Αντίκα θέμα στη ρωσική τέχνη του 20ου αιώνα. Ρωσική τέχνη του 20ου αιώνα. Οι κύριες κατευθύνσεις της ρωσικής ζωγραφικής του εικοστού αιώνα

Αυτή η εποχή θεωρείται η κορυφή της ρωσικής ζωγραφικής και η εισαγωγή του ρεαλισμού σε αυτήν. Τα κοινωνικά φαινόμενα και οι επαναστάσεις στη χώρα είχαν ιδιαίτερη επίδραση στην τέχνη. Υπήρχε ήδη λογοκρισία και κριτική στη ζωγραφική. Ένα σημαντικό αποτύπωμα άφησαν στο έργο των ζωγράφων οι αρχές εκείνης της εποχής. Σχεδόν κάθε εγχώριος καλλιτέχνης ήταν υποχρεωμένος να ζωγραφίσει τουλάχιστον έναν πίνακα αφιερωμένο στη νέα πολιτική και τη νέα κοινωνική τάξη πραγμάτων.

Οι κύριες κατευθύνσεις της ρωσικής ζωγραφικής του εικοστού αιώνα

Την περίοδο του 20ου αιώνα σηματοδότησε το τέλος του ρωσικού ρεαλισμού στη ζωγραφική και την αρχή του σοβιετικού ή σοσιαλιστικού. Ιδιαίτερη θεωρείται η εποχή του Μεγάλου Πολέμου, η οποία διακρίθηκε από την ενιαία κίνηση του κόμματος και του λαού. Οι στρατιωτικοί πίνακες έκαναν θραύση και είναι επίκαιροι στην παρούσα περίοδο. Το σοσιαλιστικό ρεύμα του είδους του τοπίου επηρεάστηκε λιγότερο από όλα.

Ρωσική πρωτοπορία

Η λέξη «αβανγκάρντ» σημαίνει καινοτομία, προηγμένη κίνηση. Η εγχώρια πρωτοπορία συνδυάζει τα ριζοσπαστικά ρεύματα της ζωγραφικής. Στην αρχή ονομάστηκε μοντερνισμός, νέα τέχνη, αφαιρετικότητα και άλλα ονόματα. Οι πρώτες αναλαμπές στη σκηνοθεσία εμφανίστηκαν στα προπολεμικά χρόνια. Η ρωσική πρωτοπορία συνδυάζει στιγμές όπως η απόλυτη απόρριψη του παρελθόντος στον πολιτισμό και η ενοποίηση των διαδικασιών καταστροφής και δημιουργίας. Στη ζωγραφική υπάρχει ταυτόχρονα χώρος για την επιθετικότητα, την επιθυμία να καταστρέψεις τις παλιές καλλιτεχνικές αξίες και τη δημιουργία κάτι εντελώς διαφορετικού.

Προς αυτή την κατεύθυνση, πρώτα απ 'όλα, αξίζει να τονιστεί ο Wassily Kandinsky, ο οποίος ζωγράφισε τους πίνακες "Colorful Life", "Song of the Volga", "White Oval", "Moscow". Κόκκινη πλατεία". Στους πρωτοπόρους συγκαταλέγεται και ο Kazimir Malevich, ο οποίος είναι εκπρόσωπος του υπερματισμού, ενός από τα κινήματα της avant-garde. Αυτό το ρεύμα χαρακτηρίζει το τελικό στάδιο της τέχνης, την απουσία αντικειμένων. Αρχισαν να μιλούν για αυτόν μετά την εμφάνιση καμβάδων με γεωμετρικές αφαιρέσεις.

σοσιαλιστικό ρεαλισμό

Αφού έγινε η επανάσταση και έγιναν πολλές ανατροπές και αλλαγές, ξεκίνησε μια νέα περίοδος και μια νέα κατεύθυνση στις εικαστικές τέχνες. Αντιστοιχούσε στην εποχή εκείνη και ονομαζόταν σοσιαλιστικός ρεαλισμός. Αυτό ζήτησε η κυβέρνηση και ο λαός. Ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός διακρινόταν από την παρουσία του ηρωισμού, των εκφραζόμενων ηγετών, των ανθρώπων, των γεγονότων, της αλήθειας του κόμματος και όχι του οράματος του ίδιου του καλλιτέχνη. Η ολοκληρωτική κοινωνία έχει αλλάξει τη ρωσική ζωγραφική πέρα ​​από την αναγνώριση. Αποτελούνταν κυρίως από πίνακες αφιερωμένους στα ιστορικά γεγονότα της εποχής εκείνης, στους ήρωες και ηγέτες του κράτους, καθώς και στην καθημερινότητα ενός απλού εργάτη.

Πολλοί το ονόμασαν «έντονο στυλ», γιατί δεν υπήρχαν ψευδαισθήσεις, εικασίες, παιδική ανεμελιά. Μόνο η αλύπητη αλήθεια εμφανιζόταν στους καμβάδες. Ο ηρωισμός εκείνης της εποχής βρισκόταν στην εσωτερική ένταση και τις προσπάθειες του αρχηγού. Στον σοσιαλιστικό ρεαλισμό, η εργασία ήταν επάγγελμα και οι ήρωες ήταν πρωτοπόροι και οικοδόμοι. Στα τέλη του αιώνα, μαζί με την κατάρρευση του σοβιετικού πολιτισμού, έρχεται μια νέα κατεύθυνση στη ρωσική ζωγραφική.

Μεταμοντερνισμός

Μια νέα κατεύθυνση στη ρωσική ζωγραφική ήρθε να αντικαταστήσει τον μοντερνισμό, ο οποίος δεν ήταν απολύτως σαφής στην κοινωνία. Ο μεταμοντερνισμός χαρακτηρίζεται από φωτογραφικές εικόνες. Ο πίνακας είναι όσο το δυνατόν πιο κοντά στην αρχική εμφάνιση. Το στυλ διακρίνεται από τυπολογικά χαρακτηριστικά. Πρώτα απ 'όλα, η τελική φόρμα. Οι ζωγράφοι χρησιμοποιούν κλασικές εικόνες, αλλά τις ερμηνεύουν με νέο τρόπο, δίνουν αποκλειστικότητα. Πολύ συχνά, εκπρόσωποι του μεταμοντερνισμού συνδυάζουν φόρμες από διάφορες κατευθύνσεις, δίνοντας μια ελαφριά ειρωνεία στην εικόνα και κάποιου είδους δευτερεύουσα.

Ένα άλλο χαρακτηριστικό της σκηνοθεσίας είναι η έλλειψη κανόνων. Στον μεταμοντερνισμό, ο καλλιτέχνης έχει απόλυτο έλεγχο στην επιλογή των μορφών και των τρόπων απεικόνισης της ζωγραφικής του. Μια ορισμένη ελευθερία έδωσε μια νέα πνοή στην τέχνη γενικότερα. Υπήρχαν καλλιτεχνικές εγκαταστάσεις και παραστάσεις. Ο μεταμοντερνισμός στη ζωγραφική χαρακτηρίζεται επίσης από την απουσία σαφών τεχνικών και τη γενική παγκόσμια δημοτικότητα. Η ακμή αυτής της κατεύθυνσης ήρθε στη δεκαετία του '90 του 20ού αιώνα. Οι πιο επιφανείς εκπρόσωποί της είναι οι εξής καλλιτέχνες: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.

Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru/

Ομοσπονδιακή Υπηρεσία για την Εκπαίδευση

Κρατικό εκπαιδευτικό ίδρυμα

ανώτερη επαγγελματική εκπαίδευση

ιστορίας της τέχνης

Έλεγχος εργασιών μαθημάτων

Ρωσική τέχνη του τέλους του 19ου-αρχών του 20ου αιώνα

Εισαγωγή

Ζωγραφική

Konstantin Alekseevich Korovin

Βαλεντίν Αλεξάντροβιτς Σέροφ

Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Βρούμπελ

"Κόσμος της Τέχνης"

"Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών"

"Jack of Diamonds"

«Ένωση Νέων»

Αρχιτεκτονική

Γλυπτική

Βιβλιογραφία

Εισαγωγή

Η ρωσική κουλτούρα του τέλους του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα είναι μια περίπλοκη και αμφιλεγόμενη περίοδος στην ανάπτυξη της ρωσικής κοινωνίας. Ο πολιτισμός της αλλαγής του αιώνα περιέχει πάντα στοιχεία μιας μεταβατικής εποχής, που περιλαμβάνει τις παραδόσεις του πολιτισμού του παρελθόντος και τις καινοτόμες τάσεις μιας νέας αναδυόμενης κουλτούρας. Υπάρχει μια μεταφορά παραδόσεων και όχι απλώς μια μεταφορά, αλλά η ανάδυση νέων, όλα αυτά συνδέονται με την ταραχώδη διαδικασία αναζήτησης νέων τρόπων ανάπτυξης του πολιτισμού, που διορθώθηκαν από την κοινωνική εξέλιξη αυτής της εποχής. Η αλλαγή του αιώνα στη Ρωσία είναι μια περίοδος μεγάλων αλλαγών που επέρχονται, μια αλλαγή στο κρατικό σύστημα, μια αλλαγή από την κλασική κουλτούρα του 19ου αιώνα στη νέα κουλτούρα του 20ού αιώνα. Η αναζήτηση νέων τρόπων ανάπτυξης της ρωσικής κουλτούρας συνδέεται με την αφομοίωση των προοδευτικών τάσεων στον δυτικό πολιτισμό. Η ποικιλομορφία των κατευθύνσεων και των σχολείων είναι χαρακτηριστικό του ρωσικού πολιτισμού στις αρχές του αιώνα. Οι δυτικές τάσεις είναι αλληλένδετες και συμπληρώνονται από σύγχρονες, γεμάτες με ειδικά ρωσικό περιεχόμενο. Χαρακτηριστικό του πολιτισμού αυτής της περιόδου είναι ο προσανατολισμός του προς τη φιλοσοφική κατανόηση της ζωής, η ανάγκη να οικοδομηθεί μια ολιστική εικόνα του κόσμου, όπου η τέχνη, μαζί με την επιστήμη, παίζει τεράστιο ρόλο. Το επίκεντρο του ρωσικού πολιτισμού στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα ήταν ένα άτομο που γίνεται ένα είδος συνδετικού κρίκου στην ετερόκλητη ποικιλία των σχολείων και των τομέων της επιστήμης και της τέχνης, αφενός, και ένα είδος αφετηρίας για την ανάλυση όλων τα πιο διαφορετικά πολιτιστικά αντικείμενα, από την άλλη. Εξ ου και το ισχυρό φιλοσοφικό θεμέλιο που βρίσκεται στη βάση του ρωσικού πολιτισμού στις αρχές του αιώνα.

Επισημαίνοντας τις πιο σημαντικές προτεραιότητες στην ανάπτυξη του ρωσικού πολιτισμού στα τέλη του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα, δεν μπορεί κανείς να αγνοήσει τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά του. Το τέλος του 19ου - η αρχή του 20ου αιώνα στην ιστορία του ρωσικού πολιτισμού ονομάζεται συνήθως Ρωσική Αναγέννηση ή, σε σύγκριση με τη χρυσή εποχή του Πούσκιν, η αργυρή εποχή του ρωσικού πολιτισμού.

Στις αρχές του αιώνα, αναπτύχθηκε ένα στυλ που επηρέασε όλες τις πλαστικές τέχνες, ξεκινώντας κυρίως από την αρχιτεκτονική (στην οποία ο εκλεκτικισμός κυριάρχησε για μεγάλο χρονικό διάστημα) και τελειώνοντας με τα γραφικά, που ονομάστηκε στυλ Art Nouveau. Αυτό το φαινόμενο δεν είναι μονοσήμαντο, στη νεωτερικότητα υπάρχει επίσης παρακμιακή επιτηδειότητα, επιπολαιότητα, σχεδιασμένη κυρίως για αστικά γούστα, αλλά υπάρχει επίσης μια επιθυμία για ενότητα του στυλ που είναι σημαντική από μόνη της. Το στυλ Art Nouveau είναι ένα νέο στάδιο στη σύνθεση της αρχιτεκτονικής, της ζωγραφικής και των διακοσμητικών τεχνών.

Στις εικαστικές τέχνες, η Art Nouveau φάνηκε: στη γλυπτική - από τη ρευστότητα των μορφών, την ιδιαίτερη εκφραστικότητα της σιλουέτας, τον δυναμισμό των συνθέσεων. στη ζωγραφική - ο συμβολισμός των εικόνων, ο εθισμός στις αλληγορίες. συμβολισμός μοντέρνο avant-garde ασήμι

Οι Ρώσοι Συμβολιστές έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη της αισθητικής της Εποχής του Αργυρού. Ο συμβολισμός ως φαινόμενο στη λογοτεχνία και την τέχνη πρωτοεμφανίστηκε στη Γαλλία το τελευταίο τέταρτο του 19ου αιώνα και μέχρι τα τέλη του αιώνα είχε εξαπλωθεί στο μεγαλύτερο μέρος της Ευρώπης. Αλλά μετά τη Γαλλία, είναι στη Ρωσία που ο συμβολισμός υλοποιείται ως το πιο μεγάλης κλίμακας, σημαντικό και πρωτότυπο φαινόμενο στον πολιτισμό. Ο ρωσικός συμβολισμός αρχικά είχε βασικά τις ίδιες προϋποθέσεις με τον δυτικό συμβολισμό: «μια κρίση θετικής κοσμοθεωρίας και ηθικής». Η κύρια αρχή των Ρώσων συμβολιστών είναι η αισθητικοποίηση της ζωής και η επιθυμία για διάφορες μορφές υποκατάστασης της αισθητικής από τη λογική και την ηθική. Καταρχάς, ο ρωσικός συμβολισμός χαρακτηρίζεται από την οριοθέτηση με τις παραδόσεις της επαναστατικής-δημοκρατικής δεκαετίας του εξήντα και τον λαϊκισμό, με την αθεϊσμική ιδεολογικοποίηση, τον ωφελιμισμό, σύμφωνα με τους Ρώσους συμβολιστές, αντιστοιχούν στις αρχές της «καθαρής», ελεύθερης τέχνης.

Ένα άλλο εντυπωσιακό φαινόμενο της Ασημένιας Εποχής που έχει αποκτήσει παγκόσμια σημασία είναι η τέχνη και η αισθητική της avant-garde. Στο χώρο των ήδη απαριθμούμενων περιοχών αισθητικής συνείδησης, οι πρωτοπόροι καλλιτέχνες διακρίνονταν από έναν εμφατικά επαναστατικό χαρακτήρα. Αντιλήφθηκαν με ευχαρίστηση την κρίση του κλασικού πολιτισμού, της τέχνης, της θρησκείας, της κοινωνικότητας, του κράτους ως φυσικό θάνατο, την καταστροφή του παλιού, ξεπερασμένου, άσχετου και συνειδητοποίησαν τους εαυτούς τους ως επαναστάτες, καταστροφείς και τυμβωρύχους «όλα τα σκουπίδια» και δημιουργοί κάθε τι νέο, γενικά, μια νέα αναδυόμενη φυλή. Οι ιδέες του Νίτσε για τον υπεράνθρωπο, που αναπτύχθηκε από τον Π. Ουσπένσκι, ελήφθησαν κυριολεκτικά από πολλούς καλλιτέχνες της avant-garde και δοκιμάστηκαν, ειδικά από τους φουτουριστές, για τον εαυτό τους.

Εξ ου και η εξέγερση και η εξωφρενικότητα, η επιθυμία για οτιδήποτε θεμελιωδώς καινούργιο στα μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης, στις αρχές προσέγγισης της τέχνης, η τάση να διευρύνονται τα όρια της τέχνης μέχρι να ζωντανέψει, αλλά σε εντελώς διαφορετικές αρχές από αυτές των εκπροσώπων της χειρουργικής αισθητικής. Ζωή για τους avant-gardists της δεκαετίας του 10. 20ος αιώνας - αυτό είναι πάνω απ' όλα μια επαναστατική εξέγερση, μια αναρχική εξέγερση. Ο παραλογισμός, το χάος, η αναρχία κατανοούνται για πρώτη φορά ως συνώνυμα της νεωτερικότητας και ακριβώς ως δημιουργικά θετικές αρχές που βασίζονται στην πλήρη άρνηση της ορθολογικής αρχής στην τέχνη και στη λατρεία του παράλογου, διαισθητικού, ασυνείδητου, ανούσιου, απότομου, άμορφου κ.λπ. . Οι κύριες κατευθύνσεις της ρωσικής πρωτοπορίας ήταν: η αφαίρεση (Βασίλι Καντίνσκι), ο σουπρεματισμός (Καζιμίρ Μάλεβιτς), ο κονστρουκτιβισμός (Βλάντιμιρ Τάτλιν), ο κυβοφουτουρισμός (κυβισμός, φουτουρισμός) (Βλαντιμίρ Μαγιακόφσκι).

Ζωγραφική

Για τους ζωγράφους της αλλαγής του αιώνα, άλλοι τρόποι έκφρασης είναι χαρακτηριστικοί από εκείνους των Περιπλανώμενων, άλλες μορφές καλλιτεχνικής δημιουργικότητας - σε εικόνες που είναι αντιφατικές, περίπλοκες και αντανακλούν τη νεωτερικότητα χωρίς παραστατικότητα και αφήγηση. Οι καλλιτέχνες αναζητούν οδυνηρά την αρμονία και την ομορφιά σε έναν κόσμο που είναι θεμελιωδώς ξένος τόσο στην αρμονία όσο και στην ομορφιά. Γι' αυτό πολλοί είδαν την αποστολή τους στην καλλιέργεια της αίσθησης της ομορφιάς. Αυτή η εποχή των «παραμονών», η προσδοκία των αλλαγών στη δημόσια ζωή, γέννησε πολλές τάσεις, συνειρμούς, ομαδοποιήσεις, μια σύγκρουση διαφορετικών κοσμοθεωριών και γούστων. Αλλά έδωσε επίσης αφορμή για την οικουμενικότητα μιας ολόκληρης γενιάς καλλιτεχνών που εμφανίστηκαν μετά τους «κλασικούς» Wanderers.

Ιμπρεσιονιστικά μαθήματα στην plein air painting, η σύνθεση του "τυχαίου πλαισίωσης", ένας ευρύς ελεύθερος εικονογραφικός τρόπος - όλα αυτά είναι το αποτέλεσμα της εξέλιξης στην ανάπτυξη των εικονογραφικών μέσων σε όλα τα είδη της αλλαγής του αιώνα. Αναζητώντας την «ομορφιά και την αρμονία», οι καλλιτέχνες δοκιμάζουν τον εαυτό τους σε μια ποικιλία τεχνικών και μορφών τέχνης - από μνημειακή ζωγραφική και θεατρικά σκηνικά μέχρι σχέδιο βιβλίων και τέχνες και χειροτεχνίες.

Η ζωγραφική του είδους αναπτύχθηκε τη δεκαετία του 1990, αλλά αναπτύχθηκε κάπως διαφορετικά από ό,τι στο «κλασικό» κίνημα Περιπλανώμενος των δεκαετιών του 1970 και του 1980. Έτσι, το θέμα των χωρικών αποκαλύπτεται με έναν νέο τρόπο. Ο S. A. Korovin (1858-1908) απεικονίζει τη διάσπαση στην αγροτική κοινότητα στον πίνακα «On the World» (1893).

Στο γύρισμα του αιώνα, μια κάπως ιδιόμορφη διαδρομή σκιαγραφείται στο ιστορικό θέμα. Έτσι, για παράδειγμα, ο A.P. Ryabushkin (1861-1904) λειτουργεί περισσότερο στο ιστορικό είδος παρά στο καθαρά ιστορικό είδος. «Ρωσίδες του 17ου αιώνα στην εκκλησία» (1899), «Γαμήλιο τρένο στη Μόσχα. XVII αιώνας ”(1901) - αυτές είναι καθημερινές σκηνές από τη ζωή της Μόσχας τον XVII αιώνα. Το στυλιζάρισμα του Ryabushkin αντικατοπτρίζεται στην επιπεδότητα της εικόνας, σε ένα ειδικό σύστημα πλαστικού και γραμμικού ρυθμού, στον χρωματικό συνδυασμό που βασίζεται σε έντονα μεγάλα χρώματα, στη γενική διακοσμητική λύση. Ο Ryabushkin εισάγει με τόλμη τοπικά χρώματα στο τοπίο του plein-air, για παράδειγμα, στο "The Wedding Train ..." - το κόκκινο χρώμα του βαγονιού, μεγάλες κηλίδες εορταστικών ρούχων με φόντο τα σκοτεινά κτίρια και το χιόνι, δεδομένου, ωστόσο, στις καλύτερες χρωματικές αποχρώσεις. Το τοπίο μεταφέρει πάντα ποιητικά την ομορφιά της ρωσικής φύσης.

Ένας νέος τύπος ζωγραφικής, στον οποίο οι λαογραφικές καλλιτεχνικές παραδόσεις κατακτώνται με έναν εντελώς ιδιαίτερο τρόπο και μεταφράζονται στη γλώσσα της σύγχρονης τέχνης, δημιουργήθηκε από τον F. A. Malyavin (1869-1940. Οι εικόνες του για «γυναίκες» και «κορίτσια» έχουν κάποια συμβολικό νόημα - υγιές έδαφος Ρωσία. Οι πίνακές του είναι πάντα εκφραστικοί, και παρόλο που είναι, κατά κανόνα, έργα καβαλέτου, λαμβάνουν μια μνημειώδη και διακοσμητική ερμηνεία κάτω από το πινέλο του καλλιτέχνη. "Γέλιο" (1899, Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Βενετία) , Το "Whirlwind" (1906,) είναι μια ρεαλιστική εικόνα χωρικών κοριτσιών, που γελούν μολυσματικά δυνατά ή ορμούν ανεξέλεγκτα σε έναν στρογγυλό χορό, αλλά αυτός ο ρεαλισμός είναι διαφορετικός από ό,τι στο δεύτερο μισό του αιώνα. ολόκληρο τον καμβά.

Ο M. V. Nesterov (1862-1942) πραγματεύεται το θέμα της Αρχαίας Ρωσίας, αλλά η εικόνα της Ρωσίας εμφανίζεται στους πίνακες του καλλιτέχνη ως ένα είδος ιδανικό, σχεδόν μαγεμένο κόσμο, σε αρμονία με τη φύση, αλλά εξαφανίστηκε για πάντα όπως η θρυλική πόλη Kitezh. . Αυτή η έντονη αίσθηση της φύσης, η απόλαυση στον κόσμο, μπροστά σε κάθε δέντρο και λεπίδα χόρτου είναι ιδιαίτερα έντονη σε ένα από τα πιο διάσημα έργα του Νεστέροφ της προεπαναστατικής περιόδου - "Το όραμα του νεαρού Βαρθολομαίου" (1889-1890, ). Στην αποκάλυψη της πλοκής της εικόνας, υπάρχουν τα ίδια στιλιστικά χαρακτηριστικά με αυτά του Ryabushkin, αλλά εκφράζεται πάντα μια βαθιά λυρική αίσθηση της ομορφιάς της φύσης, μέσω της οποίας η υψηλή πνευματικότητα των χαρακτήρων, ο διαφωτισμός τους, η αποξένωσή τους από μεταφέρεται κοσμική φασαρία.

M.V. Ο Νεστέροφ έκανε πολλή θρησκευτική μνημειακή ζωγραφική. Οι τοιχογραφίες είναι πάντα αφιερωμένες στο αρχαίο ρωσικό θέμα (για παράδειγμα, στη Γεωργία - στον Alexander Nevsky). Στις τοιχογραφίες του Nesterov, υπάρχουν πολλά παρατηρούμενα πραγματικά σημάδια, ειδικά στο τοπίο, χαρακτηριστικά πορτρέτου - στην εικόνα των αγίων. Στην προσπάθεια του καλλιτέχνη για μια επίπεδη ερμηνεία της σύνθεσης της κομψότητας, της διακοσμητικότητας, της εκλεπτυσμένης πολυπλοκότητας των πλαστικών ρυθμών, εκδηλώθηκε μια αναμφισβήτητη επιρροή της Art Nouveau.

Το ίδιο το είδος τοπίου αναπτύσσεται στα τέλη του 19ου αιώνα επίσης με νέο τρόπο. Ο Λέβιταν, μάλιστα, ολοκλήρωσε την αναζήτηση των Wanderers στο τοπίο. Μια νέα λέξη στο γύρισμα του αιώνα έμελλε να πει ο Κ.Α. Korovin, V.A. Serov και M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Για τον λαμπρό χρωματιστή Korovin, ο κόσμος εμφανίζεται ως «ταραχή χρωμάτων». Γενναιόδωρα προικισμένος από τη φύση, ο Korovin ασχολήθηκε τόσο με την προσωπογραφία όσο και με τη νεκρή φύση, αλλά δεν θα ήταν λάθος να πούμε ότι το τοπίο παρέμεινε το αγαπημένο του είδος. Έφερε στην τέχνη τις ισχυρές ρεαλιστικές παραδόσεις των δασκάλων του από τη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας - Savrasov και Polenov, αλλά έχει μια διαφορετική άποψη για τον κόσμο, θέτει άλλα καθήκοντα. Άρχισε να ζωγραφίζει en plein air νωρίς, ήδη στο πορτρέτο ενός κοριτσιού χορωδίας το 1883, μπορεί κανείς να δει την ανεξάρτητη ανάπτυξη των αρχών του plein airism, που ενσωματώθηκαν τότε σε μια σειρά από πορτρέτα που έγιναν στο κτήμα του S. Mamontov στο Abramtsevo ("In the Boat", πορτρέτο του T.S. Lyubatovich, κ.λπ.), στα βόρεια τοπία, που εκτελέστηκε κατά τη διάρκεια της αποστολής του S. Mamontov προς τα βόρεια ("Winter in Lapland",). Τα γαλλικά τοπία του, που ενώνονται με το όνομα «Παρισινά Φώτα», είναι ήδη ένας εντελώς ιμπρεσιονιστικός πίνακας, με την υψηλότερη κουλτούρα του etude. Αιχμηρές, στιγμιαίες εντυπώσεις από τη ζωή μιας μεγάλης πόλης: ήσυχοι δρόμοι σε διαφορετικές ώρες της ημέρας, αντικείμενα διαλυμένα σε περιβάλλον με φως αέρα, διαμορφωμένα από μια δυναμική, «τρεμάμενη», δονούμενη διαδρομή, μια ροή τέτοιων πινελιών που δημιουργούν ψευδαίσθηση ενός πέπλου βροχής ή αέρα πόλης κορεσμένο με χιλιάδες διαφορετικούς ατμούς, - χαρακτηριστικά που θυμίζουν τα τοπία των Manet, Pissarro, Monet. Ο Korovin είναι ιδιοσυγκρασιακός, συναισθηματικός, παρορμητικός, θεατρικός, εξ ου και η λαμπερή λάμψη και η ρομαντική αγαλλίαση των τοπίων του (“Paris. Capuchin Boulevard”, 1906, State Tretyakov Gallery; “Paris at night. Italian Boulevard”, 1908,). Ο Korovin διατηρεί τα ίδια χαρακτηριστικά του ιμπρεσιονιστικού etude, του ζωγραφικού μαέστρου, της εντυπωσιακής τέχνης σε όλα τα άλλα είδη, κυρίως στο πορτρέτο και τη νεκρή φύση, αλλά και στα διακοσμητικά πάνελ, στην εφαρμοσμένη τέχνη, στα θεατρικά σκηνικά, με τα οποία ασχολήθηκε όλη του τη ζωή (Πορτρέτο του Chaliapin, 1911, Ρωσικό Μουσείο· «Ψάρια, κρασί και φρούτα» 1916, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ).

Το γενναιόδωρο δώρο του Κόροβιν για τη ζωγραφική εκδηλώθηκε έξοχα στη θεατρική και διακοσμητική ζωγραφική. Ως ζωγράφος του θεάτρου, εργάστηκε για το θέατρο Abramtsevo (και ο Mamontov ήταν ίσως ο πρώτος που τον εκτίμησε ως καλλιτέχνη του θεάτρου), για το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας, για την Ιδιωτική Ρωσική Όπερα της Μόσχας, όπου ξεκίνησε τη δια βίου φιλία του με τον Chaliapin. η επιχείρηση Diaghilev. Ο Korovin ανέβασε το θεατρικό σκηνικό και τη σημασία του καλλιτέχνη στο θέατρο σε ένα νέο επίπεδο, έκανε μια ολόκληρη επανάσταση στην κατανόηση του ρόλου του καλλιτέχνη στο θέατρο και άσκησε μεγάλη επιρροή στους συγχρόνους του με τα πολύχρωμα, «θεαματικά» σκηνικά του. , αποκαλύπτοντας την ίδια την ουσία της μουσικής παράστασης.

Βαλεντίν Αλεξάντροβιτς Σέροφ

Ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες, καινοτόμος της ρωσικής ζωγραφικής στις αρχές του αιώνα, ήταν ο Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Ο Σερόφ μεγάλωσε ανάμεσα σε εξέχουσες προσωπικότητες της ρωσικής μουσικής κουλτούρας (ο πατέρας του είναι διάσημος συνθέτης, η μητέρα του είναι πιανίστα), σπούδασε με τον Ρέπιν και τον Τσιστιακόφ.

Ο Serov ζωγραφίζει συχνά εκπροσώπους της καλλιτεχνικής διανόησης: συγγραφείς, καλλιτέχνες, καλλιτέχνες (πορτρέτα του K. Korovin, 1891, State Tretyakov Gallery; Levitan, 1893, State Tretyakov Gallery; Yermolova, 1905, State Tretyakov Gallery). Όλα είναι διαφορετικά, τα ερμηνεύει όλα βαθιά ατομικά, αλλά το φως της πνευματικής αποκλειστικότητας και της εμπνευσμένης δημιουργικής ζωής λάμπει σε όλους.

Πορτραίτο, τοπίο, νεκρή φύση, οικιακή, ιστορική ζωγραφική. λάδι, γκουάς, τέμπερα, κάρβουνο - είναι δύσκολο να βρει κανείς ζωγραφικά και γραφικά είδη στα οποία ο Serov δεν θα λειτουργούσε και υλικά που δεν θα χρησιμοποιούσε.

Ένα ιδιαίτερο θέμα στο έργο του Σερόφ είναι ο χωρικός. Στο αγροτικό του είδος δεν υπάρχει πλανόδιος κοινωνική ευκρίνεια, αλλά υπάρχει μια αίσθηση της ομορφιάς και της αρμονίας της αγροτικής ζωής, ο θαυμασμός για την υγιή ομορφιά του ρωσικού λαού ("Στο χωριό. Μια γυναίκα με ένα άλογο", στον χάρτη , παστέλ, 1898, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ). Τα χειμερινά τοπία είναι ιδιαίτερα εξαίσια με την ασημί-μαργαριταρένια γκάμα χρωμάτων τους.

Ο Σερόφ ερμήνευσε το ιστορικό θέμα με τον δικό του τρόπο: τα «βασιλικά κυνήγια» με ευχάριστες περιπάτους της Ελισάβετ και της Αικατερίνης Β' μεταφέρθηκαν από τον καλλιτέχνη της νέας εποχής, ειρωνικά, αλλά και αδιάκοπα θαυμάζοντας την ομορφιά της ζωής του 18ου αιώνα. Το ενδιαφέρον του Σερόφ για τον 18ο αιώνα προέκυψε υπό την επίδραση του Κόσμου της Τέχνης και σε σχέση με το έργο για τη δημοσίευση της Ιστορίας του Μεγάλου Δούκα, του Τσάρου και του Αυτοκρατορικού Κυνηγιού στη Ρωσία.

Ο Serov ήταν ένας βαθιά σκεπτόμενος καλλιτέχνης, που αναζητούσε συνεχώς νέες μορφές καλλιτεχνικής συνειδητοποίησης της πραγματικότητας. Εμπνευσμένες από την Art Nouveau, ιδέες για την επιπεδότητα και την αυξημένη διακοσμητικότητα αντανακλώνται όχι μόνο σε ιστορικές συνθέσεις, αλλά και στο πορτρέτο του της χορεύτριας Ida Rubinstein, στα σκίτσα του για τον βιασμό της Ευρώπης και την Odyssey and Navzikai (και τα δύο 1910, State Tretyakov Gallery , χαρτόνι, τέμπερα). Είναι σημαντικό ότι ο Serov στο τέλος της ζωής του στρέφεται στον αρχαίο κόσμο. Στον ποιητικό μύθο, που ερμηνεύεται ελεύθερα από τον ίδιο, έξω από τους κλασικούς κανόνες, θέλει να βρει την αρμονία, την αναζήτηση για την οποία ο καλλιτέχνης αφιέρωσε όλο του το έργο.

Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Βρούμπελ

Η δημιουργική πορεία του Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Βρούμπελ (1856-1910) ήταν πιο άμεση, αν και ταυτόχρονα ασυνήθιστα περίπλοκη. Πριν από την Ακαδημία Τεχνών (1880), ο Vrubel αποφοίτησε από τη νομική σχολή του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης. Το 1884, πήγε στο Κίεβο για να επιβλέψει την αποκατάσταση των τοιχογραφιών στην εκκλησία του Αγίου Κυρίλλου και δημιούργησε ο ίδιος αρκετές μνημειακές συνθέσεις. Φτιάχνει ακουαρέλα σκίτσα των τοιχογραφιών του καθεδρικού ναού του Βλαντιμίρ. Τα σκίτσα δεν μεταφέρθηκαν στους τοίχους, καθώς ο πελάτης τρόμαξε από την μη κανονική και εκφραστικότητά τους.

Στη δεκαετία του '90, όταν ο καλλιτέχνης εγκαταστάθηκε στη Μόσχα, διαμορφώθηκε το στυλ γραφής του Vrubel, γεμάτο μυστήριο και σχεδόν δαιμονική δύναμη, που δεν μπορεί να συγχέεται με κανένα άλλο. Σμιλεύει τη φόρμα σαν μωσαϊκό, από αιχμηρά «με όψη» κομμάτια διαφορετικών χρωμάτων, σαν να λάμπουν από μέσα («Κορίτσι με φόντο ένα περσικό χαλί», 1886, KMRI; «Μάντων», 1895, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ) . Οι χρωματικοί συνδυασμοί δεν αντικατοπτρίζουν την πραγματικότητα της χρωματικής σχέσης, αλλά έχουν συμβολικό νόημα. Η φύση δεν έχει καμία δύναμη πάνω στον Vrubel. Την ξέρει, την κατέχει τέλεια, αλλά δημιουργεί τον δικό του φανταστικό κόσμο, λίγο σαν την πραγματικότητα. Ελκύεται προς τα λογοτεχνικά θέματα, τα οποία ερμηνεύει αφηρημένα, προσπαθώντας να δημιουργήσει αιώνιες εικόνες μεγάλης πνευματικής δύναμης. Έτσι, έχοντας ασχοληθεί με την εικονογράφηση για το «The Demon», σύντομα απομακρύνεται από την αρχή της άμεσης εικονογράφησης («Ο χορός της Ταμάρα», «Μην κλαις, παιδί μου, μην κλαις μάταια», «Ταμάρα στο φέρετρο» κ.λπ. ). Η εικόνα του Δαίμονα είναι η κεντρική εικόνα ολόκληρου του έργου του Βρούμπελ, το κύριο θέμα του. Το 1899, έγραψε το "The Flying Demon", το 1902 - "The Downcast Demon". Ο δαίμονας του Βρούμπελ είναι, πρώτα απ' όλα, ένα πλάσμα που υποφέρει. Η ταλαιπωρία υπερισχύει του κακού σε αυτό, και αυτή είναι η ιδιαιτερότητα της εθνικής ρωσικής ερμηνείας της εικόνας. Οι σύγχρονοι, όπως σωστά σημειώθηκε, είδαν στους «Δαίμονές» του ένα σύμβολο της μοίρας ενός διανοούμενου - ενός ρομαντικού, που προσπαθεί να ξεφύγει επαναστατικά από μια πραγματικότητα χωρίς αρμονία σε έναν εξωπραγματικό κόσμο ονείρων, αλλά βυθίζεται στην τραχιά πραγματικότητα της γήινης

Ο Vrubel δημιούργησε τα πιο ώριμα έργα ζωγραφικής και γραφικά του στις αρχές του αιώνα - στο είδος του τοπίου, του πορτρέτου, της εικονογράφησης βιβλίων. Στην οργάνωση και τη διακοσμητική-επίπεδη ερμηνεία του καμβά ή του φύλλου, στο συνδυασμό του πραγματικού και του φανταστικού, στη δέσμευση για διακοσμητικές, ρυθμικά σύνθετες λύσεις στα έργα του αυτής της περιόδου, τα χαρακτηριστικά της νεωτερικότητας επιβεβαιώνονται ολοένα και περισσότερο.

Όπως και ο Κ. Κόροβιν, έτσι και ο Βρούμπελ δούλεψε πολύ στο θέατρο. Τα καλύτερα σκηνικά του παίχτηκαν για τις όπερες του Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan και άλλες στη σκηνή της Ιδιωτικής Όπερας της Μόσχας, δηλαδή για εκείνα τα έργα που του έδωσαν την ευκαιρία να «επικοινωνήσει» με τη ρωσική λαογραφία. , παραμύθι, θρύλος.

Η οικουμενικότητα του ταλέντου, η απεριόριστη φαντασία, το εξαιρετικό πάθος για την επιβεβαίωση των ευγενών ιδανικών διακρίνουν τον Vrubel από πολλούς από τους συγχρόνους του.

Βίκτορ Ελπιδιφόροβιτς Μπορίσοφ-Μουσάτοφ

Ο Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) είναι ένας άμεσος εκφραστής του εικονογραφικού συμβολισμού. Τα έργα του είναι μια ελεγειακή θλίψη για τις παλιές άδειες «ευγενείς φωλιές» και τους ετοιμοθάνατους «βυσσινώνες», για όμορφες γυναίκες, πνευματικές, σχεδόν απόκοσμες, ντυμένες με κάποιου είδους διαχρονικά κοστούμια που δεν φέρουν εξωτερικά σημάδια τόπου και χρόνου.

Τα καβαλέτα του πάνω απ' όλα δεν μοιάζουν καν με διακοσμητικά πάνελ, αλλά με ταπετσαρίες. Ο χώρος επιλύεται με έναν εξαιρετικά υπό όρους, επίπεδο τρόπο, οι φιγούρες είναι σχεδόν αιθέριες, όπως, για παράδειγμα, τα κορίτσια δίπλα στη λίμνη στον πίνακα "Pond" (1902, τέμπερα, State Tretyakov Gallery), βυθισμένα σε ονειρικό διαλογισμό, στο βαθιά περισυλλογή. Οι ξεθωριασμένες, απαλές γκρι αποχρώσεις του χρώματος ενισχύουν τη συνολική εντύπωση της εύθραυστης, απόκοσμης ομορφιάς και της αναιμικής, απόκοσμης, που δεν επεκτείνεται μόνο στις ανθρώπινες εικόνες, αλλά και στη φύση που απεικονίζεται από αυτόν. Δεν είναι τυχαίο ότι ο Μπορίσοφ-Μουσάτοφ ονόμασε ένα από τα έργα του "Φαντάσματα" (1903, τέμπερα, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ): σιωπηλές και ανενεργές γυναικείες φιγούρες, μαρμάρινα αγάλματα στις σκάλες, ένα ημίγυμνο δέντρο - μια ξεθωριασμένη σειρά μπλε, γκρι, μωβ αποχρώσεις ενισχύουν το απόκοσμο του εικονιζόμενου.

"Κόσμος της Τέχνης"

"World of Art" - ένας οργανισμός που προέκυψε στην Αγία Πετρούπολη το 1898 και ένωσε τους δασκάλους της υψηλότερης καλλιτεχνικής κουλτούρας, την καλλιτεχνική ελίτ της Ρωσίας εκείνων των χρόνων. Ο «Κόσμος της Τέχνης» έχει γίνει ένα από τα μεγαλύτερα φαινόμενα της ρωσικής καλλιτεχνικής κουλτούρας. Στο σωματείο αυτό συμμετείχαν σχεδόν όλοι οι διάσημοι καλλιτέχνες.

Στα εκδοτικά άρθρα των πρώτων τευχών του περιοδικού, οι κύριες διατάξεις του «Κόσμου της Τέχνης» για την αυτονομία της τέχνης, ότι τα προβλήματα του σύγχρονου πολιτισμού είναι αποκλειστικά προβλήματα καλλιτεχνικής μορφής και ότι το κύριο καθήκον της τέχνης είναι να να εκπαιδεύσει τα αισθητικά γούστα της ρωσικής κοινωνίας, κυρίως μέσω της γνωριμίας με τα έργα της παγκόσμιας τέχνης. Πρέπει να τους δώσουμε την τιμητική τους: χάρη στον Κόσμο της Τέχνης, η αγγλική και η γερμανική τέχνη εκτιμήθηκαν πραγματικά με έναν νέο τρόπο, και το πιο σημαντικό, η ρωσική ζωγραφική του 18ου αιώνα και η αρχιτεκτονική του κλασικισμού της Αγίας Πετρούπολης έγιναν ανακάλυψη για πολλούς. Ο «World of Art» πάλεψε για την «κριτική ως τέχνη», διακηρύσσοντας το ιδανικό ενός κριτικού-καλλιτέχνη με υψηλή επαγγελματική κουλτούρα και πολυμάθεια. Τον τύπο ενός τέτοιου κριτικού ενσάρκωσε ένας από τους δημιουργούς του The World of Art, A.N. Ο Μπενουά.

Η «Miriskusniki» διοργάνωσε εκθέσεις. Η πρώτη ήταν επίσης η μόνη διεθνής που συγκέντρωσε, εκτός από Ρώσους, καλλιτέχνες από τη Γαλλία, την Αγγλία, τη Γερμανία, την Ιταλία, το Βέλγιο, τη Νορβηγία, τη Φινλανδία κ.λπ. Αλλά η ρωγμή μεταξύ αυτών των δύο σχολείων - της Αγίας Πετρούπολης και της Μόσχας - ήταν ήδη εμφανής σχεδόν από την πρώτη μέρα. Τον Μάρτιο του 1903 έκλεισε η τελευταία, πέμπτη έκθεση του Κόσμου της Τέχνης, τον Δεκέμβριο του 1904 κυκλοφόρησε το τελευταίο τεύχος του περιοδικού World of Art. Οι περισσότεροι από τους καλλιτέχνες μετακόμισαν στην "Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών" που οργανώθηκε με βάση την έκθεση της Μόσχας "36", συγγραφείς - στο περιοδικό New Way που άνοιξε η ομάδα του Μερεζκόφσκι, συμβολιστές της Μόσχας ενώθηκαν γύρω από το περιοδικό "Vesy", μουσικοί οργάνωσαν " Βραδιές σύγχρονης μουσικής», ο Ντιαγκίλεφ ασχολήθηκε εξ ολοκλήρου με το μπαλέτο και το θέατρο.

Το 1910, έγινε μια προσπάθεια να ανανεωθεί η ζωή στον «Κόσμο της Τέχνης» (με επικεφαλής τον Roerich). Η φήμη ήρθε στον «Κόσμο της Τέχνης», αλλά ο «Κόσμος των Τεχνών» ουσιαστικά δεν υπήρχε πλέον, αν και τυπικά η ένωση υπήρχε μέχρι τις αρχές της δεκαετίας του 1920 (1924) - με πλήρη έλλειψη ακεραιότητας, σε απεριόριστη ανοχή και ευελιξία θέσεων. Η δεύτερη γενιά του "World of Art" ήταν λιγότερο απασχολημένη με τα προβλήματα της ζωγραφικής του καβαλέτου, τα ενδιαφέροντά της είναι τα γραφικά, κυρίως το βιβλίο, και οι θεατρικές και διακοσμητικές τέχνες, και στους δύο τομείς έκαναν μια πραγματική καλλιτεχνική μεταρρύθμιση. Στη δεύτερη γενιά του «Κόσμου της Τέχνης» υπήρχαν επίσης μεγάλα άτομα (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin κ.λπ.), αλλά δεν υπήρχαν καθόλου καινοτόμοι καλλιτέχνες.

Κορυφαίος καλλιτέχνης του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν ο K. A. Somov (1869-1939). Ο γιος του επικεφαλής επιμελητή του Ερμιτάζ, ο οποίος αποφοίτησε από την Ακαδημία Τεχνών και ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη, ο Somov έλαβε εξαιρετική εκπαίδευση. Η δημιουργική ωριμότητα του ήρθε νωρίς, αλλά, όπως σωστά παρατήρησε ο ερευνητής (V.N. Petrov), είχε πάντα κάποια δυαδικότητα - την πάλη ανάμεσα σε ένα ισχυρό ρεαλιστικό ένστικτο και μια οδυνηρή συναισθηματική κοσμοθεωρία.

Ο Somov, όπως τον γνωρίζουμε, εμφανίστηκε στο πορτρέτο του καλλιτέχνη Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery), στον πίνακα πορτρέτου "Echo of the Past Time" (1903, στο χάρτη, aqua. , γκουάς, State Tretyakov Gallery ), όπου δημιουργεί έναν ποιητικό χαρακτηρισμό της εύθραυστης, αναιμικής γυναικείας ομορφιάς του παρακμιακού μοντέλου, αρνούμενος να μεταφέρει τα πραγματικά καθημερινά σημάδια της νεωτερικότητας. Ντύνει τα μοντέλα με αρχαίες στολές, δίνει στην εμφάνισή τους τα χαρακτηριστικά της μυστικής ταλαιπωρίας, της θλίψης και της ονειροπόλησης, του οδυνηρού σπασίματος.

Ο Somov έχει μια σειρά από γραφικά πορτρέτα των συγχρόνων του - της πνευματικής ελίτ (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, κ.λπ.), στα οποία χρησιμοποιεί μια γενική τεχνική: σε λευκό φόντο - σε ένα συγκεκριμένο διαχρονικό σφαίρα - σχεδιάζει ένα πρόσωπο, μια ομοιότητα στην οποία επιτυγχάνεται όχι μέσω πολιτογράφησης, αλλά με τολμηρές γενικεύσεις και εύστοχη επιλογή χαρακτηριστικών λεπτομερειών. Αυτή η έλλειψη σημαδιών του χρόνου δημιουργεί την εντύπωση της στατικής, της ακαμψίας, της ψυχρότητας, της σχεδόν τραγικής μοναξιάς.

Πριν από οποιονδήποτε άλλον στον κόσμο της τέχνης, ο Somov στράφηκε στα θέματα του παρελθόντος, στην ερμηνεία του 18ου αιώνα. («Επιστολή», 1896· «Εμπιστευτικά», 1897), όντας ο πρόδρομος των βερσαλλικών τοπίων του Μπενουά. Είναι ο πρώτος που δημιούργησε έναν σουρεαλιστικό κόσμο, πλεγμένο από τα μοτίβα της αρχοντιάς, της περιουσίας και της αυλικής κουλτούρας και τις δικές του καθαρά υποκειμενικές καλλιτεχνικές αισθήσεις, διαποτισμένες από ειρωνεία. Ο ιστορικισμός του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν μια απόδραση από την πραγματικότητα. Όχι το παρελθόν, αλλά η σκηνοποίησή του, λαχτάρα για το ανεπανόρθωτό του - αυτό είναι το κύριο κίνητρό τους. Όχι αληθινή διασκέδαση, αλλά ένα παιχνίδι διασκέδασης με φιλιά στα σοκάκια - τέτοιος είναι ο Somov.

Ο ιδεολογικός ηγέτης του «Κόσμου της Τέχνης» ήταν ο A. N. Benois (1870-1960) - ένα ασυνήθιστα ευέλικτο ταλέντο. Ζωγράφος, γραφίστας και εικονογράφος καβαλέτου, θεατρολόγος, σκηνοθέτης, συγγραφέας λιμπρέτων μπαλέτου, θεωρητικός και ιστορικός τέχνης, μουσικό πρόσωπο, ήταν, κατά τα λόγια του A. Bely, ο κύριος πολιτικός και διπλωμάτης του «Κόσμου της Τέχνης». Ως καλλιτέχνης, σχετίζεται με τον Somov από στυλιστικές τάσεις και εθισμό στο παρελθόν ("Είμαι μεθυσμένος με τις Βερσαλλίες, αυτό είναι κάποιο είδος ασθένειας, αγάπης, εγκληματικού πάθους ... Μετακόμισα εντελώς στο παρελθόν ...") . Στα τοπία των Βερσαλλιών, ο Μπενουά ένωσε την ιστορική ανασυγκρότηση του 17ου αιώνα. και οι σύγχρονες εντυπώσεις του καλλιτέχνη, η αντίληψή του για τον γαλλικό κλασικισμό, η γαλλική χαρακτική. Εξ ου και η ξεκάθαρη σύνθεση, η καθαρή χωρικότητα, το μεγαλείο και η ψυχρή αυστηρότητα των ρυθμών, η αντίθεση μεταξύ της μεγαλοπρέπειας των μνημείων τέχνης και της μικρότητας των ανθρώπινων μορφών, που είναι μόνο προσωπικό ανάμεσά τους (η 1η σειρά Βερσαλλιών 1896-1898 υπό τον τίτλο «Οι τελευταίοι περίπατοι του Λουδοβίκου XIV»). Στη δεύτερη σειρά των Βερσαλλιών (1905-1906), η ειρωνεία, που είναι επίσης χαρακτηριστική των πρώτων φύλλων, χρωματίζεται με σχεδόν τραγικές νότες («The King's Walk», γ., γκουάς, aqua, χρυσός, ασήμι, στυλό, 1906 , Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ). Η σκέψη του Μπενουά είναι η σκέψη ενός κατ’ εξοχήν θεατρικού καλλιτέχνη, που γνώριζε και ένιωθε πολύ καλά το θέατρο.

Η φύση γίνεται αντιληπτή από τον Μπενουά σε μια συνειρμική σύνδεση με την ιστορία (απόψεις του Παβλόφσκ, του Πέτερχοφ, του Τσάρσκοε Σέλο, που εκτελούνται από αυτόν με τεχνική ακουαρέλας).

Ο Μπενουά ο εικονογράφος (Πούσκιν, Χόφμαν) είναι μια ολόκληρη σελίδα στην ιστορία του βιβλίου. Σε αντίθεση με τον Somov, ο Benois δημιουργεί μια αφηγηματική εικονογράφηση. Το επίπεδο της σελίδας δεν είναι αυτοσκοπός για εκείνον. Αριστούργημα εικονογράφησης βιβλίων ήταν η γραφιστική του Χάλκινου Καβαλάρη (1903,1905,1916,1921-1922, μελάνι και ακουαρέλα που μιμείται έγχρωμη ξυλογραφία). Σε μια σειρά εικονογραφήσεων για το μεγάλο ποίημα, ο κεντρικός ήρωας είναι το αρχιτεκτονικό τοπίο της Αγίας Πετρούπολης, τώρα πανηγυρικά αξιολύπητο, τώρα ειρηνικό, τώρα απαίσιο, απέναντι στο οποίο η φιγούρα του Ευγένιου φαίνεται ακόμη πιο ασήμαντη. Έτσι εκφράζει ο Μπενουά την τραγική σύγκρουση μεταξύ της μοίρας του ρωσικού κρατισμού και της προσωπικής μοίρας ενός μικρού ανθρώπου («Και όλη τη νύχτα ο φτωχός τρελός, / Όπου κι αν γύριζε τα πόδια του, / Ο Χάλκινος Καβαλάρης ήταν παντού μαζί του / Με ένα βαρύ στόμφο κάλπασε»).

Ως καλλιτέχνης του θεάτρου, ο Μπενουά σχεδίασε τις παραστάσεις των "Ρωσικών εποχών", από τις οποίες η πιο διάσημη ήταν το μπαλέτο "Petrushka" σε μουσική του Στραβίνσκι, εργάστηκε πολύ στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας και αργότερα - σχεδόν σε όλα τα μεγάλα Ευρωπαϊκές σκηνές.

Ξεχωριστή θέση στον «Κόσμο της Τέχνης» κατέχει ο N. K. Roerich (1874-1947). Γνώστης της φιλοσοφίας και της εθνογραφίας της Ανατολής, αρχαιολόγος-επιστήμονας, ο Roerich έλαβε εξαιρετική εκπαίδευση, πρώτα στο σπίτι, μετά στη νομική και ιστορική-φιλολογική σχολή του Πανεπιστημίου της Αγίας Πετρούπολης, μετά στην Ακαδημία Τεχνών, στο εργαστήριο του Kuindzhi, και στο Παρίσι στο στούντιο του F. Cormon. Νωρίς απέκτησε την εξουσία του επιστήμονα. Είχε σχέση με τον «Κόσμο της Τέχνης» με την ίδια αγάπη για την αναδρομή, μόνο όχι τον 17ο-18ο αιώνα, αλλά στην παγανιστική σλαβική και σκανδιναβική αρχαιότητα, στην Αρχαία Ρωσία. στιλιστικές τάσεις, θεατρική διακοσμητικότητα («Αγγελιοφόρος», 1897, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ· «Οι Πρεσβύτεροι Συγκλίνουν», 1898, Ρωσικό Μουσείο· «Σίνιστερ», 1901, Ρωσικό Μουσείο). Ο Roerich συνδέθηκε στενά με τη φιλοσοφία και την αισθητική του ρωσικού συμβολισμού, αλλά η τέχνη του δεν ταίριαζε στο πλαίσιο των υφιστάμενων τάσεων, επειδή, σύμφωνα με την κοσμοθεωρία του καλλιτέχνη, στράφηκε, όπως λέγαμε, σε όλη την ανθρωπότητα με μια έκκληση για μια φιλική ένωση όλων των λαών. Εξ ου και η ιδιαίτερη επική φύση των έργων του.

Μετά το 1905, η διάθεση του πανθεϊστικού μυστικισμού μεγάλωσε στο έργο του Roerich. Τα ιστορικά θέματα δίνουν τη θέση τους σε θρησκευτικούς θρύλους (The Heavenly Battle, 1912, Ρωσικό Μουσείο). Η ρωσική εικόνα είχε τεράστια επιρροή στον Roerich: το διακοσμητικό του πάνελ The Battle of Kerzhents (1911) εκτέθηκε κατά την παράσταση ενός ομότιτλου τμήματος από την όπερα του Rimsky-Korsakov The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia στο τις ρωσικές εποχές του Παρισιού.

Ο «Κόσμος της Τέχνης» ήταν ένα σημαντικό αισθητικό κίνημα στις αρχές του αιώνα, που υπερεκτίμησε ολόκληρη τη σύγχρονη καλλιτεχνική κουλτούρα, ενέκρινε νέα γούστα και προβλήματα, επέστρεψε στην τέχνη -στο υψηλότερο επαγγελματικό επίπεδο- τις χαμένες μορφές γραφικά βιβλίουκαι η θεατρική και διακοσμητική ζωγραφική, που κέρδισαν πανευρωπαϊκή αναγνώριση με τις προσπάθειές τους, δημιούργησαν μια νέα κριτική τέχνης, προώθησαν τη ρωσική τέχνη στο εξωτερικό, μάλιστα, άνοιξαν μερικές από τις σκηνές της, όπως ο ρωσικός XVIII αιώνας. Ο «Κόσμος της Τέχνης» δημιούργησε ένα νέο είδος ιστορικής ζωγραφικής, πορτραίτου, τοπίου με τα δικά του στυλιστικά χαρακτηριστικά (ξεχωριστές υφολογικές τάσεις, υπεροχή των γραφικών τεχνικών έναντι των εικονογραφικών, καθαρά διακοσμητική κατανόηση του χρώματος κ.λπ.). Αυτό καθορίζει τη σημασία τους για τη ρωσική τέχνη.

Οι αδυναμίες του «Κόσμου της Τέχνης» αντικατοπτρίστηκαν κυρίως στην ποικιλομορφία και την ασυνέπεια του προγράμματος, διακηρύσσοντας το μοντέλο «ή Böcklin, μετά Manet». σε ιδεαλιστικές απόψεις για την τέχνη, σε μια επηρεασμένη αδιαφορία για τα αστικά καθήκοντα της τέχνης, στην προγραμματική απάθεια, στην απώλεια της κοινωνικής σημασίας της εικόνας. Η οικειότητα του «Κόσμου της Τέχνης», ο καθαρός αισθητισμός του καθόρισαν τη σύντομη ιστορική περίοδο της ζωής του στην εποχή των τρομερών τραγικών προμηνυμάτων της επικείμενης επανάστασης. Αυτά ήταν μόνο τα πρώτα βήματα στο μονοπάτι των δημιουργικών αναζητήσεων και πολύ σύντομα οι νέοι ξεπέρασαν τους φοιτητές του World of Art.

"Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών"

Το 1903 ιδρύθηκε ένας από τους μεγαλύτερους εκθεσιακούς συλλόγους των αρχών του αιώνα, η Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών. Στην αρχή, σχεδόν όλες οι εξέχουσες προσωπικότητες του "Κόσμου της Τέχνης" - Μπενουά, Μπακστ, Σόμοφ, μπήκαν σε αυτό, ο Βρούμπελ, ο Μπορίσοφ-Μουσάτοφ συμμετείχαν στις πρώτες εκθέσεις. Οι εμπνευστές της δημιουργίας του συλλόγου ήταν καλλιτέχνες της Μόσχας που συνδέονται με τον «Κόσμο της Τέχνης», αλλά βαρύνονται από την προγραμματική αισθητική των Πετρούπολης.

Εθνικό τοπίο, ζωγραφισμένες με αγάπη εικόνες της αγροτικής Ρωσίας - ένα από τα κύρια είδη των καλλιτεχνών της «Ένωσης», στο οποίο ο «ρωσικός ιμπρεσιονισμός» εκφράστηκε με έναν περίεργο τρόπο με τα κυρίως αγροτικά και όχι αστικά μοτίβα του. Τα τοπία λοιπόν του Ι.Ε. Ο Grabar (1871-1960), με τη λυρική του διάθεση, με τις ωραιότερες εικονογραφικές αποχρώσεις που αντικατοπτρίζουν στιγμιαίες αλλαγές στην αληθινή φύση, είναι ένα είδος παραλληλισμού στο ρωσικό έδαφος με το γαλλικό ιμπρεσιονιστικό τοπίο («September Snow», 1903, State Tretyakov Gallery). Το ενδιαφέρον του Grabar για την αποσύνθεση του ορατού χρώματος σε φασματικά, καθαρά χρώματα της παλέτας τον κάνει επίσης να σχετίζεται με τον νεοϊμπρεσιονισμό, με τον J. Seurat και τον P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretyakov Gallery). Το παιχνίδι των χρωμάτων στη φύση, τα πολύπλοκα χρωμιστικά εφέ γίνονται αντικείμενο στενής μελέτης των «Συμμάχων», που δημιουργούν στον καμβά έναν ζωγραφικό και πλαστικό παραστατικό κόσμο, χωρίς αφήγηση και παραστατικότητα.

Με όλο το ενδιαφέρον για τη μετάδοση φωτός και αέρα στη ζωγραφική των δασκάλων της «Ένωσης», η διάλυση του αντικειμένου στο μέσο φωτός-αέρα δεν παρατηρείται ποτέ. Το χρώμα γίνεται διακοσμητικό.

Οι «Σύμμαχοι», σε αντίθεση με τους Πετρούπολης -τους γραφίστες του «Κόσμου της Τέχνης»- είναι ως επί το πλείστον ζωγράφοι με αυξημένη διακοσμητική αίσθηση του χρώματος. Ένα εξαιρετικό παράδειγμα αυτού είναι οι πίνακες του F.A. Malyavin.

Συνολικά, οι Σύμμαχοι έλκονται όχι μόνο προς τις μελέτες πλήρους αέρα, αλλά και προς τις μνημειώδεις εικονογραφικές μορφές. Μέχρι το 1910, την εποχή της διάσπασης και του δευτερογενούς σχηματισμού του «Κόσμου της Τέχνης», στις εκθέσεις της «Ένωσης» μπορούσε κανείς να δει ένα οικείο τοπίο (Vinogradov, Yuon κ.λπ.), ζωγραφίζοντας κοντά στον γαλλικό διχασμό (Grabar , πρώιμος Larionov) ή κοντά στον συμβολισμό ( P. Kuznetsov, Sudeikin). παρευρέθηκαν επίσης από τους καλλιτέχνες του «Κόσμου της Τέχνης» του Diaghilev - Benois, Somov, Bakst.

Η «Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών», με τα στέρεα ρεαλιστικά θεμέλιά της, που έπαιξαν σημαντικό ρόλο στις εγχώριες καλές τέχνες, είχε κάποιο αντίκτυπο στη διαμόρφωση της σοβιετικής σχολής ζωγραφικής, που υπήρχε μέχρι το 1923.

Το 1907, στη Μόσχα, το περιοδικό Χρυσόμαλλο Δέρας διοργάνωσε τη μοναδική έκθεση καλλιτεχνών μετά τον Μπορίσοφ-Μουσάτοφ, που ονομάστηκε Μπλε Τριαντάφυλλο. Ο P. Kuznetsov έγινε ο κορυφαίος καλλιτέχνης του Blue Rose. Οι «Μπλε αρκούδες» είναι πιο κοντά στον συμβολισμό, ο οποίος εκφράστηκε κυρίως στη «γλώσσα» τους: αστάθεια της διάθεσης, ασαφής, αμετάφραστη μουσικότητα των συνειρμών, εκλέπτυνση των χρωματικών σχέσεων. Η αισθητική πλατφόρμα των συμμετεχόντων στην έκθεση είχε επίσης επίδραση στα επόμενα χρόνια και το όνομα αυτής της έκθεσης έγινε γνωστό όνομα για μια ολόκληρη τάση στην τέχνη στο δεύτερο μισό του 900. Η όλη δραστηριότητα του «Μπλε τριαντάφυλλου» φέρει επίσης το ισχυρότερο αποτύπωμα της επιρροής του στυλ Art Nouveau (επίπεδο-διακοσμητικό στυλιζάρισμα μορφών, ιδιότροποι γραμμικοί ρυθμοί).

Τα έργα του P. V. Kuznetsov (1878-1968) αντικατοπτρίζουν τις βασικές αρχές των Μπλε Αρκούδων. Ο Kuznetsov δημιούργησε ένα διακοσμητικό πάνελ-εικόνα στην οποία προσπάθησε να αφαιρέσει από την καθημερινή ιδιαιτερότητα, να δείξει την ενότητα ανθρώπου και φύσης, τη σταθερότητα του αιώνιου κύκλου της ζωής και της φύσης, τη γέννηση της ανθρώπινης ψυχής σε αυτή την αρμονία. Εξ ου και η επιθυμία για μνημειώδεις μορφές ζωγραφικής, ονειρικές-στοχαστικές, εξαγνισμένες από κάθε τι στιγμιαίο, οικουμενικές, διαχρονικές νότες, μια διαρκής επιθυμία να μεταδοθεί η πνευματικότητα της ύλης. Μια φιγούρα είναι μόνο ένα σημάδι που εκφράζει μια έννοια. Το χρώμα χρησιμεύει για να μεταφέρει συναισθήματα. ρυθμός - για να εισαγάγετε σε έναν ορισμένο κόσμο αισθήσεων (όπως στη ζωγραφική εικόνων - σύμβολο αγάπης, τρυφερότητας, λύπης κ.λπ.). Εξ ου και η λήψη μιας ομοιόμορφης κατανομής φωτός σε ολόκληρη την επιφάνεια του καμβά ως ένα από τα θεμέλια του διακοσμητικού εφέ του Kuznetsov. Ο Σέροφ είπε ότι η φύση του Π. Κουζνέτσοφ «αναπνέει». Αυτό εκφράζεται άψογα στις σουίτες του Κιργιζιστάν (Στέπα) και Μπουχάρα, σε τοπία της Κεντρικής Ασίας. Ο Κουζνέτσοφ μελέτησε τις τεχνικές της αρχαίας ρωσικής αγιογραφίας, της πρώιμης ιταλικής Αναγέννησης. Αυτή η έκκληση προς τις κλασικές παραδόσεις της παγκόσμιας τέχνης σε αναζήτηση του δικού της μεγάλου ύφους, όπως σωστά σημειώθηκε από τους ερευνητές, ήταν θεμελιώδους σημασίας σε μια περίοδο όπου οι παραδόσεις συχνά αρνούνταν εντελώς.

Ο εξωτισμός της Ανατολής -Ιράν, Αίγυπτος, Τουρκία- πραγματοποιείται στα τοπία του M. S. Saryan (1880-1972). Η Ανατολή ήταν ένα φυσικό θέμα για τον Αρμένιο καλλιτέχνη. Ο Saryan δημιουργεί στη ζωγραφική του έναν κόσμο γεμάτο φωτεινή διακοσμητικότητα, πιο παθιασμένο, πιο γήινο από αυτόν του Kuznetsov και η εικαστική λύση βασίζεται πάντα σε αντίθετες χρωματικές σχέσεις, χωρίς αποχρώσεις, σε έντονη σύγκριση σκιών (“Date Palm, Egypt”, 1911 , χάρτες. , τέμπερες, GTG).

Οι εικόνες του Saryan είναι μνημειώδεις λόγω της γενίκευσης των μορφών, των μεγάλων πολύχρωμων επιπέδων, της γενικής ασυνέπειας της γλώσσας - αυτή είναι, κατά κανόνα, μια γενικευμένη εικόνα της Αιγύπτου, είτε η Περσία, η εγγενής Αρμενία, διατηρώντας παράλληλα τη ζωτική φυσικότητα, όπως αν είναι γραμμένο από τη φύση. Οι διακοσμητικοί καμβάδες του Saryan είναι πάντα χαρούμενοι, αντιστοιχούν στην ιδέα του για τη δημιουργικότητα: «... ένα έργο τέχνης είναι το ίδιο το αποτέλεσμα της ευτυχίας, δηλαδή, δημιουργική δουλειά. Κατά συνέπεια, θα πρέπει να ανάψει τη φλόγα της δημιουργικής καύσης στον θεατή, να συμβάλει στον εντοπισμό της φυσικής επιθυμίας του για ευτυχία και ελευθερία.

"Jack of Diamonds"

Το 1910, ορισμένοι νέοι καλλιτέχνες - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova και άλλοι - ενώθηκαν στην οργάνωση Jack of Diamonds, η οποία είχε δικό του χάρτη, οργάνωσε εκθέσεις και δημοσίευσε τις δικές του συλλογές άρθρων. Ο "Jack of Diamonds" υπήρχε στην πραγματικότητα μέχρι το 1917. Καθώς ο μετα-ιμπρεσιονισμός, κυρίως ο Σεζάν, ήταν μια "αντίδραση στον ιμπρεσιονισμό", έτσι ο "Jack of Diamonds" αντιτάχθηκε στην ασάφεια, τη αμετάφραστη, τις πιο λεπτές αποχρώσεις της συμβολικής γλώσσας του "Μπλε" Rose» και τον αισθητικό στυλ του «Κόσμου της Τέχνης». Το "Knave of Diamonds", παρασυρμένο από την υλικότητα, την "υλικότητα" του κόσμου, δήλωνε μια καθαρή κατασκευή της εικόνας, τόνισε την αντικειμενικότητα της μορφής, την ένταση, την πληρότητα του χρώματος. Δεν είναι τυχαίο ότι η νεκρή φύση γίνεται αγαπημένο είδος των «Βαλετοβιτών», όπως το τοπίο γίνεται αγαπημένο είδος των μελών της Ένωσης Ρώσων Καλλιτεχνών. Η λεπτότητα στη μετάδοση της αλλαγής των διαθέσεων, ο ψυχολογισμός των χαρακτηριστικών, η υποτίμηση των καταστάσεων, η αποϋλοποίηση του πίνακα των «Γαλάζιων Φορέων», η ρομαντική ποίησή τους απορρίπτονται από τους «Βαλετοβίτες». Αντιπαραβάλλονται με το σχεδόν αυθόρμητο γλέντι των χρωμάτων, την έκφραση του περιγράμματος, τον χυμώδη παστώδη πλατύ τρόπο γραφής, που μεταφέρουν μια αισιόδοξη οπτική του κόσμου, δημιουργώντας μια σχεδόν φαρσική, τετράγωνη διάθεση. Το "Knave of Diamonds" επιτρέπει τέτοιες απλοποιήσεις στην ερμηνεία της φόρμας, που μοιάζουν με μια δημοφιλή δημοφιλή εκτύπωση, ένα λαϊκό παιχνίδι, πλακάκια ζωγραφικής, μια πινακίδα. Η λαχτάρα για πρωτογονισμό (από το λατινικό primitivus - πρωτόγονος, αρχικός) εκδηλώθηκε σε διάφορους καλλιτέχνες που μιμήθηκαν τις απλοποιημένες μορφές τέχνης των λεγόμενων πρωτόγονων εποχών - πρωτόγονες φυλές και εθνικότητες - αναζητώντας την αμεσότητα και την ακεραιότητα της καλλιτεχνικής αντίληψης. Ο «Jack of Diamonds» άντλησε τις αντιλήψεις του από τον Σεζάν (εξ ου και μερικές φορές το όνομα «Ρωσικός Σεζαννισμός»), ακόμη περισσότερο από τον κυβισμό («μετατόπιση» μορφών) και ακόμη από τον φουτουρισμό (δυναμική, διάφορες τροποποιήσεις της φόρμας.

Η ακραία απλοποίηση της φόρμας, η άμεση σύνδεση με την τέχνη της σήμανσης είναι ιδιαίτερα αισθητή στον Μ.Φ. Ο Larionov (1881-1964), ένας από τους ιδρυτές του "Jack of Diamonds", αλλά ήδη το 1911 έσπασε μαζί του. Ο Larionov ζωγραφίζει τοπία, πορτρέτα, νεκρές φύσεις, εργάζεται ως θεατρικός καλλιτέχνης της επιχείρησης Diaghilev, στη συνέχεια στρέφεται στη ζωγραφική του είδους, το θέμα του είναι η ζωή ενός επαρχιακού δρόμου, οι στρατώνες των στρατιωτών. Οι φόρμες είναι επίπεδες, γκροτέσκες, σαν σκόπιμα στυλιζαρισμένες σαν παιδικό σχέδιο, δημοφιλές στάμπα ή πινακίδα. Το 1913, ο Larionov δημοσίευσε το βιβλίο του "Luchism" - στην πραγματικότητα, το πρώτο από τα μανιφέστα της αφηρημένης τέχνης, οι πραγματικοί δημιουργοί του οποίου στη Ρωσία ήταν οι V. Kandinsky και K. Malevich.

Ο καλλιτέχνης Ν.Σ. Η Γκοντσάροβα (1881-1962), η σύζυγος του Λαριόνοφ, ανέπτυξε τις ίδιες τάσεις στους πίνακές της, κυρίως σε αγροτικό θέμα. Στα χρόνια που εξετάζουμε, στο έργο της, πιο διακοσμητικό και πολύχρωμο από την τέχνη του Larionov, μνημειώδες στην εσωτερική της δύναμη και λακωνισμό, γίνεται έντονα αισθητό το πάθος για τον πρωτογονισμό. Περιγράφοντας το έργο των Goncharova και Larionov, χρησιμοποιείται συχνά ο όρος "νεο-πρωτογονισμός".

Μ.Ζ. Ο Chagall (1887-1985) δημιούργησε φαντασιώσεις μεταμορφωμένες από τις βαρετές εντυπώσεις της ζωής της μικρής πόλης του Βίτεμπσκ και ερμηνευμένες με αφελές-ποιητικό και γκροτέσκο-συμβολικό πνεύμα. Με σουρεαλιστικό χώρο, φωτεινά χρώματα, σκόπιμη πρωτογονοποίηση της φόρμας, ο Chagall αποδεικνύεται ότι είναι κοντά τόσο στον δυτικό εξπρεσιονισμό όσο και στην πρωτόγονη λαϊκή τέχνη ("I and the Village", 1911, Museum of Contemporary Art, Νέα Υόρκη, "Over Vitebsk", 1914 , συντ. Zak. Toronto· «Wedding», 1918, State Tretyakov Gallery).

«Ένωση Νέων»

Η Ένωση Νέων είναι μια οργάνωση της Αγίας Πετρούπολης που δημιουργήθηκε σχεδόν ταυτόχρονα με το Jack of Diamonds (1909). Τον πρωταγωνιστικό ρόλο σε αυτό έπαιξε ο L. Zheverzheev. Ακριβώς όπως οι «valetovtsy», τα μέλη της «Ένωσης Νέων» εξέδωσαν θεωρητικές συλλογές. Μέχρι την κατάρρευση του συλλόγου το 1917. Η «Ένωση Νεολαίας» δεν είχε ένα συγκεκριμένο πρόγραμμα, που επαινούσε συμβολισμούς, και κυβισμό, και φουτουρισμό, και «μη αντικειμενικότητα», αλλά ο καθένας από τους καλλιτέχνες είχε το δικό του δημιουργικό πρόσωπο.

Η τέχνη των προεπαναστατικών χρόνων στη Ρωσία χαρακτηρίζεται από την ασυνήθιστη πολυπλοκότητα και την ασυνέπεια των καλλιτεχνικών αναζητήσεων, εξ ου και οι διαδοχικές ομαδοποιήσεις με τις δικές τους ρυθμίσεις προγράμματος και στυλιστικές συμπάθειες. Αλλά μαζί με τους πειραματιστές στον τομέα των αφηρημένων μορφών στη ρωσική τέχνη εκείνης της εποχής, ο «Κόσμος της Τέχνης» και οι «Γκολουμποροζίτες», οι «σύμμαχοι», οι «μαχαιριές των διαμαντιών» συνέχισαν να λειτουργούν ταυτόχρονα. ένα ισχυρό ρεύμα νεοκλασικών ρευμάτων, παράδειγμα του οποίου μπορεί να είναι το έργο ενός ενεργού μέλους της «τέχνης Mir» στη «δεύτερη γενιά» του Z. E. Serebryakova (1884-1967). Στους καμβάδες ποιητικού είδους της με το λακωνικό σχέδιο, την αισθησιακή πλαστική διαμόρφωση και την ισορροπία της σύνθεσης, η Serebryakova προέρχεται από τις υψηλές εθνικές παραδόσεις της ρωσικής τέχνης, κυρίως τον Βενετσιάνοφ και ακόμη περισσότερο - την αρχαία ρωσική τέχνη («Χωρικοί», 1914, Ρωσικό Μουσείο. "Harvest", 1915, Μουσείο Τέχνης της Οδησσού; "Λεύκανση του καμβά", 1917, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ).

Τέλος, λαμπρά στοιχεία της ζωτικότητας των εθνικών παραδόσεων, η σπουδαία αρχαία ρωσική ζωγραφική είναι έργο του K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), ενός καλλιτέχνη-στοχαστή που αργότερα έγινε ο πιο εξέχων δεξιοτέχνης της τέχνης της σοβιετικής περιόδου. Στον διάσημο πίνακα Bathing the Red Horse (1912, Παρ), ο καλλιτέχνης κατέφυγε σε μια μεταφορική μεταφορά. Όπως σωστά σημειώθηκε, ο νεαρός άνδρας σε ένα έντονο κόκκινο άλογο προκαλεί συσχετισμούς με τη δημοφιλή εικόνα του Αγίου Γεωργίου του Νικηφόρου ("Saint Egor") και τη γενικευμένη σιλουέτα, τη ρυθμική, συμπαγή σύνθεση, τον κορεσμό των αντίθετων χρωματικών κηλίδων που ήχος σε πλήρη ισχύ και η επιπεδότητα στην ερμηνεία των μορφών οδηγούν στη μνήμη μιας αρχαίας ρωσικής εικόνας. Μια αρμονικά φωτισμένη εικόνα δημιουργεί ο Petrov-Vodkin στον μνημειώδη πίνακα "Girls on the Volga" (1915, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov), στην οποία αισθάνεται επίσης τον προσανατολισμό του προς τις παραδόσεις της ρωσικής τέχνης, οδηγώντας τον δάσκαλο σε μια αληθινή εθνικότητα.

Αρχιτεκτονική

Η εποχή του ιδιαίτερα ανεπτυγμένου βιομηχανικού καπιταλισμού προκάλεσε σημαντικές αλλαγές στην αρχιτεκτονική, κυρίως στην αρχιτεκτονική της πόλης. Υπάρχουν νέοι τύποι αρχιτεκτονικών κατασκευών: εργοστάσια, σταθμοί, καταστήματα, τράπεζες, με την έλευση του κινηματογράφου - κινηματογράφους. Το πραξικόπημα έγινε από νέα οικοδομικά υλικά: οπλισμένο σκυρόδεμα και μεταλλικές κατασκευές, που επέτρεψαν το μπλοκάρισμα γιγάντιων χώρων, την κατασκευή τεράστιων βιτρινών και τη δημιουργία ενός παράξενου σχεδίου δεσίματος.

Την τελευταία δεκαετία του 19ου αιώνα, έγινε σαφές στους αρχιτέκτονες ότι η αρχιτεκτονική είχε φτάσει σε αδιέξοδο στη χρήση των ιστορικών στυλ του παρελθόντος· σύμφωνα με τους ερευνητές, ήταν ήδη απαραίτητο να μην «αναδιατάξουμε» τα ιστορικά στυλ, αλλά να δημιουργήσουμε κατανοήσουν το νέο που συσσωρευόταν στο περιβάλλον μιας ταχέως αναπτυσσόμενης καπιταλιστικής πόλης. Τα τελευταία χρόνια του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα είναι η εποχή της κυριαρχίας της νεωτερικότητας στη Ρωσία, η οποία διαμορφώθηκε στη Δύση κυρίως στη βελγική, τη νοτιο-γερμανική και την αυστριακή αρχιτεκτονική, ένα φαινόμενο γενικά κοσμοπολίτικο (αν και εδώ η ρωσική νεωτερικότητα διαφέρει από τη δυτική ευρωπαϊκό, γιατί είναι ένα μείγμα με ιστορική νεοαναγέννηση, νεομπαρόκ, νεοροκοκό κ.λπ.).

Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα Art Nouveau στη Ρωσία ήταν το έργο του F.O. Shekhtel (1859--1926). Κερδοφόρα σπίτια, αρχοντικά, κτίρια εμπορικών εταιρειών και σταθμοί - σε όλα τα είδη Ο Shekhtel άφησε τη γραφή του. Η ασυμμετρία του κτιρίου είναι αποτελεσματική γι 'αυτόν, η οργανική αύξηση των όγκων, η διαφορετική φύση των προσόψεων, η χρήση μπαλκονιών, βεράντες, παράθυρα σε προεξοχή, σαντρίκια πάνω από τα παράθυρα, η εισαγωγή μιας στυλιζαρισμένης εικόνας από κρίνα ή ίριδες στο αρχιτεκτονική διακόσμηση, χρήση βιτρό παραθύρων με το ίδιο διακοσμητικό μοτίβο, διαφορετικές υφές υλικών στην εσωτερική διακόσμηση. Ένα παράξενο μοτίβο, χτισμένο στις ανατροπές των γραμμών, εκτείνεται σε όλα τα μέρη του κτιρίου: η μωσαϊκό ζωφόρος, που αγαπά ο νεωτερισμός, ή μια ζώνη από υαλωμένα κεραμικά πλακίδια σε ξεθωριασμένα παρακμιακά χρώματα, βιτρό βιβλιοδεσίες, μοτίβο φράχτη, μπαλκόνι πλέγματα? στη σύνθεση των σκαλοπατιών, ακόμα και στα έπιπλα κλπ. Τα ιδιότροπα καμπυλόγραμμα περιγράμματα κυριαρχούν σε όλα. Στην Art Nouveau, μπορεί κανείς να εντοπίσει μια ορισμένη εξέλιξη, δύο στάδια ανάπτυξης: το πρώτο είναι διακοσμητικό, με ιδιαίτερο πάθος για το στολίδι, τη διακοσμητική γλυπτική και τη ζωγραφική (κεραμικά, ψηφιδωτά, βιτρό), το δεύτερο είναι πιο εποικοδομητικό, ορθολογιστικό.

Η Art Nouveau εκπροσωπείται καλά στη Μόσχα. Την περίοδο αυτή χτίστηκαν εδώ σιδηροδρομικοί σταθμοί, ξενοδοχεία, τράπεζες, αρχοντικά της εύπορης αστικής τάξης, πολυκατοικίες. Η έπαυλη Ryabushinsky στις Πύλες Nikitsky στη Μόσχα (1900-1902, αρχιτέκτονας F.O. Shekhtel) είναι ένα χαρακτηριστικό δείγμα της ρωσικής αρτ νουβό.

Έκκληση στις παραδόσεις της αρχαίας ρωσικής αρχιτεκτονικής, αλλά μέσω των τεχνικών της νεωτερικότητας, όχι αντιγράφοντας τις νατουραλιστικές λεπτομέρειες της μεσαιωνικής ρωσικής αρχιτεκτονικής, που ήταν χαρακτηριστικό του "ρωσικού στυλ" των μέσων του 19ου αιώνα, αλλά διαφοροποιώντας το ελεύθερα, προσπαθώντας να μεταδίδουν το ίδιο το πνεύμα της Αρχαίας Ρωσίας, που οδήγησε στο λεγόμενο νεο-ρωσικό στυλ των αρχών του 20ου αιώνα (μερικές φορές ονομάζεται νεορομαντισμός). Η διαφορά του από το ίδιο το Art Nouveau είναι κυρίως στη μεταμφίεση και όχι στην αποκάλυψη, κάτι που είναι χαρακτηριστικό για την Art Nouveau, την εσωτερική δομή του κτιρίου και τον χρηστικό σκοπό πίσω από περίπλοκα στολίδια (Shekhtel - Σταθμός Yaroslavsky στη Μόσχα, 1903-1904· A.V. Shchusev - Σταθμός Kazansky στη Μόσχα, 1913-1926· V. M. Vasnetsov - το παλιό κτίριο της γκαλερί Tretyakov, 1900-1905). Τόσο ο Vasnetsov όσο και ο Shchusev, ο καθένας με τον δικό του τρόπο (και ο δεύτερος υπό την πολύ μεγάλη επιρροή του πρώτου), ήταν εμποτισμένοι με την ομορφιά της αρχαίας ρωσικής αρχιτεκτονικής, ιδιαίτερα του Νόβγκοροντ, του Πσκοφ και της πρώιμης Μόσχας, εκτίμησαν την εθνική του ταυτότητα και ερμήνευσαν δημιουργικά φόρμες.

Το Art Nouveau αναπτύχθηκε όχι μόνο στη Μόσχα, αλλά και στην Αγία Πετρούπολη, όπου αναπτύχθηκε υπό την αναμφισβήτητη επιρροή του σκανδιναβικού, λεγόμενου «βόρειου σύγχρονου»: P.Yu. Ο Σούζορ το 1902-1904 χτίζει το κτίριο της εταιρείας Singer στη λεωφόρο Nevsky Prospekt (τώρα το Σπίτι του Βιβλίου). Η επίγεια σφαίρα στην οροφή του κτιρίου υποτίθεται ότι συμβολίζει τη διεθνή φύση των δραστηριοτήτων της εταιρείας. Η πρόσοψη ήταν επενδυμένη με πολύτιμους λίθους (γρανίτη, λαμπραδορίτη), μπρούτζο και ψηφιδωτά. Όμως οι παραδόσεις του μνημειακού κλασικισμού της Αγίας Πετρούπολης επηρέασαν τον μοντερνισμό της Αγίας Πετρούπολης. Αυτό λειτούργησε ως ώθηση για την εμφάνιση ενός άλλου κλάδου της νεωτερικότητας - του νεοκλασικισμού του 20ού αιώνα. Στο αρχοντικό του Α.Α. Polovtsov στο νησί Kamenny της Αγίας Πετρούπολης (1911-1913) ο αρχιτέκτονας I.A. Ο Fomin (1872-1936) επηρέασε πλήρως τα χαρακτηριστικά αυτού του στυλ: η πρόσοψη (κεντρικός όγκος και πλευρικές πτέρυγες) επιλύθηκε με την ιωνική σειρά και οι εσωτερικοί χώροι του αρχοντικού σε μια μειωμένη και πιο λιτή μορφή, όπως λες, επαναλαμβάνουν την Enfilade της αίθουσας του παλατιού Tauride, αλλά τα τεράστια παράθυρα της ημι-ροτόντας του χειμερινού κήπου, στυλιζαρισμένο σχέδιο αρχιτεκτονικών λεπτομερειών ορίζουν ξεκάθαρα την εποχή των αρχών του αιώνα. Τα έργα μιας αμιγώς αρχιτεκτονικής σχολής της Αγίας Πετρούπολης των αρχών του αιώνα - πολυκατοικίες - στην αρχή της λεωφόρου Kamennoostrovsky (No. 1-3), Count M.P. Τολστόι στη Φοντάνκα (Αρ. 10-12), κτίρια β. Η τράπεζα Azov-Don στην Bolshaya Morskaya και το ξενοδοχείο Astoria ανήκουν στον αρχιτέκτονα F.I. Lidval (1870-1945), ένας από τους πιο εξέχοντες δεξιοτέχνες της Art Nouveau της Αγίας Πετρούπολης.

Το Art Nouveau ήταν ένα από τα πιο σημαντικά στυλ που τελείωσε τον 19ο αιώνα και άνοιξε τον επόμενο. Όλα τα σύγχρονα επιτεύγματα της αρχιτεκτονικής χρησιμοποιήθηκαν σε αυτό. Το σύγχρονο δεν είναι μόνο ένα συγκεκριμένο εποικοδομητικό σύστημα. Από την εποχή του κλασικισμού, το μοντέρνο είναι ίσως το πιο συνεπές στυλ όσον αφορά την ολιστική του προσέγγιση, τη συνολική λύση του εσωτερικού. Το Art Nouveau ως στυλ αιχμαλώτισε την τέχνη των επίπλων, των σκευών, των υφασμάτων, των χαλιών, των βιτρό, των κεραμικών, του γυαλιού, των ψηφιδωτών, αναγνωρίζεται παντού για τα σχεδιασμένα περιγράμματα και τις γραμμές του, την ιδιαίτερη χρωματική του γκάμα από ξεθωριασμένα, παστέλ χρώματα και το αγαπημένο του σχέδιο από κρίνα και ίριδες.

Γλυπτική

Ρωσική γλυπτική στο γύρισμα του 19ου-20ου αιώνα. και τα πρώτα προεπαναστατικά χρόνια αντιπροσωπεύονται από αρκετά μεγάλα ονόματα. Καταρχήν πρόκειται για τον Π.Π. Trubetskoy (1866-1938). Τα πρώιμα ρωσικά έργα του (πορτρέτο του Λεβιτάν, εικόνα του Τολστόι έφιππος, και τα δύο - 1899, χάλκινο) δίνουν μια πλήρη εικόνα της ιμπρεσιονιστικής μεθόδου του Trubetskoy: η φόρμα, όπως ήταν, είναι όλη διαποτισμένη από φως και αέρα, δυναμική, σχεδιασμένη για θέαση από όλες τις απόψεις και από διαφορετικές οπτικές γωνίες δημιουργεί έναν πολύπλευρο χαρακτηρισμό της εικόνας. Το πιο αξιόλογο έργο του P. Trubetskoy στη Ρωσία ήταν το χάλκινο μνημείο του Αλέξανδρου Γ', που ανεγέρθηκε το 1909 στην Αγία Πετρούπολη, στην πλατεία Znamenskaya. Εδώ ο Trubetskoy αφήνει το ιμπρεσιονιστικό του στυλ. Οι ερευνητές έχουν επανειλημμένα σημειώσει ότι η εικόνα του αυτοκράτορα του Τρουμπέτσκι επιλύεται, όπως λες, σε αντίθεση με του Φαλκόνε, και δίπλα στον Χάλκινο Καβαλάρη, αυτή είναι μια σχεδόν σατιρική εικόνα απολυταρχίας. Μας φαίνεται ότι αυτή η αντίθεση έχει διαφορετική σημασία. Όχι η Ρωσία, «σηκωμένη στα πίσω πόδια της», όπως ένα πλοίο που εκτοξεύεται στα ευρωπαϊκά ύδατα, αλλά η Ρωσία της ειρήνης, της σταθερότητας και της δύναμης συμβολίζεται από αυτόν τον αναβάτη που κάθεται βαριά σε ένα βαρύ άλογο.

Ο ιμπρεσιονισμός σε μια ιδιόμορφη, πολύ ατομική δημιουργική διάθλαση βρήκε έκφραση στα έργα του A. S. Golubkina (1864-1927). Στις εικόνες της Golubkina, ειδικά των γυναικών, υπάρχει πολλή υψηλή ηθική καθαρότητα, βαθιά δημοκρατία. Αυτές είναι τις περισσότερες φορές εικόνες απλών φτωχών ανθρώπων: εξαντλημένων γυναικών ή άρρωστα «παιδιά του μπουντρούμι».

Το πιο ενδιαφέρον πράγμα στο έργο της Golubkina είναι τα πορτρέτα της, πάντα δραματικά, που είναι γενικά χαρακτηριστικά του έργου αυτού του δασκάλου και ασυνήθιστα ποικίλα (πορτρέτο του V.F. Ern (ξύλο, 1913, Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov) ή μια προτομή του Andrei Bely (γύψος , 1907, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ)) .

Στο έργο των Trubetskoy και Golubkina, παρ' όλες τις διαφορές τους, υπάρχει κάτι κοινό: χαρακτηριστικά που τα κάνουν να σχετίζονται όχι μόνο με τον ιμπρεσιονισμό, αλλά και με τον ρυθμό των ρευστών γραμμών και των μορφών νεωτερικότητας.

Ο ιμπρεσιονισμός, που αιχμαλώτισε τη γλυπτική των αρχών του αιώνα, ελάχιστα επηρέασε το έργο του S. T. Konenkov (1874-1971). Η μαρμάρινη «Nike» (1906, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ) με καθαρά πορτρέτα (εξάλλου, σλαβικά) χαρακτηριστικά στρογγυλού προσώπου με λακκάκια στα μάγουλα προβάλλει τα έργα που έκανε ο Konenkov μετά από ένα ταξίδι στην Ελλάδα το 1912. Εικόνες της ελληνικής παγανιστικής μυθολογίας είναι συνυφασμένη με τη σλαβική μυθολογία. Ο Konenkov αρχίζει να δουλεύει στο ξύλο, αντλεί πολλά από τη ρωσική λαογραφία, τα ρωσικά παραμύθια. Εξ ου και το «Stribog» του (δέντρο, 1910, Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ), το «Velikosil» (δέντρο, ιδιωτικό, συλλογ.), οι εικόνες ζητιάνων και ηλικιωμένων («Γέρος-Πολίεβιτσοκ», 1910).

Στην αναβίωση της ξύλινης γλυπτικής, η μεγάλη αξία του Konenkov. Η αγάπη για το ρωσικό έπος, για το ρωσικό παραμύθι συνέπεσε με την «ανακάλυψη» της αρχαίας ρωσικής αγιογραφίας, της αρχαίας ρωσικής ξύλινης γλυπτικής, με ενδιαφέρον για την αρχαία ρωσική αρχιτεκτονική. Σε αντίθεση με την Golubkina, ο Konenkov στερείται δράματος, ψυχικής κατάρρευσης. Οι εικόνες του είναι γεμάτες λαϊκή αισιοδοξία.

Στο πορτρέτο, ο Konenkov ήταν ένας από τους πρώτους που έθεσε το πρόβλημα του χρώματος στις αρχές του αιώνα. Ο χρωματισμός του σε πέτρα ή ξύλο είναι πάντα πολύ λεπτός, λαμβάνοντας υπόψη τα χαρακτηριστικά του υλικού και τα χαρακτηριστικά του πλαστικού διαλύματος.

Από τα μνημειακά έργα των αρχών του αιώνα, είναι απαραίτητο να σημειωθεί το μνημείο του N.V. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), άνοιξε στη Μόσχα το 1909. Αυτός είναι ο Γκόγκολ των τελευταίων ετών της ζωής του, άρρωστος στο τελικό στάδιο. Ασυνήθιστα εκφραστικό είναι το θλιμμένο προφίλ του με μια κοφτερή («Γκόγκολ») μύτη, μια λεπτή φιγούρα τυλιγμένη σε ένα πανωφόρι. Με τη δαιδαλώδη γλώσσα της γλυπτικής, ο Andreev μετέφερε την τραγωδία μιας μεγάλης δημιουργικής προσωπικότητας. Σε μια ανάγλυφη ζωφόρο σε ένα βάθρο σε πολυμορφικές συνθέσεις, οι αθάνατοι ήρωες του Γκόγκολ απεικονίζονται με εντελώς διαφορετικό τρόπο, με χιούμορ ή και σατιρικά.

A. T. Matveev (1878-1960). Ξεπέρασε την ιμπρεσιονιστική επιρροή του δασκάλου του στα πρώτα του έργα - στο γυμνό (το κύριο θέμα εκείνων των χρόνων. Αυστηρή αρχιτεκτονική, λακωνισμός σταθερών γενικευμένων μορφών, κατάσταση φώτισης, ειρήνης, αρμονίας διακρίνουν τον Matveev, αντιπαραβάλλοντας άμεσα το έργο του με τη γλυπτική ιμπρεσιονισμός.

Όπως σωστά σημειώνουν οι ερευνητές, τα έργα του πλοιάρχου είναι σχεδιασμένα για μια μακρά, στοχαστική αντίληψη, απαιτούν μια εσωτερική διάθεση, «σιωπή» και μετά ανοίγονται πιο πλήρως και βαθιά. Έχουν τη μουσικότητα των πλαστικών μορφών, το υπέροχο καλλιτεχνικό γούστο και την ποίηση. Όλες αυτές οι ιδιότητες είναι εγγενείς στην ταφόπλακα του V.E. Ο Μπορίσοφ-Μουσάτοφ στην Ταρούζα (1910, γρανίτης). Στη φιγούρα ενός αγοριού που κοιμάται, είναι δύσκολο να διακρίνει κανείς τη γραμμή μεταξύ ύπνου και ανυπαρξίας, και αυτό γίνεται στις καλύτερες παραδόσεις της μνημειακής γλυπτικής του 18ου αιώνα. Ο Κοζλόφσκι και ο Μάρτος, με τη σοφή ήρεμη αποδοχή του θανάτου, που με τη σειρά του μας οδηγεί ακόμη παραπέρα, σε αρχαϊκές στήλες αντίκες με σκηνές «κηδειών». Αυτή η επιτύμβια στήλη είναι η κορυφή στο έργο του Matveev της προεπαναστατικής περιόδου, ο οποίος έπρεπε ακόμα να εργαστεί γόνιμα και να γίνει ένας από τους διάσημους σοβιετικούς γλύπτες. Στην προ-Οκτωβριανή περίοδο, εμφανίστηκαν στη ρωσική γλυπτική αρκετοί ταλαντούχοι νέοι δεξιοτέχνες (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr κ.λπ.), οι οποίοι στη δεκαετία του 1910 μόλις ξεκινούσαν τη δημιουργική τους δραστηριότητα. Εργάστηκαν σε διαφορετικές κατευθύνσεις, αλλά διατήρησαν τις ρεαλιστικές παραδόσεις που έφεραν στη νέα τέχνη, παίζοντας σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση και ανάπτυξή της.

...

Παρόμοια Έγγραφα

Πνευματικές και καλλιτεχνικές καταβολές της Αργυρής Εποχής. Η άνοδος της κουλτούρας της Ασημένιας Εποχής. Η πρωτοτυπία της ρωσικής ζωγραφικής του τέλους του XIX - αρχές του XX αιώνα. Οι καλλιτεχνικοί σύλλογοι και ο ρόλος τους στην ανάπτυξη της ζωγραφικής. Πολιτισμός των επαρχιών και των μικρών πόλεων.

θητεία, προστέθηκε 19/01/2007


Η μελέτη των λόγων για τη διάσπαση του ρωσικού πολιτισμού του εικοστού αιώνα σε εγχώριο και μεταναστευτικό. Χαρακτηρισμός εκπροσώπων και καλλιτεχνικών εννοιών της avant-garde, του ρεαλισμού και του underground ως βασικών κατευθύνσεων στην ανάπτυξη των καλών τεχνών και της λογοτεχνίας.

δοκιμή, προστέθηκε 05/03/2010


Προέλευση και έννοια του συμβολισμού. Σχηματισμός του καλλιτέχνη της Ασημένιας Εποχής. Περίοδοι της ιστορίας του ρωσικού συμβολισμού: μια χρονολογία ανάπτυξης. Χαρακτηριστικά της ζωγραφικής του είδους στο γύρισμα του XIX-XX αιώνα. Ενώσεις τέχνης και καλλιτεχνικές αποικίες στη ρωσική ζωγραφική.

θητεία, προστέθηκε 17/06/2011


Ρωσική τέχνη του τέλους του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα. Γλυπτική. Αρχιτεκτονική. Ο ρωσικός πολιτισμός διαμορφώθηκε και αναπτύσσεται σήμερα ως ένα από τα κλαδιά του πανίσχυρου δέντρου του παγκόσμιου παγκόσμιου πολιτισμού. Η συμβολή της στην παγκόσμια πολιτιστική πρόοδο είναι αδιαμφισβήτητη.

περίληψη, προστέθηκε 06/08/2004


Σιλουέτα Silver Age. Τα κύρια χαρακτηριστικά και η ποικιλομορφία της καλλιτεχνικής ζωής της περιόδου της «Αργυρής Εποχής»: συμβολισμός, ακμεισμός, φουτουρισμός. Η σημασία της Ασημένιας Εποχής για τον ρωσικό πολιτισμό. Ιστορικά χαρακτηριστικά της ανάπτυξης του πολιτισμού στα τέλη του XIX - αρχές του ΧΧ αιώνα.

περίληψη, προστέθηκε 25/12/2007


Μελέτη της εμφάνισης και της ανάπτυξης του μπαρόκ ως στυλ τέχνης χαρακτηριστικό του πολιτισμού της Δυτικής Ευρώπης από τα τέλη του 16ου έως τα μέσα του 18ου αιώνα. γενικά χαρακτηριστικάκαι ανάλυση της ανάπτυξης των στυλ μπαρόκ στη ζωγραφική, τη γλυπτική, την αρχιτεκτονική και τη μουσική.

παρουσίαση, προστέθηκε 20/09/2011


Η ένταση της Αργυρής Εποχής στο δημιουργικό περιεχόμενο, η αναζήτηση νέων μορφών έκφρασης. Οι κύριες καλλιτεχνικές τάσεις της «Ασημένιας Εποχής». Η ανάδυση του συμβολισμού, του ακμεισμού, του φουτουρισμού στη λογοτεχνία, του κυβισμού και της αφαίρεσης στη ζωγραφική, του συμβολισμού στη μουσική.

περίληψη, προστέθηκε 18/03/2010


Ιστορία του καλλιτεχνικού πολιτισμού στις αρχές του εικοστού αιώνα. Οι κύριες τάσεις, οι καλλιτεχνικές έννοιες και οι εκπρόσωποι της ρωσικής πρωτοπορίας. Διαμόρφωση του πολιτισμού της σοβιετικής εποχής. Επιτεύγματα και δυσκολίες στην ανάπτυξη της τέχνης σε ολοκληρωτικές συνθήκες. υπόγειο φαινόμενο.

παρουσίαση, προστέθηκε 24/02/2014


Η ακμή του πνευματικού πολιτισμού στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα. Η εμφάνιση νέων τάσεων και καλλιτεχνικών ομάδων. Χαρακτηριστικά και διαφορές αφαίρεσης, πρωτοπορίας, ιμπρεσιονισμού, κυβισμού, κυβοφουτουρισμού, ραγιονισμού, μοντερνισμού, συμβολισμού και υπεροχής.

παρουσίαση, προστέθηκε 05/12/2015


Η επίδραση των πολιτικών και κοινωνικών γεγονότων στην τέχνη. Ώρα δημιουργικής ανόδου σε διάφορους τομείς του πολιτισμού. Αποκάλυψη της ουσίας του μοντερνιστικού ακμεισμού, του φουτουρισμού και του συμβολισμού. Εκδήλωση της Art Nouveau στην Αρχιτεκτονική της Μόσχας. Λογοτεχνία της Ασημένιας Εποχής.

Η «καθαρή» τέχνη, που διακηρύσσει αξίες που δεν εξαρτώνται από κοινωνικά και ιστορικά προβλήματα και τάσεις, είναι ένα όμορφο, αλλά μη ρεαλιστικό φαινόμενο.

Είναι αδύνατο να δημιουργήσεις απομονωμένα από την καθημερινή ζωή, χωρίς να προσέξεις τις ιδέες που κυριαρχούν στην κοινωνία - επίσημες και άτυπες. Η τέχνη της Ρωσίας τον 20ο αιώνα επηρεάστηκε από ισχυρές αλλαγές στο κοινωνικό σύστημα, άγνωστες σε καμία άλλη χώρα.

Αρχές αιώνα, αναζήτηση νέων ιδεών

Τα 100 χρόνια του 20ου αιώνα ήταν μια εποχή άνευ προηγουμένου ανατροπών για ολόκληρο τον πολιτισμό. Μέχρι το τέλος του 20ου αιώνα, η επιστημονική και τεχνολογική πρόοδος είχε συμπιέσει το χρόνο και τον χώρο για ολόκληρο τον πλανήτη, οι κοινωνικές συγκρούσεις σε μια περιορισμένη περιοχή εξελίχθηκαν σε πλανητικές ανατροπές. Ο πολιτισμός και η τέχνη της Ρωσίας τον 20ο αιώνα, όπως όλες οι κοινωνικές δραστηριότητες στην Ευρώπη και την Αμερική, έχει μια προσωρινή προσκόλληση στα σημαντικότερα γεγονότα της πρόσφατης ιστορίας.

Η μαγεία των αριθμών, που σηματοδοτεί την αρχή ενός νέου αιώνα, γεννά πάντα την προσδοκία της αλλαγής, την ελπίδα για την έναρξη μιας νέας, ευτυχισμένης εποχής. Ο δέκατος ένατος αιώνας, ο οποίος δημιούργησε παγκόσμια φήμη για τη ρωσική κουλτούρα, εξαφανιζόταν στο παρελθόν, αφήνοντας παραδόσεις που δεν μπορούσαν να εξαφανιστούν σε μια νύχτα.

«Ο Κόσμος της Τέχνης» ήταν το όνομα της ένωσης καλλιτεχνών που προέκυψε το 1898 και υπήρχε κατά διαστήματα μέχρι το 1924, χωρίς την οποία είναι αδύνατο να φανταστούμε τις καλές τέχνες στο πρώτο τέταρτο του 20ού αιώνα στη Ρωσία. Ο «Κόσμος της Τέχνης» δεν είχε ένα, κοινό ανεπτυγμένο στυλ - ζωγράφοι, γραφίστες, γλύπτες ο καθένας ακολούθησε το δρόμο του, έχοντας συμφωνία στις απόψεις τους για τους στόχους της τέχνης και τον ρόλο της στην κοινωνία. Πολλά χαρακτηριστικά αυτής της άποψης εκφράστηκαν από την ιδιοφυΐα του Mikhail Vrubel. Ο επίσημος πυρήνας, η βάση της ένωσης ήταν οι L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. Σε διάφορες εποχές συμμετείχαν σε αυτό οι Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov και άλλοι δάσκαλοι.

Όλοι τους αναγνώρισαν την πρωτοκαθεδρία του επαγγελματισμού στην τέχνη, τον τεράστιο ρόλο της δημιουργικής ελευθερίας και την ανεξαρτησία του καλλιτέχνη από τα κοινωνικά δόγματα, ενώ δεν αρνήθηκαν την αξία της τέχνης στην ανθρώπινη ζωή, διαμαρτυρόμενοι για την ακαμψία του ακαδημαϊσμού από τη μια πλευρά και την η υπερβολική πολιτικοποίηση της ζωγραφικής από τους Περιπλανώμενους από την άλλη. Επικρινόμενος από υποστηρικτές των παραδόσεων, ο Κόσμος της Τέχνης δεν μπορούσε να ενταχθεί στην ταραχώδη διαδικασία της γέννησης της «προλεταριακής» ζωγραφικής, αλλά είχε τεράστιο αντίκτυπο σε όλες τις καλές τέχνες του 20ου αιώνα στη Ρωσία - τόσο σε όσους εργάστηκαν την ΕΣΣΔ και σε αυτούς που κατέληξαν στη μετανάστευση.

Μοντέρνο

Οι τελευταίες δεκαετίες του δέκατου ένατου αιώνα ήταν η περίοδος της γέννησης ενός νέου στυλ, που άφησε σημάδι στο έργο των δασκάλων των καλών τεχνών και της αρχιτεκτονικής. Είχε τα δικά του χαρακτηριστικά σε ορισμένες περιοχές της Ευρώπης, όπου μάλιστα ονομαζόταν διαφορετικά. Στο Βέλγιο και τη Γαλλία, το όνομα "Art Nouveau" καθορίστηκε, στη Γερμανία - "Art Nouveau", στην Αυστρία - "Secession". Άλλα ονόματα είναι γνωστά που σχετίζονται με τους πιο διάσημους καλλιτέχνες αυτού του στυλ ή εταιρείες που παρήγαγαν έπιπλα, κοσμήματα και άλλα προϊόντα προς αυτή την κατεύθυνση: mush style, Guimard style - στη Γαλλία, Liberty στην Ιταλία, στις ΗΠΑ - στυλ Tiffany κ.λπ. της Ρωσίας Ο 20ος αιώνας, η αρχιτεκτονική ειδικότερα, τον γνωρίζουν ως Art Nouveau.

Μετά από μια μακρά περίοδο στιλιστικής διαχρονικότητας, η Art Nouveau έχει γίνει ένα από τα πιο εκφραστικά και οπτικά διαμορφωμένα καλλιτεχνικά κινήματα. Ο βλαστικός, απαλός χαρακτήρας των γραμμών του πλούσιου ντεκόρ, χαρακτηριστικός του, σε συνδυασμό με γεωμετρικά απλές και εκφραστικές μορφές μεγάλων όγκων, προσέλκυσε καλλιτέχνες και αρχιτέκτονες με φρεσκάδα και καινοτομία.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - το αστέρι της ρωσικής αρχιτεκτονικής νεωτερικότητας. Το ταλέντο του έδωσε εθνικά χαρακτηριστικά σε ένα ουσιαστικά κοσμοπολίτικο στυλ, τα αριστουργήματα του Shekhtel - ο σιδηροδρομικός σταθμός Yaroslavsky, η έπαυλη Ryabushinsky - είναι δημιουργίες του Ρώσου αρχιτέκτονα, τόσο γενικά όσο και σε μικρά πράγματα.

Προεπαναστατική πρωτοπορία

Η διαδικασία αναζήτησης νέων μορφών τέχνης, και όχι μόνο - η νέα της ουσία - ήταν σχετική με την τέχνη όλης της Ευρώπης και της Αμερικής. Η τέχνη της Ρωσίας του 20ου αιώνα περιέχει αρκετές πραγματικά επαναστατικές περιόδους, όταν το έργο αρκετών μεταρρυθμιστών έδειξε νέες κατευθύνσεις στην ανάπτυξη της καλλιτεχνικής σκέψης. Μια από τις πιο εντυπωσιακές και εντυπωσιακές ήταν η μεσοεπαναστατική περίοδος από το 1905 έως το 1917. Οι ιδιαιτερότητες της πρωτοποριακής τέχνης στη Ρωσία προκλήθηκαν από την κρίση της ρωσικής δημόσιας ζωής μετά τις τραγωδίες του Ρωσο-Ιαπωνικού πολέμου και της Επανάστασης του 1905.

Πολυάριθμα πρωτοποριακά κινήματα και δημιουργικοί συνειρμοί που προέκυψαν εκείνη την εποχή είχαν παρόμοια γενεσιουργά αίτια και παρόμοιους στόχους καλλιτεχνικής αναζήτησης. Έχοντας ισχυρή επιρροή στους κύριους τύπους τέχνης του 20ου αιώνα στη Ρωσία, τους φουτουριστές και τους κυβοφουτουριστές, ο «Jack of Diamonds» και το «Blue Rose», ο σουπρεματισμός του Καντίνσκι και του Μάλεβιτς αναζήτησε νέους κόσμους με διάφορους τρόπους, εξέφρασε την κρίση της παλιάς τέχνης που είχε χάσει την επαφή με την πραγματικότητα, προέβλεπε την έναρξη μιας εποχής παγκόσμιων ανατροπών.

Μεταξύ των νέων ιδεών που γεννήθηκαν από τους καλλιτέχνες της avant-garde ήταν η ιδέα της Ρωσίας τον 20ο αιώνα. Περιέχει σελίδες όπως η περίφημη παράσταση - το μανιφέστο της νέας τέχνης "Victory Over the Sun" (1913). Ήταν το αποτέλεσμα της κοινής δουλειάς των φουτουριστών ποιητών M. Matyushin, V. Khlebnikov και η διακόσμηση έγινε από τον Kazimir Malevich.

Οι καλλιτέχνες P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, που εμπλούτισαν με τις αναζητήσεις τους την τέχνη της Ρωσίας τον 20ο αιώνα, έγιναν οι συγγραφείς έργων ζωγραφικής που έλαβαν παγκόσμια αναγνώριση. Και αυτή η αναγνώριση ξεκίνησε τη δεκαετία του 10 του 20ου αιώνα, στην εποχή της γέννησης της avant-garde ζωγραφικής στη σύγχρονη ιστορία.

Μετά την Οκτωβριανή Επανάσταση, η Ρωσία είχε την ευκαιρία να ανοίξει νέους ορίζοντες σε ολόκληρο τον κόσμο στη δημόσια ζωή, συμπεριλαμβανομένης της τέχνης. Και στην αρχή δημιουργήθηκαν συνθήκες όταν η αξία κάθε προικισμένου ατόμου μεγάλωνε αμέτρητα, δημιουργοί νέων δημιουργικών ιδεών ήρθαν στο προσκήνιο.

Πώς ερμηνεύει η ιστορία της τέχνης εκείνη την εποχή; Ο 20ός αιώνας, η Ρωσία, η ταραγμένη δεκαετία του '20 - αυτή είναι μια πρωτόγνωρα ενεργή καλλιτεχνική ζωή πολλών δημιουργικών ενώσεων, μεταξύ των οποίων ξεχωρίζουν:

UNOVIS - «Καταφατική της νέας τέχνης» (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Ιδρύθηκε με βάση τη σχολή τέχνης Vitebsk, αυτή η ένωση ήταν απολογητής της καλλιτεχνικής πρωτοπορίας, προσφέροντας να αναζητήσει νέα θέματα και μορφές για την τέχνη.

- "Τέσσερις Τέχνες" - μια ροή σύμφωνα με τον "Κόσμο της Τέχνης" Ο κύριος στόχος είναι να δείξουμε τις τεράστιες εκφραστικές δυνατότητες της αρχιτεκτονικής, της γλυπτικής, των γραφικών και της ζωγραφικής. Δηλώθηκε η ανάγκη για υψηλό επαγγελματισμό και δημιουργική ελευθερία. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι: ο αρχιτέκτονας A. V. Shchusev, ο γραφίστας V. A. Favorsky, ο γλύπτης V. I. Mukhina, οι ζωγράφοι K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva και άλλοι.

- «ΟΣΤ», «Εταιρεία καλλιτεχνών καβαλέτας». Θεωρούσε το κύριο πράγμα να δείξει τα σημάδια της έναρξης μιας νέας ειρηνικής ζωής, την οικοδόμηση μιας σύγχρονης νέας χώρας μέσω ενός προηγμένου εκφραστικού, αλλά απλού και σαφούς στυλ. Αρχηγοί: D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.

- "Κύκλος Καλλιτεχνών" (Λένινγκραντ). Ακολουθώντας την επίσημη πορεία, αναπτύσσοντας το «στυλ της εποχής». Ενεργά μέλη της ομάδας: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Ένωση Καλλιτεχνών της Επαναστατικής Ρωσίας" - μια ένωση που έγινε η βάση της Ένωσης Καλλιτεχνών της ΕΣΣΔ που δημιουργήθηκε στη συνέχεια, ενεργός διευθυντής οδηγιών για την ιδεολογική ηγεσία της καλλιτεχνικής διαδικασίας, ένα όργανο κομματικής προπαγάνδας, οι κληρονόμοι των Περιπλανώμενων. Επικεφαλής ήταν οι I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson.

Κονστρουκτιβισμός

Στα προγράμματα των πιο καταξιωμένων Εκπαιδευτικά ιδρύματαπροετοιμάζοντας αρχιτέκτονες, υπάρχει πάντα μια μελέτη για το θέμα "Ρωσικός κονστρουκτιβισμός - η αρχιτεκτονική πρωτοπορία της δεκαετίας του '20". Μεγάλης σημασίαςέχει για την κατανόηση της οικοδομικής τέχνης, οι ιδέες που διακηρύσσονται από τους ηγέτες αυτής της κατεύθυνσης είναι πολύ σχετικές για οποιαδήποτε στιγμή. Τα σωζόμενα κτίρια του Konstantin Melnikov (το κτίριο κατοικιών του αρχιτέκτονα στη λωρίδα Krivoarbatsky, η λέσχη του Rusakov στη Stromynka, ένα γκαράζ στην οδό Novoryazanskaya κ.λπ.), οι αδελφοί Vesnin, ο Moses Ginzburg (Σπίτι Narkomfin στη λεωφόρο Novinsky) και άλλα αστέρια της ρωσικής αρχιτεκτονικής το χρυσό ταμείο της ρωσικής αρχιτεκτονικής.

Ο λειτουργισμός, η απόρριψη του περιττού στολισμού, η αισθητική της δομής του κτιρίου, η αρμονία του δημιουργημένου περιβάλλοντος διαβίωσης - αυτές οι ιδέες έγιναν η βάση για την επίλυση νέων προβλημάτων που τέθηκαν για νέους αρχιτέκτονες, καλλιτέχνες και ειδικούς στον τομέα που άρχισε να ονομάζεται βιομηχανικός σχεδιασμός . Έπρεπε να φτιάξουν μαζικές κατοικίες για νέες πόλεις, εργατικές λέσχες για την ολοκληρωμένη ανάπτυξη του ατόμου, να δημιουργήσουν εγκαταστάσεις για την εργασία και την αναψυχή ενός νέου ανθρώπου. Τα εκπληκτικά επιτεύγματα της avant-garde της δεκαετίας του '20 δεν μπορούν να παρακαμφθούν, η μελέτη της τέχνης της Ρωσίας, της Ευρώπης και της Αμερικής όλων των επόμενων εποχών βασίζεται σε μεγάλο βαθμό σε αυτά. Είναι λυπηρό το γεγονός ότι αυτές οι προοδευτικές ιδέες αποδείχθηκαν οι λιγότερο σε ζήτηση στην πατρίδα τους και το «στυλ της αυτοκρατορίας του Στάλιν» θεωρείται από πολλούς ως το μεγαλύτερο επίτευγμα της σοβιετικής αρχιτεκτονικής.

Η τέχνη της εποχής του ολοκληρωτισμού

Το 1932, εκδόθηκε το Διάταγμα της Κεντρικής Επιτροπής του Συνδικαλιστικού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων για το έργο των δημιουργικών ενώσεων. Η ταραχώδης εποχή των διαφόρων ρευμάτων και κατευθύνσεων έληξε υπό την επιρροή της κρατικής μηχανής, η οποία απέκτησε δύναμη, ελεγχόμενη από τον ιδεολογικό μηχανισμό, στον οποίο η μοναδική εξουσία δυνάμωνε. Για πολλά χρόνια, η τέχνη της Ρωσίας στον 20ο αιώνα, όπως και πολλά στη ζωή της χώρας, άρχισε να εξαρτάται από τη γνώμη ενός ατόμου - του Ιωσήφ Στάλιν.

Τα δημιουργικά σωματεία έχουν γίνει ένα μέσο υποταγής της καλλιτεχνικής σκέψης σε ενιαία ιδεολογικά πρότυπα. Ήρθε η εποχή του σοσιαλιστή.Σιγά σιγά κάθε παρέκκλιση από την επίσημη πορεία άρχισε να κηρύσσεται εγκληματική, όσοι διαφωνούσαν έπεσαν σε πραγματική καταστολή. Οι κατηγορίες για απόκλιση από την κομματική γραμμή έγιναν μέθοδος επίλυσης δημιουργικών συζητήσεων. Η προοδευτικότητα αυτού είναι πολύ αμφισβητήσιμη. Πώς, για παράδειγμα, θα είχε αναπτυχθεί η θεατρική τέχνη της Ρωσίας τον 20ο αιώνα, αν ο μεγάλος μεταρρυθμιστής της σκηνής Vsevolod Meyerhold δεν είχε πέσει θύμα καταστολής;

Η φύση του καλλιτεχνικού ταλέντου είναι πολύπλοκη και ανεξήγητη. Οι εικόνες των ηγετών ενσαρκώνονταν με μεγάλη δεξιοτεχνία και ειλικρινή αίσθηση. Καμία από τις πιο βάναυσες καταστολές δεν μπορούσε να αποτρέψει την εμφάνιση πραγματικά ταλαντούχων καλλιτεχνών, για τους οποίους η αυτοέκφραση ήταν το κύριο πράγμα, ανεξάρτητα από το ιδεολογικό πλαίσιο.

Στην αρχιτεκτονική ήρθε η ώρα της «σταλινικής αυτοκρατορίας». Η αναζήτηση για πρωτοποριακούς καλλιτέχνες αντικαταστάθηκε από μια επιστροφή στους αποδεδειγμένους κανόνες. Η δύναμη της κομμουνιστικής ιδεολογίας ενσωματώθηκε σε θεαματικά παραδείγματα επανασχεδιασμένου νεοκλασικισμού - οι «ουρανοξύστες» του Στάλιν.

Τέχνη της περιόδου του πολέμου

Υπάρχει μια περίοδος στην ιστορία της χώρας μας που έγινε η μεγαλύτερη τραγωδία και ένα στάδιο πρωτοφανούς πνευματικής έξαρσης. Η τέχνη της Ρωσίας τον 20ο και τον 21ο αιώνα έλαβε ένα από τα κύρια θέματα που επέτρεψε να εκφράσει το μεγαλείο του ρωσικού λαϊκού χαρακτήρα, το βάθος των συναισθημάτων που μπορεί να καταλάβει ένα άτομο και τεράστιες μάζες κατά τη διάρκεια ιστορικών αναταραχών.

Ο Μεγάλος Πατριωτικός Πόλεμος από τις πρώτες μέρες βρήκε έκφραση σε οπτικές εικόνες εκπληκτικής δύναμης. Αφίσα I. Toidze "Η πατρίδα καλεί!" υψώθηκε στην υπεράσπιση της χώρας καλύτερα από οποιονδήποτε διοικητή, και η «Υπεράσπιση της Σεβαστούπολης» του Deineka σοκάρει κάθε άνθρωπο, ανεξάρτητα από τις ιδέες που συμμερίζεται. Η Έβδομη Συμφωνία του Ντμίτρι Σοστακόβιτς είναι εξίσου εντυπωσιακή και η μουσική τέχνη της Ρωσίας του 20ου αιώνα, όχι λιγότερο από άλλα είδη δημιουργικότητας, απέτισε φόρο τιμής στο θέμα του πολέμου κατά του φασισμού.

Τήξη

Μετά τη Μεγάλη Νίκη, ο επόμενος πιο ισχυρός ιστορικός παράγοντας επιρροής δημόσια ζωήστην ΕΣΣΔ ήταν ο θάνατος του Στάλιν (Μάρτιος 1953) και το XX Συνέδριο του ΚΚΣΕ, που έθεσε το ζήτημα της αποκάλυψης της λατρείας της προσωπικότητας. Για κάποιο διάστημα, τόσο για τους καλλιτέχνες, όσο και για ολόκληρη την κοινωνία, υπήρχε μια ανάσα ελευθερίας δημιουργικότητας και νέων ιδεών. Η γενιά της δεκαετίας του εξήντα είναι ένα πολύ συγκεκριμένο φαινόμενο, άφησε μια ανάμνηση του εαυτού της ως μια σύντομη ανάσα φρέσκου αέρα πριν βυθιστεί ξανά για δεκαετίες στον βάλτο μιας μετρημένης, προγραμματισμένης, ρυθμισμένης ύπαρξης.

Τα πρώτα πειράματα της καλλιτεχνικής πρωτοπορίας του "δεύτερου κύματος" - τα έργα των E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky και άλλων - στην έκθεση αφιερωμένη στην 30ή επέτειο της Μόσχας παράρτημα της Ένωσης Καλλιτεχνών, καταδικάστηκαν προσωπικά από τον νέο ηγέτη της χώρας Ν. Χρουστσόφ. Το Κόμμα άρχισε πάλι να εξηγεί στους ανθρώπους τι είδους τέχνη χρειάζονταν και στους καλλιτέχνες πώς να γράφουν.

Η αρχιτεκτονική έλαβε εντολή να αντιμετωπίσει τις υπερβολές, κάτι που δικαίως εξηγήθηκε από τις οικονομικές δυσκολίες της μεταπολεμικής περιόδου, ήρθε η ώρα για μαζική κατασκευή κατοικιών, η εποχή του "Χρουστσόφ", που κάπως αφαίρεσε την οξύτητα του στεγαστικού ζητήματος, αλλά παραμόρφωσε η εμφάνιση πολλών πόλεων.

Η τέχνη του «ανεπτυγμένου σοσιαλισμού»

Από πολλές απόψεις, η τέχνη της Ρωσίας στο δεύτερο μισό του 20ου αιώνα είναι σε μεγάλο βαθμό μια ιστορία αντιπαράθεσης μεταξύ μιας καλλιτεχνικής προσωπικότητας και της κυρίαρχης ιδεολογίας. Αλλά ακόμη και σε μια ατμόσφαιρα ιδεολογικής ρύθμισης κάθε κομματιού πνευματικού χώρου, πολλοί καλλιτέχνες βρήκαν τρόπους να τροποποιήσουν ελαφρώς την προβλεπόμενη μέθοδο του σοσιαλιστικού ρεαλισμού.

Έτσι, πραγματικό παράδειγμα για τους νέους ήταν οι δάσκαλοι που διαμόρφωσαν τις πεποιθήσεις τους στη δεκαετία του '20: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov και άλλοι. Η εικόνα του πρώην μέλους του καλλιτεχνικού συλλόγου «ΟΣΤ» Γ. Πιμένοφ «Γάμος στον δρόμο του αύριο», γραμμένη το 1962, έγινε σύμβολο των ελπίδων της κοινωνίας για ανανέωση.

Ένα άλλο εντυπωσιακό φαινόμενο στη σοβιετική ζωγραφική εκείνης της εποχής ήταν ο σχηματισμός ενός «σοβαρού στυλ». Αυτός ο όρος υποδήλωνε το έργο του G. Korzhov, του P. Ossovsky, των αδελφών Smolin, του P. Nikonov και άλλων. Στους πίνακές τους, γραμμένες σε διαφορετικά είδη (καθημερινά, ιστορικά), εμφανίστηκε ένας ήρωας που δεν χρειαζόταν οδηγίες, απασχολημένος με ένα κατανοητή και απαραίτητη επιχείρηση. Απεικονίστηκε χωρίς περιττές λεπτομέρειες και χρωματιστικές φιγούρες, μεγαλοπρεπώς και εκφραστικά.

Ιδιαίτερη σημασία έχει το έργο ενός τέτοιου δασκάλου καθώς ο αστικός ήχος των καμβάδων του περιέχει ένα σπάνιο για τη σοβιετική τέχνη γενικό ανθρωπιστικό, σχεδόν θρησκευτικό μήνυμα, και το στυλ ζωγραφικής έχει ρίζες στην Ιταλική Αναγέννηση.

Αντικομφορμισμός

Η επίσημη κυριαρχία του «σοσιαλιστικού ρεαλισμού» ανάγκασε τους άτυπους καλλιτέχνες να βρουν το δρόμο τους προς το κοινό ή να καταφύγουν στη μετανάστευση. Έφυγαν οι M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny και πολλοί άλλοι. Επρόκειτο για καλλιτέχνες του 20ου αιώνα στη Ρωσία, που ήταν φορείς πνευματικών αξιών που γεννήθηκαν από την πρωτοπορία των αρχών του αιώνα και επέστρεψαν στην πατρίδα τους μετά την κατάρρευση της κομμουνιστικής ιδεολογίας.

Και κατά τη διάρκεια της βασιλείας της, εμφανίστηκε η εσωτερική μετανάστευση, δημιουργώντας το δημοφιλές μοτίβο ενός τρελού, αιώνια μεθυσμένου καλλιτέχνη, ενός κατοίκου ψυχιατρικών νοσοκομείων, που διώκεται από τις αρχές και την ηγεσία των δημιουργικών συνδικάτων, αλλά εκτιμάται ιδιαίτερα από ανεξάρτητους δυτικούς ειδικούς. Χαρακτηριστικός φορέας μιας τέτοιας εικόνας ήταν ο A. Zverev - μια θρυλική φιγούρα για τη Μόσχα στην εποχή του ανεπτυγμένου σοσιαλισμού.

Πολυστυλισμός και πλουραλισμός

Έχοντας απελευθερωθεί από τις κρατικές επιταγές της σοβιετικής εποχής, οι καλές τέχνες του 20ού αιώνα στη Ρωσία εισήλθαν στην παγκόσμια διαδικασία ως αναπόσπαστο μέρος της, έχοντας κοινές ιδιότητες και τάσεις. Πολλές μορφές δημιουργικότητας, γνωστές στη Δύση για μεγάλο χρονικό διάστημα, κατακτήθηκαν γρήγορα από εγχώριους καλλιτέχνες. Οι λέξεις «παράσταση», «βιντεοεγκατάσταση» κ.λπ. έχουν γίνει γνωστές στην ομιλία μας και από τους σημαντικότερους σύγχρονους μάστορες με παγκόσμια φήμη συγκαταλέγονται καλλιτέχνες με διαμετρικές απόψεις ως προς τις σκηνοθεσίες: Ζ. Τσερετέλη, Τ. Ναζαρένκο, Μ. Kishev , A. Burganov και πολλοί άλλοι.

Η θυελλώδης, απρόβλεπτη πρόσφατη ιστορία της χώρας, που καταλαμβάνει το ένα έκτο της γης, κοιτάζει στον καθρέφτη της - την τέχνη της Ρωσίας του 20ου αιώνα - και αντανακλάται σε αυτήν με χιλιάδες αξέχαστες εικόνες ...

1. Τέχνη της Ρωσίας στα τέλη του 20ού αιώνα.Η τελευταία δεκαετία του 20ου αιώνα στη Ρωσία ήταν γεμάτη πολιτικά και οικονομικά γεγονότα που άλλαξαν ριζικά την κατάσταση στη χώρα. Η κατάρρευση της Ένωσης το 1991 και η αλλαγή της πολιτικής πορείας, η μετάβαση στις σχέσεις της αγοράς και ο σαφής προσανατολισμός προς το δυτικό μοντέλο οικονομικής ανάπτυξης και τέλος η αποδυνάμωση, μέχρι την πλήρη κατάργηση, του ιδεολογικού ελέγχου - όλα αυτά στο Οι αρχές της δεκαετίας του 1990 συνέβαλαν στο γεγονός ότι το πολιτιστικό περιβάλλον άρχισε να αλλάζει γρήγορα. Η απελευθέρωση και ο εκδημοκρατισμός της χώρας συνέβαλαν στην ανάπτυξη και καθιέρωση νέων τάσεων και κατευθύνσεων στην εθνική τέχνη. Η εξέλιξη της τέχνης τη δεκαετία του 1990 στη Ρωσία λαμβάνει χώρα με την εμφάνιση τάσεων που είναι εγγενείς στον μεταμοντερνισμό, με την εμφάνιση μιας νέας γενιάς νέων καλλιτεχνών που εργάζονται σε τομείς όπως: εννοιολογισμός, γραφικά υπολογιστών, νεοκλασικισμόςπου σχετίζονται με την ανάπτυξη της τεχνολογίας υπολογιστών στη Ρωσία. Προερχόμενος από τον κλασικό εκλεκτικισμό, ο «νέος ρωσικός νεοκλασικισμός» έγινε ένα «πολυπρόσωπο διαμάντι», συνδυάζοντας διάφορες τάσεις που δεν ανήκαν στους «κλασικούς» πριν από την εποχή του μοντερνισμού. Νεοκλασικισμός- αυτή είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη στην οποία οι καλλιτέχνες αναβιώνουν τις κλασικές παραδόσεις της ζωγραφικής, των γραφικών, της γλυπτικής, αλλά ταυτόχρονα χρησιμοποιούν ενεργά τις τελευταίες τεχνολογίες. Βρετανός ιστορικός και θεωρητικός της τέχνης Έντουαρντ Λούσι Σμιθονόμασε τον ρωσικό νεοκλασικισμό «το πρώτο εντυπωσιακό φαινόμενο του ρωσικού πολιτισμού που επηρέασε την παγκόσμια καλλιτεχνική διαδικασία μετά τον Kazimir Malevich». Ο νεοκλασικισμός απαιτούσε μια διαφορετική στάση απέναντι στην αρχαιότητα από αυτή των κλασικιστών. Ιστορική ματιά ΕΛΛΗΝΙΚΟΣ ΠΟΛΙΤΙΣΜΟΣέκανε τα αρχαία έργα όχι ένα απόλυτο, αλλά ένα συγκεκριμένο ιστορικό ιδανικό, επομένως, η μίμηση των Ελλήνων απέκτησε διαφορετικό νόημα: στην αντίληψη της αρχαίας τέχνης, δεν ήταν η κανονιστικότητά της που ήρθε στο προσκήνιο, αλλά η ελευθερία, η αιρεσιμότητα των κανόνων που αργότερα θα γινόταν ο κανόνας, η πραγματική ζωή των ανθρώπων. D.V. Σαραμπιάνοφβρίσκει τον νεοκλασικισμό ένα είδος «επιπλοκής» της νεωτερικότητας. Με την ίδια πιθανότητα, ο νεοκλασικισμός μπορεί να θεωρηθεί τόσο υστερομοντέρνος όσο και ανεξάρτητη τάση. Στο έργο των "νέων καλλιτεχνών" δεν υπάρχει καθαρός μοντερνισμός ή ξεχωριστός νεοκλασικισμός, ενεργούν πάντα αλληλένδετα, οι καλλιτέχνες της νέας ακαδημίας συνδύασαν πολλές τάσεις στις εικαστικές τέχνες ταυτόχρονα: πρωτοπορία, μεταμοντερνισμό, κλασικισμό στο " χώρος κολάζ». Τα έργα των «νέων καλλιτεχνών» είναι εκλεκτικά, συνδυάζουν γραφικά υπολογιστή, χαρακτικά, ζωγραφική και φωτογραφία. Οι καλλιτέχνες ψηφιοποίησαν ολοκληρωμένα έργα, επέλεξαν τα απαραίτητα θραύσματα και δημιούργησαν κολάζ, αποκαθιστώντας αριστοτεχνικά τα κοστούμια και τη διακόσμηση της αρχαιότητας. Συνδυασμός παραδοσιακές μεθόδουςμε τις δυνατότητες των προγραμμάτων γραφικών υπολογιστών έχουν διευρύνει τις δημιουργικές δυνατότητες των καλλιτεχνών. Από το σαρωμένο υλικό συναρμολογήθηκαν κολάζ, εφαρμόστηκαν καλλιτεχνικά ειδικά εφέ σε αυτά, παραμορφώθηκαν, δημιουργώντας απατηλές συνθέσεις. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι του νεοκλασικισμού της Αγίας Πετρούπολης στις αρχές της δεκαετίας του 1990 ήταν O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff.Νεοκλασικισμός Toberlootsείναι μια από τις εκδηλώσεις του ρομαντισμού. Τα έργα της ενσαρκώνουν τα συναισθήματα ενός ατόμου, όνειρα, αρχοντιά, κάτι ενθουσιώδες και στραμμένο σε ένα απραγματοποίητο ιδανικό. . Η ίδια η καλλιτέχνης γίνεται η ηρωίδα των έργων της. Στυλιστικά, το έργο του O. Toberluts μπορεί να οριστεί ως νεοκλασικισμός, περασμένος από τη μεταμοντέρνα συνείδηση, ως εκλεκτικός κόσμος, που απεικονίζει αρχαίους ναούς, εσωτερικούς χώρους της Αναγέννησης, ολλανδικούς ανεμόμυλους και κοστούμια του σχεδιαστή K. Goncharov ως ένα άγγιγμα νεωτερικότητας. Οι απεριόριστες δυνατότητες των γραφικών υπολογιστή κάνουν τα έργα του O.Tobreluts φανταστικά και υπερφυσικά. Με τη βοήθεια της τεχνολογίας των υπολογιστών Ε.Σεφεπιστρέφει στην αρχαία Ελλάδα και μετά στην αρχαία Ρώμη, δημιουργώντας στα κολάζ του εικόνες της αρχαίας μυθολογίας. Σε σειρά «Μύθοι του Λούντβιχ»ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε φωτογραφίες ελληνικών γλυπτών, αρχιτεκτονικών κατασκευών, επικαλύπτοντας πάνω τους τα αποτελέσματα της αρχαιότητας. Με τη βοήθεια της τεχνολογίας υπολογιστών, ο καλλιτέχνης αποκαθιστά την πρωτοτυπία του Κολοσσαίου, πραγματοποιώντας συναρπαστικές εκδρομές γύρω του. Ψηφιακή ζωγραφική Shutovαντιπροσωπεύει το συναισθηματικό ισοδύναμο των πολλών χόμπι του. Περιέχει τόσο ελληνικούς κλασικούς και απόηχους της εθνογραφικής έρευνας, όσο και στοιχεία της νεανικής υποκουλτούρας.Έτσι, μπορεί να σημειωθεί ότι το τέλος του 20ου αιώνα ήταν ένα σημείο καμπής όχι μόνο στην πολιτική και οικονομική ζωή της Ρωσίας, αλλά και στην τέχνη. Στη δεκαετία του 1990, ιδρύθηκε μια ισχυρή τάση στις εικαστικές τέχνες «νέος ρωσικός νεοκλασικισμός». Η ανάπτυξη των τεχνολογιών υπολογιστών στη Ρωσία επέκτεινε το δημιουργικό δυναμικό των καλλιτεχνών, οι νέοι καλλιτέχνες, χρησιμοποιώντας νέες τεχνολογίες, δημιούργησαν κλασικά έργα. Το κύριο πράγμα δεν είναι η τεχνική και η τεχνολογία, αλλά η αισθητική. Η σύγχρονη τέχνη μπορεί επίσης να είναι κλασική. 2. Η τέχνη της Ρωσίας στις αρχές του 21ου αιώνα.Ένα χαρακτηριστικό της καλών τεχνών στις αρχές του 20ου - 21ου αιώνα είναι ότι απελευθερώθηκε από την καταπίεση της λογοκρισίας, από την επιρροή του κράτους, αλλά όχι από την οικονομία της αγοράς. Αν στη σοβιετική εποχή οι επαγγελματίες καλλιτέχνες είχαν ένα πακέτο κοινωνικών εγγυήσεων, οι πίνακές τους αγοράστηκαν για εθνικές εκθέσεις και γκαλερί, αλλά τώρα μπορούν να βασίζονται μόνο στις δικές τους δυνάμεις. Αλλά η ρωσική ζωγραφική δεν έχει πεθάνει και δεν έχει μετατραπεί σε μια εμφάνιση δυτικοευρωπαϊκής και αμερικανικής τέχνης, συνεχίζει να αναπτύσσεται με βάση τις ρωσικές παραδόσεις. Η σύγχρονη τέχνη εκτίθεται από γκαλερί σύγχρονης τέχνης, ιδιώτες συλλέκτες, εμπορικές εταιρείες, κρατικούς οργανισμούς τέχνης, μουσεία σύγχρονης τέχνης, στούντιο τέχνης ή από τους ίδιους τους καλλιτέχνες στον χώρο του καλλιτέχνη. Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες λαμβάνουν οικονομική υποστήριξη μέσω επιχορηγήσεων, βραβείων και βραβείων, ενώ λαμβάνουν επίσης κεφάλαια από την πώληση των έργων τους. Η ρωσική πρακτική είναι κάπως διαφορετική από αυτή την άποψη από τη δυτική πρακτική. Μουσεία, Μπιενάλε, φεστιβάλ και εκθέσεις σύγχρονης τέχνης γίνονται σταδιακά εργαλεία προσέλκυσης κεφαλαίων, επενδύσεων στην τουριστική επιχείρηση ή μέρος της κυβερνητικής πολιτικής. Οι ιδιώτες συλλέκτες έχουν μεγάλη επιρροή σε ολόκληρο το σύστημα της σύγχρονης τέχνης. Στη Ρωσία, μια από τις μεγαλύτερες συλλογές σύγχρονης τέχνης βρίσκεται στο μη κρατικό Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Erarta στην Αγία Πετρούπολη. Τάσεις στη σύγχρονη τέχνη: Μη θεαματική τέχνη- μια τάση στη σύγχρονη τέχνη που απορρίπτει το θέαμα και τη θεατρικότητα. Ένα παράδειγμα τέτοιας τέχνης είναι η παράσταση του Πολωνού καλλιτέχνη Pavel Althamer "Script Outline", στην έκθεση "Manifesta" το 2000. Στη Ρωσία, πρόσφερε τη δική του εκδοχή μη θεαματικής τέχνης Anatoly Osmolovsky Τέχνη του δρόμου(Αγγλικά) τέχνη του δρόμου- street art) - εικαστικές τέχνες, διακριτικό χαρακτηριστικόπου είναι ένα έντονο αστικό στυλ. Το κύριο μέρος της τέχνης του δρόμου είναι το γκράφιτι (κατά τα άλλα σπρέι τέχνη), αλλά δεν μπορεί να θεωρηθεί ότι η τέχνη του δρόμου είναι γκράφιτι. Η τέχνη του δρόμου περιλαμβάνει επίσης αφίσες (μη εμπορικές), στένσιλ, διάφορες γλυπτικές εγκαταστάσεις κ.λπ. Στην τέχνη του δρόμου, κάθε λεπτομέρεια, μικροπράγμα, σκιά, χρώμα, γραμμή είναι σημαντική. Ο καλλιτέχνης δημιουργεί το δικό του στυλιζαρισμένο λογότυπο - ένα «μοναδικό σημάδι» και το απεικονίζει σε σημεία του αστικού τοπίου. Το πιο σημαντικό πράγμα στην τέχνη του δρόμου δεν είναι να οικειοποιηθεί το έδαφος, αλλά να εμπλέξει τον θεατή σε έναν διάλογο και να δείξει ένα διαφορετικό πρόγραμμα πλοκής. Η τελευταία δεκαετία σηματοδοτεί την ποικιλομορφία των κατευθύνσεων που επιλέγει η τέχνη του δρόμου. Θαυμάζοντας την παλαιότερη γενιά, οι νέοι συγγραφείς γνωρίζουν τη σημασία της ανάπτυξης του δικού τους στυλ. Με αυτόν τον τρόπο αναδύονται νέοι κλάδοι που προβλέπουν πλούσιο μέλλον για το κίνημα. Νέες διαφορετικές μορφές τέχνης του δρόμου μερικές φορές ξεπερνούν σε εύρος ό,τι έχει δημιουργηθεί στο παρελθόν. Αερογραφία -μία από τις τεχνικές ζωγραφικής των καλών τεχνών, η χρήση αερογράφου ως εργαλείου για την εφαρμογή υγρής ή κονιοποιημένης βαφής με χρήση πεπιεσμένου αέρα σε οποιαδήποτε επιφάνεια. Μπορεί επίσης να χρησιμοποιηθεί ένα σπρέι βαφής. Λόγω της ευρείας χρήσης του airbrushing και της εμφάνισης μεγάλου αριθμού διαφορετικών χρωμάτων και συνθέσεων, το airbrushing έχει λάβει μια νέα ώθηση για ανάπτυξη. Τώρα το airbrushing χρησιμοποιείται για τη δημιουργία έργων ζωγραφικής, ρετούς φωτογραφιών, ταξιδερμία, μοντελοποίηση, ζωγραφική υφασμάτων, ζωγραφική τοίχων, τέχνη σώματος, ζωγραφική νυχιών, ζωγραφική αναμνηστικών και παιχνιδιών, ζωγραφική πιάτων. Χρησιμοποιείται συχνά για τη σχεδίαση εικόνων σε αυτοκίνητα, μοτοσυκλέτες, άλλο εξοπλισμό, στην εκτύπωση, στο σχέδιο κ.λπ. Λόγω του λεπτού στρώματος της βαφής και της ικανότητας να ψεκάζεται ομαλά στην επιφάνεια, είναι δυνατό να επιτευχθούν εξαιρετικά διακοσμητικά εφέ. όπως ομαλές χρωματικές μεταβάσεις, τρισδιάστατο, φωτογραφικό ρεαλισμό της εικόνας που προκύπτει, απομίμηση τραχιάς υφής με ιδανική ομαλότητα επιφάνειας.

Θέματα και ερωτήσεις σεμιναρίων.

Θέμα 1. Βασικές έννοιες της ιστορίας της τέχνης και της ιστορίας της τέχνης.

Ερωτήσεις:

1. Το πρόβλημα της ταξινόμησης των τεχνών.

2. Η έννοια του «έργου τέχνης». Η εμφάνιση και το έργο ενός έργου τέχνης. Εργασία και τέχνη.

3. Ουσία, στόχοι, καθήκοντα τέχνης.

4.Λειτουργίες και νόημα της τέχνης.

5. Η έννοια του «στυλ». Το καλλιτεχνικό στυλ και η εποχή του.

6. Ταξινόμηση τεχνών.

7. Η ιστορία της εμφάνισης και της διαμόρφωσης της κριτικής τέχνης.

Θέματα προς συζήτηση:

1. Υπάρχουν 5 ορισμοί του άρθ. Τι είναι χαρακτηριστικό καθένα από αυτά; Ποιον ορισμό ακολουθείτε; Μπορείτε να διατυπώσετε τον ορισμό σας για την τέχνη;

2. Ποιος είναι ο σκοπός της τέχνης;

3. Πώς μπορείτε να ορίσετε ένα έργο τέχνης; Πώς συνυπάρχουν «έργο τέχνης» και «έργο τέχνης»; Εξηγήστε τη διαδικασία ανάδυσης ενός έργου τέχνης (σύμφωνα με τον Ι. Τεν). Ποια είναι η αποστολή ενός έργου τέχνης (σύμφωνα με τον P.P. Gnedich);

4. Να αναφέρετε τις 4 κύριες λειτουργίες της τέχνης (σύμφωνα με την Ι.Π. Νικητίνα) και τέσσερις

πιθανή κατανόηση της έννοιας της τέχνης.

5. Ορίστε την έννοια της έννοιας «στυλ». Ποια στυλ ευρωπαϊκής τέχνης γνωρίζετε; Τι είναι «καλλιτεχνικό στυλ», «καλλιτεχνικός χώρος»;

6. Καταγράψτε και δώστε μια σύντομη περιγραφή των ειδών της τέχνης: χωρικές, χρονικές, χωροχρονικές και θεαματικές τέχνες.

7. Ποιο είναι το αντικείμενο της ιστορίας της τέχνης;

8. Ποιος πιστεύετε ότι είναι ο ρόλος των μουσείων, των εκθέσεων, των γκαλερί, των βιβλιοθηκών για τη μελέτη έργων ιστορίας της τέχνης;

9. Χαρακτηριστικά της αρχαίας σκέψης για την τέχνη: Σωζόμενες πληροφορίες για τα πρώτα δείγματα λογοτεχνίας για την τέχνη («Κανών» του Πολύκλειτου, πραγματείες Duris, Ξενοκράτης). «Τοπογραφική» κατεύθυνση στη λογοτεχνία για την τέχνη: «Περιγραφή της Ελλάδος» του Παυσανία. Περιγραφή έργων τέχνης του Λουκιανού. Η Πυθαγόρεια έννοια του «κόσμου» ως ένα αρμονικό σύνολο, που υπόκειται στους νόμους της «αρμονίας και του αριθμού» και τη σημασία του για τις απαρχές της θεωρίας της αρχιτεκτονικής. Η ιδέα της τάξης και της αναλογίας στην αρχιτεκτονική και την πολεοδομία. Οι εικόνες της ιδανικής πόλης στα γραπτά του Πλάτωνα (έκτο βιβλίο των Νόμων, ο διάλογος Κριτίας) και του Αριστοτέλη (το έβδομο βιβλίο των Πολιτικών). Κατανόηση της Τέχνης στην Αρχαία Ρώμη. Η «Φυσική Ιστορία» του Πλίνιου του Πρεσβύτερου (1ος αιώνας μ.Χ.) ως η κύρια πηγή πληροφοριών για την ιστορία της αρχαίας τέχνης. Πραγματεία του Βιτρούβιου: μια συστηματική έκθεση της κλασικής αρχιτεκτονικής θεωρίας.

10. Η μοίρα των αρχαίων παραδόσεων στο Μεσαίωνα και χαρακτηριστικά των μεσαιωνικών ιδεών για την τέχνη: Αισθητικές απόψεις του Μεσαίωνα (Αυγουστίνος, Θωμάς Ακινάτης), η κορυφαία αισθητική ιδέα: Ο Θεός είναι η πηγή της ομορφιάς (Αυγουστίνος) και η σημασία της για καλλιτεχνική θεωρία και πράξη. Η ιδέα του «πρωτότυπου». Χαρακτηριστικά της μεσαιωνικής λογοτεχνίας για την τέχνη. Πρακτικά-τεχνολογικά, συνταγογραφικά εγχειρίδια: «Οδηγός ζωγράφων» από το όρος Αφάων Διονύσιος Φουρναγραφιώτης, «Περί των χρωμάτων και των τεχνών των Ρωμαίων» του Ηράκλειου, «Σχέδιο» (Σχέδιο - Μαθητής) του Θεόφιλου. Περιγραφή αρχιτεκτονικών μνημείων σε χρονικά και βίους αγίων.

11. Η Αναγέννηση ως σημείο καμπής στην ιστορία της εξέλιξης της ευρωπαϊκής τέχνης και ιστορίας της τέχνης. Μια νέα στάση στην αρχαιότητα (η μελέτη των μνημείων της αρχαιότητας). Η ανάπτυξη μιας κοσμικής κοσμοθεωρίας και η εμφάνιση της πειραματικής επιστήμης. Διαμόρφωση μιας τάσης προς την ιστορική και κριτική ερμηνεία των φαινομένων της τέχνης: «Σχόλια» του Lorenzo Ghiberti Πραγματεία για ειδικά θέματα - πολεοδομία (Filaret), αναλογίες στην αρχιτεκτονική (Francesco di Giorgio), προοπτική στη ζωγραφική (Piero dela Francesca). Θεωρητική κατανόηση του σημείου καμπής της Αναγέννησης στην ανάπτυξη της τέχνης και η εμπειρία της ανθρωπιστικής μελέτης της αρχαίας κληρονομιάς στις πραγματείες του Leon Batista Alberti («On the Statue», 1435, «On Painting», 1435-36, «On Architecture ”), Λεονάρντο ντα Βίντσι (“Πραγματεία για τη ζωγραφική” , που δημοσιεύτηκε μεταθανάτια), Άλμπρεχτ Ντύρερ (Τέσσερα βιβλία για τις ανθρώπινες αναλογίες, 1528). Κριτική της αρχιτεκτονικής θεωρίας του Βιτρούβιου στο "Ten Books on Architecture" (1485) του Leon Baptiste Alberti. Vitruvian "Academy of Valor" και οι δραστηριότητές της στη μελέτη και μετάφραση του έργου του Vitruvius. Η πραγματεία του Giacomo da Vignola «Ο κανόνας των πέντε τάξεων της αρχιτεκτονικής» (1562). Το Four Books on Architecture (1570) του Andrea Palladio είναι ένας κλασικός επίλογος στην ιστορία της αρχιτεκτονικής της Αναγέννησης. Ο ρόλος του Palladio στην ανάπτυξη των αρχιτεκτονικών ιδεών του μπαρόκ και του κλασικισμού. Palladio και Palladianism.

12. Τα κύρια στάδια της διαμόρφωσης της ιστορικής ιστορίας της τέχνης στη σύγχρονη εποχή: από τον Vasari στον Winckelmann: "Lives of the most prominent painters, sculptors and architects" Giorgio Vasari (1550, 1568) ως έργο ορόσημο στην ιστορία του σχηματισμού της κριτικής τέχνης. «The Book of Artists» του Karel Van Mander ως συνέχεια των βιογραφιών του Vasari βασισμένες στο υλικό της ολλανδικής ζωγραφικής.

13. Στοχαστές του 18ου αιώνα για τα προβλήματα διαμόρφωσης στυλ στην τέχνη, για τις καλλιτεχνικές μεθόδους, τη θέση και τον ρόλο του καλλιτέχνη στην κοινωνία: Ο ορθολογισμός στην ιστορία της τέχνης. Η κλασική θεωρία του Nicolas Poussin. Το θεωρητικό πρόγραμμα του κλασικισμού στην «Ποιητική Τέχνη» του Nicolas Buallo (1674) και «Συνομιλίες για τους πιο γνωστούς ζωγράφους, παλιούς και νέους» του A. Feliben (1666-1688).

14. Εποχή του Διαφωτισμού (18ος αιώνας) και θεωρητικά και μεθοδολογικά προβλήματα της τέχνης. Διαμόρφωση εθνικών σχολείων στα πλαίσια της γενικής θεωρίας της τέχνης. Ανάπτυξη της κριτικής τέχνης στη Γαλλία. Ο ρόλος των σαλονιών στη γαλλική καλλιτεχνική ζωή. Κριτικές για τα Σαλόνια ως κορυφαίες μορφές κριτικής λογοτεχνίας για τις καλές τέχνες. Διαφωνίες για τα καθήκοντα της κριτικής τέχνης (αξιολόγηση δημιουργικότητας ή εκπαίδευση του κοινού). Χαρακτηριστικά της γερμανικής ιστορίας της τέχνης. Συμβολή στη θεωρία των καλών τεχνών από τον Gotthold Ephraim Lessing. Πραγματεία «Laocoön» (1766) και το πρόβλημα των ορίων ζωγραφικής και ποίησης. Εισαγωγή της έννοιας των «καλών τεχνών» αντί των «καλών τεχνών» (μετατόπιση της έμφασης από την ομορφιά στην αλήθεια και ανάδειξη της παραστατικής-ρεαλιστικής λειτουργίας της τέχνης). Η σημασία των δραστηριοτήτων του Johann Joachim Winckelmann για την ανάπτυξη της ιστορικής επιστήμης της τέχνης. Η έννοια του Winckelmann για την αρχαία τέχνη και η περιοδοποίηση της ανάπτυξής της.

15. Απαρχές της ρωσικής σκέψης για την τέχνη. Πληροφορίες για καλλιτέχνες και καλλιτεχνικά μνημεία στα ρωσικά μεσαιωνικά χρονικά και επιστολικές πηγές. Θέτοντας ερωτήματα για την τέχνη στην κοινωνική και πολιτική ζωή του 16ου αιώνα. (Καθεδρικός Ναός Stoglavy του 1551 και άλλοι καθεδρικοί ναοί) ως απόδειξη της αφύπνισης της κριτικής σκέψης και της πάλης διαφόρων ιδεολογικών τάσεων.

16. Μια ριζική αλλαγή στη ρωσική τέχνη του 17ου αιώνα: η διαμόρφωση των απαρχών μιας κοσμικής αντίληψης και η πρώτη γνωριμία με τις ευρωπαϊκές μορφές καλλιτεχνικού πολιτισμού. Διαμόρφωση καλλιτεχνικής και θεωρητικής σκέψης. Κεφάλαιο "Περί εικονογραφίας" στη "Ζωή" του Avvakum. Το «Δοκίμιο για την Τέχνη» του Joseph Vladimirov (1665-1666) και το «Word to the Curious Icon Painting» του Simon Ushakov (1666-1667) είναι τα πρώτα ρωσικά έργα για τη θεωρία της τέχνης.

17. Ενεργός διαμόρφωση νέων κοσμικών μορφών πολιτισμού τον 18ο αιώνα. Σημειώσεις

Ο J. von Stehlin είναι η πρώτη προσπάθεια δημιουργίας ιστορίας της ρωσικής τέχνης.

18. Νέα ρομαντική κατανόηση της τέχνης σε κριτικά άρθρα του Κ.Ν. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Γκόγκολ.

19. Ιστορία της Τέχνης του τέλους του 19ου - 20ου αιώνα: Προσπάθειες σύνθεσης των επιτευγμάτων του τυπικού σχολείου με τις έννοιες των κριτικών του - «δομική επιστήμη» των καλλιτεχνικών στυλ. Σημειωτική προσέγγιση στην ιστορία της τέχνης. Χαρακτηριστικά της σημειωτικής μελέτης των έργων καλών τεχνών στα έργα του Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Ουσπένσκι. Η ποικιλία των μεθόδων για τη μελέτη της τέχνης στη σύγχρονη εγχώρια επιστήμη. Αρχές ανάλυσης ενός έργου τέχνης και μια προβληματική προσέγγιση στη μελέτη της ιστορίας της τέχνης στα έργα του M. Alpatov («Εικαστικά προβλήματα της τέχνης Αρχαία Ελλάδα», «Καλλιτεχνικά προβλήματα της Ιταλικής Αναγέννησης»). Σύνθεση μεθοδολογικών προσεγγίσεων (μορφικές υφολογικές, εικονογραφικές, εικονολογικές, κοινωνιολογικές) του V. Lazarev. Συγκριτική-ιστορική μέθοδος έρευνας στα έργα του D. Sarabyanov («Ρωσική ζωγραφική του 19ου αιώνα μεταξύ των ευρωπαϊκών σχολείων. Η εμπειρία της συγκριτικής έρευνας»). Συστηματική προσέγγιση της τέχνης και των χαρακτηριστικών της.

1. Alekseev V.V. Τι είναι η τέχνη; Για το πώς ένας ζωγράφος, γραφίστας και γλύπτης απεικονίζει τον κόσμο. – Μ.: Τέχνη, 1991.

2. Valeri P. Περί τέχνης. Συλλογή. – Μ.: Τέχνη, 1993.

3. Vipper B.R. Εισαγωγή στην ιστορική μελέτη της τέχνης. – Μ.: Εικαστικά, 1985.

4.Vlasov V.G. Στυλ στην τέχνη - Αγία Πετρούπολη: 1998.

5.Ζης Α.Υα. Είδη τέχνης. – Μ.: Γνώση, 1979.

6.Kon-Wiener. Ιστορία των Στυλ Καλών Τεχνών. - M .: Svarog and K, 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. Σύγχρονο λεξικό-βιβλίο αναφοράς για την τέχνη. – Μ.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Βασικές αρχές της ιστορίας της τέχνης. – Μ.: Τέχνη, 2001.

Θέμα 2. Τέχνη του Αρχαίου Κόσμου. Τέχνη της εποχής του πρωτόγονου κοινοτικού συστήματος και της Αρχαίας Ανατολής.

Ερωτήσεις:

1. Περιοδοποίηση της τέχνης της πρωτόγονης κοινωνίας. Χαρακτηριστικά της πρωτόγονης τέχνης της εποχής: Παλαιολιθική, Μεσολιθική, Νεολιθική, Χάλκινος.

2. Η έννοια του συγκρητισμού στην πρωτόγονη τέχνη, τα παραδείγματά της.

3. Γενικοί νόμοι και αρχές της τέχνης της Αρχαίας Ανατολής.

4. Τέχνη της Αρχαίας Μεσοποταμίας.

5. Η τέχνη των αρχαίων Σουμερίων.

6. Τέχνη της αρχαίας Βαβυλωνίας και της Ασσυρίας.

Θέματα προς συζήτηση:

1. Δώστε μια σύντομη επισκόπηση της περιοδοποίησης της πρωτόγονης τέχνης. Ποια είναι τα χαρακτηριστικά της τέχνης κάθε περιόδου;

2. Περιγράψτε τα κύρια χαρακτηριστικά της πρωτόγονης τέχνης: συγκρητισμός, φετιχισμός, ανιμισμός, τοτεμισμός.

3. Συγκρίνετε τους κανόνες στην απεικόνιση ενός προσώπου στην τέχνη της αρχαίας Ανατολής (Αίγυπτος και Μεσοποταμία).

4. Ποια είναι τα χαρακτηριστικά των καλών τεχνών της Αρχαίας Μεσοποταμίας;

5. Μιλήστε μας για την αρχιτεκτονική της Μεσοποταμίας στο παράδειγμα συγκεκριμένων μνημείων:

το ζιγκουράτο του Etemenniguru στην Ουρ και το ziggurat του Etemenanki στη Νέα Βαβυλώνα.

6. Μιλήστε μας για το γλυπτό της Μεσοποταμίας στο παράδειγμα συγκεκριμένων μνημείων: τα τείχη κατά μήκος της οδού πομπής, η πύλη Ishtar, τα ανάγλυφα από το παλάτι Ashurnasirpal στο

7. Ποιο είναι το θέμα των γλυπτικών ανάγλυφων εικόνων της Μεσοποταμίας;

8. Πώς ονομάζονταν τα πρώτα βαβυλωνιακά μνημεία αρχιτεκτονικής; Ποιο ήταν το δικό τους

ραντεβού?

9. Ποια είναι η ιδιαιτερότητα της κοσμογονίας του Σουμερο-Ακκαδικού πολιτισμού;

10. Να αναφέρετε τα επιτεύγματα στην τέχνη του Σουμερο-Ακκαδικού πολιτισμού.

1. Vinogradova N.A. Παραδοσιακή τέχνη της Ανατολής. - Μ.: Τέχνη, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Διήγηματέχνες. Θέμα. 1: Από την αρχαιότητα έως τον 16ο αιώνα. Δοκίμια. – Μ.: Τέχνη, 1985.

3. Τέχνη της Αρχαίας Ανατολής (Μνημεία παγκόσμιας τέχνης). – Μ.: Τέχνη, 1968.

4. Τέχνη της Αρχαίας Αιγύπτου. Ζωγραφική, γλυπτική, αρχιτεκτονική, εφαρμοσμένες τέχνες. – Μ.: Εικαστικά, 1972.

5. Τέχνη του Αρχαίου Κόσμου. – Μ.: 2001.

6. Ιστορία της τέχνης. Οι πρώτοι πολιτισμοί - Βαρκελώνη-Μόσχα: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Μνημεία παγκόσμιας τέχνης. Τεύχος ΙΙΙ, πρώτη σειρά. Τέχνη της Αρχαίας Ανατολής. - Μ.: Τέχνη, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Αισθητικά θεμέλια της τέχνης της αρχαίας Αιγύπτου. – Μ.: Τέχνη, 1985.

9. Stolyar A.D. Προέλευση των καλών τεχνών. – Μ.: Τέχνη, 1985.

Αυτό το άρθρο περιέχει μια σύντομη περιγραφή των κύριων στυλ τέχνης του 20ου αιώνα. Θα είναι χρήσιμο να γνωρίζετε τόσο καλλιτέχνες όσο και σχεδιαστές.

Μοντερνισμός (από τα γαλλικά moderne modern)

στην τέχνη, το σωρευτικό όνομα των καλλιτεχνικών τάσεων που καθιερώθηκαν στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα με τη μορφή νέων μορφών δημιουργικότητας, όπου κυριαρχούσε όχι τόσο η προσήλωση στο πνεύμα της φύσης και της παράδοσης, αλλά η ελεύθερη άποψη του δασκάλου , ελεύθερος να αλλάξει τον ορατό κόσμο κατά την κρίση του, ακολουθώντας την προσωπική εντύπωση, την εσωτερική ιδέα ή το μυστικιστικό όνειρο (αυτές οι τάσεις συνέχισαν σε μεγάλο βαθμό τη γραμμή του ρομαντισμού). Ο ιμπρεσιονισμός, ο συμβολισμός και ο μοντερνισμός ήταν οι πιο σημαντικές κατευθύνσεις του, που συχνά αλληλεπιδρούν ενεργά.Στη σοβιετική κριτική, η έννοια του «μοντερνισμού» εφαρμόστηκε αντιιστορικά σε όλα τα κινήματα τέχνης του 20ου αιώνα που δεν αντιστοιχούσαν στους κανόνες του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. .

Αφαίρεση(τέχνη υπό το σύμβολο των "μηδενικών μορφών", μη αντικειμενική τέχνη) - μια καλλιτεχνική κατεύθυνση που διαμορφώθηκε στην τέχνη του πρώτου μισού του 20ού αιώνα, αρνούμενη εντελώς να αναπαράγει τις μορφές του πραγματικού ορατού κόσμου. Θεμελιωτές της αφαίρεσης θεωρούνται V. Kandinsky, P. Mondrian και K. Malevich. Ο W. Kandinsky δημιούργησε το δικό του είδος αφηρημένης ζωγραφικής, απαλλάσσοντας τα ιμπρεσιονιστικά και «άγρια» σημεία από κάθε σημάδι αντικειμενικότητας. Ο Piet Mondrian έφτασε στην ανούσια του μέσα από τη γεωμετρική σχηματοποίηση της φύσης, που ξεκίνησε από τον Σεζάν και τους Κυβιστές. Οι μοντερνιστικές τάσεις του 20ου αιώνα, με επίκεντρο την αφαίρεση, ξεφεύγουν εντελώς από τις παραδοσιακές αρχές, αρνούνται τον ρεαλισμό, αλλά ταυτόχρονα παραμένουν στο πλαίσιο της τέχνης. Η ιστορία της τέχνης με την έλευση του αφαιρετικού γνώρισε μια επανάσταση. Αλλά αυτή η επανάσταση δεν προέκυψε τυχαία, αλλά εντελώς φυσικά, και είχε προβλεφθεί από τον Πλάτωνα! Στο μεταγενέστερο έργο του Philebus, έγραψε για την ομορφιά των γραμμών, των επιφανειών και των χωρικών μορφών από μόνες τους, ανεξάρτητα από οποιαδήποτε μίμηση ορατών αντικειμένων, από οποιαδήποτε μίμηση. Αυτό το είδος της γεωμετρικής ομορφιάς, σε αντίθεση με την ομορφιά των φυσικών «ανώμαλων» μορφών, σύμφωνα με τον Πλάτωνα, δεν είναι σχετική, αλλά άνευ όρων, απόλυτη.

Φουτουρισμός- λογοτεχνική και καλλιτεχνική τάση στην τέχνη της δεκαετίας του 1910. Αναθέτοντας στον εαυτό του τον ρόλο ενός πρωτοτύπου της τέχνης του μέλλοντος, ο φουτουρισμός ως κύριο πρόγραμμα προώθησε την ιδέα της διάλυσης των πολιτιστικών στερεοτύπων και αντ' αυτού πρόσφερε τη συγγνώμη της τεχνολογίας και τον αστικισμό ως κύρια σημάδια του παρόντος και του μέλλοντος. Μια σημαντική καλλιτεχνική ιδέα του φουτουρισμού ήταν η αναζήτηση μιας πλαστικής έκφρασης της ταχύτητας της κίνησης ως το κύριο σημάδι του ρυθμού της σύγχρονης ζωής. Η ρωσική εκδοχή του φουτουρισμού έφερε το όνομα kybofuturism και βασίστηκε σε έναν συνδυασμό των πλαστικών αρχών του γαλλικού κυβισμού και του ευρωπαϊκού γενικού αισθητικού φουτουρισμού. Χρησιμοποιώντας διασταυρώσεις, μετατοπίσεις, συγκρούσεις και εισροές μορφών, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να εκφράσουν τη συντριπτική πληθώρα των εντυπώσεων ενός σύγχρονου ανθρώπου, ενός κατοίκου της πόλης.

Κυβισμός- «η πιο ολοκληρωμένη και ριζοσπαστική καλλιτεχνική επανάσταση από την Αναγέννηση» (J. Golding). Καλλιτέχνες: Πικάσο Πάμπλο, Ζορζ Μπρακ, Φερνάν Λεζέ Ρόμπερτ Ντελονάι, Χουάν Γκρις, Γκλίζ Μέτζινγκερ. Κυβισμός - (γαλλικά cubisme, από cube - cube) μια κατεύθυνση στην τέχνη του πρώτου τετάρτου του 20ού αιώνα. Η πλαστική γλώσσα του κυβισμού βασίστηκε στην παραμόρφωση και την αποσύνθεση των αντικειμένων σε γεωμετρικά επίπεδα, την πλαστική μετατόπιση της μορφής. Πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες έχουν περάσει από μια γοητεία με τον κυβισμό, συνδυάζοντας συχνά τις αρχές του με τις τεχνικές άλλων σύγχρονων καλλιτεχνικών τάσεων - του φουτουρισμού και του πρωτογονισμού. Ο κυβοφουτουρισμός έγινε μια συγκεκριμένη παραλλαγή της ερμηνείας του κυβισμού στο ρωσικό έδαφος.

Καθαρολογία- (Γαλλικό purisme, από το λατινικό purus - καθαρό) μια τάση στη γαλλική ζωγραφική στα τέλη της δεκαετίας του 1910 και της δεκαετίας του 20. Οι κύριοι εκπρόσωποι είναι ο καλλιτέχνης Α. Οζανφάνκαι αρχιτέκτονας C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Απορρίπτοντας τις διακοσμητικές τάσεις του κυβισμού και άλλων πρωτοποριακών κινημάτων της δεκαετίας του 1910, την παραμόρφωση της φύσης που υιοθέτησαν, οι καθαρολόγοι προσπάθησαν για μια ορθολογικά διατεταγμένη μεταφορά σταθερών και συνοπτικών μορφών αντικειμένων, σαν να ήταν «καθαρισμένες» από λεπτομέρειες, στην εικόνα του «κύρια» στοιχεία. Τα έργα των καθαρευτών χαρακτηρίζονται από επιπεδότητα, ομαλό ρυθμό φωτεινών σιλουετών και περιγράμματα αντικειμένων του ίδιου τύπου (κανάτες, ποτήρια κ.λπ.). Καθώς δεν είχαν αναπτυχθεί σε μορφές καβαλέτο, οι ουσιαστικά αναθεωρημένες καλλιτεχνικές αρχές του πουρισμού αντικατοπτρίστηκαν εν μέρει στη σύγχρονη αρχιτεκτονική, κυρίως στα κτίρια του Le Corbusier.

Σερεαλισμός- ένα κοσμοπολίτικο κίνημα στη λογοτεχνία, τη ζωγραφική και τον κινηματογράφο που προέκυψε το 1924 στη Γαλλία και τερμάτισε επίσημα την ύπαρξή του το 1969. Συνέβαλε τα μέγιστα στη διαμόρφωση της συνείδησης του σύγχρονου ανθρώπου. Οι κύριες μορφές του κινήματος Αντρέ Μπρετόν- συγγραφέας, ηγέτης και ιδεολογικός εμπνευστής του κινήματος, Louis Aragon- ένας από τους ιδρυτές του σουρεαλισμού, που αργότερα μεταμορφώθηκε παράξενα σε τραγουδιστή του κομμουνισμού, Σαλβαδόρ Νταλί- καλλιτέχνης, θεωρητικός, ποιητής, σεναριογράφος, που όρισε την ουσία του κινήματος με τις λέξεις: «Ο σουρεαλισμός είμαι εγώ!», ένας άκρως σουρεαλιστής κινηματογραφιστής Λουίς Μπουνιουέλ, καλλιτέχνης Χουάν Μίρο- «το πιο όμορφο φτερό στο καπέλο του σουρεαλισμού», όπως το αποκαλούσε ο Μπρετόν, και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες σε όλο τον κόσμο.

Φωβισμός(από τα γαλλικά les fauves - wild (ζώα)) Τοπική κατεύθυνση στη ζωγραφική νωρίς. 20ος αιώνας Το όνομα F. δόθηκε ως κοροϊδία σε μια ομάδα νέων Παριζιάνων καλλιτεχνών ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, Ε.Ο. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), οι οποίοι συμμετείχαν από κοινού σε πολλές εκθέσεις το 1905-1907, μετά την πρώτη τους έκθεση το 1905. Το όνομα υιοθετήθηκε από την ίδια την ομάδα και εδραιώθηκε σταθερά πίσω από αυτό. Η σκηνοθεσία δεν είχε ξεκάθαρα διατυπωμένο πρόγραμμα, μανιφέστο ή δική της θεωρία και δεν κράτησε πολύ, αφήνοντας ωστόσο αξιοσημείωτο στίγμα στην ιστορία της τέχνης. Οι συμμετέχοντες του ένωσαν εκείνα τα χρόνια η επιθυμία να δημιουργήσουν καλλιτεχνικές εικόνες αποκλειστικά με τη βοήθεια ενός εξαιρετικά φωτεινού ανοιχτού χρώματος. Αναπτύσσοντας τα καλλιτεχνικά επιτεύγματα των μετα-ιμπρεσιονιστών ( Σεζάν, Γκογκέν, Βαν Γκογκ), βασιζόμενοι σε κάποιες επίσημες τεχνικές της μεσαιωνικής τέχνης (βιτρό, ρωμανική τέχνη) και ιαπωνική χαρακτική, δημοφιλείς στους καλλιτεχνικούς κύκλους της Γαλλίας από την εποχή των ιμπρεσιονιστών, οι Φωβιστές προσπάθησαν να μεγιστοποιήσουν τη χρήση των χρωματιστικών δυνατοτήτων της ζωγραφικής.

Εξπρεσιονισμός(από τη γαλλική έκφραση - εκφραστικότητα) - μια μοντερνιστική τάση στη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη, κυρίως στη Γερμανία, το πρώτο τρίτο του 20ού αιώνα, που αναπτύχθηκε σε μια ορισμένη ιστορική περίοδο - στις παραμονές του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Η ιδεολογική βάση του εξπρεσιονισμού ήταν μια ατομικιστική διαμαρτυρία ενάντια στον άσχημο κόσμο, η αυξανόμενη αποξένωση του ανθρώπου από τον κόσμο, τα συναισθήματα έλλειψης στέγης, η κατάρρευση και η αποσύνθεση εκείνων των αρχών στις οποίες ο ευρωπαϊκός πολιτισμός φαινόταν να στηρίζεται τόσο σταθερά. Οι εξπρεσιονιστές τείνουν να έλκονται προς τον μυστικισμό και την απαισιοδοξία. Καλλιτεχνικές τεχνικές χαρακτηριστικές του εξπρεσιονισμού: η απόρριψη του ψευδαισθητικού χώρου, η επιθυμία για μια επίπεδη ερμηνεία των αντικειμένων, η παραμόρφωση των αντικειμένων, η αγάπη για έντονες πολύχρωμες παραφωνίες, ένα ιδιαίτερο χρώμα που ενσαρκώνει το αποκαλυπτικό δράμα. Οι καλλιτέχνες αντιλαμβάνονταν τη δημιουργικότητα ως έναν τρόπο έκφρασης συναισθημάτων.

σουπρεματισμός(από λατ. supremus - υψηλότερος, υψηλότερος· πρώτος· τελευταίος, ακραίος, προφανώς, μέσω του πολωνικού supremacja - υπεροχή, υπεροχή) Η κατεύθυνση της πρωτοποριακής τέχνης του πρώτου τρίτου του 20ού αιώνα, ο δημιουργός, ο κύριος εκπρόσωπος και ο θεωρητικός του οποίου ήταν Ρώσος καλλιτέχνης Καζιμίρ Μάλεβιτς. Ο ίδιος ο όρος δεν αντικατοπτρίζει την ουσία του σουπρεματισμού. Στην πραγματικότητα, κατά την κατανόηση του Μάλεβιτς, αυτό είναι ένα εκτιμώμενο χαρακτηριστικό. Ο σουπρεματισμός είναι το υψηλότερο στάδιο στην ανάπτυξη της τέχνης στο μονοπάτι της απελευθέρωσης από κάθε τι μη καλλιτεχνικό, στο μονοπάτι προς την τελική αποκάλυψη του μη αντικειμενικού ως ουσίας κάθε τέχνης. Υπό αυτή την έννοια, ο Μάλεβιτς θεωρούσε επίσης την πρωτόγονη διακοσμητική τέχνη σουπρεματιστική (ή «υπέρτατη»). Εφάρμοσε για πρώτη φορά αυτόν τον όρο σε μια μεγάλη ομάδα από τους πίνακές του (39 ή περισσότερους) που απεικονίζουν γεωμετρικές αφαιρέσεις, συμπεριλαμβανομένου του περίφημου «Μαύρου Τετράγωνου» σε λευκό φόντο, «Μαύρου Σταυρού» κ.λπ., που εκτέθηκαν στην έκθεση φουτουρισμού της Πετρούπολης «μηδέν- δέκα» το 1915 Ήταν πίσω από αυτές και παρόμοιες γεωμετρικές αφαιρέσεις που επικολλήθηκε το όνομα Suprematism, αν και ο ίδιος ο Malevich αναφέρθηκε σε αυτό πολλά από τα έργα του της δεκαετίας του '20, τα οποία περιείχαν εξωτερικά ορισμένες μορφές συγκεκριμένων αντικειμένων, ειδικά φιγούρες ανθρώπων, αλλά διατήρησαν το «Υπρεματιστικό πνεύμα». Και στην πραγματικότητα, οι μεταγενέστερες θεωρητικές εξελίξεις του Μάλεβιτς δεν δίνουν λόγους να αναχθεί ο σουπρεματισμός (τουλάχιστον ο ίδιος ο Μάλεβιτς) μόνο σε γεωμετρικές αφαιρέσεις, αν και φυσικά αποτελούν τον πυρήνα, την ουσία και ακόμη και (ασπρόμαυρο και άσπρο και άσπρο Ο σουπρεματισμός) φέρνουν τη ζωγραφική στο όριο της ύπαρξής της γενικά ως μορφή τέχνης, δηλ. στο εικονιστικό μηδέν, πέρα ​​από το οποίο δεν υπάρχει πλέον η σωστή ζωγραφική. Αυτό το μονοπάτι στο δεύτερο μισό του αιώνα συνεχίστηκε από πολλές κατευθύνσεις σε καλλιτεχνικές δραστηριότητες που εγκατέλειψαν τα πινέλα, τα χρώματα και τον καμβά.

Ρωσική πρωτοπορίαΗ δεκαετία του 1910 παρουσιάζει μια μάλλον περίπλοκη εικόνα. Χαρακτηρίζεται από μια ταχεία αλλαγή στα στυλ και τις τάσεις, μια πληθώρα ομάδων και ενώσεων καλλιτεχνών, καθένας από τους οποίους διακήρυξε τη δική του έννοια δημιουργικότητας. Κάτι ανάλογο συνέβη και στην ευρωπαϊκή ζωγραφική στις αρχές του αιώνα. Ωστόσο, η ανάμειξη τεχνοτροπιών, το «μπέρδεμα» ρευμάτων και κατευθύνσεων ήταν άγνωστα στη Δύση, όπου η κίνηση προς νέες μορφές ήταν πιο συνεπής. Πολλοί δάσκαλοι της νεότερης γενιάς με εξαιρετική ταχύτητα πέρασαν από στυλ σε στυλ, από σκηνή σε σκηνή, από τον ιμπρεσιονισμό στη νεωτερικότητα, μετά στον πρωτογονισμό, τον κυβισμό ή τον εξπρεσιονισμό, περνώντας από πολλά βήματα, που ήταν εντελώς άτυπα για τους δεξιοτέχνες της γαλλικής ή γερμανικής ζωγραφικής. . Η κατάσταση που αναπτύχθηκε στη ρωσική ζωγραφική οφειλόταν σε μεγάλο βαθμό στην προεπαναστατική ατμόσφαιρα στη χώρα. Επιδείνωσε πολλές από τις αντιφάσεις που ήταν εγγενείς σε όλη την ευρωπαϊκή τέχνη στο σύνολό της, επειδή. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες μελέτησαν ευρωπαϊκά μοντέλα, γνώριζαν καλά διάφορες σχολές και εικαστικά. Ένα είδος ρωσικής «έκρηξης» στην καλλιτεχνική ζωή έπαιξε έτσι έναν ιστορικό ρόλο. Μέχρι το 1913, ήταν η ρωσική τέχνη που έφτασε σε νέα σύνορα και ορίζοντες. Εμφανίστηκε ένα εντελώς νέο φαινόμενο μη αντικειμενικότητας - μια γραμμή πέρα ​​από την οποία οι Γάλλοι κυβιστές δεν τόλμησαν να περάσουν. Ένας ένας περνούν αυτή τη γραμμή: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

κυβοφουτουρισμός Τοπική τάση στη ρωσική πρωτοπορία (στη ζωγραφική και την ποίηση) των αρχών του 20ου αιώνα. Στις εικαστικές τέχνες, ο κυβο-φουτουρισμός προέκυψε με βάση μια επανεξέταση των εικαστικών ευρημάτων, του κυβισμού, του φουτουρισμού και του ρωσικού νεοπρωτογονισμού. Τα κύρια έργα δημιουργήθηκαν την περίοδο 1911-1915. Οι πιο χαρακτηριστικοί πίνακες του κυβοφουτουρισμού βγήκαν κάτω από το πινέλο του K. Malevich και γράφτηκαν επίσης από τους Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Τα πρώτα κυβοφουτουριστικά έργα του Μάλεβιτς εκτέθηκαν στη διάσημη έκθεση του 1913. «Στόχος», στο οποίο πρωτοεμφανίστηκε και ο Λουχισμός του Λαριόνοφ. Στην όψη, τα κυβοφουτουριστικά έργα έχουν κάτι κοινό με τις συνθέσεις που δημιουργήθηκαν ταυτόχρονα από τον F. Leger και είναι ημι-αντικειμενικές συνθέσεις που αποτελούνται από κυλινδρικές, κωνικές, φιάλης, κελύφους κοίλες ογκομετρικές έγχρωμες μορφές, συχνά με μεταλλική γυαλάδα. Ήδη στα πρώτα τέτοια έργα του Malevich, υπάρχει μια αξιοσημείωτη τάση μετάβασης από τον φυσικό ρυθμό στους αμιγώς μηχανικούς ρυθμούς του μηχανικού κόσμου (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait of Klyun, 1913).

νεοπλαστικισμός- μια από τις πρώτες ποικιλίες αφηρημένης τέχνης. Δημιουργήθηκε το 1917 από τον Ολλανδό ζωγράφο P. Mondrian και άλλους καλλιτέχνες που ήταν μέλη της ένωσης Style. Ο νεοπλαστικισμός χαρακτηρίζεται, σύμφωνα με τους δημιουργούς του, από την επιθυμία για «καθολική αρμονία», που εκφράζεται σε αυστηρά ισορροπημένους συνδυασμούς μεγάλων ορθογώνιων μορφών, που διαχωρίζονται σαφώς από κάθετες μαύρες γραμμές και ζωγραφίζονται σε τοπικά χρώματα του κύριου φάσματος (με την προσθήκη λευκού και γκρι τόνοι). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Αυτός ο όρος εμφανίστηκε στην Ολλανδία τον 20ο αιώνα. Piet Mondrianκαθόρισε τις πλαστικές του έννοιες, τις οποίες συστηματοποίησε και υπερασπίστηκε η ομάδα και το περιοδικό «Style» («De Stiji») που ιδρύθηκε στο Leiden το 1917. Το κύριο χαρακτηριστικό του νεοπλασματισμού ήταν η αυστηρή χρήση εκφραστικών μέσων. Ο νεοπλαστικισμός επιτρέπει μόνο οριζόντιες και κάθετες γραμμές να χτίσουν μορφή. Η διέλευση των γραμμών σε ορθή γωνία είναι η πρώτη αρχή. Γύρω στο 1920 προστέθηκε σε αυτό ένα δεύτερο, το οποίο αφαιρώντας το κτύπημα και τονίζοντας το επίπεδο, περιορίζει τα χρώματα σε κόκκινο, μπλε και κίτρινο, δηλ. τρία καθαρά βασικά χρώματα στα οποία μπορούν να προστεθούν μόνο το λευκό και το μαύρο. Με τη βοήθεια αυτής της αυστηρότητας, ο νεοπλαστικισμός σκόπευε να υπερβεί την ατομικότητα για να επιτύχει την οικουμενικότητα και να δημιουργήσει έτσι μια νέα εικόνα του κόσμου.

Επίσημη «βάπτιση» ορφισμόςσυνέβη στο Salon des Indépendants το 1913. Έτσι, ο κριτικός Roger Allard έγραψε στην έκθεσή του για το Salon: "... σημειώνουμε για τους μελλοντικούς ιστορικούς ότι το 1913 γεννήθηκε μια νέα σχολή ορφισμού ..." ("La Cote" Παρίσι 19 Μαρτίου 1913). Τον απηχούσε ένας άλλος κριτικός Αντρέ Βάρνο: «Το Σαλόνι του 1913 σημαδεύτηκε από τη γέννηση ενός νέου σχολείου της Ορφικής σχολής» («Comoedia» Παρίσι, 18 Μαρτίου 1913). Τελικά Γκιγιόμ Απολινέρενίσχυσε αυτή τη δήλωση αναφωνώντας, όχι χωρίς περηφάνια: «Αυτός είναι ο Ορφισμός. Εδώ, για πρώτη φορά, εμφανίστηκε αυτή η τάση, που είχα προβλέψει» («Montjoie!» Παρίσι Συμπλήρωμα στις 18 Μαρτίου 1913). Πράγματι, ο όρος επινοήθηκε Απολλιναίρ(Ο ορφισμός ως λατρεία του Ορφέα) και ανακοινώθηκε για πρώτη φορά δημόσια κατά τη διάρκεια μιας διάλεξης για τη σύγχρονη ζωγραφική και διαβάστηκε τον Οκτώβριο του 1912. Τι εννοούσε; Ο ίδιος δεν φαίνεται να το ξέρει. Επιπλέον, δεν ήξερε πώς να καθορίσει τα όρια αυτής της νέας κατεύθυνσης. Μάλιστα, η σύγχυση που επικρατούσε μέχρι σήμερα οφειλόταν στο γεγονός ότι ο Apollinaire ασυναίσθητα μπέρδεψε δύο προβλήματα που συνδέονται μεταξύ τους, φυσικά, αλλά πριν προσπαθήσει να τα συνδέσει, θα έπρεπε να είχε τονίσει τις διαφορές τους. Από τη μια η δημιουργία Delaunayεικονογραφικά εκφραστικά μέσα που βασίζονται εξ ολοκλήρου στο χρώμα και, αφετέρου, στην επέκταση του κυβισμού μέσω της ανάδυσης πολλών διαφορετικών κατευθύνσεων. Μετά από ένα διάλειμμα με τη Marie Laurencin στα τέλη του καλοκαιριού του 1912, ο Apollinaire αναζήτησε καταφύγιο από την οικογένεια Delaunay, η οποία τον υποδέχτηκε με φιλική κατανόηση στο εργαστήριό τους στην Rue Grand-Augustin. Μόλις αυτό το καλοκαίρι, ο Robert Delaunay και η σύζυγός του γνώρισαν μια βαθιά αισθητική εξέλιξη που οδήγησε σε αυτό που αργότερα αποκάλεσε την «καταστροφική περίοδο» της ζωγραφικής βασισμένη αποκλειστικά στις εποικοδομητικές και χωροχρονικές ιδιότητες των χρωματικών αντιθέσεων.

Μεταμοντερνισμός (μεταμοντέρνος, μεταμοντέρνος) -

(από το λατ. μετά «μετά» και μοντερνισμός), το συλλογικό όνομα για τις καλλιτεχνικές τάσεις που έγιναν ιδιαίτερα σαφείς στη δεκαετία του 1960 και χαρακτηρίζονται από μια ριζική αναθεώρηση της θέσης του μοντερνισμού και της πρωτοπορίας.

αφηρημένος εξπρεσιονισμόςμεταπολεμικό (τέλη δεκαετίας '40 - δεκαετία του '50 του XX αιώνα) στάδιο στην ανάπτυξη της αφηρημένης τέχνης. Ο ίδιος ο όρος εισήχθη τη δεκαετία του 1920 από έναν Γερμανό κριτικό τέχνης E. von Sydow (E. von Sydow) για να αναφερθούν σε ορισμένες πτυχές της εξπρεσιονιστικής τέχνης. Το 1929, ο Αμερικανός Μπαρ το χρησιμοποίησε για να χαρακτηρίσει τα πρώτα έργα του Καντίνσκι και το 1947 ονόμασε τα έργα «αφηρημένα-εξπρεσιονιστικά». Willem de KooningΚαι Πόλοκ. Έκτοτε, η έννοια του αφηρημένου εξπρεσιονισμού έχει παγιωθεί πίσω από ένα αρκετά ευρύ, στυλιστικά και τεχνικά διαφοροποιημένο πεδίο αφηρημένης ζωγραφικής (και αργότερα γλυπτικής), που αναπτύχθηκε ραγδαία στη δεκαετία του '50. στις ΗΠΑ, στην Ευρώπη και μετά σε όλο τον κόσμο. Οι άμεσοι πρόγονοι του αφηρημένου εξπρεσιονισμού θεωρούνται οι πρώτοι Καντίνσκι, εξπρεσιονιστές, ορφιστές, εν μέρει ντανταϊστές και σουρεαλιστές με την αρχή του νοητικού αυτοματισμού τους. Η φιλοσοφική και αισθητική βάση του αφηρημένου εξπρεσιονισμού ήταν σε μεγάλο βαθμό η φιλοσοφία του υπαρξισμού, δημοφιλής στη μεταπολεμική περίοδο.

Έτοιμη(Αγγλικά έτοιμο - έτοιμο) Ο όρος εισήχθη για πρώτη φορά στο λεξικό της ιστορίας της τέχνης από τον καλλιτέχνη Μαρσέλ Ντυσάννα χαρακτηρίσουν τα έργα τους, που είναι αντικείμενα χρηστικής χρήσης, αφαιρέθηκαν από το περιβάλλον της κανονικής τους λειτουργίας και εκτέθηκαν χωρίς καμία αλλαγή σε έκθεση τέχνης ως έργα τέχνης. Το Ready-Made διεκδίκησε μια νέα ματιά στο πράγμα και στην ουσία. Ένα αντικείμενο που έπαψε να εκπληρώνει τις χρηστικές του λειτουργίες και εντάχθηκε στο πλαίσιο του χώρου της τέχνης, έγινε δηλαδή αντικείμενο μη ωφελιμιστικού στοχασμού, άρχισε να αποκαλύπτει νέα νοήματα και συνειρμικές κινήσεις, άγνωστες είτε στην παραδοσιακή τέχνη είτε στην η καθημερινή-χρηστική σφαίρα της ύπαρξης. Το πρόβλημα της σχετικότητας του αισθητικού και του ωφελιμιστικού εμφανίστηκε έντονα. Πρώτο έτοιμο Duchampεκτέθηκε στη Νέα Υόρκη το 1913. Το πιο διαβόητο από τα Ready-Made του. χάλυβας "Τροχός από ποδήλατο" (1913), "Στεγνωτήριο μπουκαλιών" (1914), "Συντριβάνι" (1917) - έτσι χαρακτηρίστηκε ένα συνηθισμένο ουρητήριο.

Pop Art.Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, ένα μεγάλο κοινωνικό στρώμα ανθρώπων σχηματίστηκε στην Αμερική που κέρδισε αρκετά χρήματα για να αγοράσει αγαθά που δεν ήταν ιδιαίτερα σημαντικά για αυτούς. Για παράδειγμα, η κατανάλωση αγαθών: η Coca cola ή τα τζιν της Levi's γίνονται ένα σημαντικό χαρακτηριστικό αυτής της κοινωνίας. Ένα άτομο που χρησιμοποιεί αυτό ή εκείνο το προϊόν δείχνει ότι ανήκει σε ένα συγκεκριμένο κοινωνικό στρώμα. Διαμορφώθηκε η τρέχουσα μαζική κουλτούρα. Τα πράγματα έγιναν σύμβολα, στερεότυπα. Η ποπ αρτ χρησιμοποιεί αναγκαστικά στερεότυπα και σύμβολα. ποπ αρτ(Pop Art) ενσάρκωσε τη δημιουργική αναζήτηση των νέων Αμερικανών, η οποία βασίστηκε στις δημιουργικές αρχές του Duchamp. Αυτό: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, και άλλοι. Η ποπ αρτ αποκτά τη σημασία της μαζικής κουλτούρας, επομένως δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι πήρε μορφή και έγινε κίνημα τέχνης στην Αμερική. Οι σύμμαχοί τους: Hamelton R, Ton Chinaεπιλεγεί ως αρχή Kurt Schwieters. Η ποπ αρτ χαρακτηρίζεται από ένα έργο - μια ψευδαίσθηση ενός παιχνιδιού που εξηγεί την ουσία του αντικειμένου. Παράδειγμα: πίτα Κ. Όλντενμπουργκαπεικονίζεται με διάφορους τρόπους. Ένας καλλιτέχνης μπορεί να μην απεικονίζει μια τούρτα, αλλά να διαλύει τις ψευδαισθήσεις, να δείχνει ότι ένας άνθρωπος βλέπει πραγματικά. Ο R. Rauschenberg είναι επίσης πρωτότυπος: κόλλησε διάφορες φωτογραφίες στον καμβά, τις περιέγραψε και προσάρτησε στο έργο ένα λούτρινο ζωάκι. Ένα από τα διάσημα έργα του είναι ένας γεμιστός σκαντζόχοιρος. Επίσης γνωστός είναι ο πίνακας του, όπου χρησιμοποίησε φωτογραφίες του Κένεντι.

Πρωτογονισμός (Αφελής Τέχνη). Αυτή η έννοια χρησιμοποιείται με πολλές έννοιες και είναι στην πραγματικότητα πανομοιότυπη με την έννοια "πρωτόγονη τέχνη". Σε διαφορετικές γλώσσες και από διαφορετικούς επιστήμονες, αυτές οι έννοιες χρησιμοποιούνται συχνότερα για να αναφέρονται στο ίδιο φάσμα φαινομένων στον καλλιτεχνικό πολιτισμό. Στα ρωσικά (όπως και σε ορισμένα άλλα), ο όρος "πρωτόγονος" έχει μια κάπως αρνητική σημασία. Ως εκ τούτου, είναι πιο σωστό να εστιάσουμε στην έννοια αφελής τέχνη. Με την ευρεία έννοια, αναφέρεται στην τέχνη, η οποία διακρίνεται από την απλότητα (ή απλοποίηση), τη σαφήνεια και την τυπική αμεσότητα της εικαστικής και εκφραστικής γλώσσας, με τη βοήθεια της οποίας εκφράζεται ένα ειδικό όραμα του κόσμου που δεν επιβαρύνεται από πολιτισμικές συμβάσεις. . Η έννοια εμφανίστηκε στη νέα ευρωπαϊκή κουλτούρα των τελευταίων αιώνων, επομένως αντικατοπτρίζει τις επαγγελματικές θέσεις και ιδέες αυτού του πολιτισμού, που θεωρούσε τον εαυτό του το υψηλότερο στάδιο ανάπτυξης. Από αυτές τις θέσεις, η αφελής τέχνη σημαίνει επίσης την αρχαϊκή τέχνη των αρχαίων λαών (προαιγυπτιακούς ή προελληνικούς πολιτισμούς), για παράδειγμα, πρωτόγονη τέχνη. η τέχνη των λαών που καθυστέρησαν στην πολιτιστική και πολιτισμική τους ανάπτυξη (ο αυτόχθονος πληθυσμός της Αφρικής, της Ωκεανίας, των Ινδιάνων της Αμερικής). ερασιτεχνική και μη επαγγελματική τέχνη σε ευρύτερη κλίμακα (για παράδειγμα, οι περίφημες μεσαιωνικές τοιχογραφίες της Καταλονίας ή η μη επαγγελματική τέχνη των πρώτων Αμερικανών μεταναστών από την Ευρώπη). πολλά έργα του λεγόμενου "διεθνούς γοτθικού"? παραδοσιακή τέχνη; και τέλος, η τέχνη των ταλαντούχων πρωτογονιστών καλλιτεχνών του 20ού αιώνα, που δεν έλαβαν επαγγελματική καλλιτεχνική εκπαίδευση, αλλά ένιωσαν το χάρισμα της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας μέσα τους και αφοσιώθηκαν στην ανεξάρτητη πραγματοποίησή της στην τέχνη. Μερικά από αυτά (γαλλ A. Russo, K. Bombois, Γεωργιανή N. Pirosmanishvili, Κροατικό I. Generalich, Αμερικανός ΕΙΜΑΙ. Ρόμπερτσονκαι άλλοι) έχουν δημιουργήσει αληθινά καλλιτεχνικά αριστουργήματα που έχουν γίνει μέρος του θησαυρού της παγκόσμιας τέχνης.Η αφελής τέχνη, όσον αφορά το όραμά της για τον κόσμο και τις μεθόδους της καλλιτεχνικής της παρουσίασης, είναι κάπως κοντά στην τέχνη των παιδιών, αφενός από την άλλη, και στη δουλειά των ψυχικά ασθενών. Ωστόσο, στην ουσία διαφέρει και από τα δύο. Το πιο κοντινό από άποψη κοσμοθεωρίας στην παιδική τέχνη είναι η αφελής τέχνη των αρχαϊκών λαών και των ιθαγενών της Ωκεανίας και της Αφρικής. Η θεμελιώδης διαφορά της από την παιδική τέχνη έγκειται στη βαθιά ιερότητα, τον παραδοσιακό χαρακτήρα και την κανονικότητά της.

καμία τέχνη(Net Art - από τα αγγλικά net - network, art - art) νεότερη εμφάνισητέχνη, σύγχρονες πρακτικές τέχνης, που αναπτύσσονται σε δίκτυα υπολογιστών, ιδίως στο Διαδίκτυο. Οι ερευνητές της στη Ρωσία, συμβάλλοντας στην ανάπτυξή της, O. Lyalina, A. Shulgin, πιστεύουν ότι η ουσία της Net-art έγκειται στη δημιουργία χώρων επικοινωνίας και δημιουργικότητας στον Ιστό, παρέχοντας πλήρη ελευθερία δικτύωσης σε όλους. Επομένως, η ουσία του Net-art. όχι αναπαράσταση, αλλά επικοινωνία, και η αρχική του ενότητα τέχνης είναι ένα ηλεκτρονικό μήνυμα. Υπάρχουν τουλάχιστον τρία στάδια στην ανάπτυξη του Net-art, που προέκυψαν στις δεκαετίες του '80 και του '90. 20ος αιώνας Η πρώτη ήταν όταν οι επίδοξοι καλλιτέχνες του Ιστού δημιούργησαν εικόνες από γράμματα και εικονίδια που βρέθηκαν σε ένα πληκτρολόγιο υπολογιστή. Το δεύτερο ξεκίνησε όταν οι underground καλλιτέχνες και όλοι όσοι ήθελαν να δείξουν κάτι από τη δουλειά τους ήρθαν στο Διαδίκτυο.

OP-ART(eng. Op-art - μια συντομευμένη εκδοχή της οπτικής τέχνης - οπτική τέχνη) - ένα καλλιτεχνικό κίνημα του δεύτερου μισού του 20ου αιώνα, χρησιμοποιώντας διάφορες οπτικές ψευδαισθήσεις βασισμένες στα χαρακτηριστικά της αντίληψης επίπεδων και χωρικών μορφών. Το ρεύμα συνεχίζει την ορθολογιστική γραμμή του τεχνικισμού (μοντερνισμός). Επιστρέφει στον λεγόμενο «γεωμετρικό» αφαιρετικισμό, εκπρόσωπος του οποίου ήταν V. Vasarely(από το 1930 έως το 1997 εργάστηκε στη Γαλλία) - ο ιδρυτής της op art. Οι δυνατότητες του Op-art έχουν βρει εφαρμογή στα βιομηχανικά γραφικά, τις αφίσες και την τέχνη του σχεδιασμού. Η κατεύθυνση της op art (οπτική τέχνη) ξεκίνησε τη δεκαετία του '50 μέσα στον αφαιρετικό, αν και αυτή τη φορά ήταν διαφορετικής ποικιλίας - γεωμετρική αφαίρεση. Η διανομή του ως ρεύμα χρονολογείται από τη δεκαετία του '60. 20ος αιώνας

Γκράφιτι(γκράφιτι - στην αρχαιολογία, σχέδια ή γράμματα γρατσουνισμένα σε οποιαδήποτε επιφάνεια, από τα ιταλικά γκράφιαρ - scratch) Αυτός είναι ο χαρακτηρισμός των έργων υποκουλτούρας, που είναι κυρίως εικόνες μεγάλου μεγέθους σε τοίχους δημόσιων κτιρίων, κατασκευών, μεταφορών, φτιαγμένες με χρήση διαφόρων είδη πιστολιών ψεκασμού, δοχεία βαφής αεροζόλ. Εξ ου και το άλλο όνομα "spray art" - Spray-art. Η προέλευσή του συνδέεται με τη μαζική εμφάνιση των γκράφιτι. στη δεκαετία του '70. στα βαγόνια του μετρό της Νέας Υόρκης και μετά στους τοίχους των δημόσιων κτιρίων, στόρια καταστημάτων. Οι πρώτοι δημιουργοί γκράφιτι. υπήρχαν ως επί το πλείστον νέοι άνεργοι καλλιτέχνες εθνοτικών μειονοτήτων, κυρίως Πορτορικανοί, επομένως, στα πρώτα γκράφιτι εμφανίστηκαν κάποια στιλιστικά χαρακτηριστικά της λατινοαμερικανικής λαϊκής τέχνης και το ίδιο το γεγονός της εμφάνισής τους σε επιφάνειες που δεν προορίζονταν για αυτό, οι συγγραφείς τους διαμαρτυρήθηκαν για ανίσχυρη θέση. Στις αρχές της δεκαετίας του '80. σχηματίστηκε μια ολόκληρη τάση σχεδόν επαγγελματιών δασκάλων Γ. Τα πραγματικά τους ονόματα, που προηγουμένως κρύβονταν με ψευδώνυμα, έγιναν γνωστά ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Κάποιοι από αυτούς μετέφεραν την τεχνική τους στον καμβά και άρχισαν να εκθέτουν σε γκαλερί στη Νέα Υόρκη και σύντομα εμφανίστηκαν γκράφιτι στην Ευρώπη.

ΥΠΕΡΡΕΑΛΙΣΜΟΣ(υπερρεαλισμός - αγγλικά), ή φωτορεαλισμός (φωτορεαλισμός - αγγλικά) - καλλιτέχνης. κίνηση στη ζωγραφική και τη γλυπτική, βασισμένη στη φωτογραφία, αναπαραγωγή της πραγματικότητας. Τόσο στην πρακτική του όσο και στους αισθητικούς προσανατολισμούς του προς τον νατουραλισμό και τον πραγματισμό, ο υπερρεαλισμός είναι κοντά στην ποπ αρτ. τους ενώνει πρωτίστως η επιστροφή στη μεταφορικότητα. Λειτουργεί ως αντίθεση στον εννοιολογισμό, ο οποίος όχι μόνο έσπασε την αναπαράσταση, αλλά επίσης έθεσε υπό αμφισβήτηση την ίδια την αρχή της υλικής υλοποίησης της τέχνης. έννοια.

τέχνη της γης(από το αγγλικό land art - earthen art), μια κατεύθυνση στην τέχνη του τελευταίου τρίτουXXαιώνα, με βάση τη χρήση ενός πραγματικού τοπίου ως κύριου καλλιτεχνικού υλικού και αντικειμένου. Οι καλλιτέχνες σκάβουν χαρακώματα, δημιουργούν παράξενους σωρούς πέτρες, ζωγραφίζουν βράχους, επιλέγοντας για τις ενέργειές τους συνήθως ερημικά μέρη - παρθένα και άγρια ​​τοπία, με αυτόν τον τρόπο, σαν να λέγαμε, προσπαθώντας να επιστρέψουν την τέχνη στη φύση. Χάρη στο δικό του<первобытному>Εμφανισιακά, πολλές δράσεις και αντικείμενα αυτού του είδους είναι κοντά στην αρχαιολογία, καθώς και στη φωτογραφική τέχνη, αφού η πλειοψηφία του κοινού μπορεί να τα συλλογιστεί μόνο σε σειρές φωτογραφιών. Φαίνεται ότι θα πρέπει να συμφιλιωθούμε με μια ακόμη βαρβαρότητα στη ρωσική γλώσσα. Δεν ξέρω αν είναι τυχαίο ότι ο όρος<лэнд-арт>εμφανίστηκε στο τέλοςδεκαετία του '60 σε μια εποχή που στις ανεπτυγμένες κοινωνίες το εξεγερτικό πνεύμα του μαθητικού σώματος κατεύθυνε τις δυνάμεις του στην ανατροπή των καθιερωμένων αξιών.

ΜΙΝΙΜΑΛΙΣΜΟΣ(minimal art - Αγγλικά: minimal art) - καλλιτέχνης. ροή που πηγάζει από την ελάχιστη μεταμόρφωση των υλικών που χρησιμοποιούνται στη διαδικασία της δημιουργικότητας, την απλότητα και την ομοιομορφία των μορφών, μονόχρωμη, δημιουργική. αυτοσυγκράτηση του καλλιτέχνη. Ο μινιμαλισμός χαρακτηρίζεται από την απόρριψη της υποκειμενικότητας, της αναπαράστασης, της ψευδαίσθησης. Απορρίπτοντας το κλασικό δημιουργικότητα και παράδοση. καλλιτεχνικός υλικά, οι μινιμαλιστές χρησιμοποιούν βιομηχανικά και φυσικά υλικά απλών γεωμετρικών. χρησιμοποιούνται σχήματα και ουδέτερα χρώματα (μαύρο, γκρι), μικροί όγκοι, σειριακές, μεταφορικές μέθοδοι βιομηχανικής παραγωγής. Ένα τεχνούργημα στη μινιμαλιστική έννοια της δημιουργικότητας είναι ένα προκαθορισμένο αποτέλεσμα της διαδικασίας παραγωγής της. Έχοντας λάβει την πληρέστερη ανάπτυξη στη ζωγραφική και τη γλυπτική, ο μινιμαλισμός, ερμηνεύεται με την ευρεία έννοια ως η οικονομία του καλλιτέχνη. κεφάλαια, βρήκαν εφαρμογή και σε άλλες μορφές τέχνης, κυρίως στο θέατρο και τον κινηματογράφο.

Ο μινιμαλισμός ξεκίνησε στις Ηνωμένες Πολιτείες στο τρανς. πάτωμα. δεκαετία του '60 Οι ρίζες του είναι στον κονστρουκτιβισμό, τον σουπρεματισμό, τον ντανταϊσμό, τον αφαιρετικό, τον φορμαλιστικό Αμερ. ζωγραφική της δεκαετίας του 1950, ποπ αρτ. Απευθείας πρόδρομος του μινιμαλισμού. είναι Αμερ. καλλιτέχνης Φ. Στέλλα, ο οποίος παρουσίασε το 1959-60 μια σειρά από «Μαύρες Πίνακες», όπου επικρατούσαν τακτοποιημένες ευθείες γραμμές. Τα πρώτα μινιμαλιστικά έργα εμφανίζονται το 1962-63 Ο όρος «μινιμαλισμός». ανήκει στον R. Walheim, ο οποίος το εισάγει σε σχέση με την ανάλυση της δημιουργικότητας Μ. Ντυσάνκαι των ποπ καλλιτεχνών, ελαχιστοποιώντας την παρέμβαση του καλλιτέχνη στο περιβάλλον. Τα συνώνυμά του είναι «cool art», «ABC art», «serial art», «primary structures», «art as a process», «systematic art». ζωγραφική". Μεταξύ των πιο αντιπροσωπευτικών μινιμαλιστών είναι − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Τους ενώνει η επιθυμία να χωρέσουν το τεχνούργημα στο περιβάλλον, να νικήσουν τη φυσική υφή των υλικών. D. Jadeτο ορίζει ως «συγκεκριμένο. αντικείμενο», διαφορετικό από το κλασικό. πλαστικές εργασίες. τέχνες. Ανεξάρτητος, ο φωτισμός παίζει ρόλο ως τρόπος δημιουργίας μινιμαλιστικής τέχνης. καταστάσεις, πρωτότυπες χωρικές λύσεις. χρησιμοποιούνται υπολογιστικές μέθοδοι δημιουργίας έργων.