تم عتیقه در هنر روسیه قرن بیستم. هنر زیبا روسی قرن بیستم. جهات اصلی نقاشی روسی قرن بیستم

این زمان را اوج نقاشی روسی و ورود رئالیسم به آن می دانند. پدیده‌های اجتماعی و انقلاب‌های کشور تأثیر ویژه‌ای بر هنر داشتند. قبلاً در نقاشی سانسور و انتقاد وجود داشت. اثر قابل توجهی بر روی کار نقاشان توسط مقامات آن زمان باقی مانده است. تقریباً هر هنرمند داخلی موظف بود حداقل یک تصویر اختصاص داده شده به سیاست جدید و نظم اجتماعی جدید بکشد.

جهات اصلی نقاشی روسی قرن بیستم

در دوره قرن بیستم، پایان رئالیسم روسی در نقاشی و آغاز شوروی یا سوسیالیستی بود. زمان جنگ بزرگ را ویژه می دانند که با حرکت متحد حزب و مردم متمایز شد. نقاشی‌های نظامی سر و صدایی به پا کردند و در دوره کنونی مطرح هستند. جریان سوسیالیستی ژانر منظره کمتر از همه تحت تأثیر قرار گرفت.

آوانگارد روسی

کلمه "آوانگارد" به معنای نوآوری، حرکت پیشرفته است. آوانگارد داخلی جریان های رادیکال نقاشی را ترکیب می کند. در ابتدا به آن مدرنیسم، هنر جدید، انتزاع گرایی و نام های دیگر می گفتند. اولین نگاه های اجمالی در این جهت در سال های قبل از جنگ ظاهر شد. آوانگارد روسی لحظاتی مانند طرد مطلق گذشته در فرهنگ و وحدت فرآیندهای تخریب و خلقت را با هم ترکیب می کند. در نقاشی همزمان جایی برای پرخاشگری، میل به از بین بردن ارزش های هنری قدیمی و ایجاد چیزی کاملاً متفاوت وجود دارد.

در این راستا، اول از همه، شایان ذکر است که واسیلی کاندینسکی، که نقاشی های "زندگی رنگارنگ"، "آواز ولگا"، "بیضی سفید"، "مسکو" را نقاشی کرده است. میدان سرخ". در میان آوانگاردیست ها، کازیمیر مالویچ، نماینده سوپرماتیسم، یکی از جنبش های آوانگارد نیز حضور دارند. این جریان مشخصه مرحله نهایی هنر، عدم وجود اشیا است. آنها ابتدا بعد از ظهور بوم هایی با انتزاعات هندسی شروع به صحبت در مورد او کردند.

رئالیسم سوسیالیستی

پس از وقوع انقلاب و تحولات و تحولات فراوان، دوره جدیدی و مسیر جدیدی در هنرهای تجسمی آغاز شد. مطابق با آن زمان بود و رئالیسم سوسیالیستی نامیده می شد. این خواسته دولت و مردم بود. رئالیسم سوسیالیستی با حضور قهرمانی، رهبران بیان شده، مردم، وقایع، حقیقت حزب و نه بینش خود هنرمند متمایز شد. جامعه توتالیتر نقاشی روسی را غیرقابل تشخیص تغییر داده است. این عمدتا شامل نقاشی هایی بود که به وقایع تاریخی آن زمان، قهرمانان و رهبران دولت و همچنین زندگی روزمره یک کارگر ساده اختصاص داشت.

بسیاری آن را "سبک شدید" نامیدند، زیرا هیچ توهم، حدس و بی دقتی کودکانه در آن وجود نداشت. فقط حقیقت بی رحمانه روی بوم ها نمایش داده شد. قهرمانی آن زمان در تنش و تلاش درونی رهبر نهفته بود. در رئالیسم سوسیالیستی، کار یک حرفه بود و قهرمانان پیشگام و سازنده بودند. در پایان قرن، همراه با فروپاشی فرهنگ شوروی، جهت جدیدی در نقاشی روسی می آید.

پست مدرنیسم

جهت جدیدی در نقاشی روسی جایگزین مدرنیسم شد که در جامعه کاملاً مشخص نبود. پست مدرنیسم با تصاویر عکاسی مشخص می شود. نقاشی تا حد امکان به ظاهر اصلی نزدیک است. این سبک با ویژگی های تیپولوژیکی متمایز می شود. اول از همه، فرم تمام شده. نقاشان از تصاویر کلاسیک استفاده می کنند، اما آنها را به روشی جدید تفسیر می کنند، انحصاری می دهند. اغلب، نمایندگان پست مدرنیسم فرم ها را از چندین جهت ترکیب می کنند و طنزی جزئی به تصویر و نوعی ثانویه می بخشند.

یکی دیگر از ویژگی های جهت فقدان قوانین است. در پست مدرنیسم، هنرمند بر انتخاب فرم ها و شیوه های به تصویر کشیدن نقاشی خود کنترل کامل دارد. آزادی خاصی به هنر به طور کلی نفس تازه ای بخشید. اینستالیشن ها و اجراهای هنری وجود داشت. پست مدرنیسم در نقاشی نیز با فقدان تکنیک های روشن و محبوبیت عمومی جهانی مشخص می شود. اوج این جهت در دهه 90 قرن بیستم بود. برجسته ترین نمایندگان آن هنرمندان زیر هستند: A. Menus، M. Tkachev، S. Nosova، D. Dudnik.

ارسال کار خوب خود را در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان فارغ التحصیل، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

نوشته شده در http://www.allbest.ru/

آژانس فدرال آموزش

موسسه آموزشی دولتی

آموزش عالی حرفه ای

تاریخ هنر

کار دوره را کنترل کنید

هنر روسیه اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم

مقدمه

رنگ آمیزی

کنستانتین آلکسیویچ کرووین

والنتین الکساندرویچ سرو

میخائیل الکساندرویچ وروبل

"دنیای هنر"

"اتحادیه هنرمندان روسیه"

"جک از الماس"

"اتحادیه جوانان"

معماری

مجسمه سازی

کتابشناسی - فهرست کتب

مقدمه

فرهنگ روسیه اواخر نوزدهم - اوایل قرن بیستم یک دوره پیچیده و بحث برانگیز در توسعه جامعه روسیه است. فرهنگ آغازین قرن همیشه حاوی عناصر یک دوره گذار است که شامل سنت های فرهنگ گذشته و گرایش های نوآورانه یک فرهنگ نوظهور جدید است. انتقال سنت ها وجود دارد و نه فقط انتقال، بلکه ظهور سنت های جدید، همه اینها با روند پرتلاطم جستجوی راه های جدید توسعه فرهنگ مرتبط است که با توسعه اجتماعی این زمان اصلاح شده است. آغاز قرن در روسیه دوره ای از تغییرات عمده است، تغییر در سیستم دولتی، تغییر از فرهنگ کلاسیک قرن 19 به فرهنگ جدید قرن 20. جست‌وجوی راه‌های جدید توسعه فرهنگ روسی با جذب روندهای مترقی در فرهنگ غربی همراه است. تنوع جهت ها و مدارس یکی از ویژگی های فرهنگ روسیه در آغاز قرن است. گرایش های غربی با گرایش های مدرن، پر از محتوای خاص روسی، در هم تنیده و تکمیل می شوند. یکی از ویژگی های فرهنگ این دوره جهت گیری آن به سمت درک فلسفی از زندگی، نیاز به ساختن تصویری کل نگر از جهان است که در آن هنر، همراه با علم، نقش بسیار زیادی ایفا می کند. تمرکز فرهنگ روسیه در اواخر قرن 19 - اوایل قرن 20 مشخص شد که فردی است که از یک طرف به نوعی پیوند در انواع مختلف مدارس و حوزه های علمی و هنری تبدیل می شود و به نوعی نقطه شروع برای تجزیه و تحلیل همه متنوع ترین مصنوعات فرهنگی، از سوی دیگر. از این رو بنیاد فلسفی قدرتمندی است که زیربنای فرهنگ روسیه در آغاز قرن قرار دارد.

با برجسته کردن مهمترین اولویت ها در توسعه فرهنگ روسیه در اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم، نمی توان مهمترین ویژگی های آن را نادیده گرفت. پایان قرن نوزدهم - آغاز قرن بیستم در تاریخ فرهنگ روسیه معمولاً رنسانس روسیه یا در مقایسه با عصر طلایی پوشکین، عصر نقره ای فرهنگ روسیه نامیده می شود.

در آغاز قرن، سبکی توسعه یافت که تمام هنرهای پلاستیک را تحت تأثیر قرار داد، که عمدتاً از معماری (که در آن التقاط برای مدت طولانی غالب بود) و به گرافیک ختم شد که سبک آرت نوو نامیده می شد. این پدیده بدون ابهام نیست ، در مدرنیته نیز پرتحرکی منحط وجود دارد ، ادعایی که عمدتاً برای سلیقه های بورژوایی طراحی شده است ، اما تمایل به وحدت سبک نیز وجود دارد که به خودی خود قابل توجه است. سبک Art Nouveau مرحله جدیدی در ترکیب معماری، نقاشی و هنرهای تزئینی است.

در هنرهای تجسمی، هنر نو خود را نشان داد: در مجسمه سازی - با سیال بودن فرم ها، بیان خاص شبح ها، پویایی ترکیب ها. در نقاشی - نمادگرایی تصاویر، اعتیاد به تمثیل. نمادگرایی نقره مدرن آوانگارد

نمادگرایان روسی نقش مهمی در توسعه زیبایی شناسی عصر نقره ایفا کردند. نمادگرایی به عنوان یک پدیده در ادبیات و هنر اولین بار در ربع پایانی قرن نوزدهم در فرانسه ظاهر شد و در پایان قرن به بیشتر اروپا گسترش یافت. اما پس از فرانسه، در روسیه است که نمادگرایی به عنوان بزرگ ترین، شاخص ترین و اصیل ترین پدیده در فرهنگ تحقق می یابد. نمادگرایی روسی در ابتدا اساساً همان پیش نیازهای نمادگرایی غربی را داشت: «بحران یک جهان بینی و اخلاق مثبت». اصل اصلی نمادگرایان روسی زیبایی شناسی زندگی و تمایل به اشکال مختلف جایگزینی زیبایی شناسی به جای منطق و اخلاق است. اول از همه، نمادگرایی روسی با مرزبندی با سنت های "دهه شصت" انقلابی-دموکراتیک و پوپولیسم، با ایدئولوژیک سازی الحاد، فایده گرایی مشخص می شود. به گفته نمادگرایان روسی، آنها با اصول هنر "خالص" و آزاد مطابقت دارند.

یکی دیگر از پدیده های چشمگیر عصر نقره که اهمیت جهانی پیدا کرده است، هنر و زیبایی شناسی آوانگارد است. در فضای حوزه‌های آگاهی زیبایی‌شناختی که قبلاً فهرست شده بود، هنرمندان آوانگارد با شخصیتی شدیداً سرکش متمایز شدند. آنها بحران فرهنگ کلاسیک، هنر، مذهب، جامعه‌گرایی، دولت‌داری را با لذت به‌عنوان یک مرگ طبیعی، نابودی کهنه، منسوخ، بی‌ربط درک کردند و خود را انقلابی، ویرانگر و گورکن «همه آشغال‌ها» و خالق همه چیز جدید، به طور کلی، یک نژاد در حال ظهور جدید است. ایده‌های نیچه درباره ابرمرد، که توسط پی. اوسپنسکی توسعه داده شد، به معنای واقعی کلمه توسط بسیاری از هنرمندان آوانگارد پذیرفته شد و به‌ویژه توسط آینده‌گرایان، برای خودشان امتحان شد.

از این رو شورش و ظالمانه، میل به هر چیزی که اساساً جدید در ابزار بیان هنری، در اصول رویکرد به هنر، تمایل به گسترش مرزهای هنر تا زمانی که به زندگی می رسد، اما بر اساس اصول کاملا متفاوت از اصول نمایندگان است. از زیبایی شناسی جراحی زندگی برای آوانگاردیست های دهه 10. قرن بیستم - این بالاتر از همه، یک شورش انقلابی است، یک شورش آنارشیستی. پوچی، هرج و مرج، هرج و مرج برای اولین بار به عنوان مترادف مدرنیته و دقیقاً به عنوان اصول خلاقانه ایجابی بر اساس انکار کامل اصل عقلانی در هنر و کیش امر غیرمنطقی، شهودی، ناخودآگاه، بی معنی، ابداعی، بی شکل و غیره درک می شوند. . جهت گیری های اصلی آوانگارد روسی عبارت بودند از: انتزاع گرایی (واسیلی کاندینسکی)، سوپرماتیسم (کازیمیر مالویچ)، ساخت گرایی (ولادیمیر تاتلین)، کوبوفتوریسم (کوبیسم، فوتوریسم) (ولادیمیر مایاکوفسکی).

رنگ آمیزی

برای نقاشان اوایل قرن، شیوه‌های بیانی دیگری غیر از روش‌های سرگردان، سایر اشکال خلاقیت هنری - در تصاویری که متناقض، پیچیده هستند و مدرنیته را بدون تصویرسازی و روایت منعکس می‌کنند، مشخص است. هنرمندان به طرز دردناکی به دنبال هماهنگی و زیبایی در جهانی هستند که اساساً با هارمونی و زیبایی بیگانه است. به همین دلیل است که بسیاری رسالت خود را در پرورش حس زیبایی می دیدند. این زمان از "شب"، انتظار تغییرات در زندگی عمومی، منجر به بسیاری از گرایش ها، انجمن ها، گروه بندی ها، برخورد جهان بینی ها و سلیقه های مختلف شد. اما همچنین باعث جهانی شدن نسل کامل هنرمندانی شد که پس از سرگردانان «کلاسیک» به میدان آمدند.

درس های امپرسیونیستی نقاشی هوای معمولی، ترکیب "قاب بندی تصادفی"، شیوه تصویری آزاد گسترده - همه اینها نتیجه تکامل در توسعه ابزارهای تصویری در همه ژانرهای آغاز قرن است. در جستجوی "زیبایی و هارمونی" هنرمندان خود را در انواع تکنیک ها و اشکال هنری امتحان می کنند - از نقاشی تاریخی و مناظر تئاتر گرفته تا طراحی کتاب و هنر و صنایع دستی.

ژانر نقاشی در دهه 1990 توسعه یافت، اما تا حدودی متفاوت از جنبش "کلاسیک" دهه 1970 و 1980 توسعه یافت. بنابراین، موضوع دهقانی به شیوه ای جدید آشکار می شود. S. A. Korovin (1858-1908) در نقاشی "در جهان" (1893) شکاف در جامعه روستایی را به تصویر می کشد.

در آغاز قرن، یک مسیر تا حدودی عجیب و غریب در موضوع تاریخی ترسیم شده است. بنابراین، برای مثال، A.P. Ryabushkin (1861-1904) بیشتر در ژانر تاریخی کار می کند تا در ژانر صرفاً تاریخی. "زنان روسی قرن هفدهم در کلیسا" (1899)، "قطار عروسی در مسکو. قرن هفدهم "(1901) - اینها صحنه های روزمره از زندگی مسکو در قرن هفدهم است. تلطیف ریابوشکین در صافی تصویر، در یک سیستم خاص از ریتم پلاستیکی و خطی، در طرح رنگی ساخته شده بر روی رنگ های اصلی روشن، در راه حل تزئینی عمومی منعکس شده است. ریابوشکین جسورانه رنگ های محلی را به منظره هوای معمولی وارد می کند، به عنوان مثال، در "قطار عروسی ..." - رنگ قرمز کالسکه، لکه های بزرگ لباس های جشن در برابر پس زمینه ساختمان های تاریک و برف، با این حال، در بهترین تفاوت های رنگی چشم انداز همیشه شاعرانه زیبایی طبیعت روسیه را منتقل می کند.

نوع جدیدی از نقاشی، که در آن سنت‌های هنری فولکلور به شیوه‌ای کاملاً خاص تسلط یافته و به زبان هنر مدرن ترجمه می‌شود، توسط F. A. Malyavin (1869-1940) ایجاد شد. تصاویر او از "زنان" و "دختران" ویژگی خاصی دارند. معنای نمادین - خاک سالم روسیه. نقاشی های او همیشه گویا هستند، و اگرچه اینها معمولاً آثار سه پایه هستند، اما تفسیری تاریخی و تزئینی زیر قلم موی هنرمند دریافت می کنند. "خنده" (1899، موزه هنرهای مدرن، ونیز) "Whirlwind" (1906)، تصویری واقع گرایانه از دختران دهقانی است که به طور مسری با صدای بلند می خندند یا در یک رقص گرد به طور غیرقابل کنترلی عجله می کنند، اما این واقع گرایی با نیمه دوم قرن متفاوت است. کل بوم.

M. V. Nesterov (1862-1942) به موضوع روسیه باستان می پردازد، اما تصویر روسیه در نقاشی های هنرمند به عنوان نوعی دنیای ایده آل، تقریباً مسحور، هماهنگ با طبیعت ظاهر می شود، اما مانند شهر افسانه ای کیتژ برای همیشه ناپدید شد. این حس شدید طبیعت، لذت در جهان، در مقابل هر درخت و تیغه علف، به ویژه در یکی از مشهورترین آثار نستروف در دوره پیش از انقلاب - "دید به جوانی بارتولومئو" (1889-1890،) برجسته است. . در افشای طرح تصویر، همان ویژگی های سبکی مانند ریابوشکین وجود دارد، اما یک حس عمیق غنایی از زیبایی طبیعت همیشه بیان می شود، که از طریق آن معنویت بالای شخصیت ها، روشنگری آنها، بیگانگی آنها از هیاهوی دنیوی منتقل می شود.

M.V. نستروف نقاشی های یادبود مذهبی زیادی انجام داد. نقاشی های دیواری همیشه به موضوع باستانی روسیه اختصاص دارد (به عنوان مثال، در گرجستان - به الکساندر نوسکی). در نقاشی های دیواری نستروف، بسیاری از نشانه های واقعی مشاهده شده، به ویژه در منظره، ویژگی های پرتره - در تصویر قدیسان. در تمایل هنرمند برای تفسیر مسطح از ترکیب ظرافت، زینت، پیچیدگی پالایش شده ریتم های پلاستیکی، تأثیر بدون شک از Art Nouveau خود را نشان داد.

خود ژانر منظره در پایان قرن نوزدهم نیز به روشی جدید توسعه می یابد. لویتان، در واقع، جستجوی سرگردان ها را در منظره کامل کرد. قرار بود سخنی تازه در آغاز قرن توسط ک.ا. کورووین، وی. سروو و م.ا. وروبل

کنستانتین آلکسیویچ کرووین

برای کورووین، رنگ‌شناس درخشان، جهان به‌عنوان «شورش رنگ‌ها» جلوه می‌کند. کورووین که سخاوتمندانه از طبیعت برخوردار بود، هم به پرتره و هم به طبیعت بی جان مشغول بود، اما اشتباه نیست اگر بگوییم که منظره ژانر مورد علاقه او باقی مانده است. او سنت های واقع گرایانه قوی معلمان خود را از مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو - ساوراسوف و پولنوف وارد هنر کرد، اما او نگاه متفاوتی به جهان دارد، او وظایف دیگری را تعیین می کند. او در اوایل شروع به نوشتن به صورت عمومی کرد، در حال حاضر در پرتره یک دختر همخوان در سال 1883، می توان توسعه مستقل او از اصول هواگرایی را مشاهده کرد، که سپس در تعدادی از پرتره های ساخته شده در املاک S. Mamontov در Abramtsevo تجسم یافت. ("در قایق"، پرتره T.S. Lyubatovich، و غیره)، در مناظر شمالی، اجرا شده در طول سفر S. Mamontov به شمال ("زمستان در لاپلند"،). مناظر فرانسوی او که با نام "چراغ های پاریس" متحد شده اند، در حال حاضر یک نقاشی کاملا امپرسیونیستی با بالاترین فرهنگ اتود است. برداشت های تیز و لحظه ای از زندگی یک شهر بزرگ: خیابان های آرام در ساعات مختلف روز، اشیاء حل شده در محیطی با هوای سبک، قالب گیری شده توسط یک ضربه قلم موی پویا، "لرزنده"، جریانی از چنین ضربه هایی که باعث ایجاد توهم پرده باران یا هوای شهری اشباع شده با هزاران بخار مختلف - ویژگی هایی که یادآور مناظر مانه، پیسارو، مونه است. کورووین خلقی، احساساتی، تکانشی، تئاتری است، از این رو رنگ های روشن و شادی رمانتیک مناظر او ("پاریس. بلوار کاپوچین"، 1906، گالری ایالتی ترتیاکوف، "پاریس در شب. بلوار ایتالیایی"، 1908،). کورووین همان ویژگی‌های اتود امپرسیونیستی، استاد نقاش، هنر برجسته در همه ژانرهای دیگر، عمدتاً در پرتره و طبیعت بی‌جان، بلکه در تابلوهای تزئینی، در هنرهای کاربردی، در مناظر تئاتر را حفظ می‌کند، که در تمام زندگی خود درگیر آن بوده است. پرتره Chaliapin، 1911، موزه روسیه؛ "ماهی، شراب و میوه ها" 1916، گالری دولتی ترتیاکوف).

هدیه سخاوتمندانه کرووین برای نقاشی به طرز درخشانی خود را در نقاشی تئاتر و تزئینات نشان داد. به عنوان یک نقاش تئاتر، او برای تئاتر آبرامتسوو (و شاید مامونتوف اولین کسی بود که از او به عنوان یک هنرمند تئاتر قدردانی کرد)، برای تئاتر هنری مسکو، برای اپرای خصوصی روسیه، جایی که دوستی مادام العمر او با شالیاپین آغاز شد، کار کرد. شرکت دیاگیلف کورووین مناظر تئاتر و اهمیت هنرمند در تئاتر را به سطح جدیدی ارتقا داد، او درک نقش هنرمند در تئاتر را متحول کرد و با مناظر رنگارنگ و "دیدنی" خود تأثیر زیادی بر معاصران خود گذاشت. جوهر اصلی اجرای موسیقی

والنتین الکساندرویچ سرو

یکی از بزرگترین هنرمندان، مبتکر نقاشی روسی در آغاز قرن، والنتین الکساندرویچ سرووف (1865-1911) بود. سروف در میان چهره های برجسته فرهنگ موسیقی روسیه بزرگ شد (پدر او آهنگساز مشهور است ، مادرش پیانیست است) ، او با رپین و چیستیاکوف تحصیل کرد.

سرووف اغلب نمایندگان روشنفکران هنری را نقاشی می کند: نویسندگان، هنرمندان، هنرمندان (پرتره های K. Korovin، 1891، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ لویتان، 1893، گالری ایالتی ترتیاکوف؛ یرمولوا، 1905، گالری ایالتی ترتیاکوف). همه آنها متفاوت هستند، او همه آنها را عمیقاً فردی تفسیر می کند، اما نور انحصار فکری و زندگی خلاقانه الهام گرفته بر همه آنها می تابد.

پرتره، منظره، طبیعت بی جان، خانگی، نقاشی تاریخی. روغن، گواش، تمپرا، زغال چوب - یافتن ژانرهای تصویری و گرافیکی که سروف در آنها کار نمی کند و موادی که او از آنها استفاده نمی کند دشوار است.

یک موضوع خاص در کار سرووف دهقان است. در ژانر دهقانی او هیچ تیزبینی اجتماعی دوره گرد وجود ندارد، اما حس زیبایی و هماهنگی زندگی دهقانی، تحسین زیبایی سالم مردم روسیه وجود دارد ("در روستا. زنی با اسب"، ب. نقشه، پاستل، 1898، گالری دولتی ترتیاکوف). مناظر زمستانی با طیف رنگ‌های نقره‌ای-مرواریدی به‌ویژه نفیس هستند.

سروف موضوع تاریخی را به روش خود تفسیر کرد: "شکارهای سلطنتی" با پیاده روی های لذت بخش الیزابت و کاترین دوم توسط هنرمند زمان جدید منتقل شد، طعنه آمیز، اما همیشه زیبایی زندگی را در قرن 18 تحسین می کرد. علاقه سروف به قرن هجدهم تحت تأثیر دنیای هنر و در ارتباط با کار بر روی انتشار تاریخ دوک بزرگ، تزار و شکار امپراتوری در روسیه به وجود آمد.

سروف هنرمندی عمیقاً متفکر بود که دائماً به دنبال اشکال جدیدی از تحقق هنری واقعیت بود. با الهام از هنر نو، ایده هایی در مورد مسطح بودن و افزایش تزئینات نه تنها در ترکیب بندی های تاریخی، بلکه در پرتره او از رقصنده ایدا روبینشتاین، در طرح هایش برای تجاوز به اروپا و اودیسه و نوزیکای (هر دو 1910، گالری ایالتی ترتیاکوف) منعکس شد. ، مقوا، تمپر). قابل توجه است که سروف در پایان زندگی خود به دنیای باستان روی می آورد. در افسانه شاعرانه که توسط او آزادانه تفسیر شده است، خارج از قوانین کلاسیک، او می خواهد هماهنگی را بیابد، جستجویی که هنرمند تمام کارهای خود را برای آن اختصاص داده است.

میخائیل الکساندرویچ وروبل

مسیر خلاق میخائیل الکساندرویچ وروبل (1856-1910) مستقیم تر بود، اگرچه در عین حال به طور غیرمعمول پیچیده بود. قبل از آکادمی هنر (1880)، وروبل از دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ فارغ التحصیل شد. در سال 1884، او برای نظارت بر بازسازی نقاشی‌های دیواری در کلیسای سنت سیریل به کیف رفت و چندین ترکیب تاریخی را خودش خلق کرد. او طرح های آبرنگی از نقاشی های دیواری کلیسای جامع ولادیمیر می سازد. طرح ها به دیوارها منتقل نشدند، زیرا مشتری از غیر متعارف و رسا بودن آنها ترسیده بود.

در دهه 90، زمانی که این هنرمند در مسکو مستقر شد، سبک نوشتاری وروبل، پر از رمز و راز و قدرت تقریباً شیطانی شکل گرفت که نمی توان آن را با هیچ دیگری اشتباه گرفت. او شکل را مانند یک موزاییک، از قطعات تیز «چهره» با رنگ‌های مختلف، می‌تراشد که گویی از درون می‌درخشد («دختری در پس زمینه یک فرش ایرانی»، 1886، KMRI؛ «فال‌فروش»، 1895، گالری ایالتی ترتیاکوف) . ترکیب رنگ ها واقعیت رابطه رنگی را منعکس نمی کنند، بلکه معنایی نمادین دارند. طبیعت هیچ قدرتی بر وروبل ندارد. او او را می شناسد، کاملاً مالک اوست، اما دنیای فانتزی خود را می آفریند، کمی شبیه واقعیت. او به سمت توطئه های ادبی گرایش پیدا می کند که آنها را به صورت انتزاعی تفسیر می کند و سعی می کند تصاویر ابدی از قدرت معنوی عظیم خلق کند. بنابراین، پس از در دست گرفتن تصویرسازی برای شیطان، او به زودی از اصل تصویرسازی مستقیم (رقص تامارا، گریه نکن، کودک، بیهوده گریه نکن، تامارا در تابوت و غیره) دور می‌شود. تصویر دیو، تصویر مرکزی کل کار وروبل، موضوع اصلی اوست. در سال 1899، او "دیو پرواز" را نوشت، در سال 1902 - "دیو سرکوب شده". دیو وروبل، اول از همه، موجودی رنجور است. رنج در آن بر شر غالب است و این ویژگی تفسیر ملی روسیه از تصویر است. معاصران، همانطور که به درستی اشاره شد، در "شیاطین" او نمادی از سرنوشت یک روشنفکر - یک رمانتیک را دیدند، که سعی می کند سرکشانه از واقعیتی عاری از هماهنگی به دنیای غیر واقعی رویاها فرار کند، اما در واقعیت خشن زمینی فرو رفته است.

وروبل بالغ ترین نقاشی ها و کارهای گرافیکی خود را در آغاز قرن - در ژانر منظره، پرتره، تصویرسازی کتاب خلق کرد. در سازماندهی و تعبیر تزیینی- مسطح بوم یا ورق، در ترکیب واقعی و خارق العاده، در تعهد به راه حل های زینتی و ریتمیک پیچیده در آثار این دوره او، ویژگی های مدرنیته بیش از پیش خود را نشان می دهد.

وروبل مانند K. Korovin در تئاتر بسیار کار کرد. بهترین صحنه‌های او برای اپراهای ریمسکی-کورساکوف، دوشیزه برفی، سادکو، داستان تزار سالتان و دیگران در صحنه اپرای خصوصی مسکو اجرا شد، یعنی برای آن دسته از آثاری که به او فرصت «ارتباط» با فولکلور روسی را دادند. ، افسانه ، افسانه.

جهان شمولی استعداد، تخیل بی حد و حصر، اشتیاق فوق العاده در تأیید آرمان های نجیب وروبل را از بسیاری از هم عصرانش متمایز می کند.

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسوف-موساتوف

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسف-موساتوف (1870-1905) نماینده مستقیم نمادگرایی تصویری است. آثار او غمگینی است برای "لانه های نجیب" قدیمی خالی و "باغ های آلبالو" در حال مرگ، برای زنان زیبا، معنوی شده، تقریبا غیرزمینی، پوشیده از نوعی لباس جاودانه که نشانه های بیرونی مکان و زمان را ندارند.

کارهای سه پایه او بیش از همه شبیه پانل های تزئینی نیست، بلکه به ملیله ها شباهت دارد. فضا به شکلی کاملاً مشروط و مسطح حل شده است، چهره ها تقریباً اثیری هستند، مانند، برای مثال، دختران کنار برکه در نقاشی "برکه" (1902، تمپر، گالری دولتی ترتیاکوف)، غوطه ور در مراقبه رویایی، در تفکر عمیق سایه‌های خاکستری کم‌رنگ و محو شده، تصور کلی زیبایی شکننده، غیرزمینی و کم‌خونی و شبح‌آلود را افزایش می‌دهد، که نه تنها به تصاویر انسان، بلکه به طبیعت به تصویر کشیده‌شده توسط او نیز گسترش می‌یابد. تصادفی نیست که بوریسوف-موساتوف یکی از آثار خود را "ارواح" نامید (1903، مزاج، گالری دولتی ترتیاکوف): چهره های زن ساکت و غیرفعال، مجسمه های مرمر کنار پله ها، یک درخت نیمه برهنه - طیف رنگ و رو رفته آبی، رنگ های خاکستری و بنفش، شبح بودن تصویر را افزایش می دهد.

"دنیای هنر"

"دنیای هنر" - سازمانی که در سن پترزبورگ در سال 1898 به وجود آمد و استادان عالی ترین فرهنگ هنری، نخبگان هنری روسیه آن سال ها را متحد کرد. "دنیای هنر" به یکی از بزرگترین پدیده های فرهنگ هنری روسیه تبدیل شده است. تقریباً همه هنرمندان مشهور در این انجمن شرکت داشتند.

در مقالات سرمقاله شماره های اول مجله، مفاد اصلی «دنیای هنر» در مورد خودمختاری هنر، اینکه مشکلات فرهنگ مدرن منحصراً مشکلات فرم هنری است، و وظیفه اصلی هنر این است که آموزش ذائقه زیبایی شناختی جامعه روسیه، در درجه اول از طریق آشنایی با آثار هنر جهانی. ما باید حق خود را به آنها بدهیم: به لطف دنیای هنر، هنر انگلیسی و آلمانی واقعاً به روشی جدید مورد قدردانی قرار گرفت و مهمتر از همه، نقاشی روسی قرن 18 و معماری کلاسیک سن پترزبورگ برای بسیاری کشف شد. "Miriskusniki" برای "نقد به عنوان یک هنر" مبارزه کرد و ایده آل یک منتقد-هنرمند با فرهنگ و دانش بالای حرفه ای را اعلام کرد. نوع چنین منتقدی توسط یکی از خالقان دنیای هنر، A.N. بنوا.

"Miriskusniki" نمایشگاه هایی ترتیب داد. اولین مورد نیز تنها بین المللی بود که علاوه بر روس ها، هنرمندانی از فرانسه، انگلیس، آلمان، ایتالیا، بلژیک، نروژ، فنلاند و غیره را گرد هم آورد. نقاشان و گرافیست های سن پترزبورگ و مسکو در آن شرکت کردند. اما شکاف بین این دو مدرسه - سن پترزبورگ و مسکو - تقریباً از همان روز اول مشهود بود. در مارس 1903، آخرین، پنجمین نمایشگاه دنیای هنر بسته شد، در دسامبر 1904 آخرین شماره مجله دنیای هنر منتشر شد. اکثر هنرمندان به "اتحادیه هنرمندان روسیه" که بر اساس نمایشگاه مسکو "36" ترتیب داده شده است نقل مکان کردند، نویسندگان - به مجله راه جدید که توسط گروه مرژکوفسکی افتتاح شد، نمادهای مسکو حول مجله "ویسی" متحد شدند، موسیقیدانان " شب های موسیقی معاصر» دیاگیلف به طور کامل وارد باله و تئاتر شد.

در سال 1910 تلاش شد تا جانی دوباره به "دنیای هنر" (به رهبری روریچ) بدمد. شهرت به "دنیای هنر" رسید، اما "دنیای هنر" اساساً دیگر وجود نداشت، اگرچه به طور رسمی انجمن تا اوایل دهه 1920 (1924) وجود داشت - با فقدان کامل یکپارچگی، در تحمل بی حد و حصر و انعطاف پذیری موقعیت ها. نسل دوم «دنیای هنر» کمتر به مشکلات نقاشی سه‌قلبی مشغول بود، علاقه‌شان به گرافیک، عمدتاً کتاب، و هنرهای نمایشی و تزئینی است، در هر دو زمینه اصلاحات هنری واقعی انجام دادند. در نسل دوم "دنیای هنر" افراد عمده ای نیز حضور داشتند (کوستودیف، سودیکین، سربریاکوا، چخونین، گریگوریف، یاکولف، شوخایف، میتروخین و غیره)، اما اصلاً هنرمندان مبتکر وجود نداشتند.

هنرمند برجسته "دنیای هنر" K. A. Somov (1869-1939) بود. سوموف، پسر سرپرست ارشد هرمیتاژ، که از آکادمی هنر فارغ التحصیل شد و به سراسر اروپا سفر کرد، آموزش عالی دریافت کرد. بلوغ خلاق در اوایل به او رسید، اما، همانطور که محقق (V.N. Petrov) به درستی اشاره کرد، او همیشه دارای دوگانگی بود - مبارزه ای بین یک غریزه واقع گرایانه قدرتمند و یک جهان بینی دردناک عاطفی.

سوموف، همانطور که او را می شناسیم، در پرتره هنرمند مارتینوا ("بانوی آبی پوش"، 1897-1900، گالری دولتی ترتیاکوف)، در نقاشی پرتره "اکوی زمان گذشته" (1903، روی نقشه، آبی ظاهر شد. ، گواش، گالری ایالتی ترتیاکوف)، جایی که او توصیفی شاعرانه از زیبایی زنانه شکننده و کم خون مدل منحط را خلق می کند و از انتقال نشانه های واقعی روزمره مدرنیته امتناع می ورزد. او مدل‌ها را لباس‌های باستانی می‌پوشاند، به ظاهر آن‌ها ویژگی‌های رنج مخفی، غم و اندوه و رویاپردازی، شکستگی دردناک می‌دهد.

سوموف دارای مجموعه‌ای از پرتره‌های گرافیکی از معاصران خود - نخبگان روشنفکر (V. Ivanov، Blok، Kuzmin، Sollogub، Lansere، Dobuzhinsky و غیره) است که در آنها از یک تکنیک کلی استفاده می‌کند: روی پس‌زمینه سفید - در یک زمان خاص. کره - او چهره ای ترسیم می کند، شباهتی که در آن نه از طریق طبیعی سازی، بلکه با تعمیم های جسورانه و انتخاب مناسب جزئیات مشخصه به دست می آید. این فقدان نشانه های زمان، تصور ایستا، سفتی، سردی، تنهایی تقریبا غم انگیز را ایجاد می کند.

سوموف قبل از هر کس دیگری در دنیای هنر به موضوعات گذشته و به تفسیر قرن هجدهم روی آورد. ("نامه"، 1896؛ "محرمانه ها"، 1897)، که پیشرو مناظر ورسای بنوا است. او اولین کسی است که دنیایی سورئال را خلق کرده است که از نقوش اشراف، املاک و فرهنگ درباری و احساسات هنری صرفاً ذهنی خود، آغشته به طنز، بافته شده است. تاریخ گرایی «دنیای هنر» گریز از واقعیت بود. نه گذشته، بلکه صحنه پردازی آن، آرزوی بازگشت ناپذیری آن - این انگیزه اصلی آنهاست. نه سرگرمی واقعی، بلکه یک بازی سرگرم کننده با بوسه در کوچه ها - چنین است سوموف.

رهبر ایدئولوژیک "دنیای هنر" A. N. Benois (1870-1960) بود - یک استعداد غیرمعمول همه کاره. نقاش، گرافیست و تصویرگر سه پایه، هنرمند تئاتر، کارگردان، نویسنده لیبرتوهای باله، نظریه پرداز و مورخ هنر، شخصیت موسیقی، به قول ا.بلی، سیاستمدار و دیپلمات اصلی «دنیای هنر» بود. او به عنوان یک هنرمند با گرایش های سبکی و اعتیاد به گذشته با سوموف مرتبط است ("من از ورسای مست هستم ، این نوعی بیماری ، عشق ، اشتیاق جنایتکارانه است ... من کاملاً به گذشته نقل مکان کردم ...") . در مناظر ورسای، بنوا بازسازی تاریخی قرن هفدهم را ادغام کرد. و برداشت های معاصر از هنرمند، درک او از کلاسیک فرانسه، حکاکی فرانسوی. از این رو ترکیب واضح، فضای روشن، عظمت و شدت سرد ریتم ها، تقابل بین عظمت یادبودهای هنری و کوچک بودن پیکره های انسانی، که فقط در میان آنها کارکنان هستند (سری اول ورسای 1896-1898 تحت عنوان "آخرین پیاده روی لوئی چهاردهم"). در سری دوم ورسای (1905-1906)، کنایه، که مشخصه ورق های اول نیز هست، با نت های تقریبا غم انگیز رنگ آمیزی شده است ("راهپیمایی پادشاه"، c.، گواش، آبی، طلا، نقره، قلم، 1906 ، گالری دولتی ترتیاکوف). تفکر بنوا تفکر یک هنرمند تئاتر عالی است که تئاتر را به خوبی می شناخت و حس می کرد.

طبیعت توسط بنوا در ارتباطی تداعی با تاریخ درک می شود (دیدگاه های پاولوفسک، پترهوف، تزارسکویه سلو، که توسط او با تکنیک آبرنگ اجرا شده است).

بنوا تصویرگر (پوشکین، هافمن) یک صفحه کامل از تاریخ کتاب است. بر خلاف سوموف، بنوا یک تصویر روایی خلق می کند. هواپیمای صفحه برای او به خودی خود هدف نیست. یکی از شاهکارهای تصویرسازی کتاب، طراحی گرافیکی اسب سوار برنزی (1903، 1905، 1916، 1921-1922، جوهر و آبرنگ تقلید بر روی چوب رنگی) بود. در یک سری تصویرسازی برای شعر بزرگ، شخصیت اصلی منظره معماری سنت پترزبورگ است، که اکنون کاملاً رقت انگیز، اکنون صلح آمیز، اکنون شوم است، که شخصیت یوجین در برابر آن حتی ناچیزتر به نظر می رسد. اینگونه است که بنوا تضاد غم انگیز بین سرنوشت دولت روسیه و سرنوشت شخصی یک مرد کوچک را بیان می کند («و تمام شب دیوانه بیچاره، / هر جا که پاهایش را برگرداند / اسب سوار برنزی همه جا با او بود / با یک پای سنگین تاخت»).

به عنوان یک هنرمند تئاتر، بنوا اجراهای "فصول روسیه" را طراحی کرد، که مشهورترین آنها باله "پتروشکا" با موسیقی استراوینسکی بود، او در تئاتر هنری مسکو بسیار کار کرد و بعدها - تقریباً در تمام رشته های اصلی. مراحل اروپایی

جایگاه ویژه ای در "دنیای هنر" توسط N. K. Roerich (1874-1947) اشغال شده است. روریچ که خبره فلسفه و قوم نگاری شرق، دانشمند باستان شناس بود، ابتدا در خانه، سپس در دانشکده های حقوق و تاریخی-فلسفی دانشگاه سن پترزبورگ، سپس در آکادمی هنر، در کارگاه آموزشی، آموزش عالی دریافت کرد. از Kuindzhi، و در پاریس در استودیو F. Cormon. او در اوایل اقتدار یک دانشمند را به دست آورد. او با همان عشق به گذشته نگری با "دنیای هنر" مرتبط بود، فقط نه در قرن های 17-18، بلکه در دوران باستان اسلاو و اسکاندیناوی بت پرست، در روسیه باستان. گرایش های سبک، تزئینات نمایشی ("پیام رسان"، 1897، گالری ایالتی ترتیاکوف، "همگرایی بزرگان"، 1898، موزه روسیه، "شوم"، 1901، موزه روسیه). روریچ بیشترین ارتباط را با فلسفه و زیبایی شناسی نمادگرایی روسی داشت، اما هنر او در چارچوب روندهای موجود نمی گنجید، زیرا مطابق با جهان بینی هنرمند، گویی به تمام بشریت تبدیل شد. درخواست برای اتحاد دوستانه همه مردم. از این رو طبیعت حماسی خاص نقاشی های اوست.

پس از 1905، حال و هوای عرفان پانتئیستی در آثار روریش رشد کرد. مضامین تاریخی جای خود را به افسانه های مذهبی می دهد (نبرد آسمانی، 1912، موزه روسیه). نماد روسی تأثیر زیادی بر رویریچ گذاشت: تابلوی تزئینی او نبرد کرژنتس (1911) در حین اجرای قطعه ای به همین عنوان از اپرای ریمسکی-کورساکوف به نام «داستان شهر نامرئی کیتژ و دوشیزه فورونیا» به نمایش گذاشته شد. فصل های روسیه پاریس

«دنیای هنر» یک جنبش زیبایی‌شناختی بزرگ در آغاز قرن بود که کل فرهنگ هنری مدرن را مورد ارزیابی مجدد قرار داد، سلیقه‌ها و مشکلات جدیدی را ایجاد کرد، به هنر - در بالاترین سطح حرفه‌ای - بازگشت به اشکال گمشده گرافیک کتاب و تئاتر و نقاشی تزئینی که با تلاش آنها به رسمیت شناختن تمام اروپایی به دست آورد، نقد هنری جدیدی ایجاد کرد که هنر روسیه را در خارج از کشور ترویج کرد، در واقع حتی برخی از مراحل آن را مانند قرن 18 روسیه باز کرد. "دنیای هنر" نوع جدیدی از نقاشی تاریخی، پرتره، منظره را با ویژگی های سبکی خاص خود (گرایش های سبکی متمایز، غلبه تکنیک های گرافیکی بر تکنیک های تصویری، درک صرفاً تزئینی از رنگ و غیره) ایجاد کرد. این اهمیت آنها را برای هنر روسیه تعیین می کند.

نقاط ضعف "دنیای هنر" در درجه اول در تنوع و ناهماهنگی برنامه منعکس شد و مدل "یا بوکلین، سپس مانه" را اعلام کرد. در دیدگاه های ایده آلیستی در مورد هنر، در بی تفاوتی متاثر از وظایف مدنی هنر، در بی تفاوتی برنامه ای، در از دست دادن اهمیت اجتماعی تصویر. صمیمیت "دنیای هنر"، زیبایی شناسی ناب آن دوره کوتاه تاریخی زندگی او را در عصر نشانه های غم انگیز مهیب انقلاب قریب الوقوع تعیین کرد. اینها تنها گامهای اولیه در مسیر جستجوهای خلاقانه بود و خیلی زود جوانان از دانشجویان دنیای هنر پیشی گرفتند.

"اتحادیه هنرمندان روسیه"

در سال 1903، یکی از بزرگترین انجمن های نمایشگاهی آغاز قرن، اتحادیه هنرمندان روسیه، تأسیس شد. در ابتدا تقریباً همه چهره های برجسته "دنیای هنر" - بنویس ، باکست ، سوموف وارد آن شدند ، وروبل ، بوریسوف-موساتوف در اولین نمایشگاه ها شرکت کردند. مبتکران ایجاد انجمن هنرمندان مسکو بودند که با "دنیای هنر" مرتبط بودند، اما با زیبایی شناسی برنامه ای پترزبورگ ها سنگین شدند.

منظره ملی، تصاویر عاشقانه نقاشی شده از روسیه دهقانی - یکی از ژانرهای اصلی هنرمندان "اتحادیه"، که در آن "امپرسیونیسم روسی" خود را به شیوه ای عجیب و غریب با نقوش عمدتاً روستایی و نه شهری خود بیان کرد. بنابراین مناظر I.E. گرابار (1871-1960)، با حال و هوای غنایی خود، با بهترین ظرافت های تصویری که منعکس کننده تغییرات آنی در طبیعت واقعی است، نوعی موازی در خاک روسیه با منظره امپرسیونیستی فرانسه است ("برف سپتامبر"، 1903، گالری دولتی ترتیاکوف). علاقه گرابار به تجزیه رنگ‌های مرئی به رنگ‌های طیفی و خالص پالت، او را با نئوامپرسیونیسم، به جی. سورات و پی سیگناک مرتبط می‌سازد ("برف مارس"، 1904، گالری ایالتی ترتیاکوف). بازی رنگ ها در طبیعت، جلوه های رنگی پیچیده موضوع مطالعه دقیق "متفقین" می شود، که بر روی بوم دنیای تصویری و پلاستیکی و خالی از روایت و تصویرسازی خلق می کنند.

با تمام علاقه به انتقال نور و هوا در نقاشی استادان «اتحادیه» هرگز انحلال جسم در محیط نور-هوا مشاهده نمی شود. رنگ تزئینی می شود.

«متفقین»، برخلاف پترزبورگ‌ها - گرافیست‌های «دنیای هنر» - عمدتاً نقاشانی هستند که حس تزئینی رنگی بالایی دارند. نمونه عالی آن نقاشی های F.A. مالیاوین.

در مجموع، متفقین نه تنها به سمت مطالعات ساده، بلکه به سمت اشکال تصویری تاریخی نیز گرایش داشتند. در سال 1910، زمان انشعاب و شکل گیری ثانویه "دنیای هنر"، در نمایشگاه های "اتحادیه" می توان منظره ای صمیمی (وینوگرادوف، یوون و غیره) را مشاهده کرد، نقاشی نزدیک به تقسیم گرایی فرانسوی (گرابار). ، لاریونوف اولیه) یا نزدیک به نمادگرایی (P. Kuznetsov, Sudeikin); آنها همچنین با حضور هنرمندان "دنیای هنر" دیاگیلف - بنویس، سوموف، باکست.

"اتحادیه هنرمندان روسیه" با پایه های مستحکم واقع گرایانه خود که نقش مهمی در هنرهای زیبای داخلی ایفا کرد، تأثیر خاصی در شکل گیری مکتب نقاشی شوروی داشت که تا سال 1923 وجود داشت.

در سال 1907، در مسکو، مجله پشم طلایی تنها نمایشگاه هنرمندانی را به دنبال بوریسوف-موساتوف به نام گل رز آبی برگزار کرد. پی کوزنتسوف هنرمند برجسته گل رز آبی شد. "خرس های آبی" نزدیک به نمادگرایی هستند که در درجه اول در "زبان" آنها بیان شد: بی ثباتی خلق و خوی، مبهم، موسیقی غیرقابل ترجمه تداعی ها، پالایش روابط رنگی. سکوی زیبایی شناسی شرکت کنندگان در نمایشگاه نیز در سال های بعد تأثیر خود را گذاشت و نام این نمایشگاه در نیمه دوم دهه 900 نامی آشنا برای کل گرایش هنری شد. کل فعالیت "رز آبی" همچنین دارای قوی ترین تأثیر از سبک آرت نوو است (سبک سازی تزئینی صفحه، ریتم های خطی عجیب و غریب).

آثار P. V. Kuznetsov (1878-1968) منعکس کننده اصول اساسی خرس آبی است. کوزنتسوف تابلویی تزئینی خلق کرد که در آن به دنبال انتزاع از بتن روزمره، نشان دادن وحدت انسان و طبیعت، ثبات چرخه ابدی زندگی و طبیعت، تولد روح انسان در این هماهنگی بود. از این رو میل به اشکال یادبود نقاشی، رویایی-تفکری، پاک از همه چیز آنی، جهانی، یادداشت های بی زمان، میل دائمی برای انتقال معنویت ماده. شکل فقط نشانه ای است که مفهوم را بیان می کند. رنگ در خدمت انتقال احساسات است. ریتم - به منظور معرفی به دنیای خاصی از احساسات (مانند نقاشی نمادها - نمادی از عشق، لطافت، اندوه و غیره). از این رو دریافت توزیع یکنواخت نور در کل سطح بوم به عنوان یکی از پایه های تزئینی کوزنتسوف است. سروف گفت که طبیعت پی کوزنتسوف "نفس می کشد". این در سوئیت های قرقیز (استپ) و بخارا، در مناظر آسیای مرکزی کاملاً بیان شده است. کوزنتسوف تکنیک های نقاشی شمایل روسی باستان، اوایل رنسانس ایتالیا را مطالعه کرد. این توسل به سنت‌های کلاسیک هنر جهانی در جستجوی سبک بزرگ خود، همانطور که محققین به درستی اشاره کردند، در دوره‌ای که هر گونه سنت اغلب به کلی انکار می‌شد، اهمیت اساسی داشت.

عجیب و غریب بودن شرق - ایران، مصر، ترکیه - در مناظر M. S. Saryan (1880-1972) تحقق می یابد. شرق یک موضوع طبیعی برای هنرمند ارمنی بود. ساریان در نقاشی خود دنیایی پر از تزئینات درخشان، پرشورتر، زمینی‌تر از کوزنتسوف خلق می‌کند، و راه‌حل تصویری همیشه بر اساس روابط رنگی متضاد، بدون تفاوت‌های ظریف، در مقایسه سایه‌ای تیز ساخته می‌شود ("نخل خرما، مصر"، 1911 ، نقشه ها. ، دما، GTG).

تصاویر ساریان به دلیل تعمیم فرم ها، هواپیماهای رنگارنگ بزرگ، بی نظمی عمومی زبان، به یاد ماندنی هستند - این معمولاً تصویری تعمیم یافته از مصر است، خواه، ایران، ارمنستان بومی، در حالی که طبیعت حیاتی را حفظ می کند. اگر از طبیعت نوشته شده باشد بوم های تزئینی ساریان همیشه شاد هستند، آنها با ایده خلاقیت او مطابقت دارند: «... یک اثر هنری نتیجه شادی است، یعنی کار خلاق. در نتیجه باید شعله‌ی شعله‌ی خلاقیت را در بیننده شعله‌ور سازد و به شناسایی میل طبیعی او به خوشبختی و آزادی کمک کند.

"جک از الماس"

در سال 1910، تعدادی از هنرمندان جوان - P. Konchalovsky، I. Mashkov، A. Lentulov، R. Falk، A. Kuprin، M. Larionov، N. Goncharova و دیگران - در سازمان Jack of Diamonds که دارای آن بود متحد شدند. منشور خود را داشت، نمایشگاه هایی ترتیب داد و مجموعه مقالات خود را منتشر کرد. "جک الماس" در واقع تا سال 1917 وجود داشت. همانطور که پست امپرسیونیسم، در درجه اول سزان، "واکنشی به امپرسیونیسم" بود، بنابراین "جک الماس" با ابهام، ترجمه ناپذیری، و ظریف ترین تفاوت های ظریف زبان نمادین "جک الماس" مخالفت کرد. رز آبی» و سبک زیبایی شناختی «دنیای هنر». "Knave of Diamonds" که تحت تأثیر مادیات، "مادیت" جهان قرار گرفته بود، ساخت واضحی از تصویر را نشان داد، بر عینیت شکل، شدت، پر بودن رنگ تأکید کرد. تصادفی نیست که طبیعت بی جان به ژانر مورد علاقه "والتوویت ها" تبدیل می شود، همانطور که منظره ژانر مورد علاقه اعضای اتحادیه هنرمندان روسیه است. ظرافت در انتقال تغییر حالات، روان‌شناسی ویژگی‌ها، دست کم گرفتن حالات، غیرمادی شدن نقاشی «آبی حاملان»، شعر عاشقانه آن‌ها توسط «والتووی‌ها» طرد می‌شود. آنها با جشن تقریباً خودانگیخته رنگ ها، بیان ترسیم کانتور، شیوه نگارش گسترده خمیری آبدار، که دیدگاهی خوش بینانه از جهان را منتقل می کند، و حالتی تقریبا مسخره و مربع ایجاد می کند، در تضاد هستند. "Knave of Diamonds" چنین ساده‌سازی‌هایی را در تفسیر فرم ممکن می‌سازد، که شبیه به چاپ محبوب محبوب، یک اسباب‌بازی عامیانه، کاشی‌های نقاشی، یک تابلوی راهنما است. میل به بدوی گرایی (از لاتین primitivus - بدوی، اولیه) در هنرمندان مختلفی ظاهر شد که از اشکال ساده هنر دوره های به اصطلاح ابتدایی - قبایل و ملیت های بدوی - در جستجوی به دست آوردن فوریت و یکپارچگی ادراک هنری تقلید کردند. "جک الماس" برداشت خود را از سزان (از این رو گاهی اوقات "سزانیسم روسی" نامیده می شود)، حتی بیشتر از کوبیسم ("تغییر" فرم ها) و حتی از آینده گرایی (دینامیک، تغییرات مختلف فرم) برداشت کرد.

ساده سازی مفرط فرم، ارتباط مستقیم با هنر تابلوسازی به ویژه در م.ف. Larionov (1881-1964)، یکی از بنیانگذاران "Jack of Diamonds"، اما قبلاً در سال 1911 از او جدا شد. لاریونوف مناظر، پرتره ها، طبیعت بی جان را نقاشی می کند، به عنوان هنرمند تئاتر شرکت دیاگیلف کار می کند، سپس به نقاشی ژانر روی می آورد، موضوع او زندگی یک خیابان استانی، پادگان سربازان است. فرم ها مسطح، گروتسک هستند، گویی عمداً به عنوان نقاشی کودک، چاپ محبوب یا تابلوی راهنما طراحی شده اند. در سال 1913، لاریونوف کتاب خود "لوشیسم" را منتشر کرد - در واقع، اولین مانیفست هنر انتزاعی، که خالقان واقعی آن در روسیه V. Kandinsky و K. Malevich بودند.

هنرمند N.S. گونچارووا (1881-1962)، همسر لاریونوف، همین گرایش ها را در نقاشی های ژانر خود، عمدتاً با موضوع دهقانی، توسعه داد. در سال‌های مورد بررسی، در آثار او، تزئینی‌تر و رنگارنگ‌تر از هنر لاریونوف، با قدرت درونی و لاکونیسم آن، اشتیاق به بدوی‌گرایی به شدت احساس می‌شود. در توصیف کار گونچارووا و لاریونوف، اغلب از اصطلاح "نئو بدوی گرایی" استفاده می شود.

م.ز. شاگال (1887-1985) فانتزی هایی خلق کرد که از برداشت های ملال آور زندگی شهری کوچک ویتبسک دگرگون شده بود و با روحیه ساده لوحانه- شاعرانه و گروتسک- نمادین تفسیر می شد. با فضای سورئال، رنگ های روشن، بدوی سازی عمدی فرم، شاگال معلوم می شود که هم به اکسپرسیونیسم غربی و هم به هنر عامیانه بدوی نزدیک است ("من و دهکده"، 1911، موزه هنرهای معاصر، نیویورک، "بر فراز ویتبسک"، 1914 ، همکار زاک تورنتو؛ "عروسی"، 1918، گالری ایالتی ترتیاکوف).

"اتحادیه جوانان"

اتحادیه جوانان یک سازمان سنت پترزبورگ است که تقریباً همزمان با جک الماس (1909) شکل گرفت. نقش اصلی در آن توسط L. Zheverzheev بازی شد. درست مانند "valetovtsy"، اعضای "اتحادیه جوانان" مجموعه های نظری منتشر کردند. تا اینکه انجمن در سال 1917 فروپاشید. «اتحادیه جوانان» برنامه خاصی نداشت و به نمادگرایی و کوبیسم و ​​آینده پژوهی و «غیر عینی» می پرداخت، اما هر کدام از هنرمندان چهره خلاق خود را داشتند.

هنر سال‌های پیش از انقلاب در روسیه با پیچیدگی و ناهماهنگی فوق‌العاده تلاش‌های هنری مشخص می‌شود، از این رو گروه‌بندی‌های پی در پی با تنظیمات برنامه‌ای و همدلی‌های سبکی خود را نشان می‌دهد. اما در کنار آزمایش‌کنندگان در زمینه فرم‌های انتزاعی در هنر روسیه آن زمان، «دنیای هنر» و «گولوبوروزیت‌ها»، «متحدان»، «ناب‌های الماس» به کار خود ادامه دادند. جریان قدرتمندی از جریان های نئوکلاسیک که نمونه ای از آن می تواند کار یکی از اعضای فعال "هنر میر" در "نسل دوم" خود Z. E. Serebryakova (1884-1967) باشد. سربریاکوا در بوم‌های ژانر شاعرانه‌اش با طراحی لاکونیک، مدل‌سازی پلاستیکی حسی محسوس و تعادل ترکیب، از سنت‌های ملی عالی هنر روسیه، در درجه اول ونتسیانوف و حتی بیشتر از آن - هنر باستانی روسیه ("دهقانان"، 1914، موزه روسیه؛ "برداشت"، 1915، موزه هنر اودسا؛ "سفید شدن بوم"، 1917، گالری ایالتی ترتیاکوف).

سرانجام، کار K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939)، هنرمند متفکری که بعدها برجسته ترین استاد هنر دوره شوروی شد، گواه درخشانی از زنده بودن سنت های ملی، نقاشی بزرگ باستانی روسیه است. در نقاشی معروف حمام کردن اسب سرخ (1912، جمعه)، هنرمند به استعاره ای فیگوراتیو متوسل شد. همانطور که به درستی اشاره شد، مرد جوان سوار بر یک اسب قرمز روشن، تداعی هایی را با تصویر محبوب سنت جورج پیروز ("قدیس یگوری") و شبح کلی، ترکیب ریتمیک و فشرده، اشباع لکه های رنگی متضاد ایجاد می کند. صدا با قدرت کامل و صاف بودن در تفسیر فرم ها به یاد یک نماد باستانی روسی منجر می شود. یک تصویر هماهنگ روشن توسط پتروف-ودکین در نقاشی یادگاری "دختران در ولگا" (1915، گالری ایالتی ترتیاکوف) ایجاد می شود، که در آن او همچنین جهت گیری خود را نسبت به سنت های هنر روسیه احساس می کند و استاد را به یک ملیت واقعی هدایت می کند.

معماری

عصر سرمایه داری صنعتی بسیار توسعه یافته باعث تغییرات قابل توجهی در معماری، به ویژه در معماری شهر شد. انواع جدیدی از سازه های معماری وجود دارد: کارخانه ها، ایستگاه ها، مغازه ها، بانک ها، با ظهور سینما - سینما. این کودتا توسط مصالح ساختمانی جدید انجام شد: بتن مسلح و سازه های فلزی، که امکان مسدود کردن فضاهای غول پیکر، ساخت ویترین مغازه ها و ایجاد الگوی عجیب و غریب از اتصالات را فراهم می کرد.

در دهه پایانی قرن نوزدهم، برای معماران روشن شد که در استفاده از سبک‌های تاریخی گذشته، معماری به بن‌بست رسیده است؛ به گفته محققان، از قبل به گفته محققان، «بازآرایی» لازم نبود. سبک های تاریخی، اما برای درک خلاقانه چیزهای جدیدی که در محیط یک شهر سرمایه داری به سرعت در حال رشد در حال انباشته شدن بود. سالهای پایانی قرن 19 - اوایل قرن 20 زمان تسلط مدرنیته در روسیه است که در غرب عمدتاً در معماری بلژیک، آلمان جنوبی و اتریش شکل گرفت، پدیده ای به طور کلی جهان وطنی (اگرچه در اینجا مدرنیته روسی با غرب متفاوت است. اروپایی، زیرا آمیخته ای با نئو رنسانس تاریخی، نئوباروک، نئوروکوکو و غیره است).

نمونه بارز هنر نو در روسیه کار F.O. شختل (1859--1926). خانه‌های سودآور، عمارت‌ها، ساختمان‌های شرکت‌های تجاری و ایستگاه‌ها - شختل سبک خاص خود را در همه ژانرها ترک کرد. عدم تقارن ساختمان برای او موثر است، افزایش حجم ارگانیک، ماهیت متفاوت نماها، استفاده از بالکن ها، ایوان ها، پنجره های خلیجی، ساندریک های بالای پنجره ها، ورود تصویری تلطیف شده از نیلوفر یا زنبق به دکور معماری، استفاده از شیشه های رنگی با طرح تزئینی یکسان، بافت های مختلف مصالح در طراحی داخلی. الگوی عجیبی که بر روی پیچ و تاب خطوط ساخته شده است، به تمام قسمت‌های ساختمان کشیده می‌شود: دیوار موزاییکی، مورد علاقه هنر نو، یا کمربندی از کاشی‌های سرامیکی لعاب‌دار در رنگ‌های کم‌رنگ، صحافی‌های شیشه‌ای رنگ‌آمیزی، طرح نرده، شبکه های بالکن؛ در ترکیب پله ها، حتی روی مبلمان، و غیره. خطوط منحنی دمدمی مزاج بر همه چیز غالب است. در هنر نو، می توان یک تکامل خاص، دو مرحله توسعه را ردیابی کرد: مرحله اول تزئینی است، با اشتیاق خاصی به زینت، مجسمه های تزئینی و زیبایی (سرامیک، موزاییک، شیشه های رنگی)، دومی سازنده تر، عقلانی تر است.

هنر نو در مسکو به خوبی معرفی شده است. در این دوره، ایستگاه های راه آهن، هتل ها، بانک ها، عمارت های بورژوازی ثروتمند، خانه های اجاره ای در اینجا ساخته شد. عمارت ریابوشینسکی در دروازه های نیکیتسکی در مسکو (1900-1902، معمار F.O. Shekhtel) نمونه بارز هنر نو روسیه است.

توسل به سنت های معماری روسیه باستان، اما از طریق تکنیک های مدرنیته، نه کپی برداری از جزئیات طبیعت گرایانه معماری قرون وسطایی روسیه، که مشخصه "سبک روسی" اواسط قرن 19 بود، بلکه آزادانه آن را تغییر داد و سعی کرد تا روح روسیه باستان را منتقل می کند و باعث ایجاد سبک به اصطلاح نئوروسی در آغاز قرن بیستم شد. (گاهی اوقات نئورمانتیسم نامیده می شود). تفاوت آن با خود هنر نو عمدتاً در مبدل است، و نه در آشکار کردن، که برای هنر نو، ساختار داخلی ساختمان و هدف سودمند در پشت تزئینات پیچیده پیچیده است (شختل - ایستگاه یاروسلاوسکی در مسکو، 1903-1904؛ A.V. Shchusev) معمول است. - ایستگاه کازانسکی در مسکو، 1913-1926؛ V. M. Vasnetsov - ساختمان قدیمی گالری ترتیاکوف، 1900-1905). واسنتسف و شچوسف، هرکدام به شیوه خود (و دومی تحت تأثیر بسیار بزرگ اولی)، با زیبایی معماری باستانی روسیه، به ویژه نووگورود، پسکوف و مسکو اولیه، آغشته به هویت ملی آن بودند و خلاقانه آن را تفسیر کردند. تشکیل می دهد.

Art Nouveau نه تنها در مسکو، بلکه در سنت پترزبورگ نیز توسعه یافت، جایی که تحت تأثیر بدون شک اسکاندیناویایی، به اصطلاح "مدرن شمالی" توسعه یافت: P.Yu. سوزور در 1902-1904 ساختمان شرکت سینگر را در خیابان نوسکی (اکنون خانه کتاب) می سازد. گوی زمینی روی پشت بام ساختمان قرار بود نمادی از ماهیت بین المللی فعالیت های این شرکت باشد. نما با سنگ های قیمتی (گرانیت، لابرادوریت)، برنز و موزاییک پوشیده شده بود. اما سنت های کلاسیک گرایی تاریخی سنت پترزبورگ بر مدرنیسم سن پترزبورگ تأثیر گذاشت. این به عنوان انگیزه ای برای ظهور شاخه دیگری از مدرنیته - نئوکلاسیک قرن بیستم بود. در عمارت ع.الف. Polovtsov در جزیره Kamenny در سنت پترزبورگ (1911-1913) معمار I.A. فومین (1872-1936) به طور کامل بر ویژگی‌های این سبک تأثیر گذاشت: نما (حجم مرکزی و بال‌های جانبی) به ترتیب یونی حل شد و فضای داخلی عمارت به شکلی کوچک‌تر و معتدل‌تر، همانطور که بود، تکرار می‌شود. انفیلاد تالار کاخ تورید، اما پنجره‌های بزرگ نیمه‌روتوندا باغ زمستانی، طراحی تلطیف‌شده از جزئیات معماری به وضوح زمان آغاز قرن را مشخص می‌کند. آثار یک مدرسه معماری صرفاً سنت پترزبورگ از آغاز قرن - خانه های اجاره - در ابتدای خیابان Kamennoostrovsky (شماره 1-3)، Count M.P. تولستوی روی فونتانکا (شماره 10-12)، ساختمان ها ب. بانک Azov-Don در Bolshaya Morskaya و هتل Astoria متعلق به معمار F.I. لیدوال (1870-1945)، یکی از برجسته ترین استادان هنر نو سن پترزبورگ.

هنر نو یکی از مهم ترین سبک هایی بود که قرن نوزدهم را تکمیل کرد و قرن بعدی را افتتاح کرد. تمام دستاوردهای مدرن معماری در آن به کار رفته است. مدرن فقط یک سیستم سازنده معین نیست. از زمان سلطنت کلاسیک، سبک مدرن شاید از نظر رویکرد کل نگر، راه حل مجموعه داخلی، سازگارترین سبک باشد. آرت نوو به عنوان یک سبک، هنر مبلمان، ظروف، پارچه، فرش، پنجره های شیشه ای رنگی، سرامیک، شیشه، موزاییک را به تصویر می کشد، این هنر در همه جا به دلیل خطوط و خطوط کشیده شده، طیف رنگی خاص رنگ های محو، پاستلی و الگوی مورد علاقه آن از زنبق و زنبق.

مجسمه سازی

مجسمه سازی روسی در آستانه قرن 19-20. و سالهای اول پیش از انقلاب با چندین نام بزرگ نشان داده شده است. اول از همه، این P.P. تروبتسکوی (1866-1938). آثار اولیه روسی او (پرتره لویتان، تصویر تولستوی سوار بر اسب، هر دو - 1899، برنز) تصویر کاملی از روش امپرسیونیستی تروبتسکوی ارائه می دهد: فرم، همانطور که بود، همه با نور و هوا نفوذ کرده است، پویا، برای مشاهده طراحی شده است. از همه دیدگاه ها و از زوایای مختلف شخصیت پردازی چند وجهی از تصویر ایجاد می کند. قابل توجه ترین اثر P. Trubetskoy در روسیه، بنای برنزی الکساندر سوم بود که در سال 1909 در سن پترزبورگ، در میدان Znamenskaya برپا شد. در اینجا تروبتسکوی سبک امپرسیونیستی خود را ترک می کند. محققان مکرراً خاطرنشان کرده‌اند که تصویر تروبتسکوی از امپراتور بر خلاف تصویر فالکونت حل شده است و در کنار سوارکار برنزی، این تصویر تقریباً طنزآمیز از خودکامگی است. به نظر ما این تضاد معنای دیگری دارد. نه روسیه، "بر روی پاهای عقب خود بلند شده"، مانند کشتی پرتاب شده به آبهای اروپا، بلکه روسیه صلح، ثبات و قدرت با این سواری که به شدت بر روی اسبی سنگین نشسته است نمادی است.

امپرسیونیسم در یک انکسار خلاقانه عجیب و غریب و بسیار فردی در آثار A. S. Golubkina (1864-1927) بیان شد. در تصاویر گلوبکینا، به ویژه زنان، خلوص اخلاقی بالا، دموکراسی عمیق وجود دارد. اینها اغلب تصاویر مردم فقیر عادی هستند: زنان خسته یا "بچه های سیاه چال".

جالب ترین چیز در کار گلوبکینا پرتره های او است ، همیشه دراماتیک ، که عموماً مشخصه کار این استاد است و به طور غیرمعمول متنوع است (پرتره V.F. Ern (چوب ، 1913 ، گالری ایالتی ترتیاکوف) یا مجسمه نیم تنه آندری بلی (گچ، 1907، گالری دولتی ترتیاکوف)).

در کار تروبتسکوی و گلوبکینا، با همه تفاوت‌هایشان، چیزی مشترک وجود دارد: ویژگی‌هایی که آنها را نه تنها به امپرسیونیسم، بلکه با ریتم خطوط سیال و اشکال مدرنیته مرتبط می‌کند.

امپرسیونیسم، که مجسمه سازی آغاز قرن را به تصویر کشید، تأثیر کمی بر کار S. T. Konenkov (1874-1971) گذاشت. سنگ مرمر "Nike" (1906، گالری ایالتی ترتیاکوف) با ویژگی های پرتره واضح (به علاوه، اسلاوی) صورت گرد با فرورفتگی روی گونه ها، آثاری را که کننکوف پس از سفر به یونان در سال 1912 انجام داد را به تصویر می کشد. تصاویری از اساطیر بت پرستی یونان هستند. آمیخته با اساطیر اسلاو. Konenkov شروع به کار در چوب می کند، چیزهای زیادی از فولکلور روسی، افسانه های روسی می گیرد. از این رو "Stribog" او (درخت، 1910، گالری دولتی ترتیاکوف)، "ولیکوسیل" (درخت، خصوصی، همراه)، تصاویری از گداها و افراد مسن ("پیرمرد-پلیویچوک"، 1910).

در احیای مجسمه های چوبی، شایستگی بزرگ Konenkov. عشق به حماسه روسی، برای افسانه روسی همزمان با "کشف" نقاشی باستانی روسی، مجسمه های چوبی روسیه باستانی، با علاقه به معماری باستانی روسیه بود. بر خلاف گلوبکینا، کننکوف فاقد درام، فروپاشی ذهنی است. تصاویر او پر از خوش بینی مردمی است.

در پرتره، Konenkov یکی از اولین کسانی بود که مشکل رنگ را در آغاز قرن مطرح کرد. رنگ آمیزی سنگ یا چوب او با در نظر گرفتن ویژگی های مواد و ویژگی های محلول پلاستیکی همیشه بسیار ظریف است.

از آثار تاریخی آغاز قرن، لازم است به بنای یادبود N.V. گوگول N.A. آندریوا (1873-1932)، در سال 1909 در مسکو افتتاح شد. این گوگول آخرین سالهای زندگی خود است، بیمار لاعلاج. نمای غمگین او با بینی تیز («گوگول»)، شکلی نازک که در یک پالتو پیچیده شده است، غیرمعمول است. آندریف به زبان لپیداری مجسمه سازی تراژدی یک شخصیت خلاق بزرگ را منتقل کرد. در نقش برجسته ای بر روی پایه ای در ترکیب بندی های چند پیکره، قهرمانان جاودانه گوگول به شیوه ای کاملاً متفاوت، با طنز یا حتی طنز به تصویر کشیده شده اند.

A. T. Matveev (1878-1960). او بر تأثیر امپرسیونیستی معلم خود در کارهای اولیه خود - در برهنه (موضوع اصلی آن سال ها. معماری دقیق، لاکونیسم فرم های تعمیم یافته پایدار، حالت روشنگری، صلح، هماهنگی متوئیف را متمایز می کند، و مستقیماً کار او را با مجسمه سازی متمایز می کند. امپرسیونیسم

همانطور که محققین به درستی اشاره کردند، آثار استاد برای درک بلندمدت و متفکرانه طراحی شده اند، آنها نیاز به خلق و خوی درونی، "سکوت" دارند و سپس به طور کامل و عمیق باز می شوند. آنها موسیقیایی فرم های پلاستیکی، ذوق هنری و شعر عالی دارند. تمام این ویژگی ها در سنگ قبر V.E نهفته است. بوریسوف-موساتوف در تاروسا (1910، گرانیت). در شکل یک پسر خفته به سختی می توان مرز خواب و نیستی را دید و این در بهترین سنت های مجسمه سازی یادبود قرن هجدهم انجام می شود. کوزلوفسکی و مارتوس، با پذیرش آرام خردمندانه‌اش از مرگ، که به نوبه‌ی خود ما را حتی از این هم فراتر می‌برد، به استیل‌های عتیقه باستانی با صحنه‌هایی از «تذکرات تدفین». این سنگ قبر اوج کار ماتویف در دوران پیش از انقلاب است که هنوز باید پربار کار کند و به یکی از مجسمه سازان مشهور شوروی تبدیل شود. در دوره پیش از اکتبر، تعدادی از استادان جوان با استعداد در مجسمه سازی روسی ظاهر شدند (S.D. Merkurov، V.I. Mukhina، I.D. Shadr، و غیره) که در دهه 1910 تازه فعالیت خلاقانه خود را آغاز می کردند. آنها در جهات مختلف کار کردند، اما سنت های واقع گرایانه ای را که به هنر جدید آوردند، حفظ کردند و نقش مهمی در شکل گیری و توسعه آن ایفا کردند.

...

اسناد مشابه

خاستگاه های معنوی و هنری عصر نقره. ظهور فرهنگ عصر نقره ای. اصالت نقاشی روسی اواخر نوزدهم - اوایل قرن بیستم. انجمن های هنری و نقش آنها در توسعه نقاشی. فرهنگ استان ها و شهرهای کوچک.

مقاله ترم، اضافه شده در 2007/01/19


بررسی دلایل تقسیم فرهنگ روسیه در قرن بیستم به داخلی و مهاجر. شخصیت پردازی نمایندگان و مفاهیم هنری آوانگارد، رئالیسم و ​​زیرزمینی به عنوان مسیرهای اصلی در توسعه هنرهای زیبا و ادبیات.

تست، اضافه شده در 05/03/2010


خاستگاه و مفهوم نمادگرایی. شکل گیری هنرمند عصر نقره. دوره های تاریخ نمادگرایی روسی: گاهشماری توسعه. ویژگی های ژانر نقاشی در آستانه قرن XIX-XX. انجمن های هنری و مستعمرات هنری در نقاشی روسیه.

مقاله ترم، اضافه شده در 2011/06/17


هنر روسیه اواخر نوزدهم - اوایل قرن بیستم. مجسمه سازی. معماری. فرهنگ روسی به عنوان یکی از شاخه های درخت قدرتمند فرهنگ جهانی جهان شکل گرفت و امروزه در حال توسعه است. سهم آن در پیشرفت فرهنگی جهان غیرقابل انکار است.

چکیده، اضافه شده در 2004/06/08


شبح عصر نقره ای. ویژگی های اصلی و تنوع زندگی هنری دوره "عصر نقره": نمادگرایی، آکمیسم، آینده نگری. اهمیت عصر نقره برای فرهنگ روسیه. ویژگی های تاریخی توسعه فرهنگ در اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم.

چکیده، اضافه شده در 2007/12/25


بررسی پیدایش و توسعه باروک به عنوان سبک هنری مشخصه فرهنگ اروپای غربی از اواخر قرن شانزدهم تا اواسط قرن هجدهم. مشخصات کلی و تحلیل توسعه سبک های باروک در نقاشی، مجسمه سازی، معماری و موسیقی.

ارائه، اضافه شده در 2011/09/20


شدت عصر نقره در محتوای خلاقانه، جستجو برای اشکال جدید بیان. روندهای هنری اصلی "عصر نقره". ظهور نمادگرایی، آکمییسم، آینده نگری در ادبیات، کوبیسم و ​​انتزاع گرایی در نقاشی، نمادگرایی در موسیقی.

چکیده، اضافه شده در 2010/03/18


تاریخ فرهنگ هنری در اوایل قرن بیستم. روندهای اصلی، مفاهیم هنری و نمایندگان آوانگارد روسیه. شکل گیری فرهنگ دوران شوروی. دستاوردها و مشکلات در توسعه هنر در شرایط توتالیتر؛ پدیده زیرزمینی

ارائه، اضافه شده در 2014/02/24


اوج فرهنگ معنوی در اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم. ظهور گرایش های جدید و گروه های هنری. ویژگی ها و تفاوت های انتزاع گرایی، آوانگارد، امپرسیونیسم، کوبیسم، مکعب آینده گرایی، رایونیسم، مدرنیسم، نمادگرایی و برتری گرایی.

ارائه، اضافه شده در 2015/05/12


تأثیر رویدادهای سیاسی و اجتماعی بر هنر. زمان اوج گیری خلاقیت در عرصه های مختلف فرهنگ. افشای جوهر آکمیسم، آینده نگری و نمادگرایی مدرنیستی. تجلی هنر نو در معماری مسکو. ادبیات عصر نقره.

هنر «ناب»، اعلان ارزش‌هایی که به مشکلات و روندهای اجتماعی و تاریخی وابسته نیستند، پدیده‌ای زیبا، اما غیرواقعی است.

ایجاد جدا از زندگی روزمره، بدون توجه به ایده های رایج در جامعه - رسمی و غیر رسمی - غیرممکن است. هنر روسیه در قرن بیستم تحت تأثیر تغییرات قدرتمندی در سیستم اجتماعی قرار گرفت که برای هیچ کشور دیگری ناشناخته بود.

آغاز قرن، جستجو برای ایده های جدید

100 سال قرن بیستم، دوران تحولات بی‌سابقه برای کل تمدن بود. در پایان قرن بیستم، پیشرفت علمی و فناوری، زمان و مکان را برای کل سیاره فشرده کرده بود، درگیری های اجتماعی در یک منطقه محدود به تحولات سیاره ای تبدیل شد. فرهنگ و هنر روسیه در قرن بیستم، مانند تمام فعالیت های اجتماعی در اروپا و آمریکا، پیوستگی موقتی به مهم ترین رویدادهای تاریخ اخیر دارد.

جادوی اعداد که آغاز یک قرن جدید را نشان می دهد، همیشه انتظار تغییر را ایجاد می کند، امید به آغاز زمان جدید و شاد. قرن نوزدهم، که شهرت جهانی را برای فرهنگ روسی ایجاد کرد، در حال محو شدن در گذشته بود و سنت هایی را به جا می گذاشت که نمی توانستند یک شبه ناپدید شوند.

"دنیای هنر" نام انجمن هنرمندانی بود که در سال 1898 به وجود آمد و تا سال 1924 به طور متناوب وجود داشت و بدون آن تصور هنرهای زیبا در ربع اول قرن بیستم در روسیه غیرممکن است. "دنیای هنر" یک سبک توسعه یافته مشترک نداشت - نقاشان، گرافیست ها، مجسمه سازان هر کدام راه خود را رفتند و در دیدگاه های خود در مورد اهداف هنر و نقش آن در جامعه توافق داشتند. بسیاری از ویژگی های این دیدگاه توسط نبوغ میخائیل وروبل بیان شد. هسته رسمی، اساس انجمن L. S. Bakst، M. V. Dobuzhinsky، E. E. Lansere، A. P. Ostroumova-Lebedeva، K. A. Somov بودند. در زمان‌های مختلف، یا.

همه آنها اولویت حرفه ای گرایی در هنر، نقش عظیم آزادی خلاق و استقلال هنرمند از جزمات اجتماعی را به رسمیت شناختند، در حالی که ارزش هنر را در زندگی انسان انکار نکردند، اعتراض به سختی آکادمیک از یک سو و سیاسی شدن بیش از حد نقاشی توسط سرگردانان از سوی دیگر. «دنیای هنر» که توسط پیروان سنت‌ها مورد انتقاد قرار گرفت، نتوانست در روند پرتلاطم تولد نقاشی «پرولتری» قرار بگیرد، اما تأثیر زیادی بر تمام هنرهای زیبای قرن بیستم در روسیه - هم بر کسانی که در اتحاد جماهیر شوروی و بر روی کسانی که در نهایت به مهاجرت رسیدند کار کرد.

نوین

دهه‌های پایانی قرن نوزدهم، دوران تولد سبک جدیدی بود که اثری بر آثار استادان هنرهای زیبا و معماری بر جای گذاشت. در مناطق خاصی از اروپا ویژگی های خاص خود را داشت، جایی که حتی به طور متفاوتی نامیده می شد. در بلژیک و فرانسه، نام "Art Nouveau" ثابت شد، در آلمان - "Art Nouveau"، در اتریش - "Secession". نام‌های دیگری نیز با مشهورترین هنرمندان این سبک یا شرکت‌هایی که مبلمان، جواهرات و سایر محصولات را در این راستا تولید می‌کردند، می‌شناسند: سبک ماش، سبک Guimard در فرانسه، لیبرتی در ایتالیا، در ایالات متحده آمریکا به سبک تیفانی و غیره. از روسیه قرن بیستم، به ویژه معماری، آن را به عنوان Art Nouveau می شناسند.

پس از یک دوره طولانی بی زمانی سبک، هنر نوو به یکی از رساترین و شکل گرفته ترین جنبش های هنری تبدیل شده است. ویژگی رویشی و صاف خطوط دکور غنی، مشخصه آن، در ترکیب با فرم های هندسی ساده و رسا از حجم های بزرگ، هنرمندان و معماران را با طراوت و تازگی به خود جلب کرد.

فدور اوسیپوویچ شختل (1859-1926) - ستاره مدرنیته معماری روسیه. استعداد او ویژگی‌های ملی را به سبکی اساساً جهانی بخشید، شاهکارهای شختل - ایستگاه راه‌آهن یاروسلاوسکی، عمارت ریابوشینسکی - ساخته‌های معمار روسی، هم به طور کلی و هم در چیزهای کوچک هستند.

آوانگارد پیش از انقلاب

روند جستجو برای اشکال جدید هنر، و بیشتر - جوهر جدید آن - برای هنر تمام اروپا و آمریکا مرتبط بود. هنر روسیه در قرن بیستم شامل چندین دوره واقعاً انقلابی است، زمانی که کار چندین اصلاح طلب نشان دهنده جهت های جدیدی در توسعه تفکر هنری است. یکی از چشمگیرترین و چشمگیرترین آنها دوره بین انقلابی از 1905 تا 1917 بود. ویژگی های هنر آوانگارد در روسیه به دلیل بحران زندگی عمومی روسیه پس از تراژدی های جنگ روسیه و ژاپن و انقلاب 1905 ایجاد شد.

جنبش‌های آوانگارد و انجمن‌های خلاق متعددی که در آن زمان به وجود آمدند، علل مولد مشابه و اهداف مشابهی از جستجوی هنری داشتند. سوپرماتیسم کاندینسکی و مالویچ با تأثیر قوی بر انواع اصلی هنر قرن بیستم در روسیه، آینده‌گرایان و کوبو-آینده‌نگران، «جک الماس» و «رز آبی»، جهان‌های جدیدی را به طرق مختلف جستجو کردند. بحران هنر قدیم که ارتباط خود را با واقعیت از دست داده بود، آغاز عصر تحولات جهانی را پیش بینی کرد.

از جمله ایده های جدیدی که توسط هنرمندان آوانگارد متولد شد، ایده روسیه در قرن بیستم بود. این شامل صفحاتی مانند اجرای معروف - مانیفست هنر جدید "پیروزی بر خورشید" (1913) است. این نتیجه کار مشترک شاعران آینده پژوه M. Matyushin، V. Khlebnikov بود و تزئین توسط کازیمیر مالویچ انجام شد.

هنرمندان P. Konchalovsky، K. Petrov-Vodkin، I. Mashkov، N. Goncharova، Marc Chagall، که هنر روسیه را در قرن بیستم با جستجوهای خود غنی کردند، نویسندگان نقاشی هایی شدند که به رسمیت شناخته شدند. و این شناخت در دهه 10 قرن بیستم، در دوران تولد نقاشی آوانگارد در تاریخ مدرن آغاز شد.

پس از انقلاب اکتبر، روسیه این فرصت را داشت که در زندگی عمومی، از جمله در هنر، افق های جدیدی را به روی کل جهان بگشاید. و در ابتدا شرایطی ایجاد شد که ارزش هر فرد با استعداد بی اندازه افزایش یافت، مولدهای ایده های خلاقانه جدید به میدان آمدند.

تاریخ هنر آن زمان را چگونه تفسیر می کند؟ قرن بیستم، روسیه، دهه بیست پرتلاطم - این یک زندگی هنری بی‌سابقه فعال از انجمن‌های خلاق متعدد است که در میان آنها برجسته است:

UNOVIS - "تأیید کننده هنر جدید" (Malevich، Chagall، Lissitzky، Leporskaya، Sterligov). این انجمن که بر اساس مدرسه هنری ویتبسک تأسیس شد، یک عذرخواهی برای آوانگاردهای هنری بود و به دنبال مضامین و اشکال جدید برای هنر بود.

- "چهار هنر" - جریانی در راستای "دنیای هنر" هدف اصلی نشان دادن امکانات بیانی عظیم معماری، مجسمه سازی، گرافیک و نقاشی است. نیاز به حرفه ای گری بالا و آزادی خلاق اعلام شد. برجسته ترین نمایندگان: معمار A. V. Shchusev، گرافیست V. A. Favorsky، مجسمه ساز V. I. Mukhina، نقاشان K. S. Petrov-Vodkin، A. P. Ostroumova-Lebedeva و دیگران.

- "OST"، "انجمن هنرمندان سه پایه". مهم ترین چیز را نشان دادن نشانه های شروع یک زندگی صلح آمیز جدید، ساختن یک کشور جوان مدرن با استفاده از سبکی پیشرفته، اما ساده و روشن می دانست. رهبران: D. Sternberg، A. Deineka، Yu. Pimenov، P. Williams.

- "حلقه هنرمندان" (لنینگراد). پس از دوره رسمی، توسعه "سبک دوران". اعضای فعال گروه: A. Samokhvalov، A. Pakhomov، V. Pakulin.

AHRR - "انجمن هنرمندان روسیه انقلابی" - انجمنی که پایه و اساس اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی سابق ایجاد شد، یک رهبر فعال جهت هدایت ایدئولوژیک فرآیند هنری، ابزاری برای تبلیغات حزبی، وارثان. از سرگردانان I. I. Brodsky، A. M. Gerasimov، M. B. Grekov، B. V. Ioganson در راس قرار داشتند.

سازه

در برنامه های معتبرترین موسسات آموزشیآماده سازی معماران، همیشه مطالعه ای در مورد موضوع "ساخت گرایی روسی - آوانگارد معماری دهه 20" وجود دارد. برای درک هنر ساختمان سازی اهمیت زیادی دارد، ایده هایی که توسط رهبران آن جهت اعلام می شود برای هر زمان بسیار مرتبط است. ساختمان های باقی مانده از کنستانتین ملنیکوف (ساختمان مسکونی معمار در کریوآرباتسکی لین، باشگاه روساکوف در استرومینکا، گاراژی در خیابان نووریاازانسکایا و غیره)، برادران وسنین، موزس گینزبورگ (خانه نارکومفین در بلوار نوینسکی) و دیگر ستارگان معماری روسیه هستند. صندوق طلایی معماری روسیه

کارکردگرایی، رد تزیینات غیر ضروری، زیبایی شناسی ساختار ساختمان، هماهنگی محیط زندگی ایجاد شده - این ایده ها مبنایی برای حل مشکلات جدید برای معماران، هنرمندان و متخصصان جوان در این زمینه شد که به نام طراحی صنعتی شروع شد. . آنها مجبور بودند مسکن انبوه برای شهرهای جدید، باشگاه های کارگری برای توسعه همه جانبه فرد بسازند، امکاناتی برای کار و تفریح ​​برای افراد جدید ایجاد کنند. دستاوردهای شگفت انگیز آوانگارد دهه بیست را نمی توان نادیده گرفت، مطالعه هنر روسیه، اروپا و آمریکا در تمام دوران های بعدی عمدتاً بر اساس آنها است. غم انگیز است که این ایده های مترقی کمترین تقاضا را در میهن خود داشتند و بسیاری از آنها "سبک امپراتوری استالین" را بزرگترین دستاورد معماری شوروی می دانند.

هنر دوران توتالیتاریسم

در سال 1932، فرمان کمیته مرکزی حزب کمونیست اتحاد بلشویک ها در مورد کار انجمن های خلاق صادر شد. دوران پرتلاطم جریان‌ها و جهت‌های مختلف، تحت تأثیر ماشین دولتی، که تحت کنترل دستگاه ایدئولوژیک، که در آن تنها قدرت قوی‌تر می‌شد، به قدرت رسید، پایان یافت. برای سال‌ها، هنر روسیه در قرن بیستم، مانند بسیاری از زندگی این کشور، به نظر یک نفر - جوزف استالین - بستگی داشت.

اتحادیه های خلاق به وسیله ای برای تبعیت از اندیشه هنری به معیارهای ایدئولوژیک یکسان تبدیل شده اند. دوران سوسیالیست فرا رسیده است، به تدریج، هر گونه انحراف از مسیر رسمی شروع به جنایت اعلام کرد، کسانی که مخالف بودند تحت سرکوب واقعی قرار گرفتند. اتهام انحراف از خط حزب به روشی برای حل بحث های خلاقانه تبدیل شد. مترقی بودن این امر بسیار مشکوک است. مثلاً اگر وسوولود مایرهولد، مصلح بزرگ صحنه، قربانی سرکوب نمی شد، هنر تئاتر روسیه در قرن بیستم چگونه توسعه می یافت؟

ماهیت استعداد هنری پیچیده و غیرقابل توضیح است. تصاویر رهبران با مهارت بسیار و احساس صمیمانه تجسم یافته بود. هیچ یک از وحشیانه‌ترین سرکوب‌ها نمی‌توانست مانع ظهور هنرمندان واقعاً با استعدادی شود که برای آنها ابراز وجود، صرف نظر از چارچوب ایدئولوژیک، اصلی‌ترین چیز بود.

در معماری، زمان «امپراتوری استالینیستی» فرا رسیده است. جستجو برای هنرمندان آوانگارد با بازگشت به قوانین ثابت شده جایگزین شد. قدرت ایدئولوژی کمونیستی در نمونه های دیدنی نئوکلاسیک بازسازی شده - "آسمان خراش های استالین" تجسم یافت.

هنر دوران جنگ

زمانی در تاریخ کشور ما است که به بزرگترین فاجعه و مرحله جهش معنوی بی سابقه تبدیل شده است. هنر روسیه در قرون 20 و 21 یکی از موضوعات اصلی را دریافت کرده است که امکان بیان عظمت شخصیت عامیانه روسی، عمق احساساتی را که می تواند فرد و توده های عظیم را در جریان تحولات تاریخی در اختیار بگیرد، به دست آورده است.

جنگ بزرگ میهنی از روزهای اول در تصاویر بصری قدرت شگفت انگیزی بیان شد. پوستر I. Toidze "سرزمین مادری فرا می خواند!" بهتر از هر فرماندهی برای دفاع از کشور مطرح شده است و "دفاع از سواستوپل" دینکا هر فردی را بدون توجه به ایده هایی که او دارد شوکه می کند. سمفونی هفتم دیمیتری شوستاکوویچ به همان اندازه چشمگیر است و هنر موسیقی روسیه در قرن بیستم، نه کمتر از انواع دیگر خلاقیت، به موضوع جنگ علیه فاشیسم ادای احترام کرد.

برفک

پس از پیروزی بزرگ، قدرتمندترین عامل تاریخی بعدی که بر زندگی عمومی در اتحاد جماهیر شوروی تأثیر گذاشت، مرگ استالین (مارس 1953) و بیستمین کنگره CPSU بود که موضوع افشای کیش شخصیت را مطرح کرد. مدتی هم برای هنرمندان و هم برای کل جامعه دمی از آزادی خلاقیت و ایده های نو بود. نسل "دهه شصت" پدیده ای بسیار خاص است، از خود به عنوان نفس کوتاهی از هوای تازه که قبل از فرو رفتن دوباره برای چندین دهه در باتلاق وجودی سنجیده، برنامه ریزی شده و تنظیم شده، خاطره ای از خود به جای گذاشت.

اولین آزمایش های آوانگارد هنری "موج دوم" - آثار E. Belyutin، Yu. Sooster، V. Yankilevsky، B. Zhutovsky و دیگران - در نمایشگاه اختصاص داده شده به 30 سالگرد مسکو. شعبه اتحادیه هنرمندان، شخصاً توسط رهبر جدید کشور N خروشچف محکوم شدند. حزب دوباره شروع کرد به توضیح برای مردم به چه نوع هنری نیاز دارند و برای هنرمندان چگونه بنویسند.

به معماری دستور داده شد که با افراط و تفریط برخورد کند، که به درستی با مشکلات اقتصادی دوره پس از جنگ توضیح داده شد، زمان ساخت انبوه مسکن فرا رسید، زمان "خروشچف" که تا حدودی حاد بودن مسئله مسکن را از بین برد، اما شکل آن را مخدوش کرد. ظاهر بسیاری از شهرها

هنر "سوسیالیسم توسعه یافته"

از بسیاری جهات، هنر روسیه در نیمه دوم قرن بیستم عمدتاً داستان تقابل یک شخصیت هنری و ایدئولوژی غالب است. اما حتی در فضای تنظیم ایدئولوژیک هر بخش از فضای معنوی، بسیاری از هنرمندان راه هایی برای اصلاح اندکی روش تجویز شده رئالیسم سوسیالیستی پیدا کردند.

بنابراین، یک نمونه واقعی برای جوانان، استادانی بودند که در دهه بیست اعتقادات خود را شکل دادند: N. Romadin، M. Saryan، A. Plastov و دیگران. تصویر عضو سابق انجمن هنری "OST" Y. Pimenov "عروسی در خیابان فردا" که در سال 1962 نوشته شده است، به نمادی از امیدهای جامعه برای تجدید تبدیل شده است.

یکی دیگر از پدیده های قابل توجه در نقاشی شوروی آن زمان، شکل گیری "سبک شدید" بود. این اصطلاح نشان دهنده کارهای G. Korzhov، P. Ossovsky، برادران اسمولین، P. Nikonov و دیگران است. در نقاشی های آنها که در ژانرهای مختلف (روزانه، تاریخی) نوشته شده بودند، قهرمانی ظاهر شد که نیازی به دستورالعمل نداشت و مشغول یک تجارت قابل درک و ضروری او بدون جزئیات غیر ضروری و زواید رنگارنگی، بزرگ و رسا به تصویر کشیده شد.

کار چنین استادی از اهمیت ویژه‌ای برخوردار است، زیرا صدای مدنی بوم‌های او حاوی پیام‌های انسانی عمومی و تقریباً مذهبی کمیاب برای هنر شوروی است و سبک نقاشی ریشه در رنسانس ایتالیا دارد.

ناسازگاری

تسلط رسمی «رئالیسم سوسیالیستی» هنرمندان غیررسمی را وادار کرد تا به مخاطب راه یابند یا به مهاجرت روی آورند. M. Shemyakin، I. Kabakov، O. Rabin، E. Neizvestny و بسیاری دیگر رفتند. اینها هنرمندان قرن بیستم در روسیه بودند که حاملان ارزش های معنوی بودند که توسط آوانگاردهای آغاز قرن متولد شدند و پس از فروپاشی ایدئولوژی کمونیستی به میهن خود بازگشتند.

و در طول سلطنت آن، مهاجرت داخلی ظاهر شد، و موتیف محبوب یک هنرمند دیوانه، مست ابدی، ساکن بیمارستان های روانی، مورد آزار و اذیت مقامات و رهبری اتحادیه های خلاق، اما بسیار مورد توجه کارشناسان مستقل غربی قرار گرفت. یک حامل معمولی چنین تصویری A. Zverev بود - یک شخصیت افسانه ای برای مسکو در عصر سوسیالیسم توسعه یافته.

چند سبک شناسی و کثرت گرایی

هنرهای زیبای قرن بیستم در روسیه با رهایی از دستورات دولتی دوران شوروی به عنوان بخشی جدایی ناپذیر از آن وارد روند جهانی شد و دارای ویژگی ها و روندهای مشترک با آن بود. بسیاری از اشکال خلاقیت که برای مدت طولانی برای غرب آشنا بودند، به سرعت توسط هنرمندان داخلی تسلط یافتند. واژه‌های «پرفورمنس»، «ویدئو اینستالیشن» و... در گفتار ما آشنا شده‌اند و از شاخص‌ترین استادان معاصر با شهرت جهانی می‌توان به هنرمندانی با دیدگاه‌های قطری از نظر جهت‌گیری اشاره کرد: Z. Tsereteli، T. Nazarenko، M. کیشف، A. Burganov و بسیاری دیگر.

تاریخ طوفانی و غیرقابل پیش بینی اخیر کشور، که یک ششم از زمین را اشغال می کند، به آینه خود - هنر روسیه قرن بیستم - نگاه می کند و با هزاران تصویر فراموش نشدنی در آن منعکس می شود ...

1. هنر روسیه در پایان قرن بیستم.دهه آخر قرن بیستم در روسیه پر از رویدادهای سیاسی و اقتصادی بود که وضعیت این کشور را به طور اساسی تغییر داد. فروپاشی اتحاد جماهیر شوروی در سال 1991 و تغییر مسیر سیاسی، گذار به روابط بازار و جهت گیری روشن به سمت مدل غربی توسعه اقتصادی، و در نهایت تضعیف، تا الغای کامل، کنترل ایدئولوژیک - همه اینها در اوایل دهه 1990 به این واقعیت کمک کرد که محیط فرهنگی به سرعت شروع به تغییر کرد. آزادسازی و دموکراتیزه شدن کشور به توسعه و ایجاد گرایش ها و جهت گیری های جدید در هنر ملی کمک کرد. تکامل هنر در دهه 1990 در روسیه با ظهور گرایش های ذاتی پست مدرنیسم، با ظهور نسل جدیدی از هنرمندان جوان که در زمینه هایی مانند: مفهوم گرایی، گرافیک کامپیوتری، نئوکلاسیکمربوط به توسعه فناوری کامپیوتر در روسیه است. «نئوکلاسیکیسم جدید روسی» که از التقاط گرایی کلاسیک سرچشمه می گیرد، به یک «الماس چند وجهی» تبدیل شد و گرایش های مختلفی را با هم ترکیب کرد که قبل از دوران مدرنیسم به «کلاسیک ها» تعلق نداشتند. نئوکلاسیک- این جهتی در هنر است که در آن هنرمندان سنت های کلاسیک نقاشی، گرافیک، مجسمه سازی را احیا می کنند، اما در عین حال فعالانه از آخرین فن آوری ها استفاده می کنند. مورخ و نظریه پرداز هنر بریتانیایی ادوارد لوسی اسمیتنئوکلاسیسیسم روسی را "اولین پدیده برجسته فرهنگ روسیه که پس از کازیمیر مالویچ بر روند هنری جهان تأثیر گذاشت." نئوکلاسیک خواستار نگرش متفاوتی نسبت به دوران باستان نسبت به کلاسیک ها بود. دیدگاه تاریخی فرهنگ یونان، آثار باستانی را نه مطلق، بلکه یک آرمان تاریخی ملموس ساخت، بنابراین، تقلید از یونانیان معنای دیگری به دست آورد: در درک هنر باستان، این هنجاری بودن آن نبود که به منصه ظهور رسید، بلکه آزادی بود. ، مشروط بودن قواعدی که بعداً تبدیل به قانون شد، زندگی واقعی مردم. D.V. سارابیانفنئوکلاسیسم را نوعی «عارضه» مدرنیته می داند. با همین احتمال، نئوکلاسیک را می توان هم متاخر و هم یک گرایش مستقل در نظر گرفت. در آثار "هنرمندان جدید" مدرنیته ناب یا نئوکلاسیک جداگانه وجود ندارد، آنها همیشه به هم پیوسته عمل می کنند، هنرمندان آکادمی جدید چندین گرایش را در هنرهای تجسمی به طور همزمان ترکیب کردند: آوانگارد، پست مدرنیسم، کلاسیک در "کلاژ". فضا". آثار "هنرمندان جدید" ترکیبی از گرافیک کامپیوتری، اچینگ، نقاشی و عکاسی است. هنرمندان آثار تمام شده را دیجیتالی کردند، قطعات لازم را انتخاب کردند و کلاژ ایجاد کردند و لباس ها و دکورهای دوران باستان را به طرز ماهرانه ای بازسازی کردند. ترکیب روش های سنتی با قابلیت های برنامه های گرافیک کامپیوتری، پتانسیل خلاقیت هنرمندان را گسترش داده است. کلاژها از مواد اسکن شده جمع آوری شدند، جلوه های ویژه هنری روی آنها اعمال شد، تغییر شکل دادند و ترکیبات وهم آلود ایجاد کردند. برجسته ترین نمایندگان نئوکلاسیک سن پترزبورگ در اوایل دهه 1990 بودند. O. Toberluts، E. Andreeva، A. Khlobystin، O. Turkina، A. Borovsky، I. Chechot، A. Nebolsin، E. Sheff.نئوکلاسیک توبرلوتزیکی از مظاهر رمانتیسم است. آثار او تجسم احساسات یک فرد، رویاها، اشراف، چیزی مشتاقانه و تبدیل به یک ایده آل غیرقابل تحقق است. . خود هنرمند قهرمان آثارش می شود. از نظر سبکی، کار O. Toberluts را می توان به عنوان نئوکلاسیک تعریف کرد که از آگاهی پست مدرن عبور کرده است، به عنوان جهانی التقاطی که معابد باستانی، فضای داخلی رنسانس، آسیاب های بادی هلندی و لباس های طراح K. Goncharov را به عنوان لمس مدرنیته به تصویر می کشد. امکانات بی حد و حصر گرافیک کامپیوتری، آثار O.Tobreluts را خارق العاده و فوق طبیعی می کند. با کمک فناوری کامپیوتر ای.شفبه یونان باستان و سپس به روم باستان باز می گردد و تصاویری از اساطیر باستان را در کلاژهای خود خلق می کند. در سریال "اسطوره های لودویگ"این هنرمند از عکس‌های مجسمه‌های یونانی، سازه‌های معماری استفاده کرد و جلوه‌های دوران باستان را بر روی آنها قرار داد. این هنرمند با کمک فن آوری رایانه ای اصالت کولوسئوم را بازیابی می کند و گشت و گذارهای هیجان انگیزی را در اطراف آن انجام می دهد. نقاشی دیجیتال شوتوفمعادل احساسی سرگرمی های زیاد او را نشان می دهد. این کتاب شامل آثار کلاسیک یونانی و پژواک تحقیقات قوم نگاری و همچنین عناصر خرده فرهنگ جوانان است.بنابراین می توان اشاره کرد که پایان قرن بیستم نقطه عطفی نه تنها در زندگی سیاسی و اقتصادی روسیه، بلکه در هنر در دهه 1990، یک گرایش قدرتمند در هنرهای تجسمی "نئوکلاسیک روسیه جدید" پایه گذاری شد. توسعه فن آوری های کامپیوتری در روسیه پتانسیل خلاقانه هنرمندان را گسترش داد، هنرمندان جدید با استفاده از فناوری های جدید، آثار کلاسیک را ایجاد کردند. نکته اصلی تکنیک و فناوری نیست، بلکه زیبایی شناسی است. هنر مدرن نیز می تواند کلاسیک باشد. 2. هنر روسیه در آغاز قرن بیست و یکم.یکی از ویژگی‌های هنرهای زیبا در اواخر قرن بیستم تا بیست و یکم این است که از ستم سانسور، از نفوذ دولت، اما نه از اقتصاد بازار رها شد. اگر در زمان شوروی به هنرمندان حرفه‌ای بسته‌ای از تضمین‌های اجتماعی ارائه می‌شد، نقاشی‌های آنها برای نمایشگاه‌ها و گالری‌های ملی خریداری می‌شد، اما اکنون آنها فقط می‌توانند به نیروی خود تکیه کنند. اما نقاشی روسی نمرده و به ظاهری از هنر اروپای غربی و آمریکایی تبدیل نشده است، بلکه بر اساس سنت های روسی به رشد خود ادامه می دهد. هنر معاصر توسط گالری‌های هنر معاصر، مجموعه‌داران خصوصی، شرکت‌های تجاری، سازمان‌های هنری دولتی، موزه‌های هنر معاصر، استودیوهای هنری یا توسط خود هنرمندان در فضایی که توسط هنرمند اداره می‌شود به نمایش گذاشته می‌شود. هنرمندان معاصر از طریق کمک های مالی، جوایز و جوایز حمایت مالی دریافت می کنند و همچنین از فروش آثار خود وجوه دریافت می کنند. رویه روسیه در این زمینه با رویه غربی تا حدودی متفاوت است. موزه‌ها، دوسالانه‌ها، جشنواره‌ها و نمایشگاه‌های هنر معاصر به تدریج به ابزاری برای جذب سرمایه، سرمایه‌گذاری در تجارت گردشگری یا بخشی از سیاست‌های دولت تبدیل می‌شوند. مجموعه داران خصوصی تأثیر زیادی بر کل سیستم هنر معاصر دارند. در روسیه، یکی از بزرگترین مجموعه های هنر معاصر توسط موزه غیر دولتی هنرهای معاصر Erarta در سن پترزبورگ نگهداری می شود. گرایش های هنر معاصر: هنر غیر دیدنی- گرایشی در هنر معاصر که نمایش و نمایش را رد می کند. نمونه ای از این هنرها اجرای هنرمند لهستانی پاول آلتامر "طرح کلی فیلمنامه" در نمایشگاه "مانیفست" در سال 2000 است. در روسیه، او نسخه خود را از هنر غیر دیدنی ارائه کرد آناتولی اسمولوفسکی هنر خیابانی(انگلیسی) هنر خیابانی- هنر خیابانی) - هنرهای زیبا که ویژگی بارز آن سبک شهری برجسته است. بخش اصلی هنر خیابانی گرافیتی است (در غیر این صورت هنر اسپری) اما نمی توان آن را گرافیتی دانست. هنر خیابانی همچنین شامل پوستر (غیر تجاری)، شابلون، اینستالیشن‌های مختلف مجسمه‌سازی و... می‌شود. در هنر خیابانی، هر جزئیات، جزئی، سایه، رنگ، خط مهم است. این هنرمند آرم سبک خود را ایجاد می کند - یک "نشانه منحصر به فرد" و آن را در بخش هایی از منظر شهری به تصویر می کشد. مهمترین چیز در هنر خیابانی، اختصاص قلمرو نیست، بلکه درگیر کردن بیننده در یک دیالوگ و نمایش یک برنامه داستانی متفاوت است. دهه گذشته نشان دهنده تنوع جهت هایی است که هنر خیابانی انتخاب می کند. نویسندگان جوان با تحسین نسل قدیمی تر، از اهمیت توسعه سبک خود آگاه هستند. به این ترتیب، شاخه های جدیدی در حال ظهور هستند که آینده ای غنی را برای جنبش پیش بینی می کنند. اشکال جدید و متنوع هنر خیابانی گاهی اوقات از نظر وسعت از هر چیزی که قبلا ساخته شده است فراتر می رود. هواشناسی -یکی از تکنیک های نقاشی هنرهای زیبا، استفاده از ایر برس به عنوان ابزاری برای اعمال رنگ مایع یا پودری با استفاده از هوای فشرده بر روی هر سطحی است. می توان از اسپری رنگ نیز استفاده کرد. با توجه به استفاده گسترده از ایربراشینگ و ظهور تعداد زیادی رنگ و ترکیبات مختلف، ایربراشینگ انگیزه جدیدی برای توسعه یافته است. در حال حاضر ایربراش برای ایجاد نقاشی، روتوش عکس، تاکسیدرمی، مدلینگ، نقاشی پارچه، نقاشی دیواری، هنر بدن، نقاشی ناخن، نقاشی سوغاتی و اسباب بازی، نقاشی ظروف استفاده می شود. اغلب برای کشیدن نقاشی روی ماشین، موتورسیکلت، سایر تجهیزات، در چاپ، طراحی و ... استفاده می شود. با توجه به لایه نازک رنگ و امکان پاشش صاف آن بر روی سطح، می توان به جلوه های تزئینی عالی دست یافت. مانند انتقال رنگ صاف، سه بعدی بودن، واقع گرایی عکاسی از تصویر حاصل، تقلید از یک بافت خشن با صافی سطح ایده آل.

موضوعات و سوالات سمینارها;

مبحث 1. مفاهیم اساسی تاریخ هنر و تاریخ هنر.

سوالات:

1. مشکل طبقه بندی هنرها.

2. مفهوم «اثر هنری». پیدایش و وظیفه یک اثر هنری. کار و هنر.

3. جوهر، اهداف، وظایف هنر.

4. کارکردها و معنای هنر.

5. مفهوم «سبک». سبک هنری و زمان آن

6. طبقه بندی هنرها.

7. تاریخ پیدایش و شکل گیری تاریخ هنر.

موضوعات مورد بحث:

1. 5 تعریف از هنر وجود دارد. ویژگی هر کدام از آنها چیست؟ کدام تعریف را دنبال می کنید؟ آیا می توانید تعریف خود را از هنر بیان کنید؟

2. هدف از هنر چیست؟

3. چگونه می توانید یک اثر هنری را تعریف کنید؟ «اثر هنری» و «اثر هنری» چگونه همزیستی دارند؟ روند پیدایش یک اثر هنری را توضیح دهید (طبق نظر I. Ten). تکلیف یک اثر هنری (به گفته پ.پ.گندیچ) چیست؟

4. 4 کارکرد اصلی هنر (طبق نظر آی پی نیکیتینا) و چهار را فهرست کنید

درک ممکن از معنای هنر

5. معنای مفهوم «سبک» را تعریف کنید. چه سبک هایی از هنر اروپایی را می شناسید؟ «سبک هنری»، «فضای هنری» چیست؟

6. انواع هنرها را فهرست کرده و شرح مختصری ارائه دهید: هنرهای مکانی، زمانی، مکانی-زمانی و تماشایی.

7. موضوع تاریخ هنر چیست؟

8. به نظر شما نقش موزه ها، نمایشگاه ها، گالری ها، کتابخانه ها برای مطالعه آثار تاریخ هنر چیست؟

9. ویژگی های تفکر باستانی در مورد هنر: اطلاعات باقی مانده در مورد اولین نمونه های ادبیات در مورد هنر ("کانون" از Polykleitos، رساله های دوریس، Xenocrates). جهت «توپوگرافی» در ادبیات درباره هنر: «توصیف هلاس» اثر پاوسانیاس. شرح آثار هنری لوسیان. مفهوم فیثاغورثی از "کیهان" به عنوان یک کل هماهنگ، تابع قوانین "هماهنگی و عدد" و اهمیت آن برای آغاز نظریه معماری. ایده نظم و تناسب در معماری و شهرسازی. تصاویر شهر ایده آل در نوشته های افلاطون (کتاب ششم قوانین، گفتگوی کریتیاس) ​​و ارسطو (کتاب هفتم سیاست). درک هنر در روم باستان «تاریخ طبیعی» اثر پلینی بزرگ (قرن اول پس از میلاد) به عنوان منبع اصلی اطلاعات در مورد تاریخ هنر باستان. رساله ویتروویوس: نمایش سیستماتیک نظریه معماری کلاسیک.

10. سرنوشت سنت‌های باستانی در قرون وسطی و ویژگی‌های اندیشه‌های قرون وسطی درباره هنر: دیدگاه‌های زیبایی‌شناختی قرون وسطی (آگوستین، توماس آکویناس)، ایده زیبایی‌شناختی پیشرو: خدا منشأ زیبایی است (اگوستین) و اهمیت آن برای تئوری و عمل هنری ایده "نمونه اولیه". ویژگی های ادبیات قرون وسطی در مورد هنر. کتابچه راهنمای عملی-فناوری، نسخه ای: "راهنمای نقاشان" از کوه آفاون دیونیسیوس فورنگرافیوت، "درباره رنگ ها و هنرهای رومیان" توسط هراکلیوس، "Schedula" (Schedula - دانشجو) توسط Theophilus. شرح آثار معماری در تواریخ و زندگی قدیسان.

11. رنسانس به عنوان نقطه عطفی در تاریخ توسعه هنر و تاریخ هنر اروپا. نگرش جدید به دوران باستان (بررسی آثار باستانی). توسعه جهان بینی سکولار و پیدایش علوم تجربی. شکل‌گیری گرایش به تفسیر تاریخی و انتقادی از پدیده‌های هنر: «نظرات» لورنزو گیبرتی رساله‌هایی درباره موضوعات خاص - شهرسازی (Filaret)، تناسبات در معماری (Francesco di Giorgio)، چشم‌انداز در نقاشی (Piero dela Francesca). درک نظری نقطه عطف رنسانس در توسعه هنر و تجربه مطالعه انسان‌گرایانه میراث باستانی در رساله‌های لئون باتیستا آلبرتی ("درباره مجسمه"، 1435، "درباره نقاشی"، 1435-36، "درباره معماری" ")، لئوناردو داوینچی ("رساله نقاشی"، منتشر شده پس از مرگ)، آلبرشت دورر (چهار کتاب در مورد نسبت های انسانی، 1528). نقد نظریه معماری ویترویوس در «ده کتاب در معماری» (1485) اثر لئون باپتیست آلبرتی. ویترویان "آکادمی شجاعت" و فعالیت های آن در مطالعه و ترجمه آثار ویترویوس. رساله جاکومو دا ویگنولا «قاعده پنج نظم معماری» (1562). چهار کتاب در مورد معماری (1570) اثر آندریا پالادیو یک پایان کلاسیک در تاریخ معماری رنسانس است. نقش پالادیو در توسعه ایده های معماری باروک و کلاسیک. پالادیو و پالادیانیسم

12. مراحل اصلی توسعه تاریخ هنر تاریخی در دوران مدرن: از وازاری تا وینکلمان: "زندگی برجسته ترین نقاشان، مجسمه سازان و معماران" اثر جورجیو وازاری (1550، 1568) به عنوان اثری برجسته در تاریخ شکل گیری نقد هنری «کتاب هنرمندان» نوشته کارل ون مندر در ادامه زندگینامه وازاری بر اساس مواد نقاشی هلندی.

13. متفکران قرن 18 درباره مشکلات شکل گیری سبک در هنر، در مورد روش های هنری، جایگاه و نقش هنرمند در جامعه: عقل گرایی در تاریخ هنر. نظریه کلاسیک نیکلاس پوسین. برنامه نظری کلاسیک گرایی در "هنر شاعرانه" اثر نیکلاس بوآلو (1674) و "مکالمه در مورد مشهورترین نقاشان قدیم و جدید" اثر A. Feliben (1666-1688).

14. عصر روشنگری (قرن 18) و مسائل نظری و روش شناختی هنر. تشکیل مدارس ملی در چارچوب نظریه عمومی هنر. توسعه نقد هنری در فرانسه نقش سالن ها در زندگی هنری فرانسه بررسی سالن ها به عنوان اشکال پیشرو ادبیات انتقادی در مورد هنرهای زیبا. اختلاف در مورد وظایف نقد هنری (ارزیابی خلاقیت یا آموزش عمومی). ویژگی های تاریخ هنر آلمان مشارکت در نظریه هنرهای زیبا توسط گوتولد افرایم لسینگ. رساله «لائوکون» (1766) و مسئله مرزهای نقاشی و شعر. معرفی مفهوم «هنرهای زیبا» به جای «هنرهای زیبا» (تغییر تأکید از زیبایی به حقیقت و برجسته کردن کارکرد فیگوراتیو-رئالیستی هنر). اهمیت فعالیت های یوهان یواخیم وینکلمان برای توسعه علم تاریخی هنر. مفهوم وینکلمان از هنر باستان و دوره بندی توسعه آن.

15. خاستگاه اندیشه روسی در مورد هنر. اطلاعات در مورد هنرمندان و بناهای هنری در تواریخ قرون وسطی روسیه و منابع اپیستولاری. طرح پرسش هایی درباره هنر در زندگی اجتماعی و سیاسی قرن شانزدهم. (کلیسای جامع استوگلاوی 1551 و کلیساهای دیگر) به عنوان شاهدی بر بیداری تفکر انتقادی و مبارزه گرایش های مختلف ایدئولوژیک.

16. تغییر اساسی در هنر روسیه قرن هفدهم: شکل گیری آغاز یک جهان بینی سکولار و اولین آشنایی با اشکال اروپایی فرهنگ هنری. شکل گیری تفکر هنری و نظری. فصل "درباره شمایل نگاری" در "زندگی" آووکم. «مقاله ای درباره هنر» نوشته جوزف ولادیمیروف (1665-1666) و «کلمه ای برای نقاشی نمادهای کنجکاو» اثر سیمون اوشاکوف (1666-1667) اولین آثار روسی در زمینه تئوری هنر هستند.

17. شکل گیری فعال اشکال سکولار جدید فرهنگ در قرن 18. یادداشت

J. von Stehlin اولین تلاش برای خلق تاریخ هنر روسیه است.

18. درک رمانتیک جدید از هنر در مقالات انتقادی توسط K.N. باتیوشکووا، N.I. Gnedich، V. Kuchelbeker، V.F. اودویفسکی، دی.و. ونویتینوا، N.V. گوگول.

19. تاریخ هنر اواخر قرن 19 - 20: تلاش برای ترکیب دستاوردهای مکتب رسمی با مفاهیم منتقدان آن - "علم ساختاری" سبک های هنری. رویکرد نشانه‌شناسی در تاریخ هنر. ویژگی های مطالعه نشانه شناختی آثار هنرهای زیبا در آثار یو.م. لاتمن، اس.ام. دانیل، بی. اوسپنسکی. انواع روش های مطالعه هنر در علم مدرن داخلی. اصول تجزیه و تحلیل یک اثر هنری و رویکرد مشکل آفرین به مطالعه تاریخ هنر در آثار M. Alpatov ("مشکلات هنری هنر یونان باستان"، "مشکلات هنری رنسانس ایتالیا"). سنتز رویکردهای روش شناختی (سبکی رسمی، شمایل نگاری، شمایل شناختی، جامعه شناختی) توسط V. Lazarev. روش تحقیق تطبیقی-تاریخی در آثار د. سرابیانوف ("نقاشی روسی قرن نوزدهم در میان مکاتب اروپایی. تجربه تحقیق تطبیقی"). رویکرد نظام مند به هنر و ویژگی های آن.

1. Alekseev V.V. هنر چیست؟ درباره اینکه یک نقاش، گرافیست و مجسمه ساز چگونه جهان را به تصویر می کشد. - م.: هنر، 1991.

2. Valeri P. درباره هنر. مجموعه. - م.: هنر، 1993.

3. Vipper B.R. مقدمه ای بر مطالعه تاریخی هنر. - م.: هنرهای تجسمی، 1985.

4. Vlasov V.G. سبک ها در هنر - سن پترزبورگ: 1998.

5.زیس ع.یا. انواع هنر. - م.: دانش، 1979.

6.Kon-Wiener. تاریخچه سبک های هنرهای زیبا. - M.: Svarog و K، 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. فرهنگ لغت مدرن - کتاب مرجع در مورد هنر. – M.: Olimp – AST، 2000.

8. جانسون اچ.وی. مبانی تاریخ هنر. - م.: هنر، 2001.

تم 2. هنر دنیای باستان. هنر عصر سیستم اشتراکی بدوی و شرق باستان.

سوالات:

1. دوره ای شدن هنر جامعه بدوی. ویژگی های هنر اولیه عصر: پارینه سنگی، میان سنگی، نوسنگی، برنز.

2. مفهوم سنکرتیسم در هنر بدوی، نمونه های آن.

3. قوانین و اصول کلی هنر شرق باستان.

4. هنر بین النهرین باستان.

5. هنر سومریان باستان.

6. هنر بابل و آشور باستان.

موضوعات مورد بحث:

1. مروری کوتاه بر دوره بندی هنر بدوی ارائه دهید. هنر هر دوره چه ویژگی هایی دارد؟

2. ویژگی های اصلی هنر بدوی را شرح دهید: سینکرتیسم، فتیشیسم، آنیمیسم، توتمیسم.

3. قوانین موجود در تصویر یک شخص را در هنر شرق باستان (مصر و بین النهرین) مقایسه کنید.

4. هنرهای زیبای بین النهرین باستان چه ویژگی هایی دارد؟

5. در مورد معماری بین النهرین با نمونه بناهای خاص توضیح دهید:

زیگورات Etemenniguru در اور و زیگورات Etemenanki در بابل جدید.

6. از مجسمه بین النهرین بر روی نمونه بناهای خاص بگویید: دیوارهای امتداد جاده موکب، دروازه ایشتار، نقش برجسته های کاخ آشورنصیرپال در

7. مضمون تصاویر نقش برجسته بین النهرین چیست؟

8- اولین بناهای معماری بابلی چه نام داشت؟ آنها چه بود

وقت ملاقات؟

9. ویژگی کیهان شناسی فرهنگ سومرو-اکدی چیست؟

10. دستاوردهای هنر تمدن سومرو-اکدی را فهرست کنید.

1. Vinogradova N.A. هنر سنتی شرق - م.: هنر، 1997.

2. دیمیتریوا N.A. تاریخچه مختصر هنر. موضوع. 1: از دوران باستان تا قرن شانزدهم. مقالات. - م.: هنر، 1985.

3. هنر شرق باستان (یادبودهای هنر جهان). - م.: هنر، 1968.

4. هنر مصر باستان. نقاشی، مجسمه سازی، معماری، هنرهای کاربردی. - م.: هنرهای تجسمی، 1972.

5. هنر جهان باستان. - م.: 2001.

6. تاریخ هنر. اولین تمدن ها - بارسلونا-مسکو: OSEANO - بتا-سرویس، 1998.

7. بناهای یادبود هنر جهان. شماره سوم، سری اول. هنر شرق باستان. - م.: هنر، 1970.

8.Pomerantseva N.A. مبانی زیبایی شناسی هنر مصر باستان. - م.: هنر، 1985.

9. Stolyar A.D. خاستگاه هنرهای زیبا - م.: هنر، 1985.

این مقاله شامل شرح مختصری از سبک های هنری اصلی قرن بیستم است. آشنایی با هنرمندان و طراحان مفید خواهد بود.

مدرنیسم (از فرانسوی مدرن مدرن)

در هنر، نام تجمعی گرایش های هنری است که در نیمه دوم قرن نوزدهم در قالب اشکال جدیدی از خلاقیت تثبیت شد، جایی که نه چندان پیروی از روح طبیعت و سنت، بلکه دیدگاه آزادانه استاد حاکم بود. آزاد است تا جهان مرئی را بنا به صلاحدید خود، پیرو برداشت شخصی، ایده درونی یا رویای عرفانی تغییر دهد (این روندها تا حد زیادی ادامه دهنده خط رمانتیسم بود). امپرسیونیسم، نمادگرایی و مدرنیسم مهم‌ترین جهت‌های آن بودند که اغلب فعالانه در تعامل بودند.در نقد شوروی، مفهوم «مدرنیسم» به‌طور ضدتاریخی برای تمام جنبش‌های هنری قرن بیستم به کار می‌رفت که با اصول رئالیسم سوسیالیستی مطابقت نداشتند.

انتزاع گرایی(هنر تحت علامت "صفر اشکال"، هنر غیر عینی) - جهت هنری که در هنر نیمه اول قرن بیستم شکل گرفت و به طور کامل از بازتولید اشکال دنیای واقعی واقعی امتناع کرد. بنیانگذاران انتزاع گرایی را می دانند وی. کاندینسکی، پی. موندریان و ک. مالویچ. دبلیو کاندینسکی نوع نقاشی انتزاعی خود را خلق کرد و نقاط امپرسیونیستی و "وحشی" را از هرگونه نشانه ای از عینیت رها کرد. پیت موندریان از طریق تلطیف هندسی طبیعت که توسط سزان و کوبیست ها آغاز شد، به بیهودگی خود رسید. روندهای مدرنیستی قرن بیستم، با تمرکز بر انتزاع گرایی، کاملاً از اصول سنتی فاصله گرفته و رئالیسم را انکار می کنند، اما در عین حال در چارچوب هنر باقی می مانند. تاریخ هنر با ظهور انتزاع گرایی انقلابی را تجربه کرد. اما این انقلاب نه تصادفی، بلکه کاملاً طبیعی پدید آمد و توسط افلاطون پیش بینی شد! در اثر بعدی خود فیلبوس، او در مورد زیبایی خطوط، سطوح و فرم های فضایی به خودی خود، فارغ از هر گونه تقلید از اشیاء مرئی، از هر تقلید، نوشت. این نوع زیبایی هندسی، بر خلاف زیبایی اشکال طبیعی «نامنظم»، از نظر افلاطون، نسبی نیست، بلکه بی قید و شرط و مطلق است.

آینده پژوهی- روند ادبی و هنری در هنر دهه 1910. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. یکی از ایده های هنری مهم آینده پژوهی جستجو برای بیانی پلاستیکی از سرعت حرکت به عنوان نشانه اصلی سرعت زندگی مدرن بود. نسخه روسی آینده‌گرایی کیبوفتوریسم نامیده می‌شود و بر ترکیبی از اصول پلاستیکی کوبیسم فرانسوی و چیدمان‌های زیبایی‌شناختی کلی اروپایی آینده‌نگاری استوار بود. هنرمندان با استفاده از تقاطع‌ها، جابجایی‌ها، برخوردها و هجوم فرم‌ها سعی کردند کثرت کوبنده تأثیرات یک فرد معاصر، یک شهرنشین را بیان کنند.

کوبیسم- "کامل ترین و رادیکال ترین انقلاب هنری پس از رنسانس" (جی. گلدینگ). نقاشان: پیکاسو پابلو، ژرژ براک، فرنان لژر رابرت دلونای، خوان گریس، گلیز متزینگر. کوبیسم - (فرانسوی cubisme، از cube - cube) جهتی در هنر ربع اول قرن بیستم. زبان پلاستیکی کوبیسم مبتنی بر تغییر شکل و تجزیه اشیاء به صفحات هندسی، تغییر شکل پلاستیکی بود. بسیاری از هنرمندان روسی شیفتگی به کوبیسم را پشت سر گذاشته‌اند و اغلب اصول آن را با تکنیک‌های دیگر گرایش‌های هنری مدرن - آینده‌گرایی و بدوی‌گرایی ترکیب می‌کنند. مکعب آینده گرایی به گونه ای خاص از تفسیر کوبیسم در خاک روسیه تبدیل شد.

پیوریسم- (فرانسوی purisme، از لاتین purus - تمیز) روندی در نقاشی فرانسوی اواخر دهه 1910 و 20. نمایندگان اصلی هنرمند هستند الف اوزانفانو معمار C. E. Jeanneret (لوکوربوزیه). با رد تمایلات تزئینی کوبیسم و ​​دیگر جنبش های آوانگارد دهه 1910، تغییر شکل طبیعت که آنها اتخاذ کردند، خالص گرایان برای انتقال منظم و منطقی اشکال شیء ثابت و مختصر، که گویی از جزئیات "پاک شده" بودند، به تصویر تلاش کردند. عناصر "اولیه" مشخصه آثار پاکسازان صافی، ریتم صاف شبح های نور و خطوط اشیاء از همان نوع (کوزه، لیوان و غیره) است. اصول هنری خالصانه که اساساً بازاندیشی شده بود، به دلیل اینکه در اشکال سه پایه توسعه نیافته بودند، تا حدی در معماری مدرن، عمدتاً در ساختمان‌های لوکوربوزیه منعکس شد.

سررئالیسم- جنبشی جهانی در ادبیات، نقاشی و سینما که در سال 1924 در فرانسه به وجود آمد و رسماً در سال 1969 به وجود خود پایان داد. به شکل گیری آگاهی انسان مدرن کمک زیادی کرد. چهره های اصلی جنبش آندره برتون- نویسنده، رهبر و الهام بخش ایدئولوژیک جنبش، لویی آراگون- یکی از بنیانگذاران سوررئالیسم که بعدها به شکلی عجیب به خواننده کمونیسم تبدیل شد. سالوادور دالی- هنرمند، نظریه پرداز، شاعر، فیلمنامه نویس، که ماهیت جنبش را با این جمله تعریف کرد: "سوررئالیسم من هستم!"، یک سینماگر به شدت سوررئالیست. لوئیس بونوئل، نقاش خوان میرو- "زیباترین پر روی کلاه سورئالیسم"، همانطور که برتون آن را نامیده است، و بسیاری از هنرمندان دیگر در سراسر جهان.

فوویسم(از فرانسوی les fauves - وحشی (حیوانات)) جهت محلی در نقاشی اولیه. قرن بیستم نام F. به عنوان تمسخر به گروهی از هنرمندان جوان پاریسی ( A. Matisse، A. Derain، M. Vlaminck، A. Marquet، E.O. فریز، جی. براک، آ.ش. مانگن، کی وان دونگن) که به طور مشترک در تعدادی از نمایشگاه ها در سال های 1905-1907 شرکت کردند، پس از اولین نمایشگاه خود در سال 1905. این نام توسط خود گروه پذیرفته شد و خود را محکم پشت آن تثبیت کرد. این کارگردانی برنامه، مانیفست یا تئوری مشخصی نداشت و مدت زیادی دوام نیاورد، با این حال، علامت قابل توجهی در تاریخ هنر باقی گذاشت. شرکت کنندگان آن در آن سالها با تمایل به ایجاد تصاویر هنری منحصراً با کمک یک رنگ باز بسیار روشن متحد شدند. توسعه دستاوردهای هنری پست امپرسیونیست ها ( سزان، گوگن، ون گوگفوویست ها با تکیه بر برخی تکنیک های رسمی هنر قرون وسطایی (شیشه های رنگی، هنر رومی) و حکاکی ژاپنی که از زمان امپرسیونیست ها در محافل هنری فرانسه رایج بود، سعی کردند استفاده از امکانات رنگی نقاشی را به حداکثر برسانند.

اکسپرسیونیسم(از بیان فرانسوی - بیانگر) - یک روند مدرنیستی در هنر اروپای غربی، عمدتاً در آلمان، ثلث اول قرن بیستم، که در یک دوره تاریخی خاص - در آستانه جنگ جهانی اول توسعه یافت. اساس ایدئولوژیک اکسپرسیونیسم اعتراضی فردگرایانه به جهان زشت، بیگانگی فزاینده انسان از جهان، احساس غربت، فروپاشی و از هم پاشیدگی آن اصولی بود که به نظر می رسید فرهنگ اروپایی تا این حد بر آن استوار است. اکسپرسیونیست ها به سمت عرفان و بدبینی گرایش دارند. تکنیک های هنری مشخصه اکسپرسیونیسم: طرد فضای توهمی، میل به تفسیر مسطح از اشیاء، تغییر شکل اشیاء، عشق به ناهماهنگی های رنگارنگ تیز، رنگ خاصی که درام آخرالزمانی را مجسم می کند. هنرمندان خلاقیت را راهی برای بیان احساسات می دانستند.

برتری طلبی(از لات. supremus - بالاترین، بالاترین؛ اول؛ آخر، افراطی، ظاهراً از طریق supremacja لهستانی - برتری، برتری) جهت هنر آوانگارد ثلث اول قرن بیستم، خالق، نماینده اصلی و نظریه پرداز که یک هنرمند روسی بود کازیمیر مالویچ. این اصطلاح به خودی خود ماهیت سوپرماتیسم را منعکس نمی کند. در واقع، در درک مالویچ، این یک ویژگی تخمینی است. سوپرماتیسم بالاترین مرحله در رشد هنر در مسیر رهایی از هر چیزی غیر هنری است، در مسیر آشکار شدن نهایی امر غیر عینی به عنوان جوهر هر هنری. از این نظر، مالویچ همچنین هنر زینتی بدوی را سوپرماتیستی (یا «برترین‌مانند») می‌دانست. او برای اولین بار این اصطلاح را برای گروه بزرگی از نقاشی های خود (39 یا بیشتر) که انتزاعات هندسی را به تصویر می کشد، از جمله معروف "مربع سیاه" در زمینه سفید، "صلیب سیاه" و دیگران، که در نمایشگاه آینده پژوهی پتروگراد "صفر-ده" به نمایش گذاشته شده اند، به کار برد. در سال 1915 در پشت این انتزاعات هندسی و مشابه آن بود که نام سوپرماتیسم ضمیمه شد، اگرچه خود مالویچ بسیاری از آثار دهه 20 خود را به آن ارجاع داد که ظاهراً حاوی اشکالی از اشیاء انضمامی، به ویژه پیکره های مردم بود، اما این نام را حفظ کرد. روح برتری طلبی». و در واقع، تحولات نظری متأخر مالویچ زمینه را برای تقلیل سوپرماتیسم (حداقل خود مالویچ) تنها به انتزاعات هندسی نمی دهد، هرچند که البته هسته، جوهر و حتی (سیاه و سفید و سفید و سفید) آن را تشکیل می دهند. سوپرماتیسم) نقاشی را به طور کلی به عنوان شکلی از هنر به مرز وجود خود می رساند، یعنی به صفر تصویری، که فراتر از آن دیگر نقاشی مناسبی وجود ندارد. این مسیر در نیمه دوم قرن با جهت گیری های متعدد در فعالیت های هنری ادامه یافت که قلم مو، رنگ و بوم را رها کرد.

روسی آوانگارددهه 1910 تصویر نسبتاً پیچیده ای را ارائه می دهد. این با تغییر سریع در سبک ها و روندها، فراوانی گروه ها و انجمن های هنرمندان مشخص می شود که هر یک از آنها مفهوم خلاقیت خود را اعلام کردند. چیزی مشابه در نقاشی اروپایی در آغاز قرن اتفاق افتاد. با این حال، اختلاط سبک ها، "به هم ریختگی" جریان ها و جهت ها برای غرب ناشناخته بود، جایی که حرکت به سمت اشکال جدید سازگارتر بود. بسیاری از استادان نسل جوان با سرعتی خارق العاده از سبکی به سبک دیگر، از صحنه به صحنه، از امپرسیونیسم به مدرنیته، سپس به بدوی گرایی، کوبیسم یا اکسپرسیونیسم رفتند و مراحل بسیاری را طی کردند که برای استادان نقاشی فرانسوی یا آلمانی کاملاً غیر معمول بود. . وضعیتی که در نقاشی روسی شکل گرفت تا حد زیادی ناشی از فضای پیش از انقلاب در این کشور بود. او بسیاری از تضادهایی را که در کل هنر اروپایی ذاتی بود تشدید کرد، زیرا. هنرمندان روسی بر روی مدل های اروپایی مطالعه کردند، به خوبی با مکاتب مختلف و گرایش های تصویری آشنا بودند. بنابراین نوعی "انفجار" روسی در زندگی هنری نقشی تاریخی ایفا کرد. تا سال 1913، این هنر روسیه بود که به مرزها و افق های جدیدی رسید. یک پدیده کاملاً جدید از عدم عینیت ظاهر شد - خطی که کوبیست های فرانسوی جرات عبور از آن را نداشتند. یکی یکی از این خط عبور می کنند: کاندینسکی V.V.، Larionov M.F.، Malevich K.S.، Filonov P.N.، Tatlin V.E.

مکعب آینده نگری روند محلی در آوانگارد روسی (در نقاشی و شعر) در اوایل قرن بیستم. در هنرهای تجسمی، مکعب آینده نگری بر اساس بازنگری در یافته های تصویری، کوبیسم، آینده نگری و نئو بدوی گرایی روسی پدید آمد. آثار اصلی در دوره 1911-1915 ایجاد شد. مشخص ترین نقاشی های مکعبی-آینده گرایی از زیر قلم مو K. Malevich بیرون آمد و همچنین توسط Burliuk، Puni، Goncharova، Rozanova، Popova، Udaltsova، Exter نوشته شد. اولین آثار مکعبی-آینده نگر مالویچ در نمایشگاه معروف سال 1913 به نمایش گذاشته شد. "هدف"، که لوشیسم لاریونوف نیز در آن اولین نمایش داده شد. از نظر ظاهری، آثار مکعبی-آینده‌نگر چیزی مشترک با ترکیب‌بندی‌هایی دارند که در همان زمان توسط F. Leger خلق شده‌اند و ترکیب‌هایی نیمه عینی هستند که از فرم‌های رنگی حجمی توخالی استوانه‌ای، مخروطی، مخروطی، لامپ، صدفی شکل، اغلب تشکیل شده‌اند. با براق فلزی قبلاً در اولین چنین آثاری از Malevich، تمایل قابل توجهی برای حرکت از ریتم طبیعی به ریتم های صرفاً مکانیکی دنیای ماشین وجود دارد (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait of Klyun, 1913).

نئوپلاستیسیزم- یکی از قدیمی ترین انواع هنر انتزاعی. این اثر در سال 1917 توسط نقاش هلندی پی موندریان و دیگر هنرمندانی که بخشی از انجمن سبک بودند خلق شد. به گفته سازندگان آن، نئوپلاستیکیسم با میل به "هماهنگی جهانی" مشخص می شود که در ترکیبات کاملاً متعادلی از اشکال مستطیلی بزرگ بیان می شود که به وضوح با خطوط مشکی عمود بر هم جدا شده اند و با رنگ های محلی طیف اصلی (با افزودن رنگ های سفید و رنگ آمیزی شده اند) مشخص می شود. تن های خاکستری). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) این اصطلاح در قرن بیستم در هلند ظاهر شد. پیت موندریاناو مفاهیم پلاستیکی خود را تعریف کرد و توسط گروه و مجله "Style" ("De Stiji") که در سال 1917 در لیدن تأسیس شد، سیستماتیک و از آنها دفاع کرد. ویژگی اصلی نئوپلاستیکیسم استفاده دقیق از ابزارهای بیانی بود. نئوپلاستیسیزم تنها به خطوط افقی و عمودی اجازه می دهد تا شکل بگیرند. عبور از خطوط در زوایای قائم اولین اصل است. در حدود سال 1920، دومی به آن اضافه شد، که با حذف سکته مغزی و تاکید بر هواپیما، رنگ ها را به قرمز، آبی و زرد محدود می کند، یعنی. سه رنگ اصلی خالص که فقط سفید و سیاه را می توان به آن اضافه کرد. نئوپلاستیسیسم به کمک این سختگیری قصد داشت از فردیت فراتر رود تا به جهان گرایی دست یابد و در نتیجه تصویر جدیدی از جهان خلق کند.

"تعمید" رسمی اورفیسمدر سال 1913 در Salon des Indépendants اتفاق افتاد. بنابراین راجر آلارد منتقد در گزارش خود در مورد سالن نوشت: "... برای مورخان آینده متذکر می شویم که در سال 1913 مکتب جدیدی از اورفیسم متولد شد..." ("La Cote" پاریس 19 مارس 1913). آندره وارنو، منتقد دیگری نیز او را تکرار کرد: "سالن 1913 با تولد مدرسه جدیدی از مکتب اورفیک مشخص شد" ("Comoedia" پاریس 18 مارس 1913). سرانجام گیوم آپولینراین جمله را با فریاد زدن، نه بدون غرور، تقویت کرد: «این اورفیسم است. در اینجا، برای اولین بار، این روند، که من پیش بینی کرده بودم، ظاهر شد» («Montjoie!» پاریس مکمل 18 مارس 1913). در واقع، این اصطلاح اختراع شد آپولینر(Orphism as a Cult of Orpheus) و اولین بار در طی یک سخنرانی در مورد نقاشی مدرن به طور عمومی اعلام شد و در اکتبر 1912 خوانده شد. منظور او چه بود؟ به نظر می رسد که او خودش آن را نمی داند. علاوه بر این، او نمی دانست چگونه مرزهای این جهت جدید را مشخص کند. در واقع سردرگمی که تا به امروز وجود دارد به این دلیل بود که آپولینر به طور ناخودآگاه دو مشکل را که البته به هم مرتبط بودند اشتباه گرفت، اما قبل از تلاش برای اتصال آنها باید بر تفاوت آنها تأکید می کرد. از یک طرف خلقت دلونيبیان تصویری به معنای کاملاً مبتنی بر رنگ و از سوی دیگر، گسترش کوبیسم از طریق ظهور چندین جهت مختلف است. پس از وقفه ای با ماری لورنسین در پایان تابستان 1912، آپولینر از خانواده دلونای پناه گرفت، خانواده ای که او را با درک دوستانه در کارگاه خود در خیابان گراند آگوستین پذیرفتند. درست در تابستان امسال، رابرت دلون و همسرش تحول زیبایی شناختی عمیقی را تجربه کردند که منجر به آنچه او بعدها آن را «دوره ویرانگر» نقاشی نامید، صرفاً بر اساس ویژگی‌های سازنده و مکانی-زمانی تضادهای رنگی شد.

پست مدرنیسم (پست مدرن، پست آوانگارد) -

(از لات. post "after" و مدرنیسم)، نام جمعی برای روندهای هنری که به ویژه در دهه 1960 مشخص شد و با تجدید نظر اساسی در موقعیت مدرنیسم و ​​آوانگارد مشخص می شود.

اکسپرسیونیسم انتزاعیمرحله پس از جنگ (اواخر دهه 40 - 50 قرن بیستم) در توسعه هنر انتزاعی. خود این اصطلاح در دهه 1920 توسط یک منتقد هنری آلمانی معرفی شد ای. فون سیدو (E. von Sydow) برای اشاره به جنبه های خاصی از هنر اکسپرسیونیستی. در سال 1929، بار آمریکایی از آن برای توصیف آثار اولیه کاندینسکی استفاده کرد و در سال 1947 آثار را "انتزاعی-اکسپرسیونیستی" نامید. ویلم دی کونینگو پولاک. از آن زمان، مفهوم اکسپرسیونیسم انتزاعی در پشت زمینه نسبتاً گسترده، سبک و تکنیکی متنوع نقاشی انتزاعی (و بعداً مجسمه سازی) تثبیت شد که در دهه 50 به سرعت توسعه یافت. در ایالات متحده آمریکا، در اروپا و سپس در سراسر جهان. اجداد مستقیم اکسپرسیونیسم انتزاعی را اولین ها می دانند کاندینسکیاکسپرسیونیست ها، اورفیست ها، تا حدی دادائیست ها و سوررئالیست ها با اصل خودکارسازی ذهنی خود. اساس فلسفی و زیبایی‌شناختی اکسپرسیونیسم انتزاعی عمدتاً فلسفه اگزیستانسیالیسم بود که در دوره پس از جنگ رایج بود.

آماده(انگلیسی آماده - آماده) این اصطلاح برای اولین بار توسط هنرمند وارد فرهنگ لغت تاریخ هنر شد. مارسل دوشانآثار خود را که اشیای استفاده سودمند هستند، از محیط کارکرد عادی خود حذف کرده و بدون هیچ تغییری در نمایشگاه هنری به عنوان آثار هنری به نمایش گذاشته شوند. Ready-Made ادعا کرد که نگاه جدیدی به چیز و چیز دارد. ابژه ای که از انجام کارکردهای فایده گرایانه خود باز ماند و در متن فضای هنر گنجانده شد، یعنی به ابژه تأملی غیر فایده گرایانه تبدیل شد، شروع به آشکار ساختن معانی جدید و حرکت های تداعی کرد که چه برای هنر سنتی و چه برای هنر سنتی ناشناخته بود. حوزه روزمره- فایده گرایانه وجود. مسئله نسبیت امر زیبایی شناسی و فایده گرایی به شدت مطرح شد. اولین آماده دوشاندر سال 1913 در نیویورک به نمایش گذاشته شد. بدنام ترین آنها آماده خدمتکار او است. فولاد "چرخ از دوچرخه" (1913)، "خشک کن بطری" (1914)، "چشمه" (1917) - به این ترتیب یک ادرار معمولی تعیین شد.

هنر پاپ.پس از جنگ جهانی دوم، یک قشر اجتماعی بزرگ از مردم در آمریکا شکل گرفت که پول کافی برای خرید کالاهایی که برایشان اهمیت خاصی نداشت، به دست آوردند. به عنوان مثال، مصرف کالاها: کوکاکولا یا شلوار جین لیوایز به یک ویژگی مهم این جامعه تبدیل می شود. فردی که از این یا آن محصول استفاده می کند، تعلق خود را به یک قشر اجتماعی خاص نشان می دهد. فرهنگ توده ای کنونی شکل گرفت. چیزها به نمادها، کلیشه ها تبدیل شدند. هنر پاپ لزوماً از کلیشه ها و نمادها استفاده می کند. هنر پاپ(پاپ آرت) جست و جوی خلاقانه آمریکایی های جدید را که بر اصول خلاقانه دوشان تکیه می کرد، مجسم کرد. آی تی: جاسپر جانز، کی اولدنبرگ، اندی وارهول، و دیگران. هنر پاپ اهمیت فرهنگ توده ای را به خود می گیرد، بنابراین جای تعجب نیست که شکل گرفت و به یک جنبش هنری در آمریکا تبدیل شد. متحدان آنها: هملتون آر، تن چینبه عنوان مرجع انتخاب شده است کورت شویترز. هنر پاپ با یک اثر مشخص می شود - توهم یک بازی که ماهیت شی را توضیح می دهد. مثال: پای ک. اولدنبورگبه طرق مختلف به تصویر کشیده شده است. یک هنرمند ممکن است یک کیک را به تصویر نکشد، اما توهمات را از بین ببرد، نشان دهد که یک شخص واقعی می بیند. R. Rauschenberg نیز اصیل است: او عکس‌های مختلفی را روی بوم چسباند، آنها را طرح‌ریزی کرد و چند حیوان عروسکی را به کار چسباند. یکی از کارهای معروف او جوجه تیغی پر شده است. همچنین نقاشی او به خوبی شناخته شده است، جایی که او از عکس های کندی استفاده کرد.

بدوی گرایی (هنر ساده لوحانه). این مفهوم به چند معنا به کار می رود و در واقع با مفهوم یکسان است "هنر بدوی". در زبان های مختلف و توسط دانشمندان مختلف، این مفاهیم بیشتر برای اشاره به طیف یکسانی از پدیده ها در فرهنگ هنری استفاده می شود. در زبان روسی (و همچنین در برخی دیگر)، اصطلاح "ابتدایی" معنایی منفی دارد. بنابراین، بهتر است بر روی مفهوم تمرکز کنیم هنر ساده لوحانه. در گسترده‌ترین مفهوم، این به هنرهای زیبا اشاره دارد که با سادگی (یا ساده‌سازی)، وضوح و بی‌واسطگی صوری زبان تصویری و بیانی مشخص می‌شود، که با کمک آن بینش خاصی از جهان که تحت فشار قراردادهای تمدنی نیست بیان می‌شود. . این مفهوم در فرهنگ جدید اروپایی قرن های گذشته ظاهر شد، بنابراین منعکس کننده موقعیت ها و ایده های حرفه ای این فرهنگ است که خود را بالاترین مرحله توسعه می دانست. از این مواضع، هنر ساده لوح به معنای هنر باستانی مردمان باستان (قبل از مصر یا قبل از تمدن های یونان باستان)، برای مثال، هنر بدوی نیز فهمیده می شود. هنر مردمانی که در توسعه فرهنگی و تمدنی خود به تعویق افتادند (جمعیت بومی آفریقا، اقیانوسیه، سرخپوستان آمریکا). هنر آماتور و غیر حرفه ای در وسیع ترین مقیاس (به عنوان مثال، نقاشی های دیواری معروف قرون وسطایی کاتالونیا یا هنر غیر حرفه ای اولین مهاجران آمریکایی از اروپا). بسیاری از آثار به اصطلاح "گوتیک بین المللی"؛ هنر عامیانه؛ سرانجام هنر هنرمندان بدوی با استعداد قرن بیستم که آموزش هنری حرفه ای دریافت نکردند، اما موهبت خلاقیت هنری را در خود احساس کردند و خود را وقف تحقق مستقل آن در هنر کردند. برخی از آنها (فرانسوی A. Russo، K. Bombois، گرجی ن.پیروسمانیشویلی، کرواسی I. Generalich، آمریکایی صبح. رابرتسونشاهکارهای هنری واقعی را خلق کرده اند که بخشی از گنجینه هنر جهانی شده است. از سوی دیگر به کار بیماران روانی. با این حال، در اصل با هر دو تفاوت دارد. نزدیکترین چیز از نظر جهان بینی به هنر کودکان، هنر ساده لوح مردمان باستانی و بومیان اقیانوسیه و آفریقا است. تفاوت اساسی آن با هنر کودکان در تقدس عمیق، سنت گرایی و متعارف بودن آن نهفته است.

هیچ هنری(Net Art - از انگلیسی net - network, art - art) جدیدترین شکل هنر، شیوه های هنری مدرن، در حال توسعه در شبکه های کامپیوتری، به ویژه، در اینترنت. محققان آن در روسیه که در توسعه آن مشارکت دارند، O. Lyalina، A. Shulgin، معتقدند که ماهیت Net-Art به ایجاد فضاهای ارتباطی و خلاقانه در وب برمی‌گردد که آزادی کامل وجود شبکه را برای همه فراهم می‌کند. بنابراین، جوهر Net-art. نه بازنمایی، بلکه ارتباط، و واحد هنری اصلی آن یک پیام الکترونیکی است. حداقل سه مرحله در توسعه Net-art وجود دارد که در دهه 80 و 90 به وجود آمد. قرن بیستم اولین مورد زمانی بود که هنرمندان مشتاق وب تصاویری از حروف و نمادهای موجود در صفحه کلید رایانه ایجاد کردند. مورد دوم زمانی شروع شد که هنرمندان زیرزمینی و فقط همه کسانی که می خواستند چیزی از کار خود را نشان دهند به اینترنت آمدند.

OP-ART(eng. Op-art - نسخه کوتاه شده هنر نوری - هنر نوری) - یک جنبش هنری نیمه دوم قرن بیستم با استفاده از توهمات بصری مختلف بر اساس ویژگی های ادراک چهره های مسطح و فضایی. جریان، خط خردگرایانه تکنیک گرایی (مدرنیسم) را ادامه می دهد. به انتزاع گرایی به اصطلاح «هندسی» برمی گردد که نماینده آن بود V. Vasarely(از 1930 تا 1997 او در فرانسه کار کرد) - بنیانگذار op art. امکانات Op-art تا حدی در گرافیک صنعتی، پوستر و هنر طراحی کاربرد پیدا کرده است. جهت اپ آرت (هنر نوری) در دهه 50 در انتزاع گرایی سرچشمه گرفت، اگرچه این بار از تنوع متفاوتی برخوردار بود - انتزاع هندسی. توزیع آن به عنوان یک جریان به دهه 60 برمی گردد. قرن بیستم

گرافیتی(گرافیتی - در باستان شناسی، هر گونه نقاشی یا حروف خراشیده شده بر روی هر سطحی، از graffiare ایتالیایی - خراش) این نام آثار خرده فرهنگ است که عمدتاً تصاویری با فرمت بزرگ بر روی دیوارهای ساختمان های عمومی، سازه ها، حمل و نقل است که با استفاده از انواع مختلف ساخته شده است. انواع تفنگ های اسپری، قوطی های رنگ آئروسل. از این رو نام دیگر "هنر اسپری" - Spray-art. منشا آن با ظاهر انبوه گرافیتی مرتبط است. در دهه 70 در واگن‌های متروی نیویورک، و سپس روی دیوارهای ساختمان‌های عمومی، پرده‌ها را ذخیره کنید. اولین نویسندگان گرافیتی اکثراً هنرمندان جوان بیکار از اقلیت های قومی ، عمدتاً پورتوریکویی ها وجود داشتند ، بنابراین ، در اولین گرافیتی ، برخی از ویژگی های سبکی هنر عامیانه آمریکای لاتین ظاهر شد و نویسندگان آنها به دلیل ظاهر شدن آنها بر روی سطوحی که برای این کار در نظر گرفته نشده بود ، اعتراض کردند. موقعیت ناتوان با آغاز دهه 80. یک روند کلی از استادان تقریباً حرفه ای G. تشکیل شد. نام واقعی آنها که قبلاً تحت نام مستعار پنهان شده بود ، شناخته شد ( CRASH، NOC 167، FUTURA 2000، LEE، SEEN، DAZE). برخی از آنها تکنیک خود را به بوم منتقل کردند و شروع به نمایش در گالری های نیویورک کردند و به زودی گرافیتی در اروپا ظاهر شد.

هایپررئالیسم(هایپررئالیسم - انگلیسی)، یا فوتورئالیسم (فوتورئالیسم - انگلیسی) - هنرمند. حرکت در نقاشی و مجسمه سازی، بر اساس عکاسی، بازتولید واقعیت. هایپررئالیسم هم در عمل و هم در جهت گیری های زیبایی شناختی اش به ناتورالیسم و ​​پراگماتیسم به هنر پاپ نزدیک است. آنها در درجه اول با بازگشت به فیگوراتیویت متحد می شوند. به عنوان نقطه مقابل مفهوم گرایی عمل می کند که نه تنها بازنمایی را شکست، بلکه اصل تحقق مادی هنر را نیز زیر سوال برد. مفهوم

هنر زمین(از هنر زمین انگلیسی - هنر خاکی)، جهتی در هنر یک سوم آخرXXقرن، بر اساس استفاده از منظره واقعی به عنوان ماده و شی اصلی هنری. هنرمندان سنگرها را حفر می کنند ، انبوه سنگ های عجیب و غریب ایجاد می کنند ، سنگ ها را نقاشی می کنند ، مکان های معمولاً متروک را برای اقدامات خود انتخاب می کنند - مناظر بکر و وحشی ، از این طریق ، همانطور که بود ، در تلاش برای بازگرداندن هنر به طبیعت هستند. با تشکر از او<первобытному>از نظر ظاهری، بسیاری از اقدامات و اشیاء از این دست به باستان شناسی و همچنین به هنر عکس نزدیک است، زیرا اکثریت مردم فقط می توانند آنها را در مجموعه ای از عکس ها بررسی کنند. به نظر می رسد که ما باید با یک وحشیگری دیگر در زبان روسی کنار بیاییم. نمی‌دانم این اصطلاح تصادفی است یا نه<лэнд-арт>در پایان ظاهر شددهه 60 در زمانی که در جوامع توسعه یافته روح سرکش بدنه دانشجویی نیروهای خود را به سمت براندازی ارزش های تثبیت شده هدایت می کرد.

مینیمالیسم(هنر حداقل - انگلیسی: حداقل هنر) - هنرمند. جریان ناشی از تغییر حداقل مواد مورد استفاده در فرآیند خلاقیت، سادگی و یکنواختی فرم ها، تک رنگ، خلاقانه. خویشتن داری هنرمند مینیمالیسم با رد ذهنیت، بازنمایی، توهم گرایی مشخص می شود. رد کلاسیک خلاقیت و سنت هنری مواد، مینیمالیست ها از مواد صنعتی و طبیعی هندسی ساده استفاده می کنند. از اشکال و رنگ های خنثی (مشکی، خاکستری)، حجم های کم، سریال، روش های نوار نقاله تولید صنعتی استفاده می شود. یک مصنوع در مفهوم مینیمالیستی خلاقیت، نتیجه از پیش تعیین شده فرآیند تولید آن است. مینیمالیسم پس از دریافت کامل ترین پیشرفت در نقاشی و مجسمه سازی، به معنای گسترده ای به عنوان اقتصاد هنرمند تعبیر می شود. وجوه، در اشکال دیگر هنر، در درجه اول تئاتر و سینما کاربرد پیدا کرد.

مینیمالیسم در ایالات متحده در ترانس سرچشمه گرفت. کف. دهه 60 خاستگاه آن در ساخت گرایی، سوپرماتیسم، دادائیسم، انتزاع گرایی، عامر فرمالیستی است. نقاشی دهه 1950، هنر پاپ. مستقیم پیش درآمد مینیمالیسم یک عامر است. نقاش اف. استلا، که در سال های 1959-1960 مجموعه ای از "نقاشی های سیاه" را ارائه کرد که در آن خطوط مستقیم منظم غالب بود. اولین آثار مینیمالیستی در سالهای 1962-1963 ظاهر شد. اصطلاح "مینیمالیسم". متعلق به R. Walheim است که آن را در رابطه با تحلیل خلاقیت معرفی می کند ام. دوشانو هنرمندان پاپ، دخالت هنرمند در محیط را به حداقل می رساند. مترادف های آن عبارتند از «هنر باحال»، «هنر ABC»، «هنر سریال»، «ساختارهای اولیه»، «هنر به مثابه فرآیند»، «هنر سیستماتیک». رنگ آمیزی". در میان نماینده ترین مینیمالیست ها می توان به − سی آندره، ام. بوشنر، د ماریا، دی. فلاوین. اس. لو ویت، آر. منگولد، بی. ماردن، آر. موریس، آر. رایمن. آنها با تمایل به جا دادن مصنوع در محیط، برای شکست دادن بافت طبیعی مواد متحد شده اند. دی. جیدآن را به عنوان "خاص. شی»، متفاوت از نمونه کلاسیک. پلاستیک کار می کند هنرها نورپردازی مستقل به عنوان راهی برای خلق هنر مینیمالیستی نقش دارد. موقعیت ها، راه حل های فضایی اصلی؛ از روش های رایانه ای برای خلق آثار استفاده می شود.