista. Tästä johtuvat hänen "Stribog" (puu, 1910, Valtion Tretjakovin galleria), "Velikosil" (puu, yksityinen, kokoelma), kuvat kerjäläisistä ja vanhoista ihmisistä ("Old Man-Polyevichok", 1910).

Puuveistoksen elvyttämisessä Konenkovin suuri ansio. Rakkaus venäläiseen eeposeen, venäläiseen satuun osui samaan aikaan muinaisen venäläisen ikonimaalauksen, muinaisen venäläisen puuveistoksen "löydön" kanssa ja kiinnostus muinaista venäläistä arkkitehtuuria kohtaan. Toisin kuin Golubkina, Konenkovilta puuttuu draamaa, henkistä hajoamista. Hänen kuvansa ovat täynnä suosittua optimismia.

Muotokuvassa Konenkov oli yksi ensimmäisistä, joka esitti väriongelman vuosisadan alussa. Hänen kiven tai puun väritys on aina erittäin herkkä ottaen huomioon materiaalin ominaisuudet ja muoviratkaisun ominaisuudet.

Vuosisadan alun monumentaalisista teoksista on huomioitava N.V.:n muistomerkki. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), avattiin Moskovassa vuonna 1909. Tämä on Gogol elämänsä viimeisiltä vuosilta, parantumattomasti sairas. Epätavallisen ilmeikäs ovat hänen surullinen profiilinsa terävällä ("Gogol") nenällä, ohuella päällystakkiin käärittynä; Veistoksen lapidaarisella kielellä Andreev välitti suuren luovan persoonallisuuden tragedian. Bareljeeffriisissä jalustalla monihahmoisissa koostumuksissa Gogolin kuolemattomat sankarit on kuvattu aivan eri tavalla, huumorilla tai jopa satiirisesti.

A. T. Matveev (1878-1960). Hän voitti opettajansa impressionistisen vaikutuksen varhaisissa teoksissaan - alastonna (noin vuosien pääteema. Tiukka arkkitehtonisuus, vakaiden yleistettyjen muotojen lakonismi, valaistumisen tila, rauha, harmonia erottavat Matveevin ja asettavat hänen teoksensa suoraan veistokselliseen vastakohtaan impressionismi.

Kuten tutkijat oikeutetusti totesivat, mestarin teokset on suunniteltu pitkää, harkittua havaintoa varten, ne vaativat sisäistä tunnelmaa, "hiljaisuutta" ja sitten ne avautuvat täydellisimmillään ja syvimmin. Heillä on plastisten muotojen musikaalisuus, loistava taiteellinen maku ja runous. Kaikki nämä ominaisuudet ovat luonnostaan ​​V.E.:n hautakivessä. Borisov-Musatov Tarusassa (1910, graniitti). Nukkuvan pojan hahmossa on vaikea nähdä rajaa unen ja olemattomuuden välillä, ja tämä tapahtuu 1700-luvun parhaiden muistoveistosten perinteiden mukaisesti. Kozlovsky ja Martos, hänen viisaalla rauhallisella hyväksymisellään kuolemaan, mikä puolestaan ​​johtaa meidät vielä pidemmälle, arkaaisiin antiikkisteleihin, joissa on kohtauksia "hautajaisherkuista". Tämä hautakivi on vallankumousta edeltävän ajanjakson Matvejevin työn huippu, jonka täytyi silti työskennellä hedelmällisesti ja tulla yhdeksi kuuluisista Neuvostoliiton kuvanveistäjistä. Lokakuuta edeltävänä aikana venäläiseen kuvanveistoon ilmestyi joukko lahjakkaita nuoria mestareita (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr jne.), jotka 1910-luvulla olivat vasta aloittamassa luovaa toimintaansa. He työskentelivät eri suuntiin, mutta säilyttivät realistiset perinteet, jotka he toivat uuteen taiteeseen, ja niillä oli tärkeä rooli sen muodostumisessa ja kehityksessä.

...

Samanlaisia ​​asiakirjoja

Hopeakauden henkinen ja taiteellinen alkuperä. Hopeakauden kulttuurin nousu. Venäläisen maalauksen omaperäisyys XIX lopun - XX vuosisadan alun. Taideyhdistykset ja niiden rooli maalauksen kehityksessä. Maakuntien ja pikkukaupunkien kulttuuri.

lukukausityö, lisätty 19.1.2007


Tutkimus syistä 1900-luvun venäläisen kulttuurin jakautumiseen kotimaiseen ja emigranttiin. Avangardin, realismin ja undergroundin edustajien ja taiteellisten käsitteiden luonnehdinta kuvataiteen ja kirjallisuuden kehityksen pääsuunnissa.

testi, lisätty 5.3.2010


Symbolismin alkuperä ja käsite. Hopeakauden taiteilijan muodostuminen. Venäjän symbolismin historian ajanjaksot: kehityksen kronologia. Genremaalauksen piirteet XIX-XX vuosisatojen vaihteessa. Taideyhdistykset ja taiteelliset siirtokunnat venäläisessä maalauksessa.

lukukausityö, lisätty 17.6.2011


Venäläinen taide XIX lopun - XX vuosisadan alun. Veistos. Arkkitehtuuri. Venäläinen kulttuuri muodostui ja kehittyy nykyään yhtenä maailman universaalin kulttuurin mahtavan puun oksista. Sen panos maailman kulttuurin kehitykseen on kiistaton.

tiivistelmä, lisätty 6.8.2004


Hopeakauden siluetti. "Hopeakauden" ajan taiteellisen elämän pääpiirteet ja monimuotoisuus: symbolismi, akmeismi, futurismi. Hopeakauden merkitys venäläiselle kulttuurille. Kulttuurin kehityksen historialliset piirteet XIX lopulla - XX vuosisadan alussa.

tiivistelmä, lisätty 25.12.2007


Tutkimus barokin syntymisestä ja kehityksestä Länsi-Euroopan kulttuurille ominaisena taidetyylinä 1500-luvun lopusta 1700-luvun puoliväliin. Yleispiirteitä ja analyysi barokkityylien kehityksestä maalauksessa, kuvanveistossa, arkkitehtuurissa ja musiikissa.

esitys, lisätty 20.9.2011


Hopeakauden intensiivisyys luovassa sisällössä, uusien ilmaisumuotojen etsiminen. "Hopeakauden" tärkeimmät taiteelliset suuntaukset. Symbolismin, akmeismin, futurismin synty kirjallisuudessa, kubismin ja abstraktionismin synty maalauksessa, symbolismin syntyminen musiikissa.

tiivistelmä, lisätty 18.3.2010


Taiteellisen kulttuurin historia 1900-luvun alussa. Venäjän avantgardin tärkeimmät suuntaukset, taiteelliset käsitteet ja edustajat. Neuvostoajan kulttuurin muodostuminen. Saavutukset ja vaikeudet taiteen kehittämisessä totalitaarisissa olosuhteissa; maanalainen ilmiö.

esitys, lisätty 24.2.2014


Hengellisen kulttuurin kukoistus XIX lopulla - XX vuosisadan alussa. Uusien suuntausten ja taideryhmien synty. Abstraktsionismin, avantgardin, impressionismin, kubismin, kubofuturismin, rayonismin, modernismin, symbolismin ja suprematismin piirteitä ja eroja.

esitys, lisätty 12.5.2015


Poliittisten ja yhteiskunnallisten tapahtumien vaikutus taiteeseen. Luovan nousun aika kulttuurin eri alueilla. Paljastaa modernistisen acmeismin, futurismin ja symbolismin olemuksen. Jugendtyylin ilmentymä Moskovan arkkitehtuurissa. Hopeakauden kirjallisuus.

"Puhdas" taide, joka julistaa arvoja, jotka eivät riipu yhteiskunnallisista ja historiallisista ongelmista ja suuntauksista, on kaunis, mutta epärealistinen ilmiö.

On mahdotonta luoda erillään jokapäiväisestä elämästä kiinnittämättä huomiota yhteiskunnassa vallitseviin ideoihin - muodollisiin ja epävirallisiin. Venäjän taiteeseen 1900-luvulla vaikuttivat voimakkaat muutokset yhteiskuntajärjestelmässä, joita mikään muu maa ei tuntenut.

Vuosisadan alku, uusien ideoiden etsintä

1900-luvun 100 vuotta oli ennennäkemättömien mullistusten aikakautta koko sivilisaatiolle. 1900-luvun loppuun mennessä tieteellinen ja teknologinen kehitys oli tiivistänyt aikaa ja tilaa koko planeetalle, sosiaaliset konfliktit rajoitetulla alueella kasvoivat planeettojen mullistuksiksi. Venäjän 1900-luvun kulttuurilla ja taiteella, kuten kaikilla yhteiskunnallisilla toimilla Euroopassa ja Amerikassa, on tilapäinen kiinnitys lähihistorian tärkeimpiin tapahtumiin.

Numeroiden taika, joka merkitsee uuden vuosisadan alkua, herättää aina muutoksen odotuksen, toivon uuden, onnellisen ajan alkamisesta. 1800-luku, joka loi venäläiselle kulttuurille maailmanlaajuista mainetta, oli hiipumassa menneisyyteen jättäen perinteitä, jotka eivät voineet kadota yhdessä yössä.

"Taiteen maailma" oli vuonna 1898 syntyneen ja ajoittain vuoteen 1924 asti olemassaolon taiteilijayhdistyksen nimi, jota ilman on mahdotonta kuvitella Venäjällä 1900-luvun ensimmäisen neljänneksen kuvataidetta. "Taiteen maailmassa" ei ollut yhtä, yhteistä kehittynyttä tyyliä - taidemaalarit, graafikot, kuvanveistäjät kulkivat kukin omaa polkuaan ja olivat yksimielisiä näkemyksissään taiteen tavoitteista ja sen roolista yhteiskunnassa. Mihail Vrubelin nero ilmaisi monia tämän näkemyksen piirteitä. Muodollinen ydin, yhdistyksen perusta, olivat L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. Eri aikoina siihen osallistuivat Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov ja muut mestarit.

He kaikki tunnustivat ammattimaisuuden ensisijaisuuden taiteessa, luovan vapauden valtavan roolin ja taiteilijan riippumattomuuden yhteiskunnallisista dogmeista, mutta eivät kiistä taiteen arvoa ihmiselämässä ja protestoivat toisaalta akateemisuuden jäykkyyttä vastaan. toisaalta Wanderersin liiallinen maalauksen politisointi. Perinteiden kannattajien kritisoima taiteen maailma ei mahtunut "proletaarisen" maalauksen myrskyisään syntyprosessiin, mutta sillä oli valtava vaikutus kaikkeen 1900-luvun kuvataiteeseen Venäjällä - sekä niihin, jotka työskentelivät Neuvostoliittoon ja niihin, jotka päätyivät maastamuuttoon.

Moderni

1800-luvun viimeiset vuosikymmenet olivat uuden tyylin syntyaikaa, joka jätti jäljen kuvataiteen ja arkkitehtuurin mestareiden työhön. Sillä oli omat ominaisuutensa tietyillä Euroopan alueilla, joissa sitä jopa kutsuttiin eri tavalla. Belgiassa ja Ranskassa nimi "Art Nouveau" vahvistettiin, Saksassa - "Art Nouveau", Itävallassa - "Secession". Muita nimiä tunnetaan yhdistettynä tämän tyylin kuuluisimpiin taiteilijoihin tai yrityksiin, jotka tuottivat huonekaluja, koruja ja muita tuotteita tähän suuntaan: sose-tyyli, Guimard-tyyli - Ranskassa, Liberty Italiassa, USA - Tiffany-tyyli jne. Venäjän 1900-luku, erityisesti arkkitehtuuri, tuntee sen jugendna.

Pitkän tyylillisen ajattomuuden jakson jälkeen jugendista on tullut yksi ilmeikkäimmistä ja visuaalisesti muotoutuneimmista taiteellisista liikkeistä. Sille ominaisen rikkaan sisustuksen linjojen kasvillinen, sileä luonne yhdistettynä geometrisesti yksinkertaisiin ja ilmeikkäisiin suurten volyymien muotoihin houkutteli taiteilijat ja arkkitehdit tuoreudella ja uutuudella.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - venäläisen arkkitehtuurin modernin tähti. Hänen lahjakkuutensa antoi kansallisia piirteitä pohjimmiltaan kosmopoliittiseen tyyliin, Shekhtelin mestariteokset - Jaroslavskin rautatieasema, Rjabushinsky-kartano - ovat venäläisen arkkitehdin luomuksia, niin yleisesti kuin pienissäkin asioissa.

Vallankumousta edeltävä avantgarde

Uusien taiteen muotojen ja muiden etsimisprosessi - sen uusi olemus - oli merkityksellinen koko Euroopan ja Amerikan taiteelle. Venäjän taide 1900-luvulla sisältää useita todella vallankumouksellisia ajanjaksoja, jolloin useiden uudistajien työ osoitti uusia suuntauksia taiteellisen ajattelun kehityksessä. Yksi silmiinpistävimmistä ja vaikuttavimmista oli vallankumousten välinen ajanjakso 1905–1917. Venäjän avantgarde-taiteen erityispiirteet johtuivat Venäjän ja Japanin sodan ja vuoden 1905 vallankumouksen tragedioiden jälkeisestä Venäjän julkisen elämän kriisistä.

Lukuisilla tuolloin syntyneillä avantgarde-liikkeillä ja luovilla yhdistyksillä oli samanlaiset synnyttävät syyt ja samanlaiset taiteellisen etsintätavoitteet. Voimakkaasti vaikuttanut Venäjän 1900-luvun tärkeimpiin taiteenlajeihin, futuristeihin ja kuubofuturismiin, "timanttien jätkä" ja "sininen ruusu", Kandinsky ja Malevitšin suprematismi etsivät uusia maailmoja eri tavoin, ilmaisivat vanhan taiteen kriisi, joka oli menettänyt kosketuksen todellisuuteen, ennakoi globaalien mullistusten aikakauden alkamista.

Avantgarde-taiteilijoiden synnyttämien uusien ideoiden joukossa oli ajatus Venäjästä 1900-luvulla, joka sisältää sellaisia ​​sivuja kuin kuuluisa esitys - uuden taiteen manifesti "Voitto auringon yli" (1913). Se oli futurististen runoilijoiden M. Matyushinin, V. Hlebnikovin yhteistyön tulos, ja koristelun suoritti Kazimir Malevich.

Taiteilijat P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, jotka rikasttivat Venäjän taidetta 1900-luvulla etsintöillään, tulivat maailman tunnustuksen saaneiden maalausten tekijöiksi. Ja tämä tunnustaminen alkoi jo 1900-luvun 10-luvulla, avantgarde-maalauksen syntymän aikakaudella modernissa historiassa.

Lokakuun vallankumouksen jälkeen Venäjällä oli mahdollisuus avata uusia näköaloja koko maailmalle julkisessa elämässä, myös taiteessa. Ja aluksi olosuhteet luotiin, kun jokaisen lahjakkaan arvo kasvoi mittaamatta, uusien luovien ideoiden generaattorit nousivat etualalle.

Miten taidehistoria tulkitsee tuon ajan? 1900-luku, Venäjä, myrskyisät 20-luvut - tämä on ennennäkemättömän aktiivista taiteellista elämää lukuisissa luovissa yhdistyksissä, joista erottuvat:

UNOVIS - "Uuden taiteen myöntäminen" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Vitebskin taidekoulun pohjalta perustettu yhdistys oli taiteellisen avantgardin apologeetti, joka tarjoutui etsimään uusia teemoja ja muotoja taiteelle.

- "Four Arts" - "World of Artin" mukainen virtaus Päätavoitteena on näyttää arkkitehtuurin, kuvanveiston, grafiikan ja maalauksen valtavia ilmaisumahdollisuuksia. Korkean ammattitaidon ja luovan vapauden tarve julistettiin. Näkyvimmät edustajat: arkkitehti A. V. Shchusev, graafikko V. A. Favorsky, kuvanveistäjä V. I. Mukhina, maalarit K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva ja muut.

- "OST", "Telinetaiteilijoiden seura". Se piti tärkeintä näyttää merkkejä uuden rauhallisen elämän alkamisesta, nykyaikaisen nuoren maan rakentamisesta edistyneen ilmeikkäällä, mutta yksinkertaisella ja selkeällä tyylillä. Johtajat: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Taiteilijoiden piiri" (Leningrad). Virallisen kurssin jälkeen "ajan tyylin" kehittäminen. Ryhmän aktiiviset jäsenet: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Vallankumouksellisen Venäjän taiteilijoiden liitto" - yhdistys, josta tuli myöhemmin perustetun Neuvostoliiton taiteilijoiden liiton perusta, aktiivinen ohjaaja taiteellisen prosessin ideologiselle johtajuudelle, puolueen propagandan väline, perilliset vaeltajista. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson olivat kärjessä.

Konstruktivismi

Arvostetuimpien ohjelmissa koulutusinstituutiot arkkitehtien valmistelussa on aina tutkimus aiheesta "Venäjän konstruktivismi - 20-luvun arkkitehtoninen avantgarde". Sillä on suuri merkitys rakennustaiteen ymmärtämiselle, sen suunnan johtajien julistamat ideat ovat erittäin tärkeitä mihin tahansa aikaan. Konstantin Melnikovin (arkkitehdin asuinrakennus Krivoarbatsky-kadulla, Rusakov-klubi Stromynkassa, autotalli Novoryazanskaya-kadulla jne.), Vesnin-veljesten, Moses Ginzburgin (Narkomfin-talo Novinski-bulevardilla) ja muiden venäläisen arkkitehtuurin tähtien säilyneet rakennukset ovat venäläisen arkkitehtuurin kultarahasto.

Funktionalismi, tarpeettoman koristelun hylkääminen, rakennuksen rakenteen estetiikka, luodun elinympäristön harmonia - näistä ideoista tuli perusta nuorille arkkitehdeille, taiteilijoille ja alan asiantuntijoille asetettujen uusien ongelmien ratkaisemiselle, jota alettiin kutsua teolliseksi muotoiluksi. . Heidän täytyi rakentaa joukkoasuntoja uusiin kaupunkeihin, työväenkerhoja yksilön kokonaisvaltaiseen kehittämiseen, luoda tilat uuden ihmisen työhön ja virkistäytymiseen. 20-luvun avantgardin hämmästyttäviä saavutuksia ei voi ohittaa, Venäjän, Euroopan ja Amerikan kaikkien myöhempien aikojen taiteen tutkiminen perustuu suurelta osin niihin. On surullista, että nämä edistykselliset ideat osoittautuivat vähiten kysytyiksi kotimaassaan, ja "Stalin Empire -tyyli" on monien mielestä Neuvostoliiton arkkitehtuurin suurin saavutus.

Totalitarismin aikakauden taidetta

Vuonna 1932 annettiin liittovaltion bolshevikkien kommunistisen puolueen keskuskomitean asetus luovien yhdistysten työstä. Erilaisten virtojen ja suuntausten myrskyisä aikakausi päättyi valtiokoneiston vaikutukseen, joka sai valtaa ideologisen koneiston ohjaamana, jossa yksinvalta vahvistui. Monen vuoden ajan Venäjän taide 1900-luvulla, kuten paljon maan elämässä, alkoi riippua yhden henkilön - Josif Stalinin - mielipiteestä.

Luovista liitoista on tullut keino alistaa taiteellinen ajattelu yhtenäisille ideologisille normeille. Sosialistin aika on tullut, vähitellen kaikki poikkeamat virallisesta kurssista alettiin julistaa rikollisiksi, eri mieltä olevat joutuivat todellisen sorron alaisuuteen. Syytökset puoluelinjalta poikkeamisesta muodostuivat keinoksi ratkaista luovia keskusteluja. Tämän edistysaskel on erittäin kyseenalainen. Miten esimerkiksi Venäjän teatteritaide olisi kehittynyt 1900-luvulla, ellei suuri näyttämöuudistaja Vsevolod Meyerhold olisi joutunut sorron uhriksi?

Taiteellisen lahjakkuuden luonne on monimutkainen ja selittämätön. Johtajien kuvat ilmentyivät suurella taidolla ja vilpittömällä tunteella. Mikään julmimmista tukahduttamistoimista ei voinut estää todella lahjakkaiden taiteilijoiden syntymistä, joille itseilmaisu oli pääasia ideologisesta kehyksestä riippumatta.

Arkkitehtuurissa on "stalinistisen imperiumin" aika. Avantgarde-taiteilijoiden etsiminen korvattiin paluulla todistettuihin kaanoniin. Kommunistisen ideologian voima ilmentyi upeissa esimerkeissä uudistetusta uusklassismista - Stalinin "pilvenpiirtäjistä".

Sota-ajan taidetta

Maamme historiassa on aikaa, josta on tullut suurin tragedia ja ennennäkemättömän henkisen nousun vaihe. Venäjän taide 20-2000-luvulla on saanut yhden pääteemoista, jotka mahdollistivat venäläisen kansanluonteen suuruuden, yksilön ja valtavien massojen valtaavan tunteiden syvyyden historiallisten mullistusten aikana.

Suuri isänmaallinen sota sai ensimmäisistä päivistä lähtien ilmaisun hämmästyttävän voiman visuaalisissa kuvissa. Juliste I. Toidze "Isänmaa kutsuu!" nostettiin maan puolustukseen paremmin kuin mitkään komentajat, ja Deinekan "Sevastopolin puolustus" järkyttää ketä tahansa, riippumatta hänen jakamistaan ​​ideoista. Dmitri Šostakovitšin seitsemäs sinfonia on yhtä vaikuttava, ja Venäjän musiikkitaide 1900-luvulla, yhtä paljon kuin muut luovuuden muodot, kunnioitti fasismin vastaisen sodan teemaa.

Sulaa

Suuren voiton jälkeen seuraava voimakkain historiallinen julkiseen elämään vaikuttanut tekijä Neuvostoliitossa oli Stalinin kuolema (maaliskuu 1953) ja NKP:n 20. kongressi, joka nosti esiin kysymyksen persoonallisuuskultin paljastamisesta. Taiteilijoille, kuten koko yhteiskunnalle, oli jonkin aikaa luovuuden ja uusien ideoiden vapautta. "Kuusikymmentäluvun" sukupolvi on hyvin spesifinen ilmiö, se jätti itsestään muiston lyhyenä raikkaana hengityksenä ennen kuin syöksyi uudelleen vuosikymmeniksi mitatun, aikataulutetun, säädellyn olemassaolon suohon.

"Toisen aallon" taiteellisen avantgardin ensimmäiset kokeilut - E. Belyutinin, Yu. Soosterin, V. Yankilevskyn, B. Zhutovskyn ja muiden teokset - Moskovan 30-vuotispäivälle omistetussa näyttelyssä Taiteilijaliiton haara, maan uusi johtaja N Hruštšov tuomitsi ankarasti henkilökohtaisesti. Juhla alkoi jälleen selittää ihmisille, millaista taidetta he tarvitsevat, ja taiteilijoille, kuinka maalata.

Arkkitehtuuria ohjeistettiin käsittelemään ylilyöntejä, mikä selitettiin oikeutetusti sodanjälkeisen ajan taloudellisilla vaikeuksilla, tuli massarakentamisen aika, "Hruštšovin" aika, joka hieman poisti asuntokysymyksen akuutisuuden, mutta vääristeli. monien kaupunkien ulkonäkö.

"Kehittyneen sosialismin" taide

Venäjän taide 1900-luvun jälkipuoliskolla on monella tapaa tarina taiteellisen persoonallisuuden ja hallitsevan ideologian vastakkainasettelusta. Mutta jopa jokaisen henkisen tilan ideologisen säätelyn ilmapiirissä monet taiteilijat löysivät tapoja muuttaa hieman sosialistisen realismin määrättyä menetelmää.

Todellinen esimerkki nuorille oli siis 20-luvulla vakaumuksensa muodostaneet mestarit: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov ja muut. Taideyhdistyksen "OST" entisen jäsenen Y. Pimenovin vuonna 1962 kirjoitetusta kuvasta "Häät huomisen kadulla" tuli yhteiskunnan uudistumistoiveiden symboli.

Toinen silmiinpistävä ilmiö tuolloin neuvostomaalauksessa oli "ankaran tyylin" muodostuminen. Tämä termi merkitsi G. Koržovin, P. Ossovskin, Smolinin veljien, P. Nikonovin ym. töitä. Heidän maalauksissaan, jotka oli kirjoitettu eri genreissä (arkipäiväinen, historiallinen), ilmaantui sankari, joka ei tarvinnut ohjeita, kiireisenä. ymmärrettävää ja tarpeellista liiketoimintaa. Hänet kuvattiin ilman tarpeettomia yksityiskohtia ja värikkäitä röyhelöitä, tilavasti ja ilmeikkäästi.

Erityisen tärkeää on tällaisen mestarin työ, sillä hänen kankaidensa kansalaissoundi sisältää neuvostotaiteessa harvinaista yleishumanistista, melkein uskonnollista sanomaa ja maalaustyyli juontaa juurensa italialaiseen renessanssiin.

Epäkonformismi

"Sosialistisen realismin" virallinen ylivalta pakotti epäviralliset taiteilijat löytämään tiensä yleisön luo tai turvautumaan siirtolaisuuteen. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny ja monet muut lähtivät. Nämä olivat Venäjällä 1900-luvun taiteilijoita, jotka olivat vuosisadan alun avantgardin synnyttämiä henkisten arvojen kantajia, jotka palasivat kotimaahansa kommunistisen ideologian romahtamisen jälkeen.

Ja sen hallituskauden aikana ilmestyi sisäinen siirtolaisuus, josta syntyi suosittu motiivi hullusta, ikuisesti humalassa taiteilijasta, mielisairaaloiden asukkaasta, jota viranomaiset ja luovien ammattiliittojen johto vainosivat, mutta riippumattomien länsimaisten asiantuntijoiden arvostama. Tyypillinen tällaisen kuvan kantaja oli A. Zverev - Moskovan legendaarinen hahmo kehittyneen sosialismin aikakaudella.

Polystylistiikka ja moniarvoisuus

Neuvostoajan valtionsantelemista vapautunut Venäjän 1900-luvun kuvataide astui sen erottamattomana osana globaaliin prosessiin yhteisineen ominaisuuksineen ja suuntauksineen. Kotimaiset taiteilijat omaksuivat nopeasti monet lännessä jo pitkään tutut luovuuden muodot. Sanat "performanssi", "videoinstallaatio" jne. ovat tulleet tutuiksi puheessamme, ja merkittävimpien maailmankuulujen nykymestarien joukossa ovat suunnan suhteen diametraalisten näkemysten taiteilijat: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov ja monet muut.

Maan myrskyinen, arvaamaton lähihistoria, joka miehittää kuudesosan maasta, katsoo peiliinsä - 1900-luvun Venäjän taiteeseen - ja heijastuu siihen tuhansilla unohtumattomilla kuvilla ...

1. Venäjän taide 1900-luvun lopulla. 1900-luvun viimeinen vuosikymmen Venäjällä oli täynnä poliittisia ja taloudellisia tapahtumia, jotka muuttivat maan tilannetta radikaalisti. Unionin romahtaminen vuonna 1991 ja poliittisen suunnan muutos, siirtyminen markkinasuhteisiin ja selkeä suuntautuminen länsimaiseen talouskehitysmalliin ja lopuksi ideologisen hallinnan heikkeneminen aina täydelliseen lakkautukseen asti - kaikki tämä 1990-luvun alku vaikutti siihen, että kulttuuriympäristö alkoi muuttua nopeasti. Maan vapauttaminen ja demokratisoituminen vaikuttivat kansallisen taiteen uusien trendien ja suuntausten kehittymiseen ja vakiinnuttamiseksi. Taiteen kehitys 1990-luvulla Venäjällä tapahtuu postmodernismiin luontaisten trendien ilmaantumisen myötä, kun ilmaantuu uusi nuorten taiteilijoiden sukupolvi, joka työskentelee sellaisilla aloilla kuin konseptualismi, tietokonegrafiikka, uusklassismi liittyvät tietotekniikan kehitykseen Venäjällä. Klassisesta eklektiikasta syntyneestä "Uudesta venäläisestä uusklassismista" tuli "monipuolinen timantti", joka yhdisti erilaisia ​​suuntauksia, jotka eivät kuuluneet "klassikoihin" ennen modernismin aikakautta. Uusklassismi- tämä on taiteen suunta, jossa taiteilijat elvyttävät maalauksen, grafiikan, kuvanveiston klassisia perinteitä, mutta samalla he käyttävät aktiivisesti uusinta teknologiaa. Brittiläinen historioitsija ja taideteoreetikko Edward Lucy Smith kutsui venäläistä uusklassismia "ensimmäiseksi silmiinpistäväksi venäläisen kulttuurin ilmiöksi, joka vaikutti maailman taiteelliseen prosessiin Kazimir Malevitšin jälkeen". Uusklassismi vaati erilaista asennetta antiikin kohtaan kuin klassistien. Kreikkalaisen kulttuurin historiallinen näkemys ei tehnyt muinaisista teoksista absoluuttista, vaan konkreettista historiallista ihannetta, joten kreikkalaisten jäljittely sai toisen merkityksen: antiikin taiteen käsityksessä ei sen normatiivisuus noussut etusijalle, vaan vapaus. , sääntöjen ehdollisuus, josta tulee myöhemmin kaanoni, ihmisten todellinen elämä. D.V. Sarabjanov pitää uusklassismia eräänlaisena modernin "komplikaationa". Samalla todennäköisyydellä uusklassismia voidaan pitää sekä myöhäismodernina että itsenäisenä suuntauksena. "Uusien taiteilijoiden" työssä ei ole puhdasta modernismia tai erillistä uusklassismia, he toimivat aina toisiinsa yhteydessä, uuden akatemian taiteilijat yhdistivät useita kuvataiteen suuntauksia kerralla: avantgarde, postmodernismi, klassismi " kollaasitila". "Uusien taiteilijoiden" teokset ovat eklektisiä, ja niissä yhdistyvät tietokonegrafiikka, etsaus, maalaus ja valokuvaus. Taiteilijat digitoivat valmiita teoksia, valitsivat tarvittavat fragmentit ja loivat kollaaseja entisöimällä mestarillisesti antiikin pukuja ja sisustusta. Perinteisten menetelmien yhdistäminen tietokonegrafiikkaohjelmien ominaisuuksiin on laajentanut taiteilijoiden luovaa potentiaalia. Skannatusta materiaalista koottiin kollaaseja, niihin sovellettiin taiteellisia erikoistehosteita, muotoiltiin muotoaan, mikä loi illusorisia koostumuksia. Pietarin uusklassismin näkyvimmät edustajat 1990-luvun alussa olivat O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Uusklassismi Toberluts on yksi romantiikan ilmenemismuodoista. Hänen teoksensa ilmentävät ihmisen tunteita, unelmia, jaloutta, jotain innostunutta ja kääntynyt toteutumattomaan ihanteeseen. . Taiteilijasta itsestään tulee teostensa sankaritar. Tyylillisesti O. Toberlutsin työ voidaan määritellä uusklassismiksi, postmodernin tietoisuuden läpi kulkevaksi eklektiseksi maailmaksi, joka kuvaa antiikin temppeleitä, renessanssin sisustusta, hollantilaisia ​​tuulimyllyjä ja suunnittelija K. Goncharovin pukuja modernin ripauksena. Tietokonegrafiikan rajattomat mahdollisuudet tekevät O.Tobrelutsin teoksista fantastisia ja yliluonnollisia. Tietotekniikan avulla E. Sheff palaa muinaiseen Kreikkaan, sitten antiikin Roomaan ja luo kollaaseihinsa kuvia muinaisesta mytologiasta. Sarjassa "Ludwigin myytit" taiteilija käytti valokuvia kreikkalaisista veistoksista, arkkitehtonisista rakenteista asettamalla niihin antiikin vaikutukset. Taiteilija palauttaa tietotekniikan avulla Colosseumin omaperäisyyden ja suorittaa jännittäviä retkiä sen ympärille. Digitaalinen maalaus Shutov edustaa hänen monien harrastuksiensa emotionaalista vastinetta. Se sisältää sekä kreikkalaisia ​​klassikoita ja kaikuja etnografisesta tutkimuksesta että nuorten alakulttuurin elementtejä, joten voidaan todeta, että 1900-luvun loppu oli käännekohta paitsi Venäjän poliittisessa ja taloudellisessa elämässä. taide. 1990-luvulla perustettiin voimakas kuvataiteen suuntaus "uusi venäläinen uusklassismi". Tietokonetekniikan kehitys Venäjällä laajensi taiteilijoiden luovaa potentiaalia, uudet taiteilijat luovat klassisia teoksia käyttämällä uusia tekniikoita. Pääasia ei ole tekniikka ja tekniikka, vaan estetiikka. Moderni taide voi olla myös klassista. 2. Venäjän taidetta 2000-luvun alussa. Kuvataiteelle 1900-2000-luvun vaihteessa on ominaista, että se vapautui sensuurin sorrosta, valtion vaikutuksesta, mutta ei markkinataloudesta. Jos neuvostoaikana ammattitaiteilijoille tarjottiin sosiaaliturvapaketti, heidän maalauksensa ostettiin kansallisiin näyttelyihin ja gallerioihin, mutta nyt he voivat luottaa vain omiin voimiinsa. Mutta venäläinen maalaus ei ole kuollut ja muuttunut länsieurooppalaisen ja amerikkalaisen taiteen vaikutelmaksi, se kehittyy edelleen venäläisten perinteiden pohjalta. Nykytaidetta esittelevät nykytaiteen galleriat, yksityiset keräilijät, kaupalliset yritykset, valtion taideorganisaatiot, nykytaiteen museot, taidestudiot tai taiteilijat itse taiteilijavetoisessa tilassa. Nykytaiteilijat saavat taloudellista tukea apurahojen, palkintojen ja palkintojen muodossa sekä saavat varoja teostensa myynnistä. Venäjän käytäntö on tässä suhteessa hieman erilainen kuin länsimainen käytäntö. Nykytaiteen museoista, biennaaleista, festivaaleista ja messuista on vähitellen tulossa työkaluja pääoman houkuttelemiseen, matkailualan investointeihin tai osaksi valtion politiikkaa. Yksityisillä keräilijöillä on suuri vaikutus koko nykytaiteen järjestelmään. Venäjällä yksi suurimmista nykytaiteen kokoelmista on valtion ulkopuolisen Erarta Museum of Contemporary Artin hallussa Pietarissa. Nykytaiteen trendit: Ei-näkemätön taide- nykytaiteen suuntaus, joka hylkää spektaakkelin ja teatraalisuuden. Esimerkki tällaisesta taiteesta on puolalaisen taiteilijan Pavel Althamerin esitys "Script Outline" näyttelyssä "Manifesta" vuonna 2000. Venäjällä hän tarjosi oman versionsa ei-näkemättömästä taiteesta Anatoli Osmolovsky Katutaidetta(Englanti) katutaide- katutaide) - kuvataide, jonka erottuva piirre on selvä kaupunkityyli. Pääosa katutaiteesta on graffitia (muuten spraytaidetta), mutta katutaidetta ei voida pitää graffitia. Katutaide sisältää myös julisteita (ei-kaupallisia), stensiilejä, erilaisia ​​veistoksellisia installaatioita jne. Katutaiteessa jokainen yksityiskohta, pikkuinen, varjo, väri, viiva on tärkeä. Taiteilija luo oman tyylitellyn logonsa - "ainutlaatuisen merkin" ja kuvaa sitä osissa kaupunkimaisemaa. Katutaiteessa tärkeintä ei ole omaksua aluetta, vaan saada katsoja mukaan dialogiin ja näyttää erilainen juoniohjelma. Viime vuosikymmen merkitsee katutaidetta valitsemiensa suuntien moninaisuutta. Vanhempaa sukupolvea ihaillen nuoret kirjoittajat tiedostavat oman tyylinsä kehittämisen tärkeyden. Tällä tavalla syntyy uusia haaroja, jotka ennustavat liikkeelle rikasta tulevaisuutta. Uudet monipuoliset katutaiteen muodot ylittävät joskus laajuudessaan kaiken aiemmin luodun. Aerografia - yksi kuvataiteen maalaustekniikoista, jossa käytetään ilmasivellintä työkaluna nestemäisen tai jauhemaisen väriaineen levittämiseen paineilmalla mille tahansa pinnalle. Voidaan käyttää myös spraymaalia. Airbrushingin laajan käytön ja lukuisten erilaisten maalien ja koostumusten syntymisen ansiosta airbrush on saanut uuden sysäyksen kehitykseen. Nyt airbrushingilla tehdään maalauksia, valokuvien retusointia, taksidermiaa, mallintamista, tekstiilimaalausta, seinämaalausta, bodyartia, kynsimaalausta, matkamuistoja ja leluja, astioiden maalaamista. Sitä käytetään usein kuvien piirtämiseen autoihin, moottoripyöriin, muihin laitteisiin, painatukseen, suunnitteluun jne. Ohuen maalikerroksen ja kyvyn ansiosta ruiskuttaa se tasaisesti pinnalle, on mahdollista saavuttaa erinomaisia ​​koristeellisia tehosteita, kuten tasaiset värisiirtymät, kolmiulotteisuus, tuloksena olevan kuvan valokuvarealismi, karkean tekstuurin jäljitelmä ihanteellisella pinnan sileydellä.

Seminaarien aiheet ja kysymykset;

Aihe 1. Taidehistorian ja taidehistorian peruskäsitteet.

Kysymyksiä:

1. Taiteiden luokittelun ongelma.

2. Käsite "taideteos". Taideteoksen synty ja tehtävä. Työ ja taide.

3. Taiteen olemus, tavoitteet, tehtävät.

4. Taiteen funktiot ja merkitys.

5. "tyylin" käsite. Taiteellinen tyyli ja sen aika.

6. Taiteiden luokittelu.

7. Taidehistorian synty- ja muodostumishistoria.

Keskustelun aiheita:

1. Taiteella on 5 määritelmää. Mikä on ominaista jokaiselle heistä? Mitä määritelmää noudatat? Voitko muotoilla määritelmäsi taiteelle?

2. Mikä on taiteen tarkoitus?

3. Kuinka voit määritellä taideteoksen? Miten "taideteos" ja "taideteos" elävät rinnakkain? Selitä taideteoksen syntyprosessi (I. Ten:n mukaan). Mikä on taideteoksen tehtävä (P.P. Gnedichin mukaan)?

4. Listaa taiteen 4 päätehtävää (I.P. Nikitinan mukaan) ja neljä

mahdollista ymmärrystä taiteen merkityksestä.

5. Määrittele "tyyli"-käsitteen merkitys. Mitä eurooppalaisen taiteen tyylejä tunnet? Mikä on "taiteellinen tyyli", "taiteellinen tila"?

6. Listaa ja kuvaile lyhyesti taiteen tyypit: tilallinen, ajallinen, aika-avaruus ja näyttävä taide.

7. Mikä on taidehistorian aihe?

8. Mikä on mielestäsi museoiden, näyttelyiden, gallerioiden, kirjastojen rooli taidehistorian teosten tutkimisessa?

9. Muinaisen taiteen ajattelun piirteitä: Säilönnissä olevaa tietoa taidekirjallisuuden ensimmäisistä esimerkeistä (Polykleitoksen "Canon", Durisin, Xenokratesin tutkielmat). "Topografinen" suunta taidekirjallisuudessa: Pausaniaksen "Description of Hellas". Kuvaus Lucianin taideteoksista. Pythagoralainen käsite "kosmos" harmonisena kokonaisuutena, joka on "harmonian ja numeron" lakien alainen ja sen merkitys arkkitehtuurin teorian alkuvaiheessa. Ajatus järjestyksestä ja suhteellisuudesta arkkitehtuurissa ja kaupunkisuunnittelussa. Ihanteellisen kaupungin kuvia Platonin (Lakien kuudes kirja, dialogi Kritias) ja Aristoteleen (politiikan seitsemäs kirja) kirjoituksissa. Taiteen ymmärtäminen muinaisessa Roomassa. Plinius vanhemman (1. vuosisadalla jKr.) "Luonnonhistoria" muinaisen taiteen historian pääasiallisena tietolähteenä. Vitruviuksen traktaatti: systemaattinen esitys klassisen arkkitehtuurin teoriasta.

10. Muinaisten perinteiden kohtalo keskiajalla ja keskiaikaisten käsitysten piirteet taiteesta: Keskiajan esteettiset näkemykset (Augustinus, Tuomas Akvinolainen), esteettinen johtava ajatus: Jumala on kauneuden lähde (Augustinus) ja sen merkitys taiteellinen teoria ja käytäntö. Ajatus "prototyypistä". Keskiaikaisen taiteen kirjallisuuden piirteet. Käytännön ja teknologiset, reseptioppaat: "Maalarien opas" Mount Afaon Dionysius Furnagrafiotilta, "Roomalaisten väreistä ja taiteista" Heraclius, "Schedula" (Schedula - Opiskelija) Theophilus. Kuvaus arkkitehtonisista monumenteista kronikoissa ja pyhien elämästä.

11. Renessanssi käännekohtana eurooppalaisen taiteen ja taidehistorian kehityshistoriassa. Uusi asenne antiikkiin (antiikin monumenttien tutkimus). Maallisen maailmankuvan kehittyminen ja kokeellisen tieteen synty. Taiteen ilmiöiden historiallisen ja kriittisen tulkinnan taipumuksen muodostuminen: Lorenzo Ghibertin "Kommentit" Käsitelmiä erityiskysymyksistä - kaupunkisuunnittelu (Filaret), mittasuhteet arkkitehtuurissa (Francesco di Giorgio), perspektiivi maalauksessa (Piero dela Francesca). Teoreettinen ymmärrys renessanssin käännekohdasta taiteen kehityksessä ja kokemus muinaisen perinnön humanistisesta tutkimuksesta Leon Batista Albertin traktaateissa ("Patsaasta", 1435, "Maalauksesta", 1435-36, "Arkkitehtuurista" ”), Leonardo da Vinci ("Maalauksen tutkielma", julkaistu postuumisti), Albrecht Dürer (Neljä kirjaa ihmissuhteista, 1528). Vitruviuksen arkkitehtuuriteorian kritiikkiä Leon Baptiste Albertin teoksessa "Kymmenen kirjaa arkkitehtuurista" (1485). Vitruvian "Academy of Valor" ja sen toiminta Vitruviuksen työn tutkimisessa ja kääntämisessä. Giacomo da Vignolan tutkielma "Arkkitehtuurin viiden järjestyksen sääntö" (1562). Andrea Palladion neljä kirjaa arkkitehtuurista (1570) on klassinen epilogi renessanssin arkkitehtuurin historiassa. Palladion rooli barokin ja klassismin arkkitehtonisten ideoiden kehityksessä. Palladio ja palladianismi.

12. Historiallisen taidehistorian muodostumisen päävaiheet nykyaikana: Vasarista Winckelmanniin: "Merkittävimpien maalareiden, kuvanveistäjien ja arkkitehtien elämää" Giorgio Vasari (1550, 1568) virstanpylvästyönä muodostumisen historiassa taidekritiikasta. Karel Van Manderin "Taiteilijoiden kirja" jatkona Vasarin elämäkerroille, jotka pohjautuvat hollantilaisen maalauksen materiaaliin.

13. 1700-luvun ajattelijoita taiteen tyylinmuodostuksen ongelmista, taiteellisista menetelmistä, taiteilijan paikasta ja roolista yhteiskunnassa: Rationalismi taidehistoriassa. Nicolas Poussinin klassinen teoria. Klassismin teoreettinen ohjelma Nicolas Buallon teoksessa "Poetic Art" (1674) ja A. Felibenin (1666-1688) "Keskusteluja tunnetuimmista maalareista, vanhoista ja uusista".

14. Valistuksen aika (1700-luku) ja taiteen teoreettiset ja metodologiset ongelmat. Kansallisten koulujen muodostuminen yleisen taideteorian puitteissa. Taidekritiikin kehitys Ranskassa. Salonkien rooli ranskalaisessa taiteellisessa elämässä. Arvioita salongeista kuvataiteen johtavina kriittisen kirjallisuuden muotoina. Kiistat taidekritiikin tehtävistä (luovuuden arviointi tai yleisön koulutus). Saksan taidehistorian piirteitä. Gotthold Ephraim Lessingin panos kuvataiteen teoriaan. Trakaatti "Laocoön" (1766) ja maalauksen ja runouden rajojen ongelma. Käsitteen "kuvataide" käyttöönottaminen "kuvataiteen" sijaan (siirtää painopistettä kauneudesta totuuteen ja korostaa taiteen figuratiiv-realistista toimintaa). Johann Joachim Winckelmannin toiminnan merkitys taidehistoriallisen tieteen kehitykselle. Winckelmannin antiikin taiteen käsite ja sen kehityksen periodisointi.

15. Venäläisen taiteen ajattelun alkuperä. Tietoja taiteilijoista ja taidemonumenteista Venäjän keskiaikaisissa kronikoissa ja kirjelähteissä. Kysymyksiä taiteesta 1500-luvun yhteiskunnallisessa ja poliittisessa elämässä. (Stoglavyn katedraali 1551 ja muut katedraalit) todisteena kriittisen ajattelun heräämisestä ja eri ideologisten suuntausten taistelusta.

16. Radikaalinen muutos 1600-luvun venäläisessä taiteessa: maallisen maailmankuvan alkujen muodostuminen ja ensimmäinen tutustuminen eurooppalaisiin taidekulttuurin muotoihin. Taiteellisen ja teoreettisen ajattelun muodostuminen. Luku "Ikonografiasta" Avvakumin "Elämässä". Joseph Vladimirovin (1665-1666) "Essee taiteesta" ja Simon Ushakovin (1666-1667) "Sana uteliaalle ikonimaalaukselle" ovat ensimmäiset venäläiset taideteorian teokset.

17. Uusien maallisten kulttuurin muotojen aktiivinen muodostuminen 1700-luvulla. Huomautuksia

J. von Stehlin on ensimmäinen yritys luoda venäläisen taiteen historiaa.

18. Uusi romanttinen käsitys taiteesta K.N.:n kriittisissä artikkeleissa. Batjuškova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odojevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. 1800-luvun lopun - 1900-luvun taidehistoria: Yritykset syntetisoida muodollisen koulukunnan saavutukset sen kriitikoiden käsitteisiin - taiteellisten tyylien "rakennetiede". Semioottinen lähestymistapa taidehistoriassa. Kuvataideteosten semioottisen tutkimuksen piirteet Yu.M.:n teoksissa. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspensky. Taiteen opiskelumenetelmien monimuotoisuus modernissa kotimaisessa tieteessä. Taideteoksen analyysin periaatteet ja ongelmallinen lähestymistapa taidehistorian tutkimukseen M. Alpatovin teoksissa ("Antiikin Kreikan taiteen taiteelliset ongelmat", "Italian renessanssin taiteelliset ongelmat"). V. Lazarevin metodologisten lähestymistapojen synteesi (muodollinen tyylillinen, ikonografinen, ikonologinen, sosiologinen). Vertaileva-historiallinen tutkimusmenetelmä D. Sarabjanovin teoksissa ("1800-luvun venäläinen maalaus eurooppalaisten koulujen keskuudessa. Vertailevan tutkimuksen kokemus"). Systemaattinen lähestymistapa taiteeseen ja sen piirteisiin.

1. Alekseev V.V. Mitä on taide? Siitä, kuinka taidemaalari, graafikko ja kuvanveistäjä kuvaa maailmaa. – M.: Taide, 1991.

2. Valeri P. Taiteesta. Kokoelma. – M.: Taide, 1993.

3. Vipper B.R. Johdatus taiteen historialliseen tutkimukseen. – M.: Kuvataide, 1985.

4.Vlasov V.G. Taiteen tyylit - Pietari: 1998.

5.Zis A.Ya. Taiteen lajit. – M.: Tieto, 1979.

6. Kon-Wiener. Kuvataidetyylien historia. - M .: Svarog ja K, 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. Nykyaikainen sanakirja-viitekirja taiteesta. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Taidehistorian perusteet. – M.: Taide, 2001.

Teema 2. Muinaisen maailman taide. Taidetta primitiivisen yhteisöjärjestelmän ja muinaisen idän aikakaudelta.

Kysymyksiä:

1. Primitiivisen yhteiskunnan taiteen periodisointi. Aikakauden primitiivisen taiteen ominaisuudet: paleoliitti, mesoliitti, neoliitti, pronssi.

2. Synkretismin käsite primitiivisessä taiteessa, sen esimerkkejä.

3. Muinaisen idän taiteen yleiset lait ja periaatteet.

4. Muinaisen Mesopotamian taide.

5. Muinaisten sumerien taide.

6. Muinaisen Babylonian ja Assyrian taide.

Keskustelun aiheita:

1. Anna lyhyt katsaus primitiivisen taiteen periodisoinnista. Mitkä ovat kunkin aikakauden taiteen piirteet?

2. Kuvaile primitiivisen taiteen pääpiirteet: synkretismi, fetisismi, animismi, totemismi.

3. Vertaa ihmisen kuvauksen kaanoneja muinaisen idän (Egyptin ja Mesopotamian) taiteessa.

4. Mitkä ovat muinaisen Mesopotamian kuvataiteen piirteet?

5. Kerro meille Mesopotamian arkkitehtuurista tiettyjen monumenttien esimerkillä:

Etemennigurun sikgurat Urissa ja Etemenankin sikgurat Uudessa Babylonissa.

6. Kerro meille Mesopotamian veistoksesta tiettyjen monumenttien esimerkillä: Kulkutien varrella olevat muurit, Ishtar-portti, Ashurnasirpal-palatsin kohokuviot vuonna

7. Mikä on Mesopotamian veistoksellisten kohokuvien teema?

8. Mikä oli ensimmäisten babylonialaisten arkkitehtuurimonumenttien nimi? Mikä oli heidän

nimittäminen?

9. Mikä on sumerilais-akkadilaisen kulttuurin kosmogonian erikoisuus?

10. Listaa sumero-akkadilaisen sivilisaation taiteen saavutukset.

1. Vinogradova N.A. Idän perinteistä taidetta. - M.: Taide, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Lyhyt taiteen historia. Ongelma. 1: Muinaisista ajoista 1500-luvulle. Esseitä. – M.: Taide, 1985.

3. Muinaisen idän taide (maailman taiteen muistomerkit). – M.: Taide, 1968.

4. Muinaisen Egyptin taide. Maalaus, kuvanveisto, arkkitehtuuri, taideteollisuus. – M.: Kuvataide, 1972.

5. Muinaisen maailman taide. – M.: 2001.

6. Taiteen historia. Ensimmäiset sivilisaatiot - Barcelona-Moskova: OSEANO - Beta-palvelu, 1998.

7. Maailman taiteen muistomerkit. Numero III, ensimmäinen sarja. Muinaisen idän taide. - M.: Taide, 1970.

8. Pomerantseva N.A. Muinaisen Egyptin taiteen esteettiset perusteet. – M.: Taide, 1985.

9. Stolyar A.D. Kuvataiteen alkuperä. – M.: Taide, 1985.

Tämä artikkeli sisältää lyhyen kuvauksen 1900-luvun tärkeimmistä taidetyyleistä. On hyödyllistä tuntea sekä taiteilijat että suunnittelijat.

Modernismi (ranskasta moderne modern)

taiteessa 1800-luvun jälkipuoliskolla vakiintuneiden taiteellisten suuntausten kumulatiivinen nimi uusien luovuuden muotojen muodossa, joissa vallitsi ei niinkään luonnonhenkeen ja perinteisiin sitoutuminen, vaan mestarin vapaa näkemys. , vapaa muuttaa näkyvää maailmaa oman harkintansa mukaan, seuraten henkilökohtaista vaikutelmaa, sisäistä ideaa tai mystistä unelmaa (nämä suuntaukset jatkoivat suurelta osin romantiikan linjaa). Impressionismi, symbolismi ja modernismi olivat sen merkittävimmät, usein aktiivisesti vuorovaikutuksessa olevat suunnat Neuvostoliiton kritiikissä "modernismin" käsitettä sovellettiin antihistoriallisesti kaikkiin 1900-luvun taiteen liikkeisiin, jotka eivät vastanneet sosialistisen realismin kaanoneja. .

Abstraktionismi(taide "nollamuotojen" merkin alla, ei-objektiivinen taide) - taiteellinen suunta, joka muodostui 1900-luvun ensimmäisen puoliskon taiteessa, kieltäytyen täysin toistamasta todellisen näkyvän maailman muotoja. Abstraktionismin perustajina pidetään V. Kandinsky, P. Mondrian ja K. Malevich. W. Kandinsky loi oman tyyppisen abstraktin maalauksensa vapauttaen impressionistiset ja "villit" täplät kaikista objektiivisuuden merkeistä. Piet Mondrian päätyi järjettömyytensä Cezannen ja kubistien aloittaman luonnon geometrisen stilisoinnin kautta. 1900-luvun modernistiset, abstraktionismiin keskittyvät suuntaukset poikkeavat täysin perinteisistä periaatteista, kieltävät realismin, mutta pysyvät samalla taiteen puitteissa. Taiteen historia abstraktionismin myötä koki vallankumouksen. Mutta tämä vallankumous ei syntynyt sattumalta, vaan aivan luonnollisesti, ja Platon ennusti sen! Myöhemmässä teoksessaan Philebus hän kirjoitti viivojen, pintojen ja tilamuotojen kauneudesta sinänsä, riippumatta näkyvien esineiden jäljitelmistä, mimeisistä. Tällainen geometrinen kauneus, toisin kuin luonnollisten "epäsäännöllisten" muotojen kauneus, Platonin mukaan ei ole suhteellista, vaan ehdoton, absoluuttinen.

Futurismi- 1910-luvun taiteen kirjallinen ja taiteellinen suuntaus. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Tärkeä futurismin taiteellinen ajatus oli liikkeen nopeuden plastisen ilmaisun etsiminen modernin elämän tahdin päämerkkinä. Futurismin venäläistä versiota kutsuttiin kybofuturismiksi ja se perustui ranskalaisen kubismin plastisten periaatteiden ja eurooppalaisen futurismin yleisesteettisten installaatioiden yhdistelmään. Risteyksien, siirtymien, törmäysten ja muototulvien avulla taiteilijat yrittivät ilmaista nykyihmisen, kaupunkilaisen, murskaavaa monimuotoisuutta.

Kubismi- "täydellisin ja radikaalein taiteellinen vallankumous sitten renessanssin" (J. Golding). Maalarit: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubismi - (ranskaksi cubisme, kuutiosta - kuutio) 1900-luvun ensimmäisen neljänneksen taiteen suunta. Kubismin plastinen kieli perustui esineiden muodonmuutokseen ja hajoamiseen geometrisiksi tasoiksi, plastiseen muodon siirtymiseen. Monet venäläiset taiteilijat ovat käyneet läpi kiehtovan kubismin ja usein yhdistäneet sen periaatteet muiden modernin taiteen suuntausten - futurismin ja primitivismin - tekniikoihin. Kuubofuturismista tuli erityinen muunnelma kubismin tulkinnasta Venäjän maaperällä.

Purismi- (ranskalainen purisme, latinasta purus - puhdas) suuntaus ranskalaisessa maalauksessa 1910-luvun lopulla ja 20-luvulla. Pääedustaja on taiteilija A. Ozanfan ja arkkitehti C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Hylkääessään 1910-luvun kubismin ja muiden avantgarde-liikkeiden koristeelliset taipumukset, niiden omaksuman luonnon muodonmuutoksen, puristit pyrkivät rationaalisesti järjestetylle vakaalle ja ytimekkäälle, ikään kuin yksityiskohdista "puhdistetulle" esinemuodolle siirtämään mielikuvaan "ensisijaiset" elementit. Puristien teoksille on ominaista tasaisuus, tasainen valosiluettien rytmi ja samantyyppisten esineiden (kannut, lasit jne.) ääriviivat. Koska ne eivät ole saaneet kehitystä maalaustelineen muotoina, olennaisesti uudelleen pohditut purismin taiteelliset periaatteet heijastuivat osittain moderniin arkkitehtuuriin, pääasiassa Le Corbusierin rakennuksiin.

Serrealismi- kirjallisuuden, maalauksen ja elokuvan kosmopoliittinen liike, joka syntyi vuonna 1924 Ranskassa ja lopetti virallisesti vuonna 1969. Se vaikutti suuresti nyky-ihmisen tietoisuuden muodostumiseen. Liikkeen päähahmot Andre Breton- liikkeen kirjailija, johtaja ja ideologinen inspiroija, Louis Aragon- yksi surrealismin perustajista, joka oudolla tavalla muuttui myöhemmin kommunismin laulajaksi, Salvador Dali- taiteilija, teoreetikko, runoilija, käsikirjoittaja, joka määritteli liikkeen olemuksen sanoilla: "Surrealismi olen minä!", erittäin surrealistinen kuvaaja Luis Buñuel, maalari Juan Miro- "Kaunein höyhen surrealismin hatussa", kuten Breton sitä kutsui, ja monet muut taiteilijat ympäri maailmaa.

fauvismi(ranskasta les fauves - villi (eläimet)) Paikallinen suunta maalauksessa aikaisin. 20. vuosisata Nimi F. annettiin pilkkana ryhmälle nuoria pariisilaisia ​​taiteilijoita ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), joka osallistui yhdessä useisiin näyttelyihin vuosina 1905-1907, ensimmäisen näyttelynsä jälkeen vuonna 1905. Nimen omaksui ryhmä itse ja se vakiinnutti asemansa sen takana. Suunnalla ei ollut selkeästi muotoiltua ohjelmaa, manifestia tai omaa teoriaa, eikä se kestänyt kauaa, mutta jätti kuitenkin huomattavan jäljen taiteen historiaan. Sen osallistujia yhdisti noina vuosina halu luoda taiteellisia kuvia yksinomaan erittäin kirkkaan avoimen värin avulla. Post-impressionistien taiteellisten saavutusten kehittäminen ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), tukeutuen joihinkin keskiaikaisen taiteen muodollisiin tekniikoihin (lasimaalaukset, romaaninen taide) ja japanilaiseen kaiverrukseen, jotka olivat suosittuja Ranskan taiteellisissa piireissä impressionistien ajoista lähtien, fauvistit pyrkivät maksimoimaan maalauksen kolorististen mahdollisuuksien hyödyntämisen.

Ekspressionismi(ranskalaisesta ilmaisusta - ekspressiivisyys) - modernistinen suuntaus länsieurooppalaisessa taiteessa, pääasiassa Saksassa, 1900-luvun ensimmäisellä kolmanneksella, joka kehittyi tietyllä historiallisella ajanjaksolla - ensimmäisen maailmansodan aattona. Ekspressionismin ideologinen perusta oli individualistinen protesti rumaa maailmaa, ihmisen kasvavaa vieraantumista maailmasta, kodittomuuden tunnetta, romahdusta ja niiden periaatteiden hajoamista vastaan, joiden varassa eurooppalainen kulttuuri näytti niin lujasti nojautuvan. Ekspressionisteilla on taipumus vetää mystiikkaa ja pessimismiä kohti. Ekspressionismille ominaisia ​​taiteellisia tekniikoita: illusorisen tilan hylkääminen, kohteiden tasomaisen tulkinnan halu, esineiden muodonmuutos, rakkaus teräviin värikkäisiin dissonansseihin, erityinen väri, joka ilmentää apokalyptistä draamaa. Taiteilijat pitivät luovuutta tapana ilmaista tunteita.

Suprematismi(lat. supremus - korkein, korkein; ensimmäinen; viimeinen, äärimmäinen, ilmeisesti puolalaisen supremacjan kautta - ylivoima, ylivalta) 1900-luvun ensimmäisen kolmanneksen avantgarde-taiteen suunta, luoja, pääedustaja ja teoreetikko joista venäläinen taiteilija Kazimir Malevitš. Termi itsessään ei heijasta suprematismin olemusta. Itse asiassa tämä on Malevitšin ymmärryksen mukaan arvioitu ominaisuus. Suprematismi on taiteen kehityksen korkein vaihe matkalla vapautumiseen kaikesta ei-taiteellisesta, polulla ei-objektiivisen lopulliseen paljastukseen minkä tahansa taiteen olemuksena. Tässä mielessä Malevich piti myös primitiivistä koristetaidetta suprematistisena (tai "korkeimman kaltaisena"). Hän käytti tätä termiä ensin suureen joukkoon maalauksiaan (39 tai enemmän), jotka kuvaavat geometrisia abstraktioita, mukaan lukien kuuluisa "Musta neliö" valkoisella pohjalla, "Musta risti" jne., jotka oli esillä Petrogradin futuristisessa näyttelyssä "nolla- kymmenen" vuonna 1915 Näiden ja vastaavien geometristen abstraktioiden taakse liitettiin nimi Suprematismi, vaikka Malevich itse viittasi siihen moniin 20-luvun teoksiinsa, jotka sisälsivät ulkoisesti tietyn muotoisia konkreettisia esineitä, erityisesti ihmishahmoja, mutta säilyttivät "Suprematistinen henki". Ja itse asiassa, Malevitšin myöhempi teoreettinen kehitys ei anna perusteita pelkistää suprematismia (ainakaan Malevitš itse) vain geometrisiin abstraktioihin, vaikka ne tietysti muodostavat sen ytimen, olemuksen ja jopa (musta ja valkoinen ja valkoinen ja valkoinen). Suprematismi) tuo maalauksen taiteen yleisen olemassaolon rajalle, eli kuvalliseen nollaan, jonka yli ei ole enää varsinaista maalausta. Tätä polkua vuosisadan toisella puoliskolla jatkoivat monet taidetoiminnan suunnat, jotka hylkäsivät siveltimet, maalit ja kankaat.

Venäjän kieli avantgardisti 1910-luku antaa melko monimutkaisen kuvan. Sille on ominaista nopea tyylien ja suuntausten muutos, runsas taiteilijaryhmien ja -yhdistysten määrä, joista jokainen julisti oman luovuuden käsitteensä. Jotain vastaavaa tapahtui eurooppalaisessa maalauksessa vuosisadan alussa. Tyylien sekoittuminen, virtojen ja suuntausten "sotku" oli kuitenkin tuntematon lännelle, missä liike kohti uusia muotoja oli johdonmukaisempaa. Monet nuoremman sukupolven mestarit siirtyivät poikkeuksellisen nopeasti tyylistä tyyliin, lavalta näyttämölle, impressionismista modernismiin, sitten primitivismiin, kubismiin tai ekspressionismiin, käyden läpi monia vaiheita, mikä oli täysin epätyypillistä ranskalaisen tai saksalaisen maalauksen mestareille. . Venäläisessä maalauksessa kehittynyt tilanne johtui suurelta osin maan vallankumousta edeltävästä ilmapiiristä. Hän pahensi monia ristiriitoja, jotka olivat luontaisia ​​koko eurooppalaiselle taiteelle, koska. Venäläiset taiteilijat opiskelivat eurooppalaisilla malleilla, tunsivat hyvin eri koulukuntia ja kuvasuuntauksia. Eräänlainen venäläinen "räjähdys" taiteellisessa elämässä näytteli siis historiallista roolia. Vuoteen 1913 mennessä venäläinen taide saavutti uusia rajoja ja näkymiä. Ilmestyi täysin uusi ei-objektiivisuuden ilmiö - raja, jonka yli ranskalaiset kubitit eivät uskaltaneet ylittää. Yksi kerrallaan he ylittävät tämän linjan: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kubofuturismi Paikallinen suuntaus 1900-luvun alun venäläisessä avantgardissa (maalauksessa ja runoudessa). Kuvataiteessa kubofuturismi syntyi kuvalöytöjen, kubismin, futurismin ja venäläisen uusprimitivismin uudelleenajattelun pohjalta. Pääteokset on luotu vuosina 1911-1915. Kuubofuturismin tunnusomaisimmat maalaukset tulivat K. Malevitšin siveltimen alta, ja niitä ovat myös kirjoittaneet Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Malevitšin ensimmäiset kuubofuturistiset teokset esiteltiin kuuluisassa näyttelyssä vuonna 1913. "Target", jolla myös Larionovin Luchism debytoi. Kuubofuturistisilla teoksilla on ulkonäöltään jotain yhteistä F. Legerin samaan aikaan luomien sävellysten kanssa ja ne ovat puoliobjektiivisia, sylinteri-, kartio-, pullo-, kuori-muotoisia onttoja tilavuusvärisiä muotoja, usein metallisen kiillon kanssa. Jo ensimmäisissä sellaisissa Malevitšin teoksissa on havaittavissa havaittavissa oleva taipumus siirtyä luonnollisesta rytmistä konemaailman puhtaasti mekaanisiin rytmeihin (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Klyunin muotokuva, 1913).

neoplastismi- yksi abstraktin taiteen varhaisimmista lajikkeista. Sen loivat vuonna 1917 hollantilainen taidemaalari P. Mondrian ja muut Style-yhdistykseen kuuluneet taiteilijat. Neoplastismille on luojiensa mukaan tunnusomaista halu "yleiseen harmoniaan", joka ilmaistaan ​​tiukasti tasapainotettujen suurten suorakaiteen muotoisten hahmojen yhdistelminä, jotka on erotettu selkeästi kohtisuoralla mustilla viivoilla ja maalattu pääspektrin paikallisilla väreillä (lisättynä valkoiseen ja harmaan sävyt). Neoplastisuus (Nouvelle plastique) Tämä termi ilmestyi Hollannissa 1900-luvulla. Piet Mondrian hän määritteli plastisia käsitteitään, joita systematisoi ja puolusti ryhmä ja Leidenissä vuonna 1917 perustettu "Style" ("De Stiji") -lehti. Neoplastismin pääpiirre oli ilmaisuvälineiden tiukka käyttö. Neoplastismi sallii vain vaaka- ja pystysuorat viivat muodostaa muotoa. Linjojen ylittäminen suorassa kulmassa on ensimmäinen periaate. Vuoden 1920 tienoilla siihen lisättiin toinen, joka poistaen viivan ja korostaen tasoa rajoittaa värit punaiseen, siniseen ja keltaiseen, ts. kolme puhdasta pääväriä, joihin voidaan lisätä vain valkoinen ja musta. Tämän ankaruuden avulla neoplastismi aikoi ylittää yksilöllisyyden saavuttaakseen universalismin ja luodakseen siten uuden kuvan maailmasta.

Virallinen "kaste" orfismi Tapahtui Salon des Indépendantsissa vuonna 1913. Niinpä kriitikko Roger Allard kirjoitti Salonia koskevassa raportissaan: "... panemme merkille tuleville historioitsijoille, että vuonna 1913 syntyi uusi orfismin koulu..." ("La Cote" Pariisissa 19. maaliskuuta 1913). Toinen kriitikko Andre Varno yhtyi häneen: "Vuoden 1913 salonkia leimasi orfisen koulun uuden koulun synty" ("Comoedia" Pariisi, 18. maaliskuuta 1913). Lopulta Guillaume Apollinaire vahvisti tätä lausuntoa huudahtaen, ei ilman ylpeyttä: "Tämä on orfismia. Täällä ensimmäistä kertaa tämä suuntaus, jonka ennustin, ilmestyi" ("Montjoie!" Paris Supplement to 18. March 1913). Itse asiassa termi keksittiin Apollinaire(Orfismi Orpheuksen kultina) ja julkistettiin ensimmäisen kerran modernin maalauksen luennossa ja luettiin lokakuussa 1912. Mitä hän tarkoitti? Hän ei näytä tietävän sitä itse. Lisäksi hän ei osannut määritellä tämän uuden suunnan rajoja. Itse asiassa tähän päivään asti vallitseva hämmennys johtui siitä, että Apollinaire sekoitti tiedostamatta kaksi toisiinsa liittyvää ongelmaa, mutta ennen kuin hän yritti yhdistää ne, hänen olisi pitänyt korostaa niiden eroja. Toisaalta luominen Delaunay kuvallinen ekspressiivinen tarkoittaa kokonaan väriin perustuvaa ja toisaalta kubismin laajentumista useiden eri suuntien syntymisen kautta. Tauon jälkeen Marie Laurencinin kanssa kesällä 1912 Apollinaire haki suojaa Delaunayn perheeltä, joka otti hänet ystävällisesti vastaan ​​työpajassaan Rue Grand-Augustinilla. Juuri tänä kesänä Robert Delaunay ja hänen vaimonsa kokivat syvällisen esteettisen evoluution, joka johti siihen, mitä hän myöhemmin kutsui "tuhoittavaksi ajanjaksoksi" maalaamisessa, joka perustui yksinomaan värikontrastien rakentaviin ja tila-ajallisiin ominaisuuksiin.

Postmodernismi (postmoderni, postavantgarde) -

(Lat. post "jälkeen" ja modernismi), yhteisnimitys taiteellisille suuntauksille, jotka tulivat erityisen selväksi 1960-luvulla ja joille on ominaista modernismin ja avantgardin aseman radikaali uudistaminen.

abstrakti ekspressionismi sodan jälkeinen (40-luvun loppu - XX vuosisadan 50-luku) vaihe abstraktin taiteen kehityksessä. Itse termin otti käyttöön saksalainen taidekriitikko 1920-luvulla E. von Sydow (E. von Sydow) viittaamaan ekspressionistisen taiteen tiettyihin aspekteihin. Vuonna 1929 amerikkalainen Barr käytti sitä luonnehtimaan Kandinskyn varhaisia ​​teoksia, ja vuonna 1947 hän kutsui teoksia "abstrakti-ekspressionisteiksi". Willem de Kooning ja Pollock. Siitä lähtien abstraktin ekspressionismin käsite on tiivistynyt 50-luvulla nopeasti kehittyneen abstraktin maalauksen (ja myöhemmin kuvanveiston) varsin laajan, tyylillisesti ja teknisesti kirkkaan kentän taakse. Yhdysvalloissa, Euroopassa ja sitten kaikkialla maailmassa. Abstraktin ekspressionismin suoria esi-isiä pidetään varhaisina Kandinsky, ekspressionisteja, orfisteja, osittain dadaisteja ja surrealisteja henkisen automatismin periaatteellaan. Abstraktin ekspressionismin filosofinen ja esteettinen perusta oli suurelta osin sodanjälkeisenä aikana suosittu eksistentialismin filosofia.

Valmiina(englanniksi ready-made - ready) Taiteilija otti termin ensimmäisen kerran taidehistorian sanakirjaan Marcel Duchamp nimeämään taideteoksiksi teoksensa, jotka ovat utilitaristisen käytön kohteita, jotka on poistettu normaalin toimintansa ympäristöstä ja jotka ovat muuttumattomina esillä taidenäyttelyssä. Ready-Made vaati uutta ilmettä asiaan ja esineisyyteen. Esine, joka lakkasi täyttämästä utilitaristisia tehtäviään ja liitettiin taiteen tilan kontekstiin, eli siitä tuli ei-utilitaristisen mietiskelyn kohde, alkoi paljastaa uusia merkityksiä ja assosiatiivisia liikkeitä, joita ei perinteiselle taiteelle tai taiteellekaan tuntenut. arki-utilitaristinen olemisen alue. Ongelma estetiikan ja utilitaristisuuden suhteellisuudesta nousi jyrkästi esiin. Ensimmäinen valmis Duchamp näyttelyssä New Yorkissa vuonna 1913. Pahamaineisin hänen Ready-Made. teräs "Pyörä polkupyörästä" (1913), "Pullonkuivain" (1914), "Fountain" (1917) - näin tavallinen pisuaari nimettiin.

Pop-taide. Toisen maailmansodan jälkeen Amerikkaan muodostui suuri sosiaalinen kerros, joka ansaitsi tarpeeksi rahaa ostaakseen tavaroita, jotka eivät olleet heille erityisen tärkeitä. Esimerkiksi tavaroiden kulutus: Coca cola tai Levi's farkut ovat tärkeä ominaisuus tässä yhteiskunnassa. Tätä tai toista tuotetta käyttävä henkilö osoittaa kuuluvansa tiettyyn sosiaaliseen kerrokseen. Nykyinen massakulttuuri muodostui. Asioista tuli symboleja, stereotypioita. Pop-taide käyttää välttämättä stereotypioita ja symboleja. pop-taide(Pop Art) ilmensi uusien amerikkalaisten luovaa etsintää, joka perustui Duchampin luoviin periaatteisiin. Se: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, ja muut. Pop-taide on saamassa massakulttuurin merkitystä, joten ei ole yllättävää, että se muotoutui ja siitä tuli taideliike Amerikassa. Heidän liittolaisensa: Hamelton R, Ton Kiina valittu auktoriteetiksi Kurt Schwieters. Poptaidetta luonnehtii teos - illuusio pelistä, joka selittää esineen olemuksen. Esimerkki: piirakka K. Oldenburg kuvattu eri tavoin. Taiteilija ei saa kuvata kakkua, vaan hälventää illuusioita, näyttää, että ihminen näkee totta. R. Rauschenberg on myös omaperäinen: hän liimahti kankaalle erilaisia ​​valokuvia, piirsi ne ja kiinnitti teoksen pehmoeläimen. Yksi hänen kuuluisista teoksistaan ​​on täytetty siili. Tunnettu on myös hänen maalauksensa, jossa hän käytti valokuvia Kenedystä.

Primitivismi (naivi taide). Tätä käsitettä käytetään useissa merkityksissä ja se on itse asiassa identtinen käsitteen kanssa "primitiivinen taide". Eri kielillä ja eri tutkijoilla näitä käsitteitä käytetään useimmiten viittaamaan samaan taiteellisen kulttuurin ilmiöihin. Venäjän kielellä (ja joissakin muissa) termillä "alkukantainen" on jonkin verran negatiivinen merkitys. Siksi on tarkoituksenmukaisempaa keskittyä konseptiin naiivia taidetta. Laajimmassa merkityksessä tämä tarkoittaa kuvataidetta, jolle on ominaista yksinkertaisuus (tai yksinkertaistaminen), selkeys ja muodollinen kuva- ja ilmaisukielen välittömyys, jonka avulla ilmaistaan ​​erityinen näkemys maailmasta, jota sivilisaatiosopimukset eivät rasita. . Käsite ilmestyi viime vuosisatojen uudessa eurooppalaisessa kulttuurissa, joten se heijastaa tämän kulttuurin ammatillisia kantoja ja ajatuksia, jotka pitivät itseään korkeimpana kehitysvaiheena. Näistä asennoista naivisilla taiteilla tarkoitetaan myös muinaisten kansojen (esi-egyptiläisten tai esikreikkalaisten sivilisaatioiden) arkaaista taidetta, esimerkiksi primitiivistä taidetta; niiden kansojen taide, joiden kulttuurinen ja sivilisaatiokehitys viivästyivät (Afrikan, Oseanian alkuperäiskansat, Amerikan intiaanit); amatööri- ja ei-ammattimainen taide laajimmassa mittakaavassa (esimerkiksi Katalonian kuuluisat keskiaikaiset freskot tai Euroopan ensimmäisten amerikkalaisten maahanmuuttajien ei-ammattimainen taide); monet niin sanotun "kansainvälisen goottilaisen" teokset; kansantaide; ja lopuksi 1900-luvun lahjakkaiden primitivististen taiteilijoiden taide, jotka eivät saaneet ammattitaidekoulutusta, mutta tunsivat itsessään taiteellisen luovuuden lahjan ja omistautuivat sen itsenäiselle toteuttamiselle taiteessa. Jotkut heistä (ranska A. Russo, K. Bombois, Georgian N. Pirosmanishvili, Kroatia I. Generalich, amerikkalainen OLEN. Robertson ja muut) ovat luoneet todellisia taiteellisia mestariteoksia, joista on tullut osa maailmantaiteen aarretta. Naivi taide on maailmankuvansa ja taiteellisen esittämisensä menetelmien osalta jonkin verran lähellä lasten taidetta. toisaalta mielisairaiden työhön. Pohjimmiltaan se kuitenkin eroaa molemmista. Lähintä maailmankatsomuksellisesti lastentaidetta on Oseanian ja Afrikan arkaaisten kansojen ja alkuperäiskansojen naiivi taide. Sen perustavanlaatuinen ero lasten taiteeseen on sen syvässä pyhyydessä, perinteisyydessä ja kanonisuudessa.

ei taidetta(Net Art - englanniksi net - verkko, taide - taide) Uusin taiteen muoto, modernin taiteen käytännöt, kehittyvät tietokoneverkoissa, erityisesti Internetissä. Sen kehittämiseen osallistuvat tutkijat Venäjällä, O. Lyalina, A. Shulgin, uskovat, että Net-taiteen ydin tiivistyy kommunikaatio- ja luovien tilojen luomiseen verkkoon, joka tarjoaa täydellisen verkoston olemisen vapauden kaikille. Siksi Net-taiteen ydin. ei esitystä, vaan viestintää, ja sen alkuperäinen taideyksikkö on sähköinen viesti. 80- ja 90-luvuilla syntyneen Net-artin kehityksessä on ainakin kolme vaihetta. 20. vuosisata Ensimmäinen oli, kun pyrkivät verkkotaiteilijat loivat kuvia tietokoneen näppäimistöltä löytyvistä kirjaimista ja kuvakkeista. Toinen alkoi, kun underground-taiteilijat ja vain kaikki, jotka halusivat näyttää jotain teoksistaan, tulivat Internetiin.

OP-ART(eng. Op-art - lyhennetty versio optisesta taiteesta - optinen taide) - taiteellinen liike 1900-luvun jälkipuoliskolla, jossa käytetään erilaisia ​​visuaalisia illuusioita, jotka perustuvat litteiden ja tilallisten hahmojen havainnointiin. Nykyinen jatkaa teknismin (modernismin) rationalistista linjaa. Se juontaa juurensa niin sanottuun "geometriseen" abstraktionismiin, jonka edustaja oli V. Vasarely(1930-1997 hän työskenteli Ranskassa) - op-taiteen perustaja. Op-taiteen mahdollisuudet ovat löytäneet käyttöä teollisessa grafiikassa, julisteissa ja designtaiteissa. Op-taiteen (optisen taiteen) suunta sai alkunsa 50-luvulla abstraktionismista, vaikka tällä kertaa se oli erilaista - geometrista abstraktiota. Sen jakelu virtana juontaa juurensa 60-luvulle. 20. vuosisata

Graffiti(graffiti - arkeologiassa kaikki piirustukset tai kirjaimet naarmuuntuneena mille tahansa pinnalle, italialaisista graffiareista - scratch) Tämä on subkulttuuriteosten nimitys, jotka ovat pääasiassa suurikokoisia kuvia julkisten rakennusten, rakenteiden, liikenteen seinillä, tehty erilaisilla erilaisia ​​ruiskupistooleja, aerosolimaalipurkkeja. Tästä johtuu toinen nimi "spray art" - Spray-taide. Sen alkuperä liittyy graffitien massiiviseen esiintymiseen. 70-luvulla. New Yorkin metroautoissa ja sitten julkisten rakennusten seinillä myymäläverhot. Ensimmäiset graffitien kirjoittajat. siellä oli enimmäkseen nuoria työttömiä etnisiin vähemmistöihin kuuluvia taiteilijoita, ensisijaisesti puertoricolaisia, joten ensimmäisissä graffiteissa ilmeni joitain Latinalaisen Amerikan kansantaiteen tyylipiirteitä, ja juuri heidän esiintymisensä pinnoille, joita ei ole tarkoitettu tähän tarkoitukseen, heidän kirjoittajansa protestoivat heidän voimaton asema. 80-luvun alussa. muodostui kokonainen suuntaus lähes ammattimestareista G.. Heidän oikeat nimensä, jotka aiemmin piilotettiin salanimien alle, tulivat tunnetuiksi ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Jotkut heistä siirsivät tekniikkansa kankaalle ja alkoivat esittää näyttelyitä gallerioissa New Yorkissa, ja pian graffitit ilmestyivät Eurooppaan.

HYPERREALISMI(hyperrealismi - englanti) tai fotorealismi (photorealism - englanti) - taiteilija. liike maalauksessa ja kuvanveistossa, perustuu valokuvaukseen, todellisuuden toistoon. Hyperrealismi on sekä käytännössä että esteettisissä suuntauksissaan naturalismiin ja pragmatismiin lähellä poptaidetta. niitä yhdistää ensisijaisesti paluu figuratiivisuuteen. Se toimii vastakohtana konseptualismille, joka ei vain rikkonut esitystä, vaan myös kyseenalaistanut taiteen aineellisen toteutumisen periaatteen. konsepti.

maan taidetta(englannista land art - earthen art), suunta viimeisen kolmanneksen taiteelleXXluvulla, joka perustuu todellisen maiseman käyttöön pääasiallisena taiteellisena materiaalina ja esineenä. Taiteilijat kaivavat juoksuhautoja, luovat outoja kivikasoja, maalaavat kiviä ja valitsevat toiminnalleen yleensä autioita paikkoja - turmeltumattomia ja villiä maisemaa, mikä ikään kuin pyrkii palauttamaan taiteen luontoon. Kiitos hänen<первобытному>Monet tällaiset toimet ja esineet ovat ulkonäöltään lähellä arkeologiaa ja valokuvataidetta, koska suurin osa yleisöstä voi pohtia niitä vain valokuvasarjoissa. Näyttää siltä, ​​​​että meidän on kohdattava jälleen yksi venäjän kielen barbaarisuus. En tiedä, onko tämä termi sattumaa<лэнд-арт>ilmestyi lopussa 60-luku aikana, jolloin kehittyneissä yhteiskunnissa ylioppilaskunnan kapinallinen henki ohjasi voimansa kaatamaan vakiintuneet arvot.

MINIMALISMI(minimal art - englanti: minimal art) - taiteilija. luovuusprosessissa käytettyjen materiaalien minimaalisesta muutoksesta peräisin oleva virtaus, muotojen yksinkertaisuus ja yhtenäisyys, yksivärinen, luova. taiteilijan itsehillintää. Minimalismille on ominaista subjektiivisuuden, edustavuuden ja illusionismin hylkääminen. Klassikko hylätään luovuutta ja perinteitä. taiteellinen materiaalit, minimalistit käyttävät teollisia ja luonnonmateriaaleja yksinkertaisen geometrian. käytetään muotoja ja neutraaleja värejä (musta, harmaa), pieniä määriä, sarja-, kuljetinmenetelmiä teollisessa tuotannossa. Artefakti minimalistisessa luovuuden käsitteessä on ennalta määrätty tulos sen tuotantoprosessista. Maalauksen ja kuvanveiston täydellisimmän kehityksen saanut minimalismi, joka tulkitaan laajassa mielessä taiteilijan taloudeksi. varoja, löytyi sovellusta muissa taiteen muodoissa, pääasiassa teatterissa ja elokuvassa.

Minimalismi sai alkunsa Yhdysvalloista trans. lattia. 60-luku Sen juuret ovat konstruktivismissa, suprematismissa, dadaismissa, abstraktismissa, formalistisessa Amerissa. 1950-luvun maalausta, poptaidetta. Suoraan minimalismin edeltäjä. on Amer. taidemaalari F. Stella, joka esitteli vuosina 1959-60 sarjan "Black Paintings", jossa säännölliset suorat linjat vallitsi. Ensimmäiset minimalistiset teokset ilmestyvät vuosina 1962-63 Termi "minimalismi". kuuluu R. Walheimille, joka esittelee sen luovuuden analyysin yhteydessä M. Duchamp ja pop-taiteilijat, minimoiden taiteilijan puuttumisen ympäristöön. Sen synonyymejä ovat "cool art", "ABC art", "sarjataide", "primäärirakenteet", "taide prosessina", "systeeminen taide". maalaus". Edustavimpia minimalisteja ovat − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Heitä yhdistää halu sovittaa esine ympäristöön, päihittää materiaalien luonnollinen rakenne. D. Jade määrittelee sen "erityiseksi. esine”, joka on erilainen kuin klassinen. muovityöt. taiteet. Itsenäinen valaistus on tärkeä tapa luoda minimalistista taidetta. tilanteet, alkuperäiset tilaratkaisut; teosten luomiseen käytetään tietokonemenetelmiä.