Tema antiguo en el arte ruso del siglo XX. Bellas artes rusas del siglo XX. Las direcciones principales de la pintura rusa del siglo XX.

Esta vez se considera el pináculo de la pintura rusa y la introducción del realismo en ella. Los fenómenos sociales y las revoluciones del país tuvieron una especial influencia en el arte. Ya había censura y crítica en la pintura. Las autoridades de la época dejaron una huella significativa en el trabajo de los pintores. Casi todos los artistas domésticos estaban obligados a pintar al menos un cuadro dedicado a la nueva política y al nuevo orden social.

Las direcciones principales de la pintura rusa del siglo XX.

En el período del siglo XX, marcó el final del realismo ruso en la pintura y el comienzo del soviético o socialista. Se considera especial la época de la Gran Guerra, que se distinguió por el movimiento unido del partido y el pueblo. Las pinturas militares causaron sensación y son relevantes en el período actual. La corriente socialista del género del paisaje fue la menos afectada.

vanguardia rusa

La palabra "vanguardia" significa innovación, movimiento avanzado. La vanguardia doméstica combina las corrientes radicales de la pintura. En un principio se le llamó modernismo, arte nuevo, abstraccionismo y otros nombres. Los primeros atisbos en la dirección aparecieron en los años anteriores a la guerra. La vanguardia rusa combina momentos como el rechazo absoluto del pasado en la cultura y la unificación de los procesos de destrucción y creación. En la pintura hay lugar al mismo tiempo para la agresión, el deseo de destruir los viejos valores artísticos y la creación de algo completamente diferente.

En esta dirección, en primer lugar, vale la pena destacar a Wassily Kandinsky, quien pintó las pinturas "Vida colorida", "Canción del Volga", "Óvalo blanco", "Moscú". Cuadrado rojo". Las vanguardias también incluyen a Kazimir Malevich, quien es un representante del supermatismo, uno de los movimientos de vanguardia. Esta corriente caracteriza la etapa final del arte, la ausencia de objetos. Empezaron a hablar de él tras la aparición de lienzos con abstracciones geométricas.

realismo socialista

Después de que se produjera la revolución y se produjeran muchas convulsiones y cambios, comenzó un nuevo período y una nueva dirección en las artes visuales. Correspondía a esa época y se llamó realismo socialista. Esto fue exigido por el gobierno y el pueblo. El realismo socialista se distinguió por la presencia del heroísmo, expresó líderes, personas, eventos, la verdad del partido, y no la visión del artista mismo. La sociedad totalitaria ha cambiado la pintura rusa más allá del reconocimiento. Consistía principalmente en pinturas dedicadas a los acontecimientos históricos de esa época, los héroes y líderes del estado, así como la vida cotidiana de un simple trabajador.

Muchos lo llamaron "estilo severo", porque no había ilusiones, conjeturas, descuidos infantiles. Solo la verdad despiadada se mostraba en los lienzos. El heroísmo de esa época residía en la tensión interna y los esfuerzos del líder. En el realismo socialista, el trabajo era una vocación y los héroes eran pioneros y constructores. Al final del siglo, junto con el colapso de la cultura soviética, llega una nueva dirección en la pintura rusa.

posmodernismo

Una nueva dirección en la pintura rusa vino a reemplazar al modernismo, que no estaba del todo claro en la sociedad. El posmodernismo se caracteriza por las imágenes fotográficas. La pintura está lo más cerca posible del aspecto original. El estilo se distingue por características tipológicas. En primer lugar, la forma terminada. Los pintores usan imágenes clásicas, pero las interpretan de una manera nueva, dan exclusividad. Muy a menudo, los representantes del posmodernismo combinan formas de varias direcciones, dando una ligera ironía a la imagen y algún tipo de secundaria.

Otra característica de la dirección es la falta de reglas. En el posmodernismo, el artista tiene control total sobre la elección de formas y modos de representar su pintura. Una cierta libertad dio un nuevo aliento al arte en general. Hubo instalaciones de arte y performances. El posmodernismo en la pintura también se caracteriza por la ausencia de técnicas claras y una popularidad global general. El apogeo de esta dirección llegó en los años 90 del siglo XX. Los representantes más destacados son los siguientes artistas: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

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Arte ruso de finales del siglo XIX y principios del XX

Introducción

Cuadro

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentín Alexandrovich Serov

Mijaíl Alexandrovich Vrubel

"Mundo del Arte"

"Unión de Artistas Rusos"

"Jota de diamantes"

"Unión juvenil"

Arquitectura

Escultura

Bibliografía

Introducción

La cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX es un período complejo y controvertido en el desarrollo de la sociedad rusa. La cultura del cambio de siglo siempre contiene elementos de una era de transición, que incluye las tradiciones de la cultura del pasado y las tendencias innovadoras de una nueva cultura emergente. Hay una transferencia de tradiciones y no solo una transferencia, sino el surgimiento de otras nuevas, todo esto está conectado con el proceso turbulento de búsqueda de nuevas formas de desarrollar la cultura, corregido por el desarrollo social de esta época. El cambio de siglo en Rusia es un período de grandes cambios que se gestan, un cambio en el sistema estatal, un cambio de la cultura clásica del siglo XIX a la nueva cultura del siglo XX. La búsqueda de nuevas formas de desarrollar la cultura rusa está asociada con la asimilación de tendencias progresistas en la cultura occidental. La diversidad de direcciones y escuelas es una característica de la cultura rusa de principios de siglo. Las tendencias occidentales se entrelazan y complementan con las modernas, llenas de contenido específicamente ruso. Una característica de la cultura de este período es su orientación hacia la comprensión filosófica de la vida, la necesidad de construir una imagen holística del mundo, donde el arte, junto con la ciencia, juega un papel muy importante. El foco de la cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX fue una persona que se convierte en una especie de vínculo de conexión en la variopinta variedad de escuelas y áreas de la ciencia y el arte, por un lado, y una especie de punto de partida para analizar todo. los más diversos artefactos culturales, por el otro. De ahí el poderoso fundamento filosófico que subyace en la cultura rusa de principios de siglo.

Destacando las prioridades más importantes en el desarrollo de la cultura rusa de finales del siglo XIX y principios del XX, no se pueden ignorar sus características más importantes. El final del siglo XIX - el comienzo del siglo XX en la historia de la cultura rusa generalmente se llama el Renacimiento ruso o, en comparación con la edad de oro de Pushkin, la edad de plata de la cultura rusa.

Con el cambio de siglo se desarrolló un estilo que afectó a todas las artes plásticas, comenzando principalmente con la arquitectura (en la que dominó durante mucho tiempo el eclecticismo) y terminando con la gráfica, lo que se denominó estilo Art Nouveau. Este fenómeno no es inequívoco, en la modernidad también hay pretensiones decadentes, pretensiones, diseñadas principalmente para gustos burgueses, pero también hay un deseo de unidad de estilo que es significativo en sí mismo. El estilo Art Nouveau es una nueva etapa en la síntesis de la arquitectura, la pintura y las artes decorativas.

En las artes visuales, el Art Nouveau se mostró: en la escultura, por la fluidez de las formas, la especial expresividad de la silueta, el dinamismo de las composiciones; en la pintura: el simbolismo de las imágenes, la adicción a las alegorías. simbolismo moderno vanguardista plata

Los simbolistas rusos jugaron un papel importante en el desarrollo de la estética de la Edad de Plata. El simbolismo como fenómeno en la literatura y el arte apareció por primera vez en Francia en el último cuarto del siglo XIX y, a fines del siglo, se había extendido a la mayor parte de Europa. Pero después de Francia, es en Rusia donde el simbolismo se realiza como el fenómeno cultural más grande, significativo y original. El simbolismo ruso al principio tenía básicamente los mismos requisitos previos que el simbolismo occidental: "una crisis de una cosmovisión y moralidad positivas". El principio principal de los simbolistas rusos es la estetización de la vida y el deseo de diversas formas de sustitución de la estética por la lógica y la moralidad. En primer lugar, el simbolismo ruso se caracteriza por la demarcación con las tradiciones de los "años sesenta" revolucionarios y democráticos y el populismo, con la ideologización del ateísmo, el utilitarismo. Según los simbolistas rusos, corresponden a los principios del arte "puro", libre.

Otro fenómeno llamativo de la Edad de Plata que ha adquirido trascendencia mundial es el arte y la estética de las vanguardias. En el espacio de las áreas de conciencia estética ya enumeradas, los artistas de vanguardia se distinguieron por un carácter enfáticamente rebelde. Percibieron la crisis de la cultura clásica, el arte, la religión, la sociabilidad, el estado con deleite como una muerte natural, la destrucción de lo viejo, obsoleto, irrelevante, y se dieron cuenta de sí mismos como revolucionarios, destructores y sepultureros de "toda chatarra" y creadores de todo nuevo, en general, una nueva raza emergente. Las ideas de Nietzsche sobre el superhombre, desarrolladas por P. Uspensky, fueron tomadas literalmente por muchos artistas de vanguardia y probadas, especialmente por los futuristas, por sí mismos.

De ahí la rebeldía y la extravagancia, el deseo de todo lo fundamentalmente nuevo en los medios de expresión artística, en los principios de acercamiento al arte, la tendencia a expandir los límites del arte hasta que cobra vida, pero sobre principios completamente diferentes a los de los representantes. de la estética teúrgica. La vida para las vanguardias de los años 10. siglo 20 - esto es, ante todo, una revuelta revolucionaria, una revuelta anarquista. El absurdo, el caos, la anarquía se comprenden por primera vez como sinónimos de modernidad y precisamente como principios creativamente positivos basados ​​en la negación total del principio racional en el arte y el culto a lo irracional, intuitivo, inconsciente, sin sentido, abstruso, informe, etc. . Las direcciones principales de la vanguardia rusa fueron: abstraccionismo (Vasily Kandinsky), suprematismo (Kazimir Malevich), constructivismo (Vladimir Tatlin), cubofuturismo (cubismo, futurismo) (Vladimir Mayakovsky).

Cuadro

Para los pintores del cambio de siglo, son características otras formas de expresión que las de los Wanderers, otras formas de creatividad artística, en imágenes que son contradictorias, complicadas y reflejan la modernidad sin ilustratividad ni narrativa. Los artistas buscan dolorosamente la armonía y la belleza en un mundo que es fundamentalmente ajeno tanto a la armonía como a la belleza. Por eso muchos vieron su misión en cultivar el sentido de la belleza. Este tiempo de "vísperas", la expectativa de cambios en la vida pública, dio lugar a muchas tendencias, asociaciones, agrupaciones, un choque de cosmovisiones y gustos diferentes. Pero también dio lugar al universalismo de toda una generación de artistas que surgieron después de los Wanderers "clásicos".

Lecciones impresionistas en pintura al aire libre, la composición de "encuadres aleatorios", una forma pictórica amplia y libre: todo esto es el resultado de la evolución en el desarrollo de los medios pictóricos en todos los géneros del cambio de siglo. En busca de "belleza y armonía", los artistas se prueban a sí mismos en una variedad de técnicas y formas de arte, desde pintura monumental y escenografía teatral hasta diseño de libros y artes y oficios.

La pintura de género se desarrolló en la década de 1990, pero se desarrolló de manera algo diferente que en el movimiento errante "clásico" de las décadas de 1970 y 1980. Así, el tema campesino se revela de una manera nueva. S. A. Korovin (1858-1908) describe la división en la comunidad rural en la pintura "Sobre el mundo" (1893).

En el cambio de siglo, se perfila un camino un tanto peculiar en el tema histórico. Entonces, por ejemplo, A.P. Ryabushkin (1861-1904) trabaja más en el género histórico que en el género puramente histórico. “Mujeres rusas del siglo XVII en la iglesia” (1899), “Tren nupcial en Moscú. Siglo XVII ”(1901): estas son escenas cotidianas de la vida de Moscú en el siglo XVII. La estilización de Ryabushkin se refleja en la planitud de la imagen, en un sistema especial de ritmo plástico y lineal, en el esquema de color construido sobre colores principales brillantes, en la solución decorativa general. Ryabushkin introduce audazmente los colores locales en el paisaje al aire libre, por ejemplo, en "The Wedding Train ...": el color rojo del vagón, grandes manchas de ropa festiva contra el fondo de edificios oscuros y nieve, dado, sin embargo, en los matices de color más finos. El paisaje siempre transmite poéticamente la belleza de la naturaleza rusa.

F. A. Malyavin (1869-1940) creó un nuevo tipo de pintura, en el que las tradiciones artísticas del folclore se dominan de una manera completamente especial y se traducen al lenguaje del arte moderno. Sus imágenes de "mujeres" y "niñas" tienen un cierto significado simbólico - suelo saludable Rusia Sus pinturas son siempre expresivas, y aunque estas son, por regla general, obras de caballete, reciben una interpretación monumental y decorativa bajo el pincel del artista. "Risas" (1899, Museo de Arte Moderno, Venecia) , "Torbellino" (1906) es una imagen realista de niñas campesinas, que se ríen a carcajadas o se precipitan incontrolablemente en un baile circular, pero este realismo es diferente al de la segunda mitad del siglo.

M. V. Nesterov (1862-1942) aborda el tema de la antigua Rus, pero la imagen de la Rus aparece en las pinturas del artista como una especie de mundo ideal, casi encantado, en armonía con la naturaleza, pero desapareció para siempre como la legendaria ciudad de Kitezh. . Este agudo sentido de la naturaleza, delicia en el mundo, frente a cada árbol y brizna de hierba, se manifiesta especialmente en una de las obras más famosas de Nesterov del período prerrevolucionario: "La visión del joven Bartolomé" (1889-1890, ). En la revelación de la trama de la imagen, existen las mismas características estilísticas que las de Ryabushkin, pero invariablemente se expresa un sentido profundamente lírico de la belleza de la naturaleza, a través del cual la alta espiritualidad de los personajes, su iluminación, su alienación de se transmite el alboroto mundano.

MV Nesterov hizo mucha pintura monumental religiosa. Los murales siempre están dedicados al antiguo tema ruso (por ejemplo, en Georgia, a Alexander Nevsky). En las pinturas murales de Nesterov, se observan muchos signos reales, especialmente en el paisaje, las características del retrato, en la imagen de los santos. En el esfuerzo del artista por una interpretación plana de la composición de la elegancia, la ornamentación, la sofisticación refinada de los ritmos plásticos, se manifestó una influencia indudable del Art Nouveau.

El género paisajístico en sí mismo se desarrolla a finales del siglo XIX también de una manera nueva. Levitan, de hecho, completó la búsqueda de los Wanderers en el paisaje. Una nueva palabra en el cambio de siglo iba a ser dicha por K.A. Korovin, VA Serov y M. A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Para el brillante colorista Korovin, el mundo aparece como un "disturbio de colores". Generosamente dotado por la naturaleza, Korovin se dedicó tanto al retrato como a la naturaleza muerta, pero no sería un error decir que el paisaje siguió siendo su género favorito. Trajo al arte las fuertes tradiciones realistas de sus maestros de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, Savrasov y Polenov, pero tiene una visión diferente del mundo, establece otras tareas. Comenzó a pintar en plein air temprano, ya en el retrato de una corista en 1883, se puede ver su desarrollo independiente de los principios del plein airismo, incorporado luego en una serie de retratos realizados en la finca de S. Mamontov en Abramtsevo ("En el barco", retrato de T.S. Lyubatovich, etc.), en los paisajes del norte, ejecutado durante la expedición de S. Mamontov al norte ("Invierno en Laponia"). Sus paisajes franceses, unidos por el nombre de "Luces de París", son ya una pintura completamente impresionista, con su más alta cultura de estudio. Impresiones nítidas e instantáneas de la vida de una gran ciudad: calles tranquilas en diferentes momentos del día, objetos disueltos en un ambiente de aire ligero, moldeados por un trazo dinámico, "tembloroso", vibrante, una corriente de trazos que crean el ilusión de un velo de lluvia o aire de la ciudad saturado con miles de vapores diferentes, características que recuerdan los paisajes de Manet, Pissarro, Monet. Korovin es temperamental, emocional, impulsivo, teatral, de ahí el brillo brillante y la euforia romántica de sus paisajes ("Paris. Capuchin Boulevard", 1906, State Tretyakov Gallery; "Paris at night. Italian Boulevard", 1908,). Korovin conserva las mismas características de estudio impresionista, maestro pictórico, sorprendente maestría en todos los demás géneros, principalmente en retratos y bodegones, pero también en paneles decorativos, en artes aplicadas, en escenarios teatrales, en los que se dedicó toda su vida (Retrato de Chaliapin, 1911, Museo Ruso; "Pescado, vino y frutas" 1916, Galería Estatal Tretyakov).

El generoso don de Korovin para la pintura se manifestó brillantemente en la pintura teatral y decorativa. Como pintor teatral, trabajó para el Teatro Abramtsevo (y Mamontov fue quizás el primero en apreciarlo como artista teatral), para el Teatro de Arte de Moscú, para la Ópera Rusa Privada de Moscú, donde comenzó su amistad de por vida con Chaliapin, por la empresa Diaghilev. Korovin elevó la escenografía teatral y la importancia del artista en el teatro a un nuevo nivel, hizo toda una revolución en la comprensión del papel del artista en el teatro y tuvo una gran influencia en sus contemporáneos con su colorida y "espectacular" escenografía. , revelando la esencia misma de la interpretación musical.

Valentín Alexandrovich Serov

Uno de los artistas más grandes, un innovador de la pintura rusa de principios de siglo, fue Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Serov se crió entre figuras destacadas de la cultura musical rusa (su padre es un compositor famoso, su madre es pianista), estudió con Repin y Chistyakov.

Serov a menudo pinta a representantes de la intelectualidad artística: escritores, artistas, artistas (retratos de K. Korovin, 1891, Galería Estatal Tretyakov; Levitan, 1893, Galería Estatal Tretyakov; Yermolova, 1905, Galería Estatal Tretyakov). Todos son diferentes, cada uno los interpreta profundamente individualmente, pero en todos brilla la luz de la exclusividad intelectual y de la vida creativa inspirada.

Retrato, paisaje, bodegón, doméstico, pintura histórica; óleo, gouache, témpera, carboncillo: es difícil encontrar géneros pictóricos y gráficos en los que Serov no trabajaría y materiales que no usaría.

Un tema especial en la obra de Serov es el campesino. En su género campesino no hay agudeza social itinerante, pero hay un sentido de la belleza y la armonía de la vida campesina, admiración por la belleza saludable del pueblo ruso ("En el pueblo. Una mujer con un caballo", en el mapa , pastel, 1898, Galería Estatal Tretyakov). Los paisajes invernales son especialmente exquisitos con su gama de colores plata-perla.

Serov interpretó el tema histórico a su manera: las "cacerías reales" con paseos placenteros de Isabel y Catalina II fueron transmitidas por el artista del nuevo tiempo, irónico, pero también admirando invariablemente la belleza de la vida en el siglo XVIII. El interés de Serov por el siglo XVIII surgió bajo la influencia de El mundo del arte y en relación con el trabajo sobre la publicación de La historia del gran duque, el zar y la caza imperial en la Rus.

Serov fue un artista de pensamiento profundo, en constante búsqueda de nuevas formas de realización artística de la realidad. Las ideas inspiradas en el Art Nouveau sobre la planitud y el aumento de la decoración se reflejaron no solo en composiciones históricas, sino también en su retrato de la bailarina Ida Rubinstein, en sus bocetos para El secuestro de Europa y La Odisea y Navzikai (ambos de 1910, Galería Estatal Tretyakov, cartón, témpera). Es significativo que Serov al final de su vida se vuelva hacia el mundo antiguo. En la leyenda poética, interpretada por él libremente, fuera de los cánones clásicos, quiere encontrar la armonía, búsqueda a la que el artista dedicó toda su obra.

Mijaíl Alexandrovich Vrubel

El camino creativo de Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) fue más directo, aunque al mismo tiempo inusualmente complejo. Antes de la Academia de las Artes (1880), Vrubel se graduó de la facultad de derecho de la Universidad de San Petersburgo. En 1884, fue a Kiev para supervisar la restauración de los frescos de la iglesia de San Cirilo y creó él mismo varias composiciones monumentales. Realiza bocetos en acuarela de los murales de la Catedral de Vladimir. Los bocetos no se transfirieron a las paredes, ya que el cliente estaba asustado por su falta de canonicidad y expresividad.

En los años 90, cuando el artista se instaló en Moscú, se formó el estilo de escritura de Vrubel, lleno de misterio y poder casi demoníaco, que no puede confundirse con ningún otro. Esculpe la forma como un mosaico, a partir de piezas afiladas "facetadas" de diferentes colores, como si brillaran desde el interior ("Niña contra el telón de fondo de una alfombra persa", 1886, KMRI; "Adivino", 1895, Galería Estatal Tretyakov) . Las combinaciones de colores no reflejan la realidad de la relación de colores, pero tienen un significado simbólico. La naturaleza no tiene poder sobre Vrubel. Él la conoce, la posee perfectamente, pero crea su propio mundo de fantasía, poco parecido a la realidad. Gravita hacia temas literarios, que interpreta de manera abstracta, tratando de crear imágenes eternas de gran poder espiritual. Entonces, habiendo tomado ilustraciones para "El demonio", pronto se aparta del principio de la ilustración directa ("La danza de Tamara", "No llores, niño, no llores en vano", "Tamara en el ataúd", etc. ). La imagen del Demonio es la imagen central de toda la obra de Vrubel, su tema principal. En 1899, escribió "The Flying Demon", en 1902 - "The Downcast Demon". El demonio de Vrubel es, ante todo, una criatura que sufre. El sufrimiento prevalece sobre el mal en él, y esta es la peculiaridad de la interpretación nacional rusa de la imagen. Los contemporáneos, como se señaló correctamente, vieron en sus "Demonios" un símbolo del destino de un intelectual: un romántico que intentaba escapar rebeldemente de una realidad desprovista de armonía hacia un mundo irreal de sueños, pero sumergido en la dura realidad de lo terrenal.

Vrubel creó sus pinturas y obras gráficas más maduras a principios de siglo, en el género de paisaje, retrato, ilustración de libros. En la organización e interpretación decorativo-planar del lienzo o lámina, en la combinación de lo real y lo fantástico, en la apuesta por soluciones ornamentales rítmicamente complejas en sus obras de este período, se van afirmando cada vez más los rasgos de la modernidad.

Al igual que K. Korovin, Vrubel trabajó mucho en el teatro. Su mejor escenografía se realizó para las óperas de Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan y otras en el escenario de la Ópera Privada de Moscú, es decir, para aquellas obras que le dieron la oportunidad de "comunicarse" con el folclore ruso. , cuento de hadas, leyenda.

El universalismo del talento, la imaginación sin límites, la pasión extraordinaria en la afirmación de nobles ideales distinguen a Vrubel de muchos de sus contemporáneos.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) es un exponente directo del simbolismo pictórico. Sus obras son una tristeza elegíaca por los viejos "nidos nobles" vacíos y los moribundos "cerezos", por mujeres hermosas, espiritualizadas, casi sobrenaturales, vestidas con una especie de trajes atemporales que no llevan signos externos de lugar y tiempo.

Sus obras de caballete, sobre todo, no se asemejan ni siquiera a paneles decorativos, sino a tapices. El espacio se resuelve de forma extremadamente condicional, plana, las figuras son casi etéreas, como, por ejemplo, las muchachas junto al estanque en el cuadro "Estanque" (1902, témpera, Galería Estatal Tretyakov), inmersas en una meditación onírica, en profunda contemplación. Los tonos de color gris pálido y desteñido realzan la impresión general de belleza frágil, sobrenatural y anémica, fantasmal, que se extiende no solo a las imágenes humanas, sino también a la naturaleza representada por él. No es casualidad que Borisov-Musatov llamara a una de sus obras "Fantasmas" (1903, témpera, Galería Estatal Tretyakov): figuras femeninas silenciosas e inactivas, estatuas de mármol junto a las escaleras, un árbol semidesnudo, una gama de azul descolorido, los tonos grises y violetas realzan la fantasmalidad de lo representado.

"Mundo del Arte"

"World of Art": una organización que surgió en San Petersburgo en 1898 y unió a los maestros de la más alta cultura artística, la élite artística de Rusia de esos años. "World of Art" se ha convertido en uno de los mayores fenómenos de la cultura artística rusa. Casi todos los artistas famosos participaron en esta asociación.

En los artículos editoriales de los primeros números de la revista, las principales disposiciones del "Mundo del Arte" sobre la autonomía del arte, que los problemas de la cultura moderna son exclusivamente problemas de forma artística, y que la tarea principal del arte es educar los gustos estéticos de la sociedad rusa, principalmente a través del conocimiento de las obras del arte mundial. Debemos darles lo que les corresponde: gracias al Mundo del Arte, el arte inglés y alemán fue realmente apreciado de una manera nueva y, lo más importante, la pintura rusa del siglo XVIII y la arquitectura del clasicismo de San Petersburgo se convirtieron en un descubrimiento para muchos. "World of Art" luchó por "la crítica como arte", proclamando el ideal de un crítico-artista con una alta cultura profesional y erudición. El tipo de tal crítico fue encarnado por uno de los creadores de The World of Art, A.N. Benoit.

Exposiciones organizadas "Miriskusniki". La primera fue también la única internacional que reunió, además de rusos, a artistas de Francia, Inglaterra, Alemania, Italia, Bélgica, Noruega, Finlandia, etc. En ella participaron pintores y artistas gráficos tanto de San Petersburgo como de Moscú. Pero la grieta entre estas dos escuelas -San Petersburgo y Moscú- ya era evidente casi desde el primer día. En marzo de 1903 se clausuró la última, quinta exposición del Mundo del Arte, en diciembre de 1904 se publicó el último número de la revista Mundo del Arte. La mayoría de los artistas se trasladaron a la "Unión de artistas rusos" organizada sobre la base de la exposición "36" de Moscú, escritores: a la revista New Way inaugurada por el grupo de Merezhkovsky, simbolistas de Moscú unidos en torno a la revista "Vesy", músicos organizados " Tardes de Música Contemporánea", Diaghilev se dedicó por completo al ballet y al teatro.

En 1910, se hizo un intento de devolverle la vida al "Mundo del Arte" (dirigido por Roerich). La fama llegó al "Mundo del Arte", pero el "Mundo de las Artes" esencialmente ya no existía, aunque formalmente la asociación existió hasta principios de la década de 1920 (1924), con una total falta de integridad, tolerancia ilimitada y flexibilidad de posiciones. La segunda generación de "Mundo del Arte" estuvo menos ocupada con los problemas de la pintura de caballete, sus intereses radican en la gráfica, principalmente el libro, y las artes escénicas y decorativas, en ambas áreas realizaron una verdadera reforma artística. En la segunda generación del "Mundo del Arte" también hubo personas importantes (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.), pero no hubo artistas innovadores en absoluto.

El artista principal del "Mundo del Arte" fue K. A. Somov (1869-1939). Hijo del curador jefe del Hermitage, que se graduó en la Academia de las Artes y viajó por Europa, Somov recibió una excelente educación. La madurez creativa le llegó temprano, pero, como señaló acertadamente el investigador (V.N. Petrov), siempre tuvo cierta dualidad: la lucha entre un poderoso instinto realista y una visión del mundo dolorosamente emocional.

Somov, como lo conocemos, apareció en el retrato del artista Martynova ("Dama de azul", 1897-1900, Galería Estatal Tretyakov), en el retrato "Echo of the Past Time" (1903, en el mapa, aqua. , gouache, Galería Estatal Tretyakov), donde crea una caracterización poética de la frágil y anémica belleza femenina de la modelo decadente, negándose a transmitir los verdaderos signos cotidianos de la modernidad. Viste a los modelos con trajes antiguos, les da a su apariencia las características del sufrimiento secreto, la tristeza y la ensoñación, el doloroso quebrantamiento.

Somov posee una serie de retratos gráficos de sus contemporáneos: la élite intelectual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, etc.), en los que utiliza una técnica general: sobre un fondo blanco, en un cierto atemporal esfera: dibuja un rostro, una semejanza en la que no se logra a través de la naturalización, sino mediante generalizaciones audaces y una selección adecuada de detalles característicos. Esta falta de signos del tiempo crea la impresión de estática, rigidez, frialdad, casi trágica soledad.

Antes que nadie en El mundo del arte, Somov recurrió a los temas del pasado, a la interpretación del siglo XVIII. ("Carta", 1896; "Confidencialidades", 1897), siendo el precursor de los paisajes de Versalles de Benois. Es el primero en crear un mundo surrealista, tejido a partir de los motivos de la cultura nobiliaria, estamental y cortesana y sus propias sensaciones artísticas puramente subjetivas, impregnadas de ironía. El historicismo del "Mundo del Arte" fue un escape de la realidad. No el pasado, sino su puesta en escena, el anhelo de su irrecuperabilidad: este es su motivo principal. No es verdadera diversión, sino un juego de diversión con besos en los callejones, así es Somov.

El líder ideológico del "Mundo del Arte" fue A. N. Benois (1870-1960), un talento inusualmente versátil. Pintor, grafista e ilustrador de caballete, artista de teatro, director, autor de libretos de ballet, teórico e historiador del arte, figura musical, fue, en palabras de A. Bely, el principal político y diplomático del "Mundo del Arte". Como artista, está relacionado con Somov por tendencias estilísticas y adicción al pasado ("Estoy intoxicado con Versalles, esto es una especie de enfermedad, amor, pasión criminal ... Me mudé por completo al pasado ...") . En los paisajes de Versalles, Benois fusionó la reconstrucción histórica del siglo XVII. y las impresiones contemporáneas del artista, su percepción del clasicismo francés, el grabado francés. De ahí la clara composición, la clara espacialidad, la grandiosidad y la fría severidad de los ritmos, la oposición entre la grandiosidad de los monumentos de arte y la pequeñez de las figuras humanas, que son sólo el personal entre ellas (la 1ª serie de Versalles de 1896-1898 bajo el título "Los últimos paseos de Luis XIV"). En la segunda serie de Versalles (1905-1906), la ironía, que también es característica de las primeras hojas, se colorea con notas casi trágicas (“El paseo del rey”, c., gouache, agua, oro, plata, pluma, 1906 , Galería Estatal Tretyakov). El pensamiento de Benois es el pensamiento de un artista teatral por excelencia, que conoció y sintió muy bien el teatro.

Benois percibe la naturaleza en una conexión asociativa con la historia (vistas de Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, realizadas por él en técnica de acuarela).

Benois el ilustrador (Pushkin, Hoffman) es toda una página en la historia del libro. A diferencia de Somov, Benois crea una ilustración narrativa. El plano de la página no es para él un fin en sí mismo. Una obra maestra de la ilustración de libros fue el diseño gráfico de El jinete de bronce (1903,1905,1916,1921-1922, tinta y acuarela imitando la xilografía en color). En una serie de ilustraciones del gran poema, el personaje principal es el paisaje arquitectónico de San Petersburgo, ahora solemnemente patético, ahora pacífico, ahora siniestro, contra el que la figura de Eugenio parece aún más insignificante. Así es como Benois expresa el trágico conflicto entre el destino del estado ruso y el destino personal de un hombrecito ("Y toda la noche el pobre loco, / Dondequiera que volvía sus pies, / El Jinete de Bronce estaba en todas partes con él / Con un fuerte pisotón al galope”).

Como artista de teatro, Benois diseñó las representaciones de las "Estaciones rusas", de las cuales la más famosa fue el ballet "Petrushka" con la música de Stravinsky, trabajó mucho en el Teatro de Arte de Moscú y más tarde, en casi todas las principales etapas europeas.

Un lugar especial en el "Mundo del Arte" lo ocupa N. K. Roerich (1874-1947). Conocedor de la filosofía y etnografía de Oriente, arqueólogo-científico, Roerich recibió una excelente educación, primero en casa, luego en las facultades de derecho e histórico-filológicas de la Universidad de San Petersburgo, luego en la Academia de las Artes, en el taller. de Kuindzhi, y en París en el estudio de F. Cormon. Pronto ganó la autoridad de un científico. Estaba relacionado con el "Mundo del Arte" por el mismo amor por la retrospección, solo que no en los siglos XVII-XVIII, sino en la antigüedad pagana eslava y escandinava, en la antigua Rusia; tendencias estilísticas, decoración teatral ("Messenger", 1897, State Tretyakov Gallery; "The Elders Converge", 1898, Russian Museum; "Sinister", 1901, Russian Museum). Roerich estuvo más estrechamente asociado con la filosofía y la estética del simbolismo ruso, pero su arte no encajaba en el marco de las tendencias existentes, porque, de acuerdo con la cosmovisión del artista, se volvió, por así decirlo, a toda la humanidad con un llamamiento a la unión amistosa de todos los pueblos. De ahí el especial carácter épico de sus cuadros.

Después de 1905, el ambiente de misticismo panteísta creció en el trabajo de Roerich. Los temas históricos dan paso a las leyendas religiosas (La batalla celestial, 1912, Museo Ruso). El ícono ruso tuvo una gran influencia en Roerich: su panel decorativo La batalla de Kerzhents (1911) se exhibió durante la representación de un fragmento del mismo título de la ópera de Rimsky-Korsakov El cuento de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia en las estaciones rusas de París.

El “Mundo del Arte” fue un gran movimiento estético del cambio de siglo, que sobrestimó toda la cultura artística moderna, aprobó nuevos gustos y problemas, devolvió al arte -al más alto nivel profesional- las formas perdidas gráficos de libros y la pintura decorativa y teatral, que ganó reconocimiento paneuropeo gracias a sus esfuerzos, creó una nueva crítica de arte, promovió el arte ruso en el extranjero, de hecho, incluso abrió algunas de sus etapas, como el siglo XVIII ruso. El "Mundo del Arte" creó un nuevo tipo de pintura histórica, retrato, paisaje con características estilísticas propias (distintas tendencias estilísticas, predominio de las técnicas gráficas sobre las pictóricas, una comprensión del color puramente decorativa, etc.). Esto determina su importancia para el arte ruso.

Las debilidades del "Mundo del Arte" se reflejaron principalmente en la variedad e inconsistencia del programa, proclamando el modelo "o Böcklin, luego Manet"; en visiones idealistas sobre el arte, en una indiferencia afectada por las tareas cívicas del arte, en la apatía programática, en la pérdida del significado social de la imagen. La intimidad del "Mundo del Arte", su puro esteticismo determinaron el corto período histórico de su vida en la era de formidables presagios trágicos de la inminente revolución. Estos fueron solo los primeros pasos en el camino de las búsquedas creativas, y muy pronto los jóvenes superaron a los estudiantes del Mundo del Arte.

"Unión de Artistas Rusos"

En 1903, se fundó una de las mayores asociaciones de exhibición de principios de siglo, la Unión de Artistas Rusos. Al principio, casi todas las figuras prominentes del "Mundo del Arte": Benois, Bakst, Somov, ingresaron, Vrubel, Borisov-Musatov participaron en las primeras exposiciones. Los iniciadores de la creación de la asociación fueron artistas moscovitas vinculados al "Mundo del Arte", pero lastrados por la estética programática de los petersburgueses.

Paisaje nacional, cuadros pintados con amor de la Rusia campesina, uno de los géneros principales de los artistas de la "Unión", en el que el "impresionismo ruso" se expresó de una manera peculiar con sus motivos predominantemente rurales en lugar de urbanos. Así los paisajes de I.E. Grabar (1871-1960), con su humor lírico, con los más finos matices pictóricos que reflejan cambios instantáneos en la verdadera naturaleza, es una especie de paralelo en suelo ruso con el paisaje impresionista francés ("September Snow", 1903, State Tretyakov Gallery). El interés de Grabar por la descomposición del color visible en colores puros espectrales de la paleta también lo relaciona con el neoimpresionismo, con J. Seurat y P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretyakov Gallery). El juego de colores en la naturaleza, los complejos efectos colorísticos se convierten en objeto de estudio minucioso de los "Aliados", que crean en el lienzo un mundo figurativo pictórico y plástico, desprovisto de narrativa e ilustratividad.

Con todo el interés por la transmisión de la luz y el aire en la pintura de los maestros de la "Unión", nunca se observa la disolución del objeto en el medio luz-aire. El color se vuelve decorativo.

Los "aliados", en contraste con los habitantes de San Petersburgo, los artistas gráficos del "mundo del arte", son en su mayoría pintores con un sentido decorativo elevado del color. Un excelente ejemplo de esto son las pinturas de F.A. Malyavin.

En general, The Allies gravitó no solo hacia los estudios al aire libre, sino también hacia las formas pictóricas monumentales. Hacia 1910, época de la escisión y formación secundaria del "Mundo del Arte", en las exposiciones de la "Unión" se podía ver un paisaje íntimo (Vinogradov, Yuon, etc.), pintura cercana al divisionismo francés (Grabar , Larionov temprano) o cerca del simbolismo ( P. Kuznetsov, Sudeikin); también asistieron los artistas del "Mundo del Arte" de Diaghilev: Benois, Somov, Bakst.

La "Unión de Artistas Rusos", con sus sólidos cimientos realistas, que desempeñó un papel importante en las bellas artes nacionales, tuvo un cierto impacto en la formación de la escuela de pintura soviética, habiendo existido hasta 1923.

En 1907, en Moscú, la revista Golden Fleece organizó la única exposición de artistas después de Borisov-Musatov, llamada Blue Rose. P. Kuznetsov se convirtió en el artista principal de Blue Rose. Los "Osos azules" son los más cercanos al simbolismo, que se expresó principalmente en su "lenguaje": inestabilidad de humor, vaga e intraducible musicalidad de asociaciones, refinamiento de las relaciones de color. La plataforma estética de los participantes de la exposición también tuvo un efecto en los años siguientes, y el nombre de esta exposición se convirtió en un nombre familiar para toda una tendencia en el arte de la segunda mitad del siglo XX. Toda la actividad de la "Rosa Azul" también lleva la huella más fuerte de la influencia del estilo Art Nouveau (estilización plana-decorativa de formas, ritmos lineales caprichosos).

Las obras de P. V. Kuznetsov (1878-1968) reflejan los principios básicos de los Osos Azules. Kuznetsov creó un cuadro de panel decorativo en el que buscó abstraerse de la concreción cotidiana, para mostrar la unidad del hombre y la naturaleza, la estabilidad del ciclo eterno de la vida y la naturaleza, el nacimiento del alma humana en esta armonía. De ahí el anhelo de formas pictóricas monumentales, soñadora-contemplativa, depurada de todo lo instantáneo, notas universales, atemporales, un deseo constante de transmitir la espiritualidad de la materia. Una figura es sólo un signo que expresa un concepto; el color sirve para transmitir sentimientos; ritmo, para introducirse en un cierto mundo de sensaciones (como en la pintura de iconos, un símbolo de amor, ternura, dolor, etc.). De ahí la recepción de una distribución uniforme de la luz sobre toda la superficie del lienzo como uno de los fundamentos de la decoratividad de Kuznetsov. Serov dijo que la naturaleza de P. Kuznetsov "respira". Esto se expresa perfectamente en sus suites Kyrgyz (Steppe) y Bukhara, en paisajes de Asia Central. Kuznetsov estudió las técnicas de la pintura de iconos rusos antiguos, el Renacimiento italiano temprano. Esta apelación a las tradiciones clásicas del arte mundial en busca de su propio gran estilo, como correctamente señalaron los investigadores, fue de fundamental importancia en un período en el que a menudo se negaba por completo cualquier tradición.

El exotismo de Oriente - Irán, Egipto, Turquía - se realiza en los paisajes de M. S. Saryan (1880-1972). Oriente era un tema natural para el artista armenio. Saryan crea en su pintura un mundo lleno de brillante decoratividad, más apasionado, más terrenal que el de Kuznetsov, y la solución pictórica se construye siempre sobre relaciones cromáticas contrastantes, sin matices, en nítida comparación de sombras (“Date Palm, Egypt”, 1911 , mapas. , temple, GTG).

Las imágenes de Saryan son monumentales debido a la generalización de formas, grandes planos coloridos, la lapidación general del lenguaje: esta es, por regla general, una imagen generalizada de Egipto, ya sea Persia, Armenia nativa, manteniendo la naturalidad vital, como si está escrito de la naturaleza. Los lienzos decorativos de Saryan son siempre alegres, corresponden a su idea de creatividad: “... una obra de arte es el resultado mismo de la felicidad, es decir, el trabajo creativo. En consecuencia, debe encender la llama de la quema creativa en el espectador, contribuir a la identificación de su deseo natural de felicidad y libertad.

"Jota de diamantes"

En 1910, varios artistas jóvenes - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova y otros - se unieron en la organización Jack of Diamonds, que tenía su propia carta, organizó exposiciones y publicó sus propias colecciones de artículos. El “Jota de Diamantes” existió en realidad hasta 1917. Así como el postimpresionismo, principalmente Cézanne, fue una “reacción al impresionismo”, la “Jota de Diamantes” se opuso a la vaguedad, la intraducibilidad, los matices más sutiles del lenguaje simbólico de la “Jota de Diamantes”. Rose” y el estilismo estético del “Mundo del Arte”. El "Knave of Diamonds", llevado por la materialidad, la "materialidad" del mundo, profesaba una construcción clara de la imagen, enfatizaba la objetividad de la forma, la intensidad, la plenitud del color. No es casualidad que la naturaleza muerta se convierta en el género favorito de los “Valetovitas”, así como el paisaje se convierte en el género favorito de los miembros de la Unión de Artistas Rusos. La sutileza en la transmisión del cambio de humor, el psicologismo de las características, la subestimación de los estados, la desmaterialización de la pintura de los "Portadores azules", su poesía romántica son rechazados por los "Valetovitas". Se oponen a la festividad casi espontánea de los colores, la expresión del dibujo de contorno, la escritura jugosa, pastosa y amplia, que transmiten una visión optimista del mundo, creando un estado de ánimo cuadrado casi ridículo. El "Knave of Diamonds" permite tales simplificaciones en la interpretación de la forma, que son similares a una estampa popular popular, un juguete popular, azulejos de pintura, un letrero. El anhelo de primitivismo (del latín primitivus - primitivo, inicial) se manifestó en varios artistas que imitaron las formas de arte simplificadas de las llamadas eras primitivas - tribus y nacionalidades primitivas - en busca de ganar inmediatez e integridad de la percepción artística. La “Jota de Diamantes” extrajo sus percepciones de Cézanne (de ahí a veces el nombre de “cezanneísmo ruso”), más aún del cubismo (“cambio” de formas) e incluso del futurismo (dinámica, varias modificaciones de forma.

La extrema simplificación de la forma, la conexión directa con el arte de la señalización es especialmente notable en M.F. Larionov (1881-1964), uno de los fundadores de la "Jota de Diamantes", pero ya en 1911 rompió con él. Larionov pinta paisajes, retratos, bodegones, trabaja como artista de teatro de la empresa Diaghilev, luego se vuelve a la pintura de género, su tema es la vida de una calle provincial, cuarteles de soldados. Las formas son planas, grotescas, como deliberadamente estilizadas como un dibujo infantil, una estampa popular o un letrero. En 1913, Larionov publicó su libro "Luchismo", de hecho, el primero de los manifiestos del arte abstracto, cuyos verdaderos creadores en Rusia fueron V. Kandinsky y K. Malevich.

Artista N. S. Goncharova (1881-1962), la esposa de Larionov, desarrolló las mismas tendencias en sus pinturas de género, principalmente sobre un tema campesino. En los años que se reseñan, en su obra, más decorativa y colorida que el arte de Larionov, monumental en su fuerza interior y laconismo, se siente profundamente la pasión por el primitivismo. Al describir el trabajo de Goncharova y Larionov, a menudo se usa el término "neoprimitivismo".

MZ Chagall (1887-1985) creó fantasías transformadas a partir de las aburridas impresiones de la vida de la pequeña ciudad de Vitebsk e interpretadas con un espíritu ingenuo-poético y grotesco-simbólico. Con espacio surrealista, colores brillantes, primitivización deliberada de la forma, Chagall resulta estar cerca tanto del expresionismo occidental como del arte popular primitivo ("I and the Village", 1911, Museo de Arte Contemporáneo, Nueva York; "Over Vitebsk", 1914 , col. Zak. Toronto; "Boda", 1918, Galería Estatal Tretyakov).

"Unión juvenil"

La Unión de la Juventud es una organización de San Petersburgo formada casi simultáneamente con la Jota de Diamantes (1909). El papel principal fue interpretado por L. Zheverzheev. Al igual que los "valetovtsy", los miembros de la "Unión de la Juventud" publicaron colecciones teóricas. Hasta el colapso de la asociación en 1917. La "Unión de la Juventud" no tenía un programa específico, profesaba el simbolismo, el cubismo, el futurismo y la "no objetividad", pero cada uno de los artistas tenía su propia cara creativa.

El arte de los años prerrevolucionarios en Rusia está marcado por la inusitada complejidad e inconsistencia de las búsquedas artísticas, de ahí las sucesivas agrupaciones con su propia programación y simpatías estilísticas. Pero junto con los experimentadores en el campo de las formas abstractas en el arte ruso de esa época, el "Mundo del Arte" y los "Goluborozitas", "aliados", "bribones de diamantes" continuaron trabajando al mismo tiempo, también hubo una poderosa corriente de corrientes neoclásicas, un ejemplo de lo cual puede ser el trabajo de un miembro activo del "arte Mir" en su "segunda generación" Z. E. Serebryakova (1884-1967). En sus lienzos de género poético con su dibujo lacónico, molduras plásticas palpablemente sensuales y equilibrio de composición, Serebryakova proviene de las altas tradiciones nacionales del arte ruso, principalmente Venetsianov y aún más: el arte ruso antiguo ("Campesinos", 1914, Museo Ruso; "Cosecha", 1915 , Museo de Arte de Odessa; "Blanqueamiento del lienzo", 1917, Galería Estatal Tretyakov).

Finalmente, brillante evidencia de la vitalidad de las tradiciones nacionales, la gran pintura rusa antigua es obra de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), un artista-pensador que luego se convirtió en el maestro de arte más destacado del período soviético. En el famoso cuadro El baño del caballo rojo (1912, viernes), el artista recurrió a una metáfora figurativa. Como se señaló correctamente, el joven sobre un caballo rojo brillante evoca asociaciones con la imagen popular de San Jorge el Victorioso ("San Egor"), y la silueta generalizada, la composición rítmica y compacta, la saturación de manchas de colores contrastantes que el sonido con toda su fuerza, y la planitud en la interpretación de las formas conducen a la memoria de un antiguo icono ruso. Petrov-Vodkin crea una imagen armoniosamente iluminada en la pintura monumental "Chicas en el Volga" (1915, Galería Estatal Tretyakov), en la que también siente su orientación hacia las tradiciones del arte ruso, lo que lleva al maestro a una verdadera nacionalidad.

Arquitectura

La era del capitalismo industrial altamente desarrollado provocó cambios significativos en la arquitectura, principalmente en la arquitectura de la ciudad. Hay nuevos tipos de estructuras arquitectónicas: fábricas, estaciones, tiendas, bancos, con la llegada del cine: cines. El golpe lo dieron los nuevos materiales de construcción: hormigón armado y estructuras metálicas, que permitieron taponar espacios gigantescos, hacer enormes escaparates y crear un estrafalario patrón de encuadernaciones.

En la última década del siglo XIX, quedó claro para los arquitectos que al utilizar los estilos históricos del pasado, la arquitectura llegó a un callejón sin salida; según los investigadores, era necesario, según los investigadores, no "reorganizar" los estilos históricos. estilos, sino para comprender creativamente lo nuevo que se acumulaba en el entorno de una ciudad capitalista en rápido crecimiento. Los últimos años del siglo XIX y principios del XX son la época del dominio de la modernidad en Rusia, que se formó en Occidente principalmente en la arquitectura belga, del sur de Alemania y austriaca, un fenómeno en general cosmopolita (aunque aquí la modernidad rusa difiere de la occidental). europeo, porque es una mezcla con histórico neorrenacentista, neobarroco, neorococó, etc.).

Un ejemplo sorprendente del Art Nouveau en Rusia fue el trabajo de F.O. Shejtel (1859-1926). Casas rentables, mansiones, edificios de empresas comerciales y estaciones: en todos los géneros, Shekhtel dejó su letra. La asimetría del edificio es efectiva para él, el aumento orgánico de los volúmenes, la diferente naturaleza de las fachadas, el uso de balcones, porches, miradores, sandriks sobre las ventanas, la introducción de una imagen estilizada de lirios o lirios en el decoración arquitectónica, el uso de vidrieras con el mismo motivo ornamental, diferentes texturas de materiales en el diseño de interiores. Un patrón extraño, construido sobre los giros de las líneas, se extiende a todas las partes del edificio: el friso de mosaico, amado por el Art Nouveau, o un cinturón de azulejos de cerámica vidriada en colores decadentes desvaídos, encuadernaciones de vidrieras, un patrón de cerca, celosías de balcón; en la composición de las escaleras, incluso en los muebles, etc. Caprichosos contornos curvilíneos dominan todo. En el Art Nouveau, se puede rastrear una cierta evolución, dos etapas de desarrollo: la primera es decorativa, con especial pasión por el ornamento, la escultura decorativa y la pintura (cerámica, mosaicos, vidrieras), la segunda es más constructiva, racionalista.

Art Nouveau está bien representado en Moscú. Durante este período se construyeron aquí estaciones de ferrocarril, hoteles, bancos, mansiones de la burguesía adinerada, casas de vecindad. La mansión Ryabushinsky en Nikitsky Gates en Moscú (1900-1902, arquitecto F.O. Shekhtel) es un ejemplo típico del Art Nouveau ruso.

Apelar a las tradiciones de la arquitectura rusa antigua, pero a través de las técnicas de la modernidad, sin copiar los detalles naturalistas de la arquitectura rusa medieval, que era característico del "estilo ruso" de mediados del siglo XIX, sino variando libremente, tratando de transmitir el espíritu mismo de la antigua Rusia, dio lugar al llamado estilo neorruso de principios del siglo XX (a veces llamado neorromanticismo). Su diferencia con el Art Nouveau en sí mismo es principalmente el disfraz, y no la revelación, que es típica del Art Nouveau, la estructura interna del edificio y el propósito utilitario detrás de la ornamentación intrincadamente compleja (Shekhtel - Estación Yaroslavsky en Moscú, 1903-1904; A.V. Shchusev - Estación Kazansky en Moscú, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - el antiguo edificio de la Galería Tretyakov, 1900-1905). Tanto Vasnetsov como Shchusev, cada uno a su manera (y el segundo bajo la gran influencia del primero), estaban imbuidos de la belleza de la arquitectura rusa antigua, especialmente Novgorod, Pskov y el Moscú temprano, apreciaban su identidad nacional e interpretaban creativamente su formularios

Art Nouveau se desarrolló no solo en Moscú, sino también en San Petersburgo, donde se desarrolló bajo la influencia indudable de los escandinavos, llamados "modernos del norte": P.Yu. Suzor en 1902-1904 construye el edificio de la empresa Singer en Nevsky Prospekt (ahora la Casa del Libro). Se suponía que la esfera terrestre en el techo del edificio simbolizaba la naturaleza internacional de las actividades de la empresa. La fachada estaba revestida de piedras preciosas (granito, labradorita), bronce y mosaicos. Pero las tradiciones del clasicismo monumental de San Petersburgo influyeron en el modernismo de San Petersburgo. Esto sirvió como impulso para el surgimiento de otra rama de la modernidad: el neoclasicismo del siglo XX. En la mansión de A.A. Polovtsov en la isla de Kamenny en San Petersburgo (1911-1913) arquitecto I.A. Fomin (1872-1936) afectó de lleno los rasgos de este estilo: la fachada (volumen central y alas laterales) se resolvió en el orden jónico, y los interiores de la mansión de forma reducida y más modesta, por así decirlo, repiten el enfilada del salón del Palacio Tauride, pero los enormes ventanales de la semi-rotonda del jardín de invierno, dibujo estilizado de detalles arquitectónicos definen claramente la época de principios de siglo. Las obras de una escuela de arquitectura puramente de San Petersburgo de principios de siglo - casas de vecindad - al comienzo de la avenida Kamennoostrovsky (No. 1-3), Conde M.P. Tolstoi en la Fontanka (No. 10-12), edificios b. El Banco Azov-Don en Bolshaya Morskaya y el Hotel Astoria pertenecen al arquitecto F.I. Lidval (1870-1945), uno de los maestros más destacados del Art Nouveau de San Petersburgo.

El Art Nouveau fue uno de los estilos más significativos que finalizó el siglo XIX y abrió el siguiente. En él se utilizaron todos los logros modernos de la arquitectura. Moderno no es sólo un determinado sistema constructivo. Desde el reinado del clasicismo, el moderno es quizás el estilo más consistente en términos de su enfoque holístico, la solución de conjunto del interior. Art Nouveau como estilo capturó el arte de los muebles, utensilios, telas, alfombras, vidrieras, cerámica, vidrio, mosaicos, es reconocible en todas partes por sus contornos y líneas dibujadas, su paleta de colores especiales descoloridos, colores pastel y su patrón favorito de lirios e iris.

Escultura

Escultura rusa a finales de los siglos XIX y XX. y los primeros años prerrevolucionarios están representados por varios nombres importantes. En primer lugar, este es P.P. Trubetskoy (1866-1938). Sus primeros trabajos rusos (retrato de Levitan, imagen de Tolstoy a caballo, ambos - 1899, bronce) dan una imagen completa del método impresionista de Trubetskoy: la forma, por así decirlo, está impregnada de luz y aire, dinámica, diseñada para ser vista. desde todos los puntos de vista y desde diferentes ángulos crea una caracterización multifacética de la imagen. La obra más notable de P. Trubetskoy en Rusia fue el monumento de bronce a Alejandro III, erigido en 1909 en San Petersburgo, en la Plaza Znamenskaya. Aquí Trubetskoy deja su estilo impresionista. Los investigadores han notado repetidamente que la imagen del emperador de Trubetskoy se resuelve, por así decirlo, en contraste con la de Falconet, y junto a El jinete de bronce, esta es una imagen casi satírica de la autocracia. Nos parece que este contraste tiene un significado diferente; no Rusia, “levantada sobre sus patas traseras”, como un barco botado en aguas europeas, sino la Rusia de la paz, la estabilidad y la fuerza es simbolizada por este jinete sentado pesadamente sobre un pesado caballo.

El impresionismo en una refracción creativa peculiar y muy individual encontró expresión en las obras de A. S. Golubkina (1864-1927). En las imágenes de Golubkina, especialmente las de las mujeres, hay mucha pureza moral, democracia profunda. En la mayoría de los casos, se trata de imágenes de personas pobres comunes: mujeres agotadas o "niños de la mazmorra" enfermizos.

Lo más interesante del trabajo de Golubkina son sus retratos, siempre dramáticamente intensos, que generalmente son característicos del trabajo de este maestro, e inusualmente diversos (retrato de V.F. Ern (madera, 1913, Galería Estatal Tretyakov) o un busto de Andrei Bely ( yeso, 1907, Galería Estatal Tretyakov)) .

En la obra de Trubetskoy y Golubkina, a pesar de todas sus diferencias, hay algo en común: rasgos que los relacionan no solo con el impresionismo, sino también con el ritmo de líneas fluidas y formas de la modernidad.

El impresionismo, que capturó la escultura de principios de siglo, afectó poco el trabajo de S. T. Konenkov (1874-1971). El mármol "Nike" (1906, Galería Estatal Tretyakov) con rasgos claramente retratados (además, eslavos) de una cara redonda con hoyuelos en las mejillas presagia las obras que Konenkov realizó después de un viaje a Grecia en 1912. Las imágenes de la mitología pagana griega son entrelazado con la mitología eslava. Konenkov comienza a trabajar en madera, se basa mucho en el folclore ruso, los cuentos de hadas rusos. De ahí su "Stribog" (árbol, 1910, Galería Estatal Tretyakov), "Velikosil" (árbol, privado, col.), imágenes de mendigos y ancianos ("Old Man-Polyevichok", 1910).

En el renacimiento de la escultura de madera, el gran mérito de Konenkov. El amor por la epopeya rusa, por el cuento de hadas ruso coincidió con el "descubrimiento" de la pintura de iconos rusos antiguos, la escultura de madera rusa antigua, con un interés en la arquitectura rusa antigua. A diferencia de Golubkina, Konenkov carece de dramatismo, de colapso mental. Sus imágenes están llenas de optimismo popular.

En el retrato, Konenkov fue uno de los primeros en plantear el problema del color a principios de siglo. Su coloración de piedra o madera es siempre muy delicada, teniendo en cuenta las características del material y las características de la solución plástica.

De las obras monumentales de principios de siglo, es necesario señalar el monumento a N.V. Gogol N. A. Andreev (1873-1932), inaugurado en Moscú en 1909. Este es el Gogol de los últimos años de su vida, enfermo terminal. Inusualmente expresivos son su perfil triste con una nariz afilada ("Gogol"), una figura delgada envuelta en un abrigo; En el lenguaje lapidario de la escultura, Andreev transmitió la tragedia de una gran personalidad creativa. En un friso en bajorrelieve sobre un pedestal en composiciones de múltiples figuras, los héroes inmortales de Gogol se representan de una manera completamente diferente, con humor o incluso satíricamente.

A. T. Matveev (1878-1960). Superó la influencia impresionista de su maestro en sus primeros trabajos: desnudo (el tema principal de esos años. Arquitectónica estricta, laconismo de formas generalizadas estables, un estado de iluminación, paz, armonía distinguen a Matveev, contrastando directamente su trabajo con escultórico impresionismo.

Como señalaron correctamente los investigadores, las obras del maestro están diseñadas para una percepción larga y reflexiva, requieren un estado de ánimo interior, "silencio" y luego se abren más completa y profundamente. Poseen la musicalidad de las formas plásticas, gran gusto artístico y poesía. Todas estas cualidades son inherentes a la lápida de V.E. Borisov-Musatov en Tarusa (1910, granito). En la figura de un niño dormido, es difícil ver la línea entre el sueño y la inexistencia, y esto se hace en las mejores tradiciones de la escultura conmemorativa del siglo XVIII. Kozlovsky y Martos, con su sabia y serena aceptación de la muerte, que a su vez nos lleva aún más lejos, a estelas antiguas arcaicas con escenas de "golosinas fúnebres". Esta lápida es el pináculo en el trabajo de Matveev del período prerrevolucionario, quien todavía tenía que trabajar fructíferamente y convertirse en uno de los famosos escultores soviéticos. En el período anterior a octubre, aparecieron varios jóvenes maestros talentosos en la escultura rusa (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, etc.), quienes en la década de 1910 recién comenzaban su actividad creativa. Trabajaron en diferentes direcciones, pero conservaron las tradiciones realistas que trajeron al nuevo arte, desempeñando un papel importante en su formación y desarrollo.

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La magia de los números, que marcan el comienzo de un nuevo siglo, suscita siempre la expectativa del cambio, la esperanza del comienzo de un tiempo nuevo y feliz. El siglo XIX, que dio fama mundial a la cultura rusa, se desvanecía en el pasado, dejando tradiciones que no podían desaparecer de la noche a la mañana.

“El Mundo del Arte” fue el nombre de la asociación de artistas que surgió en 1898 y existió de manera intermitente hasta 1924, sin la cual es imposible imaginar las bellas artes en el primer cuarto del siglo XX en Rusia. El "Mundo del Arte" no tenía un estilo desarrollado común: pintores, artistas gráficos, escultores, cada uno siguió su propio camino, teniendo un acuerdo en sus puntos de vista sobre los objetivos del arte y su papel en la sociedad. Muchas características de este punto de vista fueron expresadas por el genio de Mikhail Vrubel. El núcleo formal, la base de la asociación fueron L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. En diferentes momentos, Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov y otros maestros participaron en él.

Todos ellos reconocieron la primacía de la profesionalidad en el arte, el enorme papel de la libertad creativa y la independencia del artista de los dogmas sociales, sin negar el valor del arte en la vida humana, protestando contra la rigidez del academicismo por un lado y el la excesiva politización de la pintura de los Wanderers por el otro. Criticado por los partidarios de las tradiciones, el Mundo del Arte no pudo encajar en el turbulento proceso del nacimiento de la pintura “proletaria”, pero tuvo un gran impacto en todas las bellas artes del siglo XX en Rusia, tanto en aquellos que trabajaron en la URSS y sobre los que terminaron en la emigración.

Moderno

Las últimas décadas del siglo XIX fueron el período del nacimiento de un nuevo estilo, que dejó huella en la obra de los maestros de las bellas artes y la arquitectura. Tenía características propias en ciertas regiones de Europa, donde incluso se le denominaba de forma diferente. En Bélgica y Francia, se fijó el nombre "Art Nouveau", en Alemania - "Art Nouveau", en Austria - "Secession". Se conocen otros nombres asociados con los artistas más famosos de este estilo o firmas que produjeron muebles, joyas y otros productos en esta dirección: estilo mush, estilo Guimard - en Francia, Liberty en Italia, en EE. UU. - estilo Tiffany, etc. Arte de Rusia El siglo XX, la arquitectura en particular, lo conocen como Art Nouveau.

Después de un largo período de atemporalidad estilística, el Art Nouveau se ha convertido en uno de los movimientos artísticos más expresivos y visualmente formados. El carácter vegetal y suave de las líneas del rico decorado que lo caracteriza, en combinación con formas geométricamente simples y expresivas de grandes volúmenes, atrajo a artistas y arquitectos con frescura y novedad.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - la estrella de la modernidad arquitectónica rusa. Su talento le dio rasgos nacionales a un estilo esencialmente cosmopolita, las obras maestras de Shekhtel, la estación de tren Yaroslavsky, la mansión Ryabushinsky, son creaciones del arquitecto ruso, tanto en general como en pequeñas cosas.

Vanguardia prerrevolucionaria

El proceso de búsqueda de nuevas formas de arte, y más -su nueva esencia- fue relevante para el arte de toda Europa y América. El arte de Rusia en el siglo XX contiene varios períodos verdaderamente revolucionarios, cuando el trabajo de varios reformadores indicó nuevas direcciones en el desarrollo del pensamiento artístico. Uno de los más llamativos e impresionantes fue el período interrevolucionario de 1905 a 1917. Las peculiaridades del arte de vanguardia en Rusia fueron causadas por la crisis de la vida pública rusa después de las tragedias de la Guerra Ruso-Japonesa y la Revolución de 1905.

Numerosos movimientos de vanguardia y asociaciones creativas que surgieron en ese momento tenían causas generativas similares y objetivos similares de búsqueda artística. Teniendo una poderosa influencia en los principales tipos de arte del siglo XX en Rusia, los futuristas y cubo-futuristas, el "Jota de Diamantes" y la "Rosa Azul", Kandinsky y el Suprematismo de Malevich buscaron nuevos mundos de varias maneras, expresaron la La crisis del arte antiguo que había perdido contacto con la realidad, anticipó el inicio de una era de convulsiones globales.

Entre las nuevas ideas nacidas de los artistas de vanguardia se encontraba el pensamiento de Rusia en el siglo XX, que contiene páginas como la famosa actuación: el manifiesto del nuevo arte "Victoria sobre el sol" (1913). Fue el resultado del trabajo conjunto de los poetas futuristas M. Matyushin, V. Khlebnikov, y la decoración fue realizada por Kazimir Malevich.

Los artistas P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, quienes enriquecieron el arte de Rusia en el siglo XX con sus búsquedas, se convirtieron en autores de pinturas que recibieron reconocimiento mundial. Y este reconocimiento comenzó allá por los años 10 del siglo XX, en la época del nacimiento de la pintura de vanguardia en la historia moderna.

Después de la Revolución de Octubre, Rusia tuvo la oportunidad de abrir nuevos horizontes al mundo entero en la vida pública, incluso en el arte. Y al principio se crearon las condiciones cuando el valor de cada persona dotada creció inconmensurablemente, surgieron generadores de nuevas ideas creativas.

¿Cómo interpreta la historia del arte esa época? El siglo XX, Rusia, los turbulentos años veinte: esta es una vida artística activa sin precedentes de numerosas asociaciones creativas, entre las que se destacan:

UNOVIS - "Afirmativa del nuevo arte" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Fundada sobre la base de la escuela de arte de Vitebsk, esta asociación fue apologista de la vanguardia artística y se ofreció a buscar nuevos temas y formas para el arte.

- "Cuatro Artes" - un flujo en línea con el "Mundo del Arte" El objetivo principal es mostrar las enormes posibilidades expresivas de la arquitectura, la escultura, la gráfica y la pintura. Se declaró la necesidad de una alta profesionalidad y libertad creativa. Los representantes más destacados: el arquitecto A. V. Shchusev, el artista gráfico V. A. Favorsky, el escultor V. I. Mukhina, los pintores K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva y otros.

- "OST", "Sociedad de artistas de caballete". Consideró principal mostrar los signos del inicio de una nueva vida pacífica, la construcción de un país joven y moderno por medio de un estilo expresivo avanzado, pero simple y claro. Líderes: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Círculo de Artistas" (Leningrado). Siguiendo el curso oficial, desarrollando el "estilo de la época". Miembros activos del grupo: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria" - una asociación que se convirtió en la base de la Unión de Artistas de la URSS creada posteriormente, un conductor activo de direcciones para el liderazgo ideológico del proceso artístico, un instrumento de propaganda del partido, los herederos de los Errantes. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson estaban a la cabeza.

constructivismo

En los programas de los más prestigiosos Instituciones educacionales preparando arquitectos, siempre hay un estudio sobre el tema "Constructivismo ruso: la vanguardia arquitectónica de los años 20". Gran importancia tiene para la comprensión del arte de la construcción, las ideas proclamadas por los líderes de esa dirección son muy relevantes para cualquier momento. Los edificios sobrevivientes de Konstantin Melnikov (el edificio residencial del arquitecto en Krivoarbatsky Lane, el club de Rusakov en Stromynka, un garaje en la calle Novoryazanskaya, etc.), los hermanos Vesnin, Moses Ginzburg (Casa Narkomfin en Novinsky Boulevard) y otras estrellas de la arquitectura rusa son el fondo dorado de la arquitectura rusa.

El funcionalismo, el rechazo de los adornos innecesarios, la estética de la estructura del edificio, la armonía del entorno de vida creado: estas ideas se convirtieron en la base para resolver nuevos problemas planteados a jóvenes arquitectos, artistas y especialistas en el campo que comenzó a llamarse diseño industrial. . Tuvieron que construir viviendas masivas para las nuevas ciudades, clubes de trabajadores para el desarrollo integral del individuo, crear espacios para el trabajo y la recreación de una nueva persona. Los asombrosos logros de la vanguardia de los años veinte no se pueden pasar por alto, el estudio del arte de Rusia, Europa y América de todos los tiempos posteriores se basa en gran medida en ellos. Es triste que estas ideas progresistas hayan resultado ser las menos solicitadas en su tierra natal, y muchos consideran que el "estilo del Imperio de Stalin" es el mayor logro de la arquitectura soviética.

El arte de la era del totalitarismo

En 1932, se emitió el Decreto del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión sobre el trabajo de las asociaciones creativas. La época turbulenta de varias corrientes y direcciones terminó bajo la influencia de la máquina estatal, que ganó poder, controlada por el aparato ideológico, en el que el poder único se fortalecía. Durante muchos años, el arte de Rusia en el siglo XX, como gran parte de la vida del país, comenzó a depender de la opinión de una persona: Joseph Stalin.

Las uniones creativas se han convertido en un medio para subordinar el pensamiento artístico a normas ideológicas uniformes. Llegó la era del socialismo, poco a poco, cualquier desviación del rumbo oficial comenzó a ser declarada criminal, los que no estaban de acuerdo cayeron bajo una verdadera represión. Las acusaciones de desviarse de la línea del partido se convirtieron en un método para resolver discusiones creativas. La progresividad de esto es muy cuestionable. ¿Cómo, por ejemplo, se habría desarrollado el arte teatral de Rusia en el siglo XX si el gran reformador escénico Vsevolod Meyerhold no hubiera sido víctima de la represión?

La naturaleza del talento artístico es compleja e inexplicable. Las imágenes de los líderes fueron plasmadas con gran destreza y sentimiento sincero. Ninguna de las represiones más brutales pudo evitar el surgimiento de artistas verdaderamente talentosos, para quienes la autoexpresión era lo principal, independientemente del marco ideológico.

En arquitectura, ha llegado el momento del "imperio estalinista". La búsqueda de artistas de vanguardia fue reemplazada por un retorno a los cánones probados. El poder de la ideología comunista se materializó en ejemplos espectaculares de neoclasicismo reelaborado: los "rascacielos" de Stalin.

Arte de la época de la guerra.

Hay un momento en la historia de nuestro país que se ha convertido en la mayor tragedia y en una etapa de auge espiritual sin precedentes. El arte de Rusia en el siglo 20-21 recibió uno de los temas principales que permitieron expresar la grandeza del carácter popular ruso, la profundidad de los sentimientos que pueden apoderarse de las masas individuales y enormes durante los cambios históricos.

La Gran Guerra Patriótica desde los primeros días encontró expresión en imágenes visuales de asombroso poder. Póster I. Toidze "¡La patria llama!" elevado a la defensa del país mejor que cualquier comandante, y la "Defensa de Sebastopol" de Deineka sorprende a cualquier persona, independientemente de las ideas que comparta. La Séptima Sinfonía de Dmitri Shostakovich es igual de impresionante, y el arte musical de Rusia en el siglo XX, no menos que otros tipos de creatividad, rindió homenaje al tema de la guerra contra el fascismo.

Deshielo

Después de la Gran Victoria, el siguiente factor histórico más poderoso que influyó en la vida pública de la URSS fue la muerte de Stalin (marzo de 1953) y el XX Congreso del PCUS, que planteó la cuestión de exponer el culto a la personalidad. Durante algún tiempo, tanto para los artistas como para toda la sociedad, hubo un soplo de libertad de creatividad y de nuevas ideas. La generación de los “sesenta” es un fenómeno muy específico, dejó un recuerdo de sí mismo como un pequeño soplo de aire fresco tomado antes de volver a sumergirse durante décadas en el pantano de una existencia medida, programada, regulada.

Los primeros experimentos de la vanguardia artística de la "segunda ola", las obras de E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky y otros, en la exposición dedicada al 30 aniversario de Moscú. rama de la Unión de Artistas, fueron duramente condenados personalmente por el nuevo líder del país N Jruschov. El partido nuevamente comenzó a explicar a la gente qué tipo de arte necesitaban ya los artistas cómo escribir.

La arquitectura recibió instrucciones de lidiar con los excesos, lo que se explica con razón por las dificultades económicas de la posguerra, llegó el momento de la construcción masiva de viviendas, la época de "Khrushchev", que quitó un poco la agudeza del problema de la vivienda, pero desfiguró la aparición de muchas ciudades.

El arte del "socialismo desarrollado"

En muchos sentidos, el arte de Rusia en la segunda mitad del siglo XX es en gran parte una historia de confrontación entre una personalidad artística y la ideología dominante. Pero incluso en una atmósfera de regulación ideológica de cada pieza del espacio espiritual, muchos artistas encontraron formas de modificar ligeramente el método prescrito por el realismo socialista.

Entonces, un verdadero ejemplo para los jóvenes fueron los maestros que formaron sus convicciones en los años veinte: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov y otros. La imagen del ex miembro de la asociación de arte "OST" Y. Pimenov "Boda en la calle de mañana", escrita en 1962, se convirtió en un símbolo de las esperanzas de renovación de la sociedad.

Otro fenómeno sorprendente en la pintura soviética de esa época fue la formación de un "estilo severo". Este término denota el trabajo de G. Korzhov, P. Ossovsky, los hermanos Smolin, P. Nikonov y otros En sus pinturas, escritas en diferentes géneros (cotidianos, históricos), apareció un héroe que no necesitaba instrucciones, ocupado con un negocio comprensible y necesario. Fue representado sin detalles innecesarios y adornos coloristas, con capacidad y expresividad.

De particular importancia es el trabajo de tal maestro, ya que el sonido cívico de sus lienzos contiene un mensaje humanista, casi religioso, raro en el arte soviético, y el estilo de pintura tiene raíces en el Renacimiento italiano.

inconformismo

El dominio oficial del "realismo socialista" obligó a los artistas informales a encontrar su camino hacia la audiencia o recurrir a la emigración. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny y muchos otros se fueron. Estos fueron artistas del siglo XX en Rusia, que fueron los portadores de valores espirituales nacidos por la vanguardia de principios de siglo, y que regresaron a su tierra natal después del colapso de la ideología comunista.

Y durante su reinado apareció la emigración interna, dando lugar al motivo popular de un artista loco, eternamente borracho, habitante de hospitales psiquiátricos, perseguido por las autoridades y la dirección de los gremios creativos, pero muy valorado por los expertos occidentales independientes. Un portador típico de tal imagen fue A. Zverev, una figura legendaria para Moscú en la era del socialismo desarrollado.

Poliestilística y pluralismo

Habiéndose liberado de los dictados estatales de la era soviética, las bellas artes del siglo XX en Rusia entraron en el proceso global como parte inseparable de él, con propiedades y tendencias comunes. Muchas formas de creatividad, conocidas en Occidente durante mucho tiempo, fueron dominadas rápidamente por artistas nacionales. Las palabras "performance", "videoinstalación", etc. se han vuelto familiares en nuestro discurso, y entre los maestros contemporáneos más importantes con fama mundial se encuentran artistas de puntos de vista diametrales en términos de direcciones: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev, A. Burganov y muchos otros.

La tormentosa e impredecible historia reciente del país, que ocupa una sexta parte del territorio terrestre, se mira en su espejo -el arte de Rusia del siglo XX- y se refleja en él con miles de imágenes inolvidables...

1. Arte de Rusia a finales del siglo XX. La última década del siglo XX en Rusia estuvo llena de acontecimientos políticos y económicos que cambiaron radicalmente la situación del país. El colapso de la Unión en 1991 y un cambio de rumbo político, la transición a las relaciones de mercado y una clara orientación hacia el modelo occidental de desarrollo económico, y finalmente el debilitamiento, hasta la completa abolición, del control ideológico - todo esto en el principios de la década de 1990 contribuyeron al hecho de que el entorno cultural comenzó a cambiar rápidamente. La liberalización y democratización del país contribuyó al desarrollo y establecimiento de nuevas tendencias y direcciones en el arte nacional. La evolución del arte en la década de 1990 en Rusia tiene lugar con el surgimiento de tendencias inherentes al posmodernismo, con el surgimiento de una nueva generación de artistas jóvenes que trabajan en áreas tales como, conceptualismo, infografía, neoclasicismo relacionados con el desarrollo de la tecnología informática en Rusia. Con origen en el eclecticismo clásico, el "nuevo neoclasicismo ruso" se convirtió en un "diamante multifacético", combinando varias tendencias que no pertenecían a los "clásicos" antes de la era del modernismo. neoclasicismo- esta es una dirección en el arte en la que los artistas reviven las tradiciones clásicas de pintura, gráficos, escultura, pero al mismo tiempo utilizan activamente las últimas tecnologías. historiador y teórico del arte británico edward lucy smith llamó al neoclasicismo ruso "el primer fenómeno sorprendente de la cultura rusa que influyó en el proceso artístico mundial después de Kazimir Malevich". El neoclasicismo exigió una actitud diferente hacia la antigüedad que la de los clasicistas. mirada histórica a cultura griega hizo de las obras antiguas no un ideal histórico absoluto, sino concreto, por lo tanto, la imitación de los griegos adquirió un significado diferente: en la percepción del arte antiguo, no fue su normatividad lo que pasó a primer plano, sino la libertad, la condicionalidad de las reglas que luego se convertiría en el canon, la vida real del pueblo. DV Sarabyanov considera que el neoclasicismo es una especie de "complicación" de la modernidad. Con la misma probabilidad, el neoclasicismo puede considerarse tanto moderno tardío como una tendencia independiente. En el trabajo de los "nuevos artistas" no hay una modernidad pura o un neoclasicismo separado, siempre actúan interconectados, los artistas de la nueva academia combinaron varias tendencias en las artes visuales a la vez: vanguardia, posmodernismo, clasicismo en el " espacio de collage". Las obras de los "nuevos artistas" son eclécticas y combinan infografía, grabado, pintura y fotografía. Los artistas digitalizaron obras terminadas, seleccionaron los fragmentos necesarios y crearon collages, restaurando magistralmente el vestuario y la decoración de la antigüedad. Combinación métodos tradicionales con las capacidades de los programas de gráficos por computadora han ampliado el potencial creativo de los artistas. Se ensamblaron collages a partir del material escaneado, se les aplicaron efectos especiales artísticos, se deformaron y se crearon composiciones ilusorias. Los representantes más destacados del neoclasicismo de San Petersburgo a principios de la década de 1990 fueron O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. neoclasicismo toberloots es una de las manifestaciones del romanticismo. Sus obras encarnan los sentimientos de una persona, los sueños, la nobleza, algo entusiasta y convertido en un ideal irrealizable. . La propia artista se convierte en la heroína de sus obras. Estilísticamente, el trabajo de O. Toberluts se puede definir como neoclasicismo, pasado por la conciencia posmoderna, como un mundo ecléctico, que representa templos antiguos, interiores renacentistas, molinos de viento holandeses y vestuario del diseñador K. Goncharov como un toque de modernidad. Las ilimitadas posibilidades de la infografía hacen que las obras de O.Tobreluts sean fantásticas y sobrenaturales. Con la ayuda de la tecnología informática. E.Sheff regresa a la antigua Grecia, luego a la antigua Roma, creando imágenes de la mitología antigua en sus collages. En series "Mitos de Ludwig" el artista utilizó fotografías de esculturas griegas, estructuras arquitectónicas, superponiendo los efectos de la antigüedad en ellas. Con la ayuda de la tecnología informática, el artista restaura la originalidad del Coliseo y realiza emocionantes excursiones a su alrededor. Pintura digital Shutov representa el equivalente emocional de sus muchas aficiones. Contiene tanto clásicos griegos como ecos de la investigación etnográfica, así como elementos de la subcultura juvenil.Así, se puede señalar que el final del siglo XX fue un punto de inflexión no solo en la vida política y económica de Rusia, sino también en arte. En la década de 1990, se fundó una poderosa tendencia en las artes visuales, el "nuevo neoclasicismo ruso". El desarrollo de las tecnologías informáticas en Rusia amplió el potencial creativo de los artistas, nuevos artistas, utilizando nuevas tecnologías, crearon obras clásicas. Lo principal no es la técnica y la tecnología, sino la estética. El arte moderno también puede ser clásico. 2. El arte de Rusia a principios del siglo XXI. Una característica de las bellas artes entre los siglos XX y XXI es que se liberó de la opresión de la censura, de la influencia del estado, pero no de una economía de mercado. Si en la época soviética los artistas profesionales recibían un paquete de garantías sociales, sus pinturas se compraban para exposiciones y galerías nacionales, pero ahora solo pueden confiar en sus propias fuerzas. Pero la pintura rusa no ha muerto y se ha convertido en una apariencia de arte europeo occidental y estadounidense, continúa desarrollándose sobre la base de las tradiciones rusas. El arte contemporáneo es exhibido por galerías de arte contemporáneo, coleccionistas privados, corporaciones comerciales, organizaciones de arte estatales, museos de arte contemporáneo, estudios de arte o por los propios artistas en el espacio dirigido por artistas. Los artistas contemporáneos reciben apoyo económico a través de becas, reconocimientos y premios, y también reciben fondos por la venta de su obra. La práctica rusa es algo diferente a este respecto de la práctica occidental. Museos, Bienales, festivales y ferias de arte contemporáneo se están convirtiendo paulatinamente en herramientas de atracción de capital, inversión en el negocio turístico o parte de la política de gobierno. Los coleccionistas privados tienen una gran influencia en todo el sistema del arte contemporáneo. En Rusia, una de las mayores colecciones de arte contemporáneo se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Erarta, no estatal, en San Petersburgo. Tendencias en el arte contemporáneo: Arte no espectacular- una tendencia en el arte contemporáneo que rechaza el espectáculo y la teatralidad. Un ejemplo de este tipo de arte es la actuación del artista polaco Pavel Althamer "Script Outline", en la exposición "Manifesta" en 2000. En Rusia, ofreció su propia versión del arte no espectacular. Anatoly Osmolovsky Arte callejero(Inglés) arte callejero- arte callejero) - bellas artes, una característica distintiva de las cuales es un estilo urbano pronunciado. La parte principal del arte callejero es el graffiti (de lo contrario, el arte en aerosol), pero no se puede considerar que el arte callejero sea graffiti. El arte callejero también incluye carteles (no comerciales), plantillas, varias instalaciones escultóricas, etc. En el arte callejero, cada detalle, bagatela, sombra, color, línea es importante. El artista crea su propio logotipo estilizado, un "signo único" y lo representa en partes del paisaje urbano. Lo más importante en el street art no es apropiarse de territorio, sino involucrar al espectador en un diálogo y mostrar un programa argumental diferente. La última década marca la diversidad de rumbos que elige el street art. Admirando a la generación anterior, los escritores jóvenes son conscientes de la importancia de desarrollar su propio estilo. De esta manera, nuevas ramas están surgiendo, augurando un rico futuro para el movimiento. Las nuevas formas diversas de arte callejero a veces superan en alcance todo lo que se ha creado antes. Aerografía - una de las técnicas de pintura de las bellas artes, que utiliza el aerógrafo como herramienta para aplicar tinte líquido o en polvo mediante aire comprimido sobre cualquier superficie. También se puede utilizar una pintura en aerosol. Debido al uso generalizado de la aerografía y la aparición de una gran cantidad de pinturas y composiciones diferentes, la aerografía ha recibido un nuevo impulso para el desarrollo. Ahora la aerografía se utiliza para crear pinturas, retoques fotográficos, taxidermia, modelado, pintura textil, pintura mural, arte corporal, pintura de uñas, pintura de souvenirs y juguetes, pintura de platos. A menudo se usa para hacer dibujos en automóviles, motocicletas, otros equipos, en impresión, en diseño, etc. Debido a la capa delgada de pintura y la capacidad de rociarla suavemente sobre la superficie, es posible lograr excelentes efectos decorativos. tales como transiciones de color suaves, tridimensionalidad, realismo fotográfico de la imagen resultante, imitación de una textura rugosa con una suavidad de superficie ideal.

Temas y preguntas de seminarios;

Tema 1. Conceptos básicos de historia del arte e historia del arte.

Preguntas:

1. El problema de la clasificación de las artes.

2. El concepto de "obra de arte". El surgimiento y tarea de una obra de arte. Trabajo y arte.

3. Esencia, fines, tareas del arte.

4.Funciones y significado del art.

5. El concepto de "estilo". El estilo artístico y su época.

6. Clasificación de los arts.

7. La historia del surgimiento y formación de la historia del arte.

Temas para la discusión:

1. Hay 5 definiciones de arte. ¿Qué es característico de cada uno de ellos? ¿Qué definición sigues? ¿Puedes formular tu definición de arte?

2. ¿Cuál es el propósito del arte?

3. ¿Cómo puedes definir una obra de arte? ¿Cómo coexisten "obra de arte" y "obra de arte"? Explicar el proceso de aparición de una obra de arte (según I. Diez). ¿Cuál es la tarea de una obra de arte (según P.P. Gnedich)?

4. Enumere las 4 funciones principales del arte (según I.P. Nikitina) y cuatro

posible comprensión del significado del art.

5. Definir el significado del concepto de "estilo". ¿Qué estilos de arte europeo conoces? ¿Qué es "estilo artístico", "espacio artístico"?

6. Enumerar y dar una breve descripción de los tipos de arte: artes espaciales, temporales, espacio-temporales y espectaculares.

7. ¿Cuál es el objeto de la historia del arte?

8. ¿Cuál crees que es el papel de los museos, exposiciones, galerías, bibliotecas para el estudio de las obras de historia del arte?

9. Características del pensamiento antiguo sobre el arte: Información sobreviviente sobre los primeros ejemplos de literatura sobre arte ("Canon" de Polykleitos, tratados de Duris, Xenocrates). Dirección "topográfica" en la literatura sobre arte: "Descripción de Hellas" de Pausanias. Descripción de obras de arte de Lucian. El concepto pitagórico de "cosmos" como un todo armonioso, sujeto a las leyes de "armonía y número" y su significado para los inicios de la teoría de la arquitectura. La idea de orden y proporción en la arquitectura y el urbanismo. Las imágenes de la ciudad ideal en los escritos de Platón (el libro sexto de las Leyes, el diálogo Critias) y Aristóteles (el libro séptimo de la Política). Entendiendo el Arte en la Antigua Roma. "Historia Natural" de Plinio el Viejo (siglo I d. C.) como principal fuente de información sobre la historia del arte antiguo. Tratado de Vitruvio: una exposición sistemática de la teoría arquitectónica clásica.

10. El destino de las tradiciones antiguas en la Edad Media y las características de las ideas medievales sobre el arte: puntos de vista estéticos de la Edad Media (Agustín, Tomás de Aquino), la idea estética principal: Dios es la fuente de la belleza (Agustín) y su significado para teoría y práctica artística. La idea de "prototipo". Características de la literatura medieval sobre el arte. Manuales de prescripción práctico-tecnológicos: “Guía de pintores” del monte Afaon Dionysius Furnagrafiot, “Sobre los colores y las artes de los romanos” de Heraclio, “Schedula” (Schedula - Student) de Teófilo. Descripción de monumentos arquitectónicos en crónicas y vidas de santos.

11. El Renacimiento como punto de inflexión en la historia del desarrollo del arte europeo y la historia del arte. Nueva actitud ante la antigüedad (el estudio de los monumentos de la antigüedad). El desarrollo de una cosmovisión secular y el surgimiento de la ciencia experimental. Formación de una tendencia hacia la interpretación histórica y crítica de los fenómenos del arte: "Comentarios" de Lorenzo Ghiberti Tratados sobre temas especiales: planificación urbana (Filaret), proporciones en arquitectura (Francesco di Giorgio), perspectiva en pintura (Piero dela Francesca). Comprensión teórica del punto de inflexión renacentista en el desarrollo del arte y la experiencia del estudio humanístico del patrimonio antiguo en los tratados de Leon Batista Alberti (“Sobre la estatua”, 1435, “Sobre la pintura”, 1435-36, “Sobre la arquitectura ”), Leonardo da Vinci (“Tratado de pintura”, publicado póstumamente), Albrecht Dürer (Cuatro libros sobre las proporciones humanas, 1528). Crítica a la teoría arquitectónica de Vitruvio en "Ten Books on Architecture" (1485) de Leon Baptiste Alberti. La "Academia del Valor" de Vitruvio y sus actividades en el estudio y traducción de la obra de Vitruvio. Tratado de Giacomo da Vignola "La regla de los cinco órdenes de la arquitectura" (1562). Four Books on Architecture (1570) de Andrea Palladio es un epílogo clásico en la historia de la arquitectura renacentista. El papel de Palladio en el desarrollo de las ideas arquitectónicas del barroco y el clasicismo. Palladio y el palladianismo.

12. Las principales etapas en la formación de la historia histórica del arte en la época moderna: de Vasari a Winckelmann: "Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más destacados" Giorgio Vasari (1550, 1568) como obra hito en la historia de la formación de la crítica de arte. "El libro de los artistas" de Karel Van Mander como continuación de las biografías de Vasari basadas en el material de la pintura holandesa.

13. Pensadores del siglo XVIII sobre los problemas de la formación del estilo en el arte, sobre los métodos artísticos, el lugar y el papel del artista en la sociedad: el racionalismo en la historia del arte. La teoría clásica de Nicolás Poussin. El programa teórico del clasicismo en el "Arte poético" de Nicolás Buallo (1674) y "Conversaciones sobre los pintores más famosos, viejos y nuevos" de A. Feliben (1666-1688).

14. Siglo de las Luces (siglo XVIII) y problemas teóricos y metodológicos del arte. Formación de escuelas nacionales en el marco de la teoría general del arte. Desarrollo de la crítica de arte en Francia. El papel de los Salones en la vida artística francesa. Reseñas de los Salones como principales formas de literatura crítica sobre las bellas artes. Disputas sobre las tareas de la crítica de arte (evaluación de la creatividad o educación del público). Características de la historia del arte alemán. Contribución a la teoría de las bellas artes de Gotthold Ephraim Lessing. Tratado "Laocoonte" (1766) y el problema de los límites de la pintura y la poesía. Introducción del concepto de "bellas artes" en lugar de "bellas artes" (cambiando el énfasis de la belleza a la verdad y destacando la función figurativo-realista del arte). El significado de las actividades de Johann Joachim Winckelmann para el desarrollo de la ciencia histórica del arte. El concepto de arte antiguo de Winckelmann y la periodización de su desarrollo.

15. Orígenes del pensamiento ruso sobre el arte. Información sobre artistas y monumentos artísticos en crónicas medievales rusas y fuentes epistolares. Plantear interrogantes sobre el arte en la vida social y política del siglo XVI. (Catedral Stoglavy de 1551 y otras catedrales) como evidencia del despertar del pensamiento crítico y la lucha de varias tendencias ideológicas.

16. Un cambio radical en el arte ruso del siglo XVII: la formación de los comienzos de una cosmovisión secular y el primer conocimiento de las formas europeas de cultura artística. Formación del pensamiento artístico y teórico. Capítulo "Sobre la iconografía" en la "Vida" de Avvakum. "Ensayo sobre el arte" de Joseph Vladimirov (1665-1666) y "Palabra a la pintura de iconos curiosos" de Simon Ushakov (1666-1667) son las primeras obras rusas sobre la teoría del arte.

17. Formación activa de nuevas formas seculares de cultura en el siglo XVIII. notas

J. von Stehlin es el primer intento de crear una historia del arte ruso.

18. Nueva comprensión romántica del arte en artículos críticos de K.N. Batyushkova, N. I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoievski, D.V. Venevitinova, N. V. Gogol.

19. Historia del arte de finales del siglo XIX y XX: intentos de sintetizar los logros de la escuela formal con los conceptos de sus críticos - "ciencia estructural" de los estilos artísticos. Enfoque semiótico en la historia del arte. Características del estudio semiótico de obras de bellas artes en las obras de Yu.M. Lotman, SM Daniel, BA Uspensky. La variedad de métodos para estudiar el arte en la ciencia doméstica moderna. Principios de análisis de una obra de arte y un enfoque problemático para el estudio de la historia del arte en las obras de M. Alpatov ("Problemas artísticos del arte de la antigua Grecia", "Problemas artísticos del Renacimiento italiano"). Síntesis de enfoques metodológicos (estilístico formal, iconográfico, iconológico, sociológico) por V. Lazarev. Método de investigación histórico-comparativo en las obras de D. Sarabyanov ("La pintura rusa del siglo XIX entre las escuelas europeas. La experiencia de la investigación comparativa"). Aproximación sistemática al arte y sus características.

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8. Janson H. V. Fundamentos de la historia del arte. – M.: Arte, 2001.

Tema 2. Arte del Mundo Antiguo. Arte de la era del primitivo sistema comunal y del Antiguo Oriente.

Preguntas:

1. Periodización del arte de la sociedad primitiva. Características del arte primitivo de la época: Paleolítico, Mesolítico, Neolítico, Bronce.

2. El concepto de sincretismo en el arte primitivo, sus ejemplos.

3. Leyes generales y principios del arte del Antiguo Oriente.

4. Arte de la antigua Mesopotamia.

5. El arte de los antiguos sumerios.

6. Arte de la antigua Babilonia y Asiria.

Temas para la discusión:

1. Dé una breve descripción de la periodización del arte primitivo. ¿Cuáles son las características del arte de cada época?

2. Describir las principales características del arte primitivo: sincretismo, fetichismo, animismo, totemismo.

3. Comparar los cánones en la representación de una persona en el arte del antiguo Oriente (Egipto y Mesopotamia).

4. ¿Cuáles son las características de las bellas artes de la antigua Mesopotamia?

5. Cuéntenos sobre la arquitectura de Mesopotamia en el ejemplo de monumentos específicos:

el zigurat de Etemenniguru en Ur y el zigurat de Etemenanki en Nueva Babilonia.

6. Cuéntenos sobre la escultura de Mesopotamia en el ejemplo de monumentos específicos: las paredes a lo largo del Camino de la Procesión, la Puerta de Ishtar, los relieves del Palacio Ashurnasirpal en

7. ¿Cuál es el tema de los relieves escultóricos de Mesopotamia?

8. ¿Cuál era el nombre de los primeros monumentos arquitectónicos babilónicos? ¿Cuál fue su

¿cita?

9. ¿Cuál es la peculiaridad de la cosmogonía de la cultura sumero-acadia?

10. Haz una lista de los logros en el arte de la civilización sumerio-acadia.

1. Vinogradova N.A. Arte tradicional de Oriente. - M.: Arte, 1997.

2. Dmitrieva N. A. Cuento letras. Asunto. 1: Desde la antigüedad hasta el siglo XVI. Ensayos. – M.: Arte, 1985.

3. Arte del Antiguo Oriente (Monumentos del arte mundial). – M.: Arte, 1968.

4. Arte del Antiguo Egipto. Pintura, escultura, arquitectura, artes aplicadas. – M.: Artes Visuales, 1972.

5. Arte del Mundo Antiguo. – M.: 2001.

6. Historia del arte. Las primeras civilizaciones - Barcelona-Moscú: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Monumentos del arte mundial. Número III, primera serie. Arte del Antiguo Oriente. - M.: Arte, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Fundamentos estéticos del arte del antiguo Egipto. – M.: Arte, 1985.

9. Stolyar AD Origen de las bellas artes. – M.: Arte, 1985.

Este artículo contiene una breve descripción de los principales estilos artísticos del siglo XX. Será útil conocer tanto a artistas como a diseñadores.

Modernismo (del francés moderne modern)

en el arte, el nombre acumulativo de las tendencias artísticas que se establecieron en la segunda mitad del siglo XIX en forma de nuevas formas de creatividad, donde prevalecía no tanto la adhesión al espíritu de la naturaleza y la tradición, sino la visión libre del maestro , libre de cambiar el mundo visible a su discreción, siguiendo una impresión personal, una idea interior o un sueño místico (estas tendencias continuaron en gran medida la línea del romanticismo). El impresionismo, el simbolismo y el modernismo fueron sus direcciones más significativas, a menudo interactuando activamente.En la crítica soviética, el concepto de "modernismo" se aplicó antihistóricamente a todos los movimientos artísticos del siglo XX que no correspondían a los cánones del realismo socialista. .

abstraccionismo(arte bajo el signo de "formas cero", arte no objetivo): una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, negándose por completo a reproducir las formas del mundo visible real. Se considera que los fundadores del abstraccionismo son V. Kandinsky, P. Mondrian y K. Malevich. W. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando los puntos impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su inutilidad a través de la estilización geométrica de la naturaleza, iniciada por Cézanne y los cubistas. Las tendencias modernistas del siglo XX, centradas en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo se mantienen dentro del marco del arte. La historia del arte con la llegada del abstraccionismo experimentó una revolución. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su obra posterior Philebus, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, en contraste con la belleza de las formas naturales “irregulares”, según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.

futurismo- tendencia literaria y artística en el arte de la década de 1910. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Una importante idea artística del futurismo fue la búsqueda de una expresión plástica de la rapidez del movimiento como principal signo del ritmo de la vida moderna. La versión rusa del futurismo se denominó kybofuturismo y se basó en una combinación de los principios plásticos del cubismo francés y las instalaciones estéticas generales europeas del futurismo. Utilizando intersecciones, cambios, colisiones e influjos de formas, los artistas intentaron expresar la aplastante pluralidad de impresiones de una persona contemporánea, un habitante de la ciudad.

Cubismo- "la revolución artística más completa y radical desde el Renacimiento" (J. Golding). Artistas: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubismo francés, de cubo - cubo) una dirección en el arte del primer cuarto del siglo XX. El lenguaje plástico del cubismo se basaba en la deformación y descomposición de los objetos en planos geométricos, el desplazamiento plástico de la forma. Muchos artistas rusos han sentido fascinación por el cubismo, a menudo combinando sus principios con las técnicas de otras tendencias artísticas modernas: el futurismo y el primitivismo. El cubofuturismo se convirtió en una variante específica de la interpretación del cubismo en suelo ruso.

Purismo- (purisme francés, del latín purus - limpio) una tendencia en la pintura francesa de finales de los años 10 y 20. Los principales representantes son el artista. A. Ozanfan y arquitecto C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Rechazando las tendencias decorativas del cubismo y otros movimientos de vanguardia de la década de 1910, la deformación de la naturaleza que adoptaron, los puristas se esforzaron por una transferencia ordenada racionalmente de formas de objetos estables y concisas, como si "limpiaran" los detalles, a la imagen de Elementos “primarios”. Las obras de los puristas se caracterizan por la planitud, el ritmo suave de las siluetas ligeras y los contornos de los objetos del mismo tipo (jarras, vasos, etc.). Al no haber recibido desarrollo en formas de caballete, los principios artísticos esencialmente repensados ​​del purismo se reflejaron parcialmente en la arquitectura moderna, principalmente en los edificios de Le Corbusier.

serrealismo- un movimiento cosmopolita en literatura, pintura y cine que surgió en 1924 en Francia y terminó oficialmente su existencia en 1969. Contribuyó en gran medida a la formación de la conciencia del hombre moderno. Las principales figuras del movimiento. andré bretón- escritor, líder e inspirador ideológico del movimiento, Luis Aragón- uno de los fundadores del surrealismo, quien de una manera extraña luego se transformó en un cantante del comunismo, Salvador Dalí- artista, teórico, poeta, guionista, que definió la esencia del movimiento con las palabras: "¡El surrealismo soy yo!", un director de fotografía sumamente surrealista luis buñuel, artista Juan Miro- "la pluma más hermosa del sombrero del surrealismo", como la llamó Breton, y muchos otros artistas de todo el mundo.

fauvismo(del francés les fauves - salvaje (animales)) Dirección local en la pintura temprana. siglo 20 El nombre F. fue dado en burla a un grupo de jóvenes artistas parisinos ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), quienes participaron conjuntamente en una serie de exposiciones en 1905-1907, después de su primera exposición en 1905. El nombre fue adoptado por el propio grupo y se estableció firmemente detrás de él. La dirección no tuvo un programa claramente formulado, un manifiesto o una teoría propia y duró poco, dejando, sin embargo, una huella notable en la historia del arte. Sus participantes estaban unidos en esos años por el deseo de crear imágenes artísticas exclusivamente con la ayuda de un color abierto extremadamente brillante. Desarrollo de los logros artísticos de los postimpresionistas ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), apoyándose en algunas técnicas formales del arte medieval (vidrieras, arte románico) y el grabado japonés, populares en los círculos artísticos de Francia desde la época de los impresionistas, los fauvistas buscaron maximizar el uso de las posibilidades colorísticas de la pintura.

Expresionismo(de la expresión francesa - expresividad) - una tendencia modernista en el arte de Europa occidental, principalmente en Alemania, el primer tercio del siglo XX, que se desarrolló en un período histórico determinado, en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La base ideológica del expresionismo fue una protesta individualista contra el mundo feo, la creciente alienación del hombre del mundo, los sentimientos de falta de hogar, el colapso y la desintegración de aquellos principios sobre los que la cultura europea parecía descansar tan firmemente. Los expresionistas tienden a gravitar hacia el misticismo y el pesimismo. Técnicas artísticas características del expresionismo: el rechazo del espacio ilusorio, el deseo de una interpretación plana de los objetos, la deformación de los objetos, el amor por las disonancias cromáticas nítidas, un color especial que encarna el drama apocalíptico. Los artistas percibían la creatividad como una forma de expresar emociones.

Suprematismo(del lat. supremus - más alto, más alto; primero; último, extremo, aparentemente, a través del polaco supremacja - superioridad, supremacía) La dirección del arte de vanguardia del primer tercio del siglo XX, el creador, principal representante y teórico de los cuales era un artista ruso Kazimir Malévich. El término en sí no refleja la esencia del suprematismo. De hecho, en la comprensión de Malevich, esta es una característica estimada. El suprematismo es la etapa más alta en el desarrollo del arte en el camino de la liberación de todo lo no artístico, en el camino hacia la revelación última de lo no objetivo como la esencia de cualquier arte. En este sentido, Malevich también consideró el arte ornamental primitivo como suprematista (o “supremo”). Primero aplicó este término a un gran grupo de sus pinturas (39 o más) que representan abstracciones geométricas, incluido el famoso "Cuadrado negro" sobre un fondo blanco, "Cruz negra", etc., exhibidas en la exposición Futurista de Petrogrado "cero- ten" en 1915. Fue detrás de estas y otras abstracciones geométricas similares que se adjuntó el nombre de Suprematismo, aunque el propio Malevich se refirió a él en muchas de sus obras de los años 20, que exteriormente contenían algunas formas de objetos concretos, especialmente figuras de personas, pero conservaban el “Espíritu suprematista”. Y de hecho, los desarrollos teóricos posteriores de Malevich no dan pie para reducir el Suprematismo (al menos el propio Malevich) sólo a abstracciones geométricas, aunque ellas, por supuesto, constituyen su núcleo, esencia e incluso (blanco y negro y blanco y negro). suprematismo) llevan a la pintura al límite de su existencia en general como forma de arte, es decir, al cero pictórico, más allá del cual ya no hay pintura propiamente dicha. Este camino en la segunda mitad del siglo fue continuado por numerosas direcciones en las actividades artísticas que abandonaron los pinceles, las pinturas y los lienzos.

ruso vanguardia La década de 1910 presenta un panorama bastante complejo. Se caracteriza por un rápido cambio de estilos y tendencias, una abundancia de grupos y asociaciones de artistas, cada uno de los cuales proclamó su propio concepto de creatividad. Algo similar sucedió en la pintura europea de principios de siglo. Sin embargo, la mezcla de estilos, el "desorden" de corrientes y direcciones eran desconocidos para Occidente, donde el movimiento hacia nuevas formas era más consistente. Muchos maestros de la generación más joven se movieron con extraordinaria rapidez de un estilo a otro, de una etapa a otra, del impresionismo a la modernidad, luego al primitivismo, cubismo o expresionismo, pasando por muchos pasos, lo cual era completamente atípico para los maestros de la pintura francesa o alemana. . La situación que se desarrolló en la pintura rusa se debió en gran parte a la atmósfera prerrevolucionaria del país. Ella exacerbó muchas de las contradicciones que eran inherentes a todo el arte europeo en su conjunto, porque. Los artistas rusos estudiaron en modelos europeos, estaban bien familiarizados con varias escuelas y tendencias pictóricas. Una especie de "explosión" rusa en la vida artística desempeñó así un papel histórico. En 1913, fue el arte ruso el que alcanzó nuevas fronteras y horizontes. Apareció un fenómeno completamente nuevo de no objetividad, una línea más allá de la cual los cubistas franceses no se atrevieron a cruzar. Uno por uno cruzan esta línea: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

cubofuturismo Tendencia local en la vanguardia rusa (en pintura y poesía) de principios del siglo XX. En las artes visuales, el cubo-futurismo surge a partir de un replanteamiento de los hallazgos pictóricos, el cubismo, el futurismo y el neoprimitivismo ruso. Las principales obras se crearon en el período 1911-1915. Las pinturas más características del cubo-futurismo surgieron bajo el pincel de K. Malevich, y también fueron escritas por Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Las primeras obras cubo-futuristas de Malevich se exhibieron en la famosa exposición de 1913. "Objetivo", en el que también debutó el luchismo de Larionov. En apariencia, las obras cubo-futuristas tienen algo en común con las composiciones creadas al mismo tiempo por F. Leger y son composiciones semi-objetivas formadas por formas coloreadas volumétricas huecas en forma de cilindro, cono, matraz, concha, a menudo con un brillo metálico. Ya en las primeras obras de este tipo de Malevich, se nota una tendencia a pasar del ritmo natural a los ritmos puramente mecánicos del mundo de las máquinas (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Retrato de Klyun, 1913).

neoplasticismo- una de las primeras variedades de arte abstracto. Fue creado hacia 1917 por el pintor holandés P. Mondrian y otros artistas que formaban parte de la asociación Style. El neoplasticismo se caracteriza, según sus creadores, por el deseo de "armonía universal", expresado en combinaciones estrictamente equilibradas de grandes figuras rectangulares, claramente separadas por líneas negras perpendiculares y pintadas en colores locales del espectro principal (con la adición de blanco y tonos grises). Neoplasticisme (Nouvelle plastique) Este término apareció en Holanda en el siglo XX. Piet Mondrian definió sus conceptos plásticos, sistematizados y defendidos por el grupo y la revista "Style" ("De Stiji") fundada en Leiden en 1917. La característica principal del neoplasticismo fue el uso estricto de los medios expresivos. El neoplasticismo permite que solo se formen líneas horizontales y verticales. Cruzar líneas en ángulo recto es el primer principio. Hacia 1920 se le añadió un segundo que, eliminando el trazo y enfatizando el plano, limita los colores a rojo, azul y amarillo, es decir, tres colores primarios puros a los que sólo se pueden añadir el blanco y el negro. Con la ayuda de este rigor, el neoplasticismo pretendía ir más allá de la individualidad para alcanzar el universalismo y así crear una nueva imagen del mundo.

"bautismo" oficial orfismo sucedió en el Salon des Indépendants en 1913. Así escribió el crítico Roger Allard en su informe sobre el Salón: "... notamos para los futuros historiadores que en 1913 nació una nueva escuela de orfismo ..." ("La Cote" París 19 de marzo de 1913). Otro crítico, Andre Varno, se hizo eco de él: "El Salón de 1913 estuvo marcado por el nacimiento de una nueva escuela de la escuela órfica" ("Comoedia" París, 18 de marzo de 1913). Finalmente Guillermo Apollinaire reforzó esta afirmación exclamando, no sin orgullo: “Esto es orfismo. Aquí, por primera vez, apareció esta tendencia, que yo predije” (“¡Montjoie!” Suplemento de París del 18 de marzo de 1913). De hecho, el término fue inventado Apollinaire(El orfismo como culto a Orfeo) y se anunció públicamente por primera vez durante una conferencia sobre pintura moderna y se leyó en octubre de 1912. ¿Qué quiso decir? Él mismo no parece saberlo. Además, no sabía cómo definir los límites de esta nueva dirección. De hecho, la confusión que prevalece hasta el día de hoy se debió a que Apollinaire confundió inconscientemente dos problemas que están interconectados, por supuesto, pero antes de intentar conectarlos, debería haber enfatizado sus diferencias. Por un lado, la creación Delaunay Medios expresivos pictóricos totalmente basados ​​en el color y, por otro lado, la expansión del cubismo a través de la aparición de varias direcciones diferentes. Después de una ruptura con Marie Laurencin a finales del verano de 1912, Apollinaire buscó refugio en la familia Delaunay, que lo recibió con amistosa comprensión en su taller de la rue Grand-Augustin. Justo este verano, Robert Delaunay y su esposa experimentaron una profunda evolución estética que condujo a lo que más tarde llamó el "período destructivo" de la pintura basada únicamente en las cualidades constructivas y espacio-temporales de los contrastes de color.

Posmodernismo (posmoderno, posvanguardia) -

(del lat. post "después" y modernismo), el nombre colectivo de las tendencias artísticas que se hicieron especialmente claras en la década de 1960 y se caracterizan por una revisión radical de la posición del modernismo y la vanguardia.

expresionismo abstracto etapa de posguerra (finales de los años 40 - 50 del siglo XX) en el desarrollo del arte abstracto. El término en sí fue introducido en la década de 1920 por un crítico de arte alemán. E. von Sydow (E. von Sydow) para referirse a ciertos aspectos del arte expresionista. En 1929, el estadounidense Barr lo utilizó para caracterizar las primeras obras de Kandinsky, y en 1947 llamó a las obras "abstracto-expresionistas". willem de kooning Y abadejo. Desde entonces, el concepto de expresionismo abstracto se ha consolidado detrás de un campo bastante amplio, estilística y técnicamente variado, de la pintura abstracta (y más tarde de la escultura), que se desarrolló rápidamente en la década de los 50. en los Estados Unidos, en Europa y luego en todo el mundo. Se considera que los antepasados ​​directos del expresionismo abstracto son los primeros Kandinsky, expresionistas, orfistas, en parte dadaístas y surrealistas con su principio de automatismo mental. La base filosófica y estética del expresionismo abstracto fue en gran medida la filosofía del existencialismo, popular en el período de posguerra.

Confeccionado(Inglés ready-made - ready) El término fue introducido por primera vez en el léxico de la historia del arte por el artista marcel duchamp para designar sus obras, que son objetos de uso utilitario, sacados del medio ambiente de su normal funcionamiento y expuestos sin alteración alguna en una exposición de arte como obras de arte. Ready-Made reclamó una nueva mirada a la cosa y la cosidad. Un objeto que dejaba de cumplir sus funciones utilitarias y se insertaba en el contexto del espacio del arte, es decir, se convertía en un objeto de contemplación no utilitarista, comenzaba a revelar unos nuevos significados y movimientos asociativos, desconocidos tanto para el arte tradicional como para el arte. la esfera cotidiano-utilitaria del ser. El problema de la relatividad de lo estético y lo utilitario surgió con fuerza. Primer Ready-Made Duchamp expuesto en Nueva York en 1913. El más infame de sus Ready-Made. acero "Rueda de una bicicleta" (1913), "Secador de botellas" (1914), "Fuente" (1917): así se designó un urinario ordinario.

Arte pop. Después de la Segunda Guerra Mundial, se formó un gran estrato social de personas en Estados Unidos que ganaban suficiente dinero para comprar bienes que no eran particularmente importantes para ellos. Por ejemplo, el consumo de bienes: Coca cola o jeans Levi's se convierten en un atributo importante de esta sociedad. Una persona que usa tal o cual producto muestra su pertenencia a un determinado estrato social. Se formó la cultura de masas actual. Las cosas se convirtieron en símbolos, estereotipos. El arte pop utiliza necesariamente estereotipos y símbolos. arte pop(Pop Art) encarnó la búsqueda creativa de los nuevos estadounidenses, que se basaron en los principios creativos de Duchamp. Este: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, y otros. El arte pop está adquiriendo la importancia de la cultura de masas, por lo que no sorprende que tomara forma y se convirtiera en un movimiento artístico en Estados Unidos. Sus aliados: Hamelton R, tonelada China elegido como autoridad Kurt Schwieters. El arte pop se caracteriza por un trabajo: una ilusión de un juego que explica la esencia del objeto. Ejemplo: pastel K. Oldemburgo representada de diversas maneras. Un artista puede no representar un pastel, pero disipar las ilusiones, mostrar que una persona ve de verdad. R. Rauschenberg también es original: pegó varias fotografías en el lienzo, las delineó y adjuntó a la obra algún peluche. Una de sus obras famosas es un erizo disecado. También es muy conocida su pintura, donde utilizó fotografías de Kenedy.

Primitivismo (Arte Ingenuo). Este concepto se utiliza en varios sentidos y, de hecho, es idéntico al concepto "arte primitivo". En diferentes idiomas y por diferentes científicos, estos conceptos se utilizan con mayor frecuencia para referirse a la misma gama de fenómenos en la cultura artística. En ruso (así como en algunos otros), el término "primitivo" tiene un significado algo negativo. Por lo tanto, es más apropiado centrarse en el concepto arte ingenuo. En el sentido más amplio, esto se refiere a las bellas artes, que se distinguen por la sencillez (o simplificación), la claridad y la inmediatez formal del lenguaje pictórico y expresivo, con cuya ayuda se expresa una visión especial del mundo no agobiada por las convenciones civilizatorias. . El concepto apareció en la nueva cultura europea de los últimos siglos, por lo tanto, refleja las posiciones profesionales e ideas de esta cultura, que se consideraba a sí misma como la etapa más alta de desarrollo. Desde estas posiciones, el arte ingenuo también significa el arte arcaico de los pueblos antiguos (civilizaciones preegipcias o pregriegas), por ejemplo, el arte primitivo; el arte de pueblos retrasados ​​en su desarrollo cultural y civilizatorio (la población indígena de África, Oceanía, los indios de América); arte amateur y no profesional en la más amplia escala (por ejemplo, los famosos frescos medievales de Cataluña o el arte no profesional de los primeros inmigrantes americanos de Europa); muchas obras del llamado "gótico internacional"; arte popular; y finalmente, el arte de talentosos artistas primitivistas del siglo XX, que no recibieron una educación artística profesional, pero sintieron el don de la creatividad artística en sí mismos y se dedicaron a su realización independiente en el arte. Algunos de ellos (francés A. Russo, K. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, Americano SOY. robertson y otros) han creado verdaderas obras maestras artísticas que han pasado a formar parte del tesoro del arte mundial. El arte ingenuo, en cuanto a su visión del mundo y a los métodos de su presentación artística, se acerca un poco al arte infantil, por una por un lado, y al trabajo de los enfermos mentales, por otro. Sin embargo, en esencia difiere de ambos. Lo más cercano en términos de cosmovisión al arte infantil es el arte Naif de los pueblos arcaicos y nativos de Oceanía y África. Su diferencia fundamental con el arte infantil radica en su profunda sacralidad, tradicionalismo y canonicidad.

sin arte(Net Art - del inglés net - network, art - art) La forma más nueva de arte, las prácticas artísticas modernas, se desarrollan en las redes informáticas, en particular, en Internet. Sus investigadores en Rusia, contribuyendo a su desarrollo, O. Lyalina, A. Shulgin, creen que la esencia del Net-art se reduce a la creación de espacios creativos y de comunicación en la Web, brindando total libertad de red para todos. Por tanto, la esencia del Net-art. no representación, sino comunicación, y su unidad original de arte es un mensaje electrónico. Hay al menos tres etapas en el desarrollo del Net-art, que surgieron en los años 80 y 90. siglo 20 El primero fue cuando los aspirantes a artistas web crearon imágenes a partir de letras e íconos encontrados en el teclado de una computadora. La segunda comenzó cuando los artistas underground y todo el mundo que quería mostrar algo de su trabajo llegaron a Internet.

ARTE ABSTRACTO(ing. Op-art - una versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza varias ilusiones visuales basadas en las características de la percepción de figuras planas y espaciales. La corriente continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo "geométrico", cuyo representante fue V. Vasarely(de 1930 a 1997 trabajó en Francia) - el fundador del op art. Las posibilidades del Op-art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño. La dirección del op art (arte óptico) se originó en los años 50 dentro del abstraccionismo, aunque esta vez fue de otra variedad - la abstracción geométrica. Su distribución como corriente se remonta a la década de los 60. siglo 20

Pintada(graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayado en cualquier superficie, del italiano graffiare - cero) Esta es la designación de obras de subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, transporte, hechas usando varios tipos de pistolas pulverizadoras, botes de pintura en aerosol. De ahí el otro nombre "spray art" - Spray-art. Su origen está asociado a la aparición masiva de grafitis. en los años 70 en los vagones del metro de Nueva York, y luego en las paredes de los edificios públicos, tienda de persianas. Los primeros autores de graffiti. eran en su mayoría jóvenes artistas desempleados de minorías étnicas, principalmente puertorriqueños, por lo que en el primer Graffiti aparecían algunos rasgos estilísticos del arte popular latinoamericano, y el solo hecho de su aparición en superficies no destinadas a ello, sus autores protestaban contra su posición impotente. A principios de los años 80. se formó toda una tendencia de maestros casi profesionales G. Sus nombres reales, previamente ocultos bajo seudónimos, se hicieron conocidos ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VISTO, ATURDIMIENTO). Algunos de ellos trasladaron su técnica al lienzo y empezaron a exponer en galerías de Nueva York, y pronto aparecieron los grafitis en Europa.

HIPERREALISMO(hiperrealismo - inglés), o fotorrealismo (fotorrealismo - inglés) - artista. movimiento en pintura y escultura, a partir de la fotografia, reproduccion de la realidad. Tanto en su práctica como en sus orientaciones estéticas hacia el naturalismo y el pragmatismo, el hiperrealismo se acerca al arte pop. están unidos principalmente por un retorno a la figuración. Actúa como antítesis del conceptualismo, que no sólo rompió con la representación, sino que también puso en entredicho el principio mismo de la realización material del arte. concepto.

arte de la tierra(del inglés land art - earthen art), una dirección en el arte del último tercioXXsiglo, basado en el uso de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas, eligiendo para sus acciones lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, por lo que, por así decirlo, se esfuerzan por devolver el arte a la naturaleza. gracias a su<первобытному>En apariencia, muchas acciones y objetos de este tipo se aproximan a la arqueología, así como al arte fotográfico, ya que la mayoría del público sólo puede contemplarlos en series de fotografías. Parece que tendremos que aceptar otra barbarie en el idioma ruso. No sé si es coincidencia que el término<лэнд-арт>apareció al final años 60 en una época en que en las sociedades desarrolladas el espíritu rebelde del estudiantado dirigía sus fuerzas a derrocar los valores establecidos.

MINIMALISMO(minimal art - Inglés: minimal art) - artista. flujo que emana de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso de creatividad, sencillez y uniformidad de formas, monocromáticas, creativas. autocontrol del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo a la subjetividad, la representación, el ilusionismo. Rechazando el clásico creatividad y tradición. artístico materiales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de geometría simple. Se utilizan formas y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes, en serie, métodos de transporte de producción industrial. Un artefacto en el concepto minimalista de creatividad es un resultado predeterminado del proceso de su producción. Habiendo recibido el desarrollo más completo en pintura y escultura, el minimalismo, interpretado en un sentido amplio como la economía del artista. fondos, encontró aplicación en otras formas de arte, principalmente teatro y cine.

El minimalismo se originó en los Estados Unidos en el trans. piso. años 60 Sus orígenes están en el constructivismo, el suprematismo, el dadaísmo, el abstraccionismo, el Amer formalista. pintura de los años 50, pop art. Directo precursor del minimalismo. es un Amer. artista F. Estela, quien presentó en 1959-60 una serie de "Pinturas negras", donde prevalecían las ordenadas líneas rectas. Las primeras obras minimalistas aparecen en 1962-63 El término "minimalismo". pertenece a R. Walheim, quien lo introduce en relación con el análisis de la creatividad M. Duchamp y artistas pop, minimizando la intervención del artista en el entorno. Sus sinónimos son “arte genial”, “arte ABC”, “arte serial”, “estructuras primarias”, “arte como proceso”, “arte sistemático”. cuadro". Entre los minimalistas más representativos se encuentran − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Los une el deseo de encajar el artefacto en el entorno, de vencer la textura natural de los materiales. D. Jade lo define como "específico". objeto”, diferente al clásico. trabajos plasticos. letras. Independiente, la iluminación juega un papel como una forma de crear arte minimalista. situaciones, soluciones espaciales originales; Se utilizan métodos informáticos de creación de obras.