Tema antik dalam seni Rusia abad ke-20. Seni rupa Rusia abad XX. Arah utama lukisan Rusia abad kedua puluh

Kali ini dianggap sebagai puncak lukisan Rusia dan pengenalan realisme ke dalamnya. Fenomena sosial dan revolusi di tanah air memiliki pengaruh khusus pada seni. Sudah ada sensor dan kritik dalam seni lukis. Jejak yang signifikan ditinggalkan pada karya pelukis oleh otoritas saat itu. Hampir setiap seniman dalam negeri wajib melukis setidaknya satu gambar yang didedikasikan untuk politik baru dan tatanan sosial baru.

Arah utama lukisan Rusia abad kedua puluh

Pada periode abad ke-20, itu menandai berakhirnya realisme Rusia dalam seni lukis dan awal dari Soviet atau sosialis. Waktu Perang Besar dianggap istimewa, yang dibedakan dengan persatuan gerakan partai dan rakyat. Lukisan militer membuat heboh dan relevan di masa sekarang. Arus sosialis dari genre lanskap paling tidak terpengaruh.

avant-garde Rusia

Kata "avant-garde" berarti inovasi, gerakan maju. Avant-garde domestik menggabungkan arus lukisan yang radikal. Awalnya disebut modernisme, seni baru, abstraksionisme dan nama lainnya. Sekilas pertama ke arah muncul di tahun-tahun sebelum perang. Avant-garde Rusia menggabungkan momen-momen seperti penolakan mutlak masa lalu dalam budaya dan penyatuan proses penghancuran dan penciptaan. Dalam seni lukis ada tempat sekaligus untuk agresi, keinginan untuk menghancurkan nilai-nilai seni lama dan penciptaan sesuatu yang sama sekali berbeda.

Ke arah ini, pertama-tama, ada baiknya menyoroti Wassily Kandinsky, yang melukis lukisan “Colorful Life”, “Song of the Volga”, “White Oval”, “Moscow. Lapangan Merah". Avant-gardis juga termasuk Kazimir Malevich, yang merupakan perwakilan dari supermatisme, salah satu gerakan avant-garde. Arus ini mencirikan tahap akhir seni, ketiadaan objek. Mereka pertama kali membicarakannya setelah munculnya kanvas dengan abstraksi geometris.

realisme sosialis

Setelah revolusi berlangsung dan banyak pergolakan serta perubahan terjadi, periode baru dan arah baru dimulai dalam seni visual. Itu sesuai dengan waktu itu dan disebut realisme sosialis. Hal ini dituntut oleh pemerintah dan masyarakat. Realisme sosialis dibedakan oleh kehadiran kepahlawanan, pemimpin yang diungkapkan, orang, peristiwa, kebenaran partai, dan bukan visi seniman itu sendiri. Masyarakat totaliter telah mengubah lukisan Rusia tanpa bisa dikenali. Itu terutama terdiri dari lukisan yang didedikasikan untuk peristiwa sejarah pada masa itu, para pahlawan dan pemimpin negara, serta kehidupan sehari-hari seorang pekerja sederhana.

Banyak yang menyebutnya "gaya parah", karena tidak ada ilusi, dugaan, kecerobohan kekanak-kanakan di dalamnya. Hanya kebenaran tanpa ampun yang ditampilkan di kanvas. Kepahlawanan saat itu terletak pada ketegangan batin dan upaya pemimpin. Dalam realisme sosialis, kerja adalah panggilan, dan pahlawan adalah perintis dan pembangun. Pada akhir abad ini, seiring dengan runtuhnya budaya Soviet, arah baru dalam seni lukis Rusia datang.

Postmodernisme

Arah baru dalam seni lukis Rusia menggantikan modernisme, yang tidak sepenuhnya jelas di masyarakat. Postmodernisme ditandai dengan gambar fotografi. Lukisan itu sedekat mungkin dengan tampilan aslinya. Gaya dibedakan oleh fitur tipologis. Pertama-tama, bentuk jadi. Pelukis menggunakan gambar klasik, tetapi menafsirkannya dengan cara baru, memberikan eksklusivitas. Sangat sering, perwakilan postmodernisme menggabungkan bentuk dari beberapa arah, memberikan sedikit ironi pada gambar dan semacam sekunder.

Fitur lain dari arah adalah kurangnya aturan. Dalam postmodernisme, seniman memiliki kendali penuh atas pilihan bentuk dan cara penggambaran lukisannya. Kebebasan tertentu memberikan nafas segar bagi seni pada umumnya. Ada instalasi seni dan pertunjukan. Postmodernisme dalam seni lukis juga ditandai dengan tidak adanya teknik yang jelas dan popularitas global secara umum. Masa kejayaan arah ini datang pada tahun 90-an abad ke-20. Perwakilannya yang paling menonjol adalah artis berikut: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.

Kirim karya bagus Anda di basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Diposting di http://www.allbest.ru/

Badan Federal untuk Pendidikan

lembaga pendidikan negara

pendidikan profesional yang lebih tinggi

sejarah seni

Mengontrol pekerjaan kursus

Seni Rusia pada akhir abad ke-19 hingga awal abad ke-20

pengantar

Lukisan

Konstantin Alekseevich Korovin

Valentin Alexandrovich Serov

Mikhail Alexandrovich Vrubel

"Dunia Seni"

"Persatuan Seniman Rusia"

"Jack Berlian"

"Serikat Pemuda"

Arsitektur

Patung

Bibliografi

pengantar

Budaya Rusia pada akhir XIX - awal abad XX adalah periode yang kompleks dan kontroversial dalam perkembangan masyarakat Rusia. Budaya pergantian abad selalu mengandung unsur-unsur era transisi, yang meliputi tradisi budaya masa lalu dan kecenderungan inovatif dari budaya baru yang muncul. Ada perpindahan tradisi dan bukan sekedar perpindahan, tetapi munculnya yang baru, semua ini terkait dengan proses yang bergejolak dalam mencari cara baru dalam mengembangkan budaya, yang dikoreksi oleh perkembangan sosial saat ini. Pergantian abad di Rusia merupakan periode terjadinya perubahan besar, perubahan sistem negara, perubahan dari budaya klasik abad ke-19 menjadi budaya baru abad ke-20. Pencarian cara baru untuk mengembangkan budaya Rusia dikaitkan dengan asimilasi tren progresif dalam budaya Barat. Keragaman arah dan sekolah adalah ciri budaya Rusia pada pergantian abad. Tren Barat terjalin dan dilengkapi dengan tren modern, yang diisi dengan konten khusus Rusia. Ciri budaya pada periode ini adalah orientasinya pada pemahaman filosofis tentang kehidupan, kebutuhan untuk membangun gambaran holistik tentang dunia, di mana seni, bersama dengan sains, memainkan peran yang sangat besar. Fokus budaya Rusia pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20 adalah seseorang yang menjadi semacam penghubung di berbagai sekolah dan bidang sains dan seni yang beraneka ragam, di satu sisi, dan semacam titik awal untuk menganalisis semua artefak budaya yang paling beragam, di sisi lain. Karenanya landasan filosofis yang kuat yang mendasari budaya Rusia pada pergantian abad.

Menyoroti prioritas terpenting dalam perkembangan budaya Rusia pada akhir XIX - awal abad XX, orang tidak dapat mengabaikan karakteristik terpentingnya. Akhir abad ke-19 - awal abad ke-20 dalam sejarah budaya Rusia biasa disebut Renaisans Rusia atau, dibandingkan dengan zaman keemasan Pushkin, zaman perak budaya Rusia.

Pada pergantian abad, sebuah gaya berkembang yang mempengaruhi semua seni plastik, dimulai terutama dengan arsitektur (di mana eklektisisme mendominasi untuk waktu yang lama) dan diakhiri dengan grafik, yang disebut gaya Art Nouveau. Fenomena ini tidak ambigu, dalam modernitas juga terdapat kepura-puraan yang dekaden, kepura-puraan, yang dirancang terutama untuk selera borjuis, tetapi ada juga keinginan akan kesatuan gaya yang penting dalam dirinya sendiri. Gaya Art Nouveau merupakan babak baru dalam sintesis arsitektur, seni lukis, dan seni dekoratif.

Dalam seni visual, Art Nouveau menunjukkan dirinya: dalam seni pahat - dengan fluiditas bentuk, ekspresi khusus dari siluet, dinamisme komposisi; dalam lukisan - simbolisme gambar, kecanduan alegori. simbolisme perak avant-garde modern

Para simbolis Rusia memainkan peran penting dalam perkembangan estetika Zaman Perak. Simbolisme sebagai fenomena sastra dan seni pertama kali muncul di Prancis pada kuartal terakhir abad ke-19 dan pada akhir abad tersebut telah menyebar ke sebagian besar Eropa. Tetapi setelah Prancis, di Rusia simbolisme diwujudkan sebagai fenomena paling berskala besar, signifikan, dan orisinal dalam budaya. Simbolisme Rusia pada awalnya memiliki prasyarat yang sama dengan simbolisme Barat: "krisis pandangan dunia dan moralitas yang positif." Prinsip utama para simbolis Rusia adalah estetika kehidupan dan keinginan untuk berbagai bentuk substitusi estetika dengan logika dan moralitas. Pertama-tama, simbolisme Rusia dicirikan oleh demarkasi dengan tradisi "enam puluhan" revolusioner-demokratis dan populisme, dengan ideologisasi ateisme, utilitarianisme, menurut para simbolis Rusia, mereka sesuai dengan prinsip seni bebas "murni".

Fenomena mencolok lainnya dari Zaman Perak yang telah memperoleh signifikansi dunia adalah seni dan estetika avant-garde. Dalam ruang bidang kesadaran estetika yang sudah terdaftar, seniman avant-garde dibedakan oleh karakter pemberontak yang tegas. Mereka menganggap krisis budaya klasik, seni, agama, sosialitas, kenegaraan dengan gembira sebagai kematian alami, penghancuran yang lama, usang, tidak relevan, dan mereka menyadari diri mereka sebagai revolusioner, perusak dan penggali kubur "semua sampah" dan pencipta segala sesuatu yang baru, secara umum, ras baru yang muncul. Gagasan Nietzsche tentang manusia super, yang dikembangkan oleh P. Uspensky, dipahami secara harfiah oleh banyak seniman avant-garde dan dicoba, terutama oleh para futuris, untuk diri mereka sendiri.

Oleh karena itu pemberontakan dan keterlaluan, keinginan untuk segala sesuatu yang secara fundamental baru dalam cara ekspresi artistik, dalam prinsip-prinsip pendekatan seni, kecenderungan untuk memperluas batas-batas seni hingga hidup, tetapi pada prinsip-prinsip yang sama sekali berbeda dari prinsip-prinsip perwakilan. dari estetika theurgis. Hidup untuk garda depan tahun 10-an. abad ke-20 - ini, di atas segalanya, pemberontakan revolusioner, pemberontakan anarkis. Absurditas, kekacauan, anarki untuk pertama kalinya dipahami sebagai sinonim dari modernitas dan justru sebagai prinsip positif yang kreatif berdasarkan penolakan total terhadap prinsip rasional dalam seni dan kultus terhadap yang irasional, intuitif, tidak sadar, tidak berarti, muskil, tidak berbentuk, dll. . Arah utama avant-garde Rusia adalah: abstraksionisme (Vasily Kandinsky), Suprematisme (Kazimir Malevich), konstruktivisme (Vladimir Tatlin), Kubofuturisme (Kubisme, Futurisme) (Vladimir Mayakovsky).

Lukisan

Bagi pelukis pergantian abad, cara berekspresi yang lain menjadi ciri khas daripada para Pengembara, bentuk kreativitas artistik lainnya - dalam gambar yang kontradiktif, rumit, dan mencerminkan modernitas tanpa ilustratif dan naratif. Seniman dengan susah payah mencari harmoni dan keindahan di dunia yang pada dasarnya asing bagi harmoni dan keindahan. Itu sebabnya banyak yang melihat misi mereka dalam menumbuhkan rasa keindahan. Masa "hawa" ini, ekspektasi akan perubahan dalam kehidupan publik, memunculkan banyak tren, asosiasi, pengelompokan, benturan pandangan dunia dan selera yang berbeda. Tapi itu juga memunculkan universalisme seluruh generasi seniman yang muncul setelah Pengembara "klasik".

Pelajaran impresionistik dalam lukisan plein air, komposisi "pembingkaian acak", cara bergambar bebas yang luas - semua ini adalah hasil evolusi dalam perkembangan sarana bergambar di semua genre pergantian abad. Untuk mencari "keindahan dan harmoni", para seniman mencoba sendiri dalam berbagai teknik dan bentuk seni - mulai dari lukisan monumental dan pemandangan teater hingga desain buku serta seni dan kerajinan.

Lukisan bergenre berkembang pada 1990-an, tetapi berkembang agak berbeda dari pada gerakan Pengembaraan "klasik" pada 1970-an dan 1980-an. Dengan demikian, tema petani terungkap dengan cara baru. S. A. Korovin (1858-1908) menggambarkan perpecahan masyarakat pedesaan dalam lukisan “On the World” (1893).

Pada pergantian abad, jalan yang agak aneh diuraikan dalam tema sejarah. Jadi, misalnya, A.P. Ryabushkin (1861-1904) lebih banyak bekerja dalam genre sejarah daripada dalam genre sejarah murni. “Wanita Rusia abad ke-17 di gereja” (1899), “Kereta pernikahan di Moskow. Abad XVII ”(1901) - ini adalah pemandangan sehari-hari dari kehidupan Moskow pada abad XVII. Gaya Ryabushkin tercermin dalam kerataan gambar, dalam sistem khusus ritme plastik dan linier, dalam skema warna yang dibangun di atas warna-warna utama yang cerah, dalam solusi dekoratif umum. Ryabushkin dengan berani memperkenalkan warna-warna lokal ke lanskap plein-air, misalnya, dalam "The Wedding Train ..." - warna merah gerobak, bintik-bintik besar pakaian pesta dengan latar belakang bangunan gelap dan salju, mengingat, bagaimanapun, dalam nuansa warna terbaik. Bentang alam selalu secara puitis menyampaikan keindahan alam Rusia.

Jenis lukisan baru, di mana tradisi artistik cerita rakyat dikuasai dengan cara yang sangat istimewa dan diterjemahkan ke dalam bahasa seni modern, diciptakan oleh F. A. Malyavin (1869-1940. Gambarnya tentang "wanita" dan "anak perempuan" memiliki ciri tertentu makna simbolis - tanah yang sehat Rus '. Lukisannya selalu ekspresif, dan meskipun ini, pada umumnya, adalah karya kuda-kuda, mereka menerima interpretasi yang monumental dan dekoratif di bawah kuas seniman.“Tertawa” (1899, Museum Seni Modern, Venesia ), "Angin Puyuh" (1906,) adalah gambaran realistis gadis-gadis petani, tertawa terbahak-bahak atau bergegas tak terkendali dalam tarian keliling, tetapi realisme ini berbeda dari pada paruh kedua abad ini. seluruh kanvas.

M. V. Nesterov (1862-1942) membahas tema Rus Kuno, tetapi citra Rus muncul dalam lukisan seniman sebagai semacam dunia yang ideal, hampir terpesona, selaras dengan alam, tetapi menghilang selamanya seperti kota Kitezh yang legendaris . Perasaan tajam akan alam, kegembiraan di dunia, di depan setiap pohon dan helai rumput secara khusus diucapkan dalam salah satu karya paling terkenal Nesterov pada periode pra-revolusioner - "Visi Bartholomew Muda" (1889-1890, ). Dalam pengungkapan plot gambar, terdapat fitur gaya yang sama dengan Ryabushkin, tetapi perasaan liris yang mendalam tentang keindahan alam selalu diungkapkan, di mana spiritualitas karakter yang tinggi, pencerahan mereka, keterasingan mereka dari keributan duniawi disampaikan.

M.V. Nesterov melakukan banyak lukisan monumental religius. Mural selalu didedikasikan untuk tema Rusia kuno (misalnya, di Georgia - untuk Alexander Nevsky). Dalam lukisan dinding Nesterov, ada banyak tanda nyata yang diamati, terutama pada lanskap, fitur potret - dalam gambar orang suci. Dalam upaya seniman untuk interpretasi datar dari komposisi keanggunan, ornamen, kecanggihan halus dari ritme plastik, pengaruh Art Nouveau yang tidak diragukan lagi terwujud.

Genre lanskap sendiri berkembang di penghujung abad ke-19 juga dengan cara baru. Levitan, sebenarnya, menyelesaikan pencarian para Pengembara di lanskap. Sebuah kata baru di pergantian abad akan diucapkan oleh K.A. Korovin, V.A. Serov dan M.A. Vrubel.

Konstantin Alekseevich Korovin

Bagi Korovin, ahli warna cemerlang, dunia tampak sebagai "kerusuhan warna". Berbakat secara alami, Korovin terlibat dalam potret dan kehidupan diam, tetapi tidak salah untuk mengatakan bahwa lanskap tetap menjadi genre favoritnya. Dia membawa ke dalam seni tradisi realistis yang kuat dari gurunya dari Sekolah Seni Lukis, Patung, dan Arsitektur Moskow - Savrasov dan Polenov, tetapi dia memiliki pandangan berbeda tentang dunia, dia menetapkan tugas lain. Dia mulai melukis en plein air lebih awal, sudah dalam potret seorang gadis paduan suara pada tahun 1883, orang dapat melihat perkembangan independennya dari prinsip-prinsip plein airism, yang kemudian diwujudkan dalam sejumlah potret yang dibuat di perkebunan S. Mamontov di Abramtsevo ("In the Boat", potret T.S. Lyubatovich, dan lain-lain), di lanskap utara, dieksekusi selama ekspedisi S. Mamontov ke utara ("Musim Dingin di Lapland",). Bentang alam Prancisnya, disatukan dengan nama "Lampu Paris", sudah menjadi lukisan yang sepenuhnya impresionistik, dengan budaya etude tertinggi. Kesan tajam dan instan dari kehidupan kota besar: jalan-jalan sepi pada waktu yang berbeda sepanjang hari, benda-benda larut dalam lingkungan udara terang, dibentuk oleh guratan yang dinamis, "gemetar", bergetar, aliran guratan yang menciptakan ilusi tabir hujan atau udara kota yang dipenuhi ribuan uap berbeda, - fitur yang mengingatkan pada lanskap Manet, Pissarro, Monet. Korovin adalah orang yang temperamental, emosional, impulsif, teatrikal, karenanya kecemerlangan cerah dan kegembiraan romantis dari pemandangannya ("Paris. Capuchin Boulevard", 1906, State Tretyakov Gallery; "Paris di malam hari. Italian Boulevard", 1908,). Korovin mempertahankan fitur etude impresionis yang sama, maestro yang melukis, seni yang mencolok di semua genre lain, terutama dalam potret dan benda mati, tetapi juga dalam panel dekoratif, dalam seni terapan, dalam pemandangan teater, yang ia lakukan sepanjang hidupnya (Potret dari Chaliapin, 1911, Museum Rusia; "Ikan, anggur, dan buah-buahan" 1916, Galeri State Tretyakov).

Hadiah dermawan Korovin untuk melukis dengan cemerlang terwujud dalam lukisan teatrikal dan dekoratif. Sebagai pelukis teater, dia bekerja untuk Teater Abramtsevo (dan Mamontov mungkin orang pertama yang menghargainya sebagai seniman teater), untuk Teater Seni Moskow, untuk Opera Rusia Swasta Moskow, di mana dia memulai persahabatan seumur hidupnya dengan Chaliapin, untuk perusahaan Diaghilev. Korovin mengangkat pemandangan teater dan pentingnya seniman di teater ke tingkat yang baru, dia membuat revolusi menyeluruh dalam memahami peran seniman di teater dan memiliki pengaruh besar pada orang-orang sezamannya dengan pemandangan "spektakuler" yang penuh warna. , mengungkapkan inti dari pertunjukan musik.

Valentin Alexandrovich Serov

Salah satu seniman terbesar, inovator lukisan Rusia pada pergantian abad, adalah Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Serov dibesarkan di antara tokoh-tokoh budaya musik Rusia yang luar biasa (ayahnya adalah seorang komposer terkenal, ibunya adalah seorang pianis), dia belajar dengan Repin dan Chistyakov.

Serov sering melukis perwakilan dari inteligensia artistik: penulis, seniman, seniman (potret K. Korovin, 1891, Galeri State Tretyakov; Levitan, 1893, Galeri State Tretyakov; Yermolova, 1905, Galeri State Tretyakov). Semuanya berbeda, dia menafsirkan semuanya secara mendalam secara individual, tetapi cahaya eksklusivitas intelektual dan kehidupan kreatif yang diilhami menyinari semuanya.

Potret, lanskap, lukisan alam benda, domestik, lukisan sejarah; minyak, guas, tempera, arang - sulit untuk menemukan genre gambar dan grafik di mana Serov tidak akan bekerja, dan bahan yang tidak akan dia gunakan.

Tema khusus dalam karya Serov adalah petani. Dalam genre taninya tidak ada ketajaman sosial keliling, tetapi ada rasa keindahan dan keharmonisan hidup petani, kekaguman akan kecantikan sehat rakyat Rusia ("Di desa. Seorang wanita dengan kuda", di peta , pastel, 1898, Galeri State Tretyakov). Bentang alam musim dingin sangat indah dengan rangkaian warna perak-mutiara.

Serov menafsirkan tema sejarah dengan caranya sendiri: "perburuan kerajaan" dengan jalan-jalan kesenangan Elizabeth dan Catherine II disampaikan oleh seniman zaman baru, ironis, tetapi juga selalu mengagumi keindahan hidup di abad ke-18. Ketertarikan Serov pada abad ke-18 muncul di bawah pengaruh Dunia Seni dan sehubungan dengan karya penerbitan The History of Grand Duke, Tsar and Imperial Hunting in Rus'.

Serov adalah seorang seniman yang berpikir mendalam, terus-menerus mencari bentuk-bentuk baru realisasi artistik dari realitas. Terinspirasi oleh ide-ide Art Nouveau tentang kerataan dan peningkatan dekorasi tercermin tidak hanya dalam komposisi sejarah, tetapi juga dalam potret penari Ida Rubinstein, dalam sketsanya untuk The Abduction of Europa dan The Odyssey and Navzikai (keduanya tahun 1910, State Tretyakov Gallery, karton, tempera). Sangatlah penting bahwa Serov di akhir hidupnya beralih ke dunia kuno. Dalam legenda puitis, yang ditafsirkan olehnya dengan bebas, di luar kanon klasik, dia ingin menemukan harmoni, pencarian yang dicurahkan oleh seniman untuk semua karyanya.

Mikhail Alexandrovich Vrubel

Jalur kreatif Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) lebih langsung, meskipun pada saat yang sama sangat rumit. Sebelum Akademi Seni (1880), Vrubel lulus dari Fakultas Hukum Universitas St. Pada tahun 1884, dia pergi ke Kyiv untuk mengawasi pemulihan lukisan dinding di Gereja St. Cyril dan membuat sendiri beberapa komposisi monumental. Dia membuat sketsa cat air dari mural Katedral Vladimir. Sketsa tidak dipindahkan ke dinding, karena pelanggan takut dengan non-kanonik dan ekspresifnya.

Pada tahun 90-an, ketika sang seniman menetap di Moskow, gaya penulisan Vrubel, yang penuh misteri dan kekuatan yang hampir seperti iblis, terbentuk, yang tidak dapat disamakan dengan yang lain. Dia memahat bentuk seperti mozaik, dari potongan "segi" tajam dengan warna berbeda, seolah bersinar dari dalam ("Gadis dengan latar belakang karpet Persia", 1886, KMRI; "Peramal", 1895, Galeri State Tretyakov) . Kombinasi warna tidak mencerminkan realitas hubungan warna, tetapi memiliki makna simbolis. Alam tidak memiliki kuasa atas Vrubel. Dia mengenalnya, memilikinya dengan sempurna, tetapi menciptakan dunia fantasinya sendiri, tidak seperti kenyataan. Dia tertarik pada subjek sastra, yang dia tafsirkan secara abstrak, mencoba menciptakan gambaran abadi dari kekuatan spiritual yang besar. Jadi, setelah mengambil ilustrasi untuk "The Demon", dia segera menyimpang dari prinsip ilustrasi langsung ("Tamara's Dance", "Jangan menangis, Nak, jangan menangis sia-sia", "Tamara di peti mati", dll. ). Citra Iblis adalah citra sentral dari seluruh karya Vrubel, tema utamanya. Pada tahun 1899, dia menulis "The Flying Demon", pada tahun 1902 - "The Downcast Demon". Setan Vrubel, pertama-tama, adalah makhluk yang menderita. Penderitaan menguasai kejahatan di dalamnya, dan inilah kekhasan interpretasi gambar nasional Rusia. Orang-orang sezaman, sebagaimana dicatat dengan benar, melihat dalam "Setan" -nya sebagai simbol nasib seorang intelektual - seorang romantis, yang mencoba melarikan diri dengan memberontak dari kenyataan tanpa harmoni ke dalam dunia mimpi yang tidak nyata, tetapi terjun ke dalam kenyataan kasar duniawi.

Vrubel menciptakan lukisan dan karya grafisnya yang paling matang pada pergantian abad - dalam genre lanskap, potret, ilustrasi buku. Dalam interpretasi organisasi dan dekoratif-planar dari kanvas atau lembaran, dalam kombinasi yang nyata dan yang fantastis, dalam komitmen pada ornamen, solusi yang rumit secara ritmis dalam karya-karyanya pada periode ini, ciri-ciri modernitas semakin menonjol.

Seperti K. Korovin, Vrubel banyak bekerja di teater. Pemandangan terbaiknya ditampilkan untuk opera Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan, dan lainnya di panggung Moscow Private Opera, yaitu untuk karya-karya yang memberinya kesempatan untuk "berkomunikasi" dengan cerita rakyat Rusia. , dongeng, legenda.

Universalisme bakat, imajinasi tak terbatas, hasrat luar biasa dalam penegasan cita-cita mulia membedakan Vrubel dari banyak orang sezamannya.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) adalah eksponen langsung dari simbolisme bergambar. Karya-karyanya adalah kesedihan elegi untuk "sarang bangsawan" tua yang kosong dan "kebun ceri" yang sekarat, untuk wanita cantik, spiritual, hampir tidak wajar, mengenakan semacam kostum abadi yang tidak membawa tanda-tanda eksternal tempat dan waktu.

Pekerjaan kuda-kudanya paling tidak menyerupai panel dekoratif, tetapi permadani. Ruang diselesaikan dengan cara planar yang sangat bersyarat, sosoknya hampir halus, seperti, misalnya, gadis-gadis di tepi kolam dalam lukisan "Kolam" (1902, tempera, Galeri Tretyakov Negara Bagian), tenggelam dalam meditasi mimpi, dalam kontemplasi yang mendalam. Nuansa warna abu-abu pucat yang pudar meningkatkan kesan keseluruhan dari keindahan yang rapuh, tidak wajar, dan anemia, hantu, yang meluas tidak hanya pada gambar manusia, tetapi juga pada sifat yang digambarkan olehnya. Bukan kebetulan bahwa Borisov-Musatov menyebut salah satu karyanya "Hantu" (1903, tempera, Galeri State Tretyakov): sosok wanita yang pendiam dan tidak aktif, patung marmer di dekat tangga, pohon setengah telanjang - warna biru pudar, abu-abu, nada ungu meningkatkan kesan hantu yang digambarkan.

"Dunia Seni"

"Dunia Seni" - sebuah organisasi yang muncul di St. Petersburg pada tahun 1898 dan menyatukan para master budaya artistik tertinggi, elit artistik Rusia pada tahun-tahun itu. "Dunia Seni" telah menjadi salah satu fenomena terbesar budaya artistik Rusia. Hampir semua artis terkenal berpartisipasi dalam asosiasi ini.

Dalam artikel editorial edisi pertama jurnal, ketentuan utama "Dunia Seni" tentang otonomi seni, bahwa masalah budaya modern secara eksklusif adalah masalah bentuk artistik, dan tugas utama seni adalah untuk mendidik selera estetika masyarakat Rusia, terutama melalui pengenalan karya seni dunia. Kita harus memberikan hak mereka: terima kasih kepada Dunia Seni, seni Inggris dan Jerman benar-benar dihargai dengan cara baru, dan yang terpenting, lukisan Rusia abad ke-18 dan arsitektur klasisisme St. Petersburg menjadi penemuan bagi banyak orang. "Dunia Seni" memperjuangkan "kritik sebagai seni", memproklamasikan cita-cita seniman-kritikus dengan budaya dan pengetahuan profesional yang tinggi. Jenis kritik semacam itu diwujudkan oleh salah satu pencipta The World of Art, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" menyelenggarakan pameran. Yang pertama juga satu-satunya internasional yang menyatukan, selain Rusia, seniman dari Prancis, Inggris, Jerman, Italia, Belgia, Norwegia, Finlandia, dll. Baik pelukis dan seniman grafis St. Petersburg dan Moskow ambil bagian di dalamnya. Tetapi celah antara kedua sekolah ini - St. Petersburg dan Moskow - sudah terlihat hampir sejak hari pertama. Pada Maret 1903, pameran kelima Dunia Seni terakhir ditutup, pada Desember 1904 terbitan terakhir majalah World of Art diterbitkan. Sebagian besar seniman pindah ke "Persatuan Seniman Rusia" yang diselenggarakan atas dasar pameran Moskow "36", penulis - ke majalah New Way yang dibuka oleh kelompok Merezhkovsky, simbolis Moskow bersatu di sekitar majalah "Vesy", musisi diorganisir " Malam Musik Kontemporer", Diaghilev sepenuhnya terjun ke balet dan teater.

Pada tahun 1910, upaya dilakukan untuk menghidupkan kembali "Dunia Seni" (dipimpin oleh Roerich). Ketenaran datang ke "Dunia Seni" tetapi "Dunia Seni" pada dasarnya tidak ada lagi, meskipun secara formal asosiasi tersebut ada hingga awal 1920-an (1924) - dengan kurangnya integritas, toleransi tanpa batas, dan fleksibilitas posisi. Generasi kedua "Dunia Seni" kurang sibuk dengan masalah lukisan kuda-kuda, minat mereka terletak pada grafik, terutama buku, dan seni teater dan dekoratif, di kedua bidang itu mereka melakukan reformasi artistik yang nyata. Pada generasi kedua "Dunia Seni" juga terdapat individu-individu besar (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, dll.), Tetapi tidak ada seniman inovatif sama sekali.

Artis terkemuka "Dunia Seni" adalah K. A. Somov (1869-1939). Putra kepala kurator Hermitage, yang lulus dari Akademi Seni dan berkeliling Eropa, Somov menerima pendidikan yang sangat baik. Kedewasaan kreatif datang kepadanya lebih awal, tetapi, seperti yang dicatat dengan tepat oleh peneliti (V.N. Petrov), dia selalu memiliki beberapa dualitas - perjuangan antara naluri realistis yang kuat dan pandangan dunia emosional yang menyakitkan.

Somov, seperti yang kita kenal, muncul dalam potret seniman Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery), dalam lukisan potret "Echo of the Past Time" (1903, di peta, aqua. , gouache, State Tretyakov Gallery ), di mana ia menciptakan karakterisasi puitis dari kecantikan wanita yang rapuh dan anemia dari model dekaden, menolak untuk menyampaikan tanda-tanda modernitas sehari-hari yang nyata. Dia mendandani para model dengan kostum kuno, memberikan penampilan mereka ciri-ciri penderitaan rahasia, kesedihan dan mimpi, kehancuran yang menyakitkan.

Somov memiliki serangkaian potret grafis orang-orang sezamannya - elit intelektual (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, dll.), Di mana ia menggunakan satu teknik umum: dengan latar belakang putih - dalam waktu tertentu. bola - dia menggambar wajah, kemiripan yang dicapai bukan melalui naturalisasi, tetapi dengan generalisasi yang berani dan pemilihan detail karakteristik yang tepat. Kurangnya tanda-tanda waktu ini menimbulkan kesan statis, kaku, dingin, kesepian yang nyaris tragis.

Sebelum orang lain di Dunia Seni, Somov beralih ke tema masa lalu, ke interpretasi abad ke-18. ("Surat", 1896; "Kerahasiaan", 1897), menjadi cikal bakal lanskap Versailles di Benois. Dia adalah orang pertama yang menciptakan dunia surealis, dijalin dari motif bangsawan, perkebunan dan budaya istana dan sensasi artistiknya yang murni subjektif, diresapi dengan ironi. Historisisme "Dunia Seni" adalah pelarian dari kenyataan. Bukan masa lalu, tapi pementasannya, kerinduan akan ketidaktepatannya - inilah motif utama mereka. Bukan kesenangan sejati, tapi permainan kesenangan dengan ciuman di gang - begitulah Somov.

Pemimpin ideologis dari "Dunia Seni" adalah A. N. Benois (1870-1960) - bakat yang sangat serbaguna. Pelukis, seniman grafis dan ilustrator kuda-kuda, seniman teater, sutradara, penulis libretto balet, ahli teori seni dan sejarawan, tokoh musik, dia, dalam kata-kata A. Bely, politisi dan diplomat utama "Dunia Seni". Sebagai seorang seniman, dia terkait dengan Somov oleh kecenderungan gaya dan kecanduan masa lalu ("Saya mabuk dengan Versailles, ini semacam penyakit, cinta, hasrat kriminal ... Saya benar-benar pindah ke masa lalu ...") . Di lanskap Versailles, Benois menggabungkan rekonstruksi sejarah abad ke-17. dan kesan seniman kontemporer, persepsinya tentang klasisisme Prancis, ukiran Prancis. Oleh karena itu komposisi yang jelas, spasialitas yang jelas, keagungan dan keseriusan ritme yang dingin, pertentangan antara kemegahan monumen seni dan kecilnya figur manusia, yang hanya merupakan staf di antara mereka (seri Versailles ke-1 tahun 1896-1898 dengan judul "Jalan Terakhir Louis XIV"). Dalam seri Versailles kedua (1905-1906), ironi yang juga menjadi ciri khas lembaran pertama diwarnai dengan nada-nada yang nyaris tragis (“The King's Walk”, c., gouache, aqua, gold, silver, pen, 1906 , Galeri Tretyakov Negara Bagian). Pemikiran Benois adalah pemikiran seorang seniman teater par excellence, yang sangat mengenal dan merasakan teater.

Alam dirasakan oleh Benois dalam hubungan asosiatif dengan sejarah (pandangan Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, dieksekusi olehnya dalam teknik cat air).

Benois sang ilustrator (Pushkin, Hoffman) adalah satu halaman penuh dalam sejarah buku ini. Berbeda dengan Somov, Benois membuat ilustrasi naratif. Bidang halaman bukanlah tujuan itu sendiri baginya. Sebuah mahakarya ilustrasi buku adalah desain grafis The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, tinta dan cat air meniru potongan kayu warna). Dalam serangkaian ilustrasi puisi besar, tokoh utamanya adalah lanskap arsitektural St. Petersburg, sekarang sangat menyedihkan, sekarang damai, sekarang menyeramkan, di mana sosok Eugene tampak lebih tidak berarti. Beginilah cara Benois mengungkapkan konflik tragis antara nasib kenegaraan Rusia dan nasib pribadi seorang pria kecil ("Dan sepanjang malam orang gila yang malang, / Ke mana pun dia menoleh, / Penunggang Kuda Perunggu ada di mana-mana bersamanya / Dengan a hentakan berat berpacu”).

Sebagai seorang seniman teater, Benois merancang pertunjukan "Musim Rusia", yang paling terkenal adalah balet "Petrushka" dengan musik Stravinsky, dia banyak bekerja di Teater Seni Moskow, dan kemudian - di hampir semua jurusan. tahapan Eropa.

Tempat khusus di "Dunia Seni" ditempati oleh N. K. Roerich (1874-1947). Seorang ahli filsafat dan etnografi Timur, seorang arkeolog-ilmuwan, Roerich menerima pendidikan yang sangat baik, pertama di rumah, kemudian di fakultas hukum dan sejarah-filologi Universitas St. Petersburg, kemudian di Akademi Seni, di bengkel dari Kuindzhi, dan di Paris di studio F. Cormon. Awal ia memperoleh otoritas seorang ilmuwan. Dia terkait dengan "Dunia Seni" dengan kecintaan yang sama pada retrospeksi, hanya tidak pada abad 17-18, tetapi pada zaman kuno Slavia dan Skandinavia kafir, di Rus Kuno; kecenderungan gaya, dekorasi teatrikal ("Messenger", 1897, Galeri State Tretyakov; "The Elders Converge", 1898, Museum Rusia; "Sinister", 1901, Museum Rusia). Roerich paling erat kaitannya dengan filosofi dan estetika simbolisme Rusia, tetapi seninya tidak cocok dengan kerangka tren yang ada, karena, sesuai dengan pandangan dunia seniman, ia seolah-olah berubah menjadi seluruh umat manusia dengan sebuah menyerukan persatuan yang ramah dari semua orang. Karenanya sifat epik khusus dari lukisannya.

Setelah 1905, mood mistisisme panteistik tumbuh dalam karya Roerich. Tema sejarah digantikan oleh legenda agama (Pertempuran Surgawi, 1912, Museum Rusia). Ikon Rusia memiliki pengaruh besar pada Roerich: panel dekoratifnya The Battle of Kerzhents (1911) dipamerkan selama pertunjukan fragmen dengan judul yang sama dari opera Rimsky-Korsakov The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia di Musim Paris Rusia.

"Dunia Seni" adalah gerakan estetika utama pada pergantian abad, yang melebih-lebihkan seluruh budaya artistik modern, menyetujui selera dan masalah baru, kembali ke seni - pada tingkat profesional tertinggi - bentuk yang hilang grafik buku dan lukisan teatrikal dan dekoratif, yang memperoleh pengakuan pan-Eropa melalui upaya mereka, menciptakan kritik seni baru, mempromosikan seni Rusia ke luar negeri, bahkan membuka beberapa tahapannya, seperti abad XVIII Rusia. "Dunia Seni" menciptakan jenis baru lukisan sejarah, potret, lanskap dengan fitur gayanya sendiri (kecenderungan gaya yang berbeda, keunggulan teknik grafis daripada teknik bergambar, pemahaman warna yang murni dekoratif, dll.). Ini menentukan signifikansinya bagi seni Rusia.

Kelemahan dari "Dunia Seni" terutama tercermin dalam variegasi dan ketidakkonsistenan program, yang memproklamirkan model "baik Böcklin, lalu Manet"; dalam pandangan idealis tentang seni, dalam ketidakpedulian yang terpengaruh terhadap tugas-tugas sipil seni, dalam sikap apatis terprogram, dalam hilangnya signifikansi sosial dari gambar tersebut. Keintiman "Dunia Seni", estetika murninya menentukan periode sejarah singkat hidupnya di era pertanda tragis yang mengerikan dari revolusi yang akan datang. Ini hanyalah langkah pertama di jalur pencarian kreatif, dan segera yang muda mengambil alih siswa Dunia Seni.

"Persatuan Seniman Rusia"

Pada tahun 1903, salah satu asosiasi pameran terbesar di awal abad ini, Persatuan Seniman Rusia, didirikan. Pada awalnya, hampir semua tokoh "Dunia Seni" - Benois, Bakst, Somov, memasukinya, Vrubel, Borisov-Musatov adalah peserta pameran pertama. Pemrakarsa pembentukan asosiasi tersebut adalah seniman Moskow yang terkait dengan "Dunia Seni", tetapi terbebani oleh estetika terprogram warga Petersburg.

Lansekap nasional, gambar petani Rusia yang dilukis dengan indah - salah satu genre utama seniman "Persatuan", di mana "impresionisme Rusia" mengekspresikan dirinya dengan cara yang aneh dengan motif pedesaan daripada perkotaan. Jadi lanskap I.E. Grabar (1871-1960), dengan suasana lirisnya, dengan nuansa gambar terbaik yang mencerminkan perubahan seketika dalam sifat aslinya, adalah semacam kesejajaran di tanah Rusia dengan lanskap impresionistik Prancis ("September Snow", 1903, State Tretyakov Gallery). Ketertarikan Grabar pada dekomposisi warna yang terlihat menjadi spektral, warna murni palet juga membuatnya terkait dengan neo-impresionisme, dengan J. Seurat dan P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretyakov Gallery). Permainan warna di alam, efek warna yang kompleks menjadi subjek studi yang cermat dari "Sekutu", yang menciptakan dunia figuratif bergambar dan plastik di atas kanvas, tanpa narasi dan ilustratif.

Dengan semua ketertarikan pada transmisi cahaya dan udara dalam lukisan master "Union", pembubaran objek dalam medium udara-cahaya tidak pernah diamati. Warnanya menjadi dekoratif.

"Sekutu", berbeda dengan orang Petersburg - seniman grafis dari "Dunia Seni" - kebanyakan adalah pelukis dengan rasa warna dekoratif yang tinggi. Contoh yang sangat baik dari ini adalah lukisan F.A. Malyavin.

Secara keseluruhan, The Allies tertarik tidak hanya pada studi plein-air, tetapi juga pada bentuk gambar yang monumental. Pada tahun 1910, saat perpecahan dan pembentukan sekunder "Dunia Seni", di pameran "Persatuan" orang dapat melihat lanskap yang intim (Vinogradov, Yuon, dll.), Lukisan yang dekat dengan divisi Prancis (Grabar , awal Larionov) atau dekat dengan simbolisme ( P. Kuznetsov, Sudeikin); mereka juga dihadiri oleh para seniman "Dunia Seni" Diaghilev - Benois, Somov, Bakst.

"Persatuan Seniman Rusia", dengan fondasi realistisnya yang kokoh, yang memainkan peran penting dalam seni rupa domestik, memiliki pengaruh tertentu pada pembentukan sekolah seni lukis Soviet, yang telah ada hingga tahun 1923.

Pada tahun 1907, di Moskow, majalah Bulu Emas menyelenggarakan satu-satunya pameran seniman setelah Borisov-Musatov, yang disebut Mawar Biru. P. Kuznetsov menjadi artis terkemuka Blue Rose. "Beruang Biru" paling dekat dengan simbolisme, yang diekspresikan terutama dalam "bahasa" mereka: suasana hati yang tidak stabil, musikalitas asosiasi yang tidak jelas dan tidak dapat diterjemahkan, penyempurnaan hubungan warna. Platform estetika para peserta pameran juga berpengaruh di tahun-tahun berikutnya, dan nama pameran ini menjadi nama rumah tangga untuk seluruh tren seni di paruh kedua tahun 900-an. Seluruh aktivitas "Mawar Biru" juga memiliki jejak terkuat dari pengaruh gaya Art Nouveau (gaya bentuk dekoratif bidang, ritme linier yang aneh).

Karya P. V. Kuznetsov (1878-1968) mencerminkan prinsip dasar Beruang Biru. Kuznetsov menciptakan gambar panel dekoratif di mana ia berusaha mengabstraksi dari kekonkretan sehari-hari, untuk menunjukkan kesatuan manusia dan alam, stabilitas siklus abadi kehidupan dan alam, kelahiran jiwa manusia dalam harmoni ini. Oleh karena itu keinginan untuk bentuk lukisan yang monumental, melamun-kontemplatif, dimurnikan dari segala sesuatu yang instan, universal, catatan abadi, keinginan konstan untuk menyampaikan spiritualitas materi. Sosok hanyalah tanda yang mengungkapkan konsep; warna berfungsi untuk menyampaikan perasaan; ritme - untuk memperkenalkan dunia sensasi tertentu (seperti dalam lukisan ikon - simbol cinta, kelembutan, kesedihan, dll.). Oleh karena itu penerimaan distribusi cahaya yang seragam di seluruh permukaan kanvas sebagai salah satu dasar dekorasi Kuznetsov. Serov mengatakan bahwa sifat P. Kuznetsov "bernafas". Ini diekspresikan dengan sempurna dalam suite Kyrgyz (Steppe) dan Bukhara miliknya, dalam lanskap Asia Tengah. Kuznetsov mempelajari teknik lukisan ikon Rusia kuno, Renaisans Italia awal. Daya tarik tradisi klasik seni dunia untuk mencari gayanya sendiri yang hebat, sebagaimana dicatat dengan tepat oleh para peneliti, merupakan kepentingan mendasar pada periode ketika tradisi apa pun sering kali disangkal sama sekali.

Eksotisme Timur - Iran, Mesir, Turki - diwujudkan dalam lanskap M. S. Saryan (1880-1972). Timur adalah tema alami bagi seniman Armenia. Saryan menciptakan dalam lukisannya sebuah dunia yang penuh dengan dekorasi yang cerah, lebih bersemangat, lebih duniawi daripada Kuznetsov, dan solusi bergambar selalu dibangun di atas hubungan warna yang kontras, tanpa nuansa, dalam perbandingan bayangan yang tajam (“Date Palm, Egypt”, 1911 , peta. , tempera, GTG).

Gambar-gambar Saryan bersifat monumental karena generalisasi bentuk, bidang warna-warni yang besar, kesembronoan bahasa secara umum - ini biasanya merupakan gambaran umum Mesir, apakah, Persia, Armenia asli, dengan tetap mempertahankan kealamian vital, sebagai jika ditulis dari alam. Kanvas dekoratif Saryan selalu ceria, sesuai dengan idenya tentang kreativitas: “... sebuah karya seni adalah hasil dari kebahagiaan, yaitu karya kreatif. Akibatnya, itu harus menyalakan api pembakaran kreatif pada penonton, berkontribusi pada identifikasi keinginan alaminya untuk kebahagiaan dan kebebasan.

"Jack Berlian"

Pada tahun 1910, sejumlah seniman muda - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova, dan lainnya - bersatu dalam organisasi Jack of Diamonds, yang memiliki piagam sendiri, mengatur pameran dan menerbitkan koleksi artikelnya sendiri. "Jack of Diamonds" sebenarnya ada hingga 1917. Karena pasca-impresionisme, terutama Cezanne, adalah "reaksi terhadap impresionisme", jadi "Jack of Diamonds" menentang ketidakjelasan, tidak dapat diterjemahkan, nuansa paling halus dari bahasa simbolik "Biru". Mawar” dan gaya estetika “Dunia Seni” . The "Knave of Diamonds", terbawa oleh materialitas, "materialitas" dunia, menyatakan konstruksi gambar yang jelas, menekankan objektivitas bentuk, intensitas, kepenuhan warna. Bukan kebetulan bahwa kehidupan diam menjadi genre favorit "Valetovites", seperti halnya lanskap menjadi genre favorit anggota Persatuan Seniman Rusia. Kehalusan dalam menyampaikan perubahan suasana hati, psikologi karakteristik, meremehkan negara, dematerialisasi lukisan "Pembawa Biru", puisi romantis mereka ditolak oleh "Valetovites". Mereka ditentang oleh kemeriahan warna yang hampir spontan, ekspresi gambar kontur, gaya penulisan lebar pucat yang berair, yang menyampaikan visi dunia yang optimis, menciptakan suasana persegi yang hampir lucu. The "Knave of Diamonds" memungkinkan penyederhanaan dalam interpretasi bentuk, yang mirip dengan cetakan populer yang populer, mainan rakyat, ubin lukisan, papan nama. Keinginan akan primitivisme (dari bahasa Latin primitivus - primitif, awal) memanifestasikan dirinya dalam berbagai seniman yang meniru bentuk seni yang disederhanakan dari apa yang disebut era primitif - suku dan kebangsaan primitif - untuk mencari kesegeraan dan integritas persepsi artistik. The "Jack of Diamonds" menarik persepsinya dari Cezanne (karena itu terkadang disebut "Cezanneisme Rusia"), bahkan lebih dari kubisme ("pergeseran" bentuk) dan bahkan dari futurisme (dinamika, berbagai modifikasi bentuk.

Penyederhanaan bentuk yang ekstrim, hubungan langsung dengan seni papan nama sangat terlihat di M.F. Larionov (1881-1964), salah satu pendiri "Jack of Diamonds", tetapi sudah pada tahun 1911 putus dengannya. Larionov melukis pemandangan, potret, benda mati, bekerja sebagai seniman teater di perusahaan Diaghilev, lalu beralih ke lukisan bergenre, temanya adalah kehidupan jalan provinsi, barak tentara. Bentuknya datar, aneh, seolah sengaja dibuat bergaya seperti gambar anak-anak, cetakan atau papan nama populer. Pada tahun 1913, Larionov menerbitkan bukunya "Luchism" - sebenarnya, manifesto pertama seni abstrak, pencipta sebenarnya di Rusia adalah V. Kandinsky dan K. Malevich.

Artis N.S. Goncharova (1881-1962), istri Larionov, mengembangkan kecenderungan yang sama dalam lukisan bergenrenya, kebanyakan bertema petani. Pada tahun-tahun yang ditinjau, dalam karyanya, lebih dekoratif dan berwarna daripada seni Larionov, monumental dalam kekuatan batin dan lakonikismenya, hasrat akan primitivisme sangat terasa. Menggambarkan karya Goncharova dan Larionov, istilah "neo-primitivisme" sering digunakan.

M.Z. Chagall (1887-1985) menciptakan fantasi yang diubah dari kesan membosankan kehidupan kota kecil Vitebsk dan ditafsirkan dalam semangat simbolik naif-puitis dan aneh. Dengan ruang surealis, warna-warna cerah, primitivisasi bentuk yang disengaja, Chagall ternyata dekat dengan ekspresionisme Barat dan seni rakyat primitif ("I and the Village", 1911, Museum of Contemporary Art, New York; "Over Vitebsk", 1914 , coll. Zak. Toronto; "Pernikahan", 1918, Galeri State Tretyakov).

"Serikat Pemuda"

Union of Youth adalah organisasi St. Petersburg yang dibentuk hampir bersamaan dengan Jack of Diamonds (1909). Peran utama di dalamnya dimainkan oleh L. Zheverzheev. Sama seperti "valetovtsy", anggota "Persatuan Pemuda" menerbitkan koleksi teoretis. Sampai runtuhnya asosiasi pada tahun 1917. "Persatuan Pemuda" tidak memiliki program khusus, yang menganut simbolisme, kubisme, futurisme, dan "non-objektivitas", tetapi masing-masing seniman memiliki wajah kreatifnya sendiri-sendiri.

Seni tahun-tahun pra-revolusioner di Rusia ditandai dengan kompleksitas yang tidak biasa dan ketidakkonsistenan pencarian artistik, oleh karena itu pengelompokan berturut-turut dengan pengaturan program dan simpati gaya mereka sendiri. Namun seiring dengan para peneliti di bidang bentuk abstrak dalam seni Rusia saat itu, "Dunia Seni" dan "Goluborozit", "sekutu", "pisau berlian" terus bekerja pada saat yang sama, ada juga aliran arus neoklasik yang kuat, contohnya dapat berupa karya anggota aktif "seni Mir" dalam "generasi kedua" Z.E. Serebryakova (1884-1967). Dalam kanvas bergenre puitisnya dengan gambar singkatnya, cetakan plastik yang sangat sensual, dan keseimbangan komposisi, Serebryakova berasal dari tradisi nasional seni Rusia yang tinggi, terutama Venetsianov dan lebih jauh lagi - seni Rusia kuno ("Petani", 1914, Museum Rusia; “Panen”, 1915 , Museum Seni Odessa; "Pemutihan kanvas", 1917, Galeri State Tretyakov).

Terakhir, bukti cemerlang dari vitalitas tradisi nasional, lukisan besar Rusia kuno adalah karya K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), seorang seniman-pemikir yang kemudian menjadi master seni paling terkemuka di periode Soviet. Dalam lukisan terkenal Memandikan Kuda Merah (1912, Jum), sang seniman menggunakan metafora kiasan. Seperti yang dicatat dengan benar, pemuda di atas kuda merah cerah membangkitkan asosiasi dengan citra populer St. George the Victorious ("Saint Egor"), dan siluet umum, komposisi ritmis, kompak, saturasi bintik-bintik warna kontras yang terdengar dengan kekuatan penuh, dan kerataan dalam interpretasi bentuk mengarah pada memori ikon Rusia kuno. Citra yang tercerahkan secara harmonis diciptakan oleh Petrov-Vodkin dalam lukisan monumental "Girls on the Volga" (1915, State Tretyakov Gallery), di mana ia juga merasakan orientasinya terhadap tradisi seni Rusia, yang mengarahkan sang master ke kebangsaan sejati.

Arsitektur

Era kapitalisme industri yang sangat maju menyebabkan perubahan arsitektur yang signifikan, terutama pada arsitektur kota. Jenis struktur arsitektur baru muncul: pabrik, stasiun, toko, bank, dengan munculnya bioskop - bioskop. Kudeta dibuat dengan bahan bangunan baru: beton bertulang dan struktur logam, yang memungkinkan untuk memblokir ruang raksasa, membuat jendela toko besar, dan membuat pola pengikatan yang aneh.

Dalam dekade terakhir abad ke-19, menjadi jelas bagi para arsitek bahwa dalam menggunakan gaya sejarah masa lalu, arsitektur menemui jalan buntu; menurut para peneliti, menurut para peneliti, itu perlu, bukan untuk "menata ulang" sejarah gaya, tetapi untuk secara kreatif memahami hal baru yang terakumulasi di lingkungan kota kapitalis yang berkembang pesat. . Tahun-tahun terakhir abad ke-19 - awal abad ke-20 adalah masa dominasi modernitas di Rusia, yang terbentuk di Barat terutama dalam arsitektur Belgia, Jerman Selatan, dan Austria, sebuah fenomena kosmopolitan pada umumnya (walaupun di sini modernitas Rusia berbeda dari Barat. Eropa, karena bercampur dengan sejarah neo-renaissance, neo-baroque, neo-rococo, dll).

Contoh mencolok Art Nouveau di Rusia adalah karya F.O. Shekhtel (1859--1926). Rumah menguntungkan, rumah besar, bangunan perusahaan perdagangan dan stasiun - di semua genre Shekhtel meninggalkan tulisan tangannya. Asimetri bangunan efektif untuknya, peningkatan volume organik, sifat fasad yang berbeda, penggunaan balkon, beranda, jendela teluk, sandrik di atas jendela, pengenalan gambar bunga lili atau iris bergaya ke dalam dekorasi arsitektural, penggunaan jendela kaca patri dengan motif ornamen yang sama, tekstur material yang berbeda pada desain interior. Sebuah pola aneh, dibangun di atas liku-liku garis, meluas ke seluruh bagian bangunan: dekorasi mosaik, yang disukai oleh Art Nouveau, atau sabuk ubin keramik berlapis kaca dengan warna dekaden pudar, pengikat jendela kaca patri, pola pagar, kisi-kisi balkon; pada komposisi tangga, bahkan pada furnitur, dll. Garis lengkung yang berubah-ubah mendominasi segalanya. Di Art Nouveau, seseorang dapat melacak evolusi tertentu, dua tahap perkembangan: yang pertama dekoratif, dengan hasrat khusus pada ornamen, patung dan lukisan dekoratif (keramik, mozaik, kaca patri), yang kedua lebih konstruktif, rasionalistik.

Art Nouveau terwakili dengan baik di Moskow. Selama periode ini, stasiun kereta api, hotel, bank, rumah borjuis kaya, rumah petak dibangun di sini. Rumah Ryabushinsky di Gerbang Nikitsky di Moskow (1900-1902, arsitek F.O. Shekhtel) adalah contoh khas Art Nouveau Rusia.

Menarik tradisi arsitektur Rusia kuno, tetapi melalui teknik modernitas, tidak meniru detail naturalistik arsitektur Rusia abad pertengahan, yang merupakan ciri khas "gaya Rusia" pada pertengahan abad ke-19, tetapi dengan bebas memvariasikannya, mencoba untuk menyampaikan semangat Rus Kuno, memunculkan apa yang disebut gaya neo-Rusia pada awal abad ke-20 (kadang-kadang disebut neo-romantisisme). Perbedaannya dari Art Nouveau sendiri terutama terletak pada penyamaran, dan bukan pengungkapan, yang khas untuk Art Nouveau, struktur internal bangunan dan tujuan utilitarian di balik ornamen rumit yang rumit (Stasiun Shekhtel - Yaroslavsky di Moskow, 1903-1904; A.V. Shchusev - Stasiun Kazansky di Moskow, 1913-1926; V. M. Vasnetsov - gedung tua Galeri Tretyakov, 1900-1905). Baik Vasnetsov dan Shchusev, masing-masing dengan caranya sendiri (dan yang kedua di bawah pengaruh yang sangat besar dari yang pertama), dijiwai dengan keindahan arsitektur Rusia kuno, terutama Novgorod, Pskov, dan Moskow awal, menghargai identitas nasionalnya dan secara kreatif menafsirkannya. formulir.

Art Nouveau dikembangkan tidak hanya di Moskow, tetapi juga di St. Petersburg, di mana ia berkembang di bawah pengaruh Skandinavia yang tidak diragukan lagi, yang disebut "modern utara": P.Yu. Suzor pada tahun 1902-1904 membangun gedung perusahaan Singer di Nevsky Prospekt (sekarang Gedung Buku). Bola terestrial di atap gedung seharusnya melambangkan sifat internasional dari aktivitas perusahaan. Fasadnya dilapisi dengan batu mulia (granit, labradorit), perunggu, dan mozaik. Tetapi tradisi klasisisme St. Petersburg yang monumental memengaruhi modernisme St. Ini menjadi pendorong munculnya cabang modernitas lainnya - neoklasikisme abad ke-20. Di rumah besar A.A. Polovtsov di Pulau Kamenny di St. Petersburg (1911-1913) arsitek I.A. Fomin (1872-1936) sepenuhnya memengaruhi ciri-ciri gaya ini: fasad (volume tengah dan sayap samping) diselesaikan dalam tatanan ionik, dan interior mansion dalam bentuk yang diperkecil dan lebih sederhana, seolah-olah, ulangi enfilade aula Istana Tauride, tetapi jendela besar semi-rotunda taman musim dingin , gambar bergaya detail arsitektur dengan jelas menentukan waktu awal abad ini. Karya sekolah arsitektur murni St. Petersburg pada awal abad ini - rumah petak - di awal Kamennoostrovsky (No. 1-3) Avenue, Count M.P. Tolstoy di Fontanka (No. 10-12), bangunan b. Bank Azov-Don di Bolshaya Morskaya dan Hotel Astoria milik arsitek F.I. Lidval (1870-1945), salah satu master terkemuka St. Petersburg Art Nouveau.

Art Nouveau adalah salah satu gaya paling signifikan yang mengakhiri abad ke-19 dan dibuka pada abad berikutnya. Semua pencapaian arsitektur modern digunakan di dalamnya. Modern bukan hanya sistem konstruktif tertentu. Sejak masa pemerintahan klasisisme, gaya modern mungkin merupakan gaya yang paling konsisten dalam hal pendekatan holistiknya, solusi ansambel interior. Art Nouveau sebagai gaya menangkap seni furnitur, perkakas, kain, karpet, jendela kaca patri, keramik, kaca, mozaik, dapat dikenali di mana-mana karena kontur dan garisnya yang ditarik, palet warna khusus warna pastel yang pudar, dan pola bunga lili dan iris favoritnya.

Patung

Patung Rusia pada pergantian abad ke-19 hingga ke-20. dan tahun-tahun pra-revolusi pertama diwakili oleh beberapa nama besar. Pertama-tama, ini adalah P.P. Trubetskoy (1866-1938). Karya-karya Rusia awalnya (potret Levitan, gambar Tolstoy di atas kuda, keduanya - 1899, perunggu) memberikan gambaran lengkap tentang metode impresionis Trubetskoy: bentuknya seolah-olah meresap dengan cahaya dan udara, dinamis, dirancang untuk dilihat dari semua sudut pandang dan dari sudut yang berbeda menciptakan karakterisasi gambar yang beragam. Karya P. Trubetskoy yang paling luar biasa di Rusia adalah monumen perunggu Alexander III, yang didirikan pada tahun 1909 di St. Petersburg, di Znamenskaya Square. Di sini Trubetskoy meninggalkan gaya impresionistiknya. Para peneliti telah berulang kali mencatat bahwa citra Trubetskoy tentang kaisar diselesaikan, seolah-olah berbeda dengan Falconet, dan di samping The Bronze Horseman, ini adalah citra otokrasi yang hampir menyindir. Bagi kami kontras ini memiliki arti yang berbeda; bukan Rusia, "diangkat dengan kaki belakangnya", seperti kapal yang diluncurkan ke perairan Eropa, tetapi Rusia yang damai, stabil, dan kuat dilambangkan dengan penunggang yang duduk dengan berat di atas kuda yang berat.

Impresionisme dalam pembiasan kreatif yang khas dan sangat individual terungkap dalam karya A. S. Golubkina (1864-1927). Dalam citra Golubkina, terutama perempuan, banyak sekali kemurnian moral yang tinggi, demokrasi yang dalam. Ini paling sering adalah gambar orang miskin biasa: wanita yang kelelahan atau "anak-anak penjara bawah tanah" yang sakit-sakitan.

Hal yang paling menarik dalam karya Golubkina adalah potretnya, selalu intens secara dramatis, yang umumnya menjadi ciri khas karya master ini, dan sangat beragam (potret V.F. Ern (kayu, 1913, Galeri State Tretyakov) atau patung Andrei Bely ( gipsum, 1907, Galeri State Tretyakov)) .

Dalam karya Trubetskoy dan Golubkina, dengan segala perbedaannya, ada kesamaan: ciri-ciri yang membuat mereka terkait tidak hanya dengan impresionisme, tetapi juga dengan ritme garis-garis cair dan bentuk-bentuk modernitas.

Impresionisme, yang menangkap patung awal abad ini, sedikit mempengaruhi karya S. T. Konenkov (1874-1971). Marmer "Nike" (1906, Galeri State Tretyakov) dengan fitur potret yang jelas (selain itu, Slavia) dari wajah bulat dengan lesung pipi di pipi menandakan karya yang dilakukan Konenkov setelah perjalanan ke Yunani pada tahun 1912. Gambar mitologi pagan Yunani adalah terkait dengan mitologi Slavia. Konenkov mulai bekerja di kayu, banyak mengambil dari cerita rakyat Rusia, dongeng Rusia. Oleh karena itu "Stribog" miliknya (pohon, 1910, Galeri Tretyakov Negara Bagian), "Velikosil" (pohon, pribadi, kol.), gambar pengemis dan orang tua ("Old Man-Polyevichok", 1910).

Dalam kebangkitan patung kayu, jasa besar Konenkov. Cinta untuk epik Rusia, untuk dongeng Rusia bertepatan dengan "penemuan" lukisan ikon Rusia kuno, patung kayu Rusia kuno, dengan minat pada arsitektur Rusia kuno. Tidak seperti Golubkina, Konenkov tidak memiliki drama, gangguan mental. Gambarannya penuh dengan optimisme populer.

Dalam potret tersebut, Konenkov adalah salah satu orang pertama yang mengemukakan masalah warna di awal abad ini. Pewarnaan batu atau kayunya selalu sangat halus, dengan mempertimbangkan karakteristik bahan dan karakteristik larutan plastik.

Dari karya-karya monumental awal abad ini, perlu diperhatikan monumen N.V. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), dibuka di Moskow pada tahun 1909. Ini adalah Gogol di tahun-tahun terakhir hidupnya, sakit parah. Ekspresif yang tidak biasa adalah profil sedihnya dengan hidung mancung ("Gogol"), sosok kurus terbungkus mantel; Dalam bahasa pahatan singkat, Andreev menyampaikan tragedi kepribadian kreatif yang hebat. Dalam dekorasi relief di atas alas dalam komposisi multi-figur, pahlawan abadi Gogol digambarkan dengan cara yang sangat berbeda, dengan humor atau bahkan menyindir.

A.T. Matveev (1878-1960). Dia mengatasi pengaruh impresionistik gurunya dalam karya awalnya - telanjang (tema utama tahun-tahun itu. Arsitektonik yang ketat, lakonisme bentuk umum yang stabil, keadaan pencerahan, kedamaian, harmoni membedakan Matveev, secara langsung membandingkan karyanya dengan pahatan impresionisme.

Seperti yang dicatat dengan tepat oleh para peneliti, karya master dirancang untuk persepsi yang panjang dan bijaksana, membutuhkan suasana batin, "keheningan", dan kemudian terbuka sepenuhnya dan dalam. Mereka memiliki musikalitas bentuk plastik, cita rasa artistik dan puisi yang luar biasa. Semua kualitas ini melekat pada batu nisan V.E. Borisov-Musatov di Tarusa (1910, granit). Dalam sosok anak laki-laki yang sedang tidur, sulit untuk melihat garis antara tidur dan tidak ada, dan ini dilakukan dalam tradisi patung peringatan terbaik abad ke-18. Kozlovsky dan Martos, dengan penerimaan kematiannya yang bijaksana dan tenang, yang pada gilirannya membawa kita lebih jauh, ke prasasti antik kuno dengan adegan "suguhan pemakaman". Batu nisan ini adalah puncak karya Matveev pada periode pra-revolusioner, yang masih harus bekerja dengan baik dan menjadi salah satu pematung terkenal Soviet. Pada periode pra-Oktober, sejumlah master muda berbakat muncul dalam seni pahat Rusia (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, dll.), Yang pada tahun 1910-an baru memulai aktivitas kreatifnya. Mereka bekerja ke arah yang berbeda, tetapi mempertahankan tradisi realistis yang mereka bawa ke seni baru, memainkan peran penting dalam pembentukan dan perkembangannya.

...

Dokumen Serupa

Asal-usul spiritual dan artistik dari Zaman Perak. Munculnya budaya Zaman Perak. Keaslian lukisan Rusia pada akhir XIX - awal abad XX. Asosiasi seni dan perannya dalam perkembangan seni lukis. Budaya provinsi dan kota-kota kecil.

makalah, ditambahkan 01/19/2007


Studi tentang alasan perpecahan budaya Rusia abad kedua puluh menjadi domestik dan emigran. Penokohan perwakilan dan konsep artistik avant-garde, realisme, dan bawah tanah sebagai arah utama dalam pengembangan seni rupa dan sastra.

tes, ditambahkan 05/03/2010


Asal dan konsep simbolisme. Formasi artis Zaman Perak. Periode sejarah simbolisme Rusia: kronologi perkembangan. Ciri-ciri lukisan bergenre pada pergantian abad XIX-XX. Asosiasi seni dan koloni artistik dalam lukisan Rusia.

makalah, ditambahkan 06/17/2011


Seni Rusia akhir XIX - awal abad XX. Patung. Arsitektur. Budaya Rusia terbentuk dan berkembang saat ini sebagai salah satu cabang dari pohon perkasa budaya universal dunia. Kontribusinya terhadap kemajuan budaya dunia tidak dapat disangkal.

abstrak, ditambahkan 06/08/2004


Siluet Zaman Perak. Ciri-ciri utama dan keanekaragaman kehidupan artistik pada periode "Zaman Perak": simbolisme, akmeisme, futurisme. Signifikansi Zaman Perak bagi budaya Rusia. Ciri-ciri sejarah perkembangan budaya pada akhir XIX - awal abad XX.

abstrak, ditambahkan 25/12/2007


Sebuah studi tentang kemunculan dan perkembangan baroque sebagai gaya seni yang menjadi ciri khas budaya Eropa Barat dari akhir abad ke-16 hingga pertengahan abad ke-18. Ciri umum dan analisis perkembangan gaya barok dalam seni lukis, patung, arsitektur, dan musik.

presentasi, ditambahkan 09/20/2011


Intensitas Zaman Perak dalam konten kreatif, pencarian bentuk ekspresi baru. Tren artistik utama "Zaman Perak". Munculnya simbolisme, akmeisme, futurisme dalam sastra, kubisme dan abstraksionisme dalam seni lukis, simbolisme dalam musik.

abstrak, ditambahkan 18/03/2010


Sejarah budaya artistik di awal abad kedua puluh. Tren utama, konsep artistik, dan perwakilan avant-garde Rusia. Pembentukan budaya era Soviet. Prestasi dan kesulitan dalam perkembangan seni dalam kondisi totaliter; fenomena bawah tanah.

presentasi, ditambahkan 24/02/2014


Masa kejayaan budaya spiritual di akhir XIX - awal abad XX. Munculnya tren baru dan kelompok seni. Fitur dan perbedaan abstraksionisme, avant-garde, impresionisme, kubisme, kubo-futurisme, rayonisme, modernisme, simbolisme, dan suprematisme.

presentasi, ditambahkan 05/12/2015


Pengaruh peristiwa politik dan sosial pada seni. Waktu kebangkitan kreatif di berbagai bidang budaya. Pengungkapan esensi akmeisme, futurisme, dan simbolisme modernis. Manifestasi Art Nouveau dalam Arsitektur Moskow. Sastra Zaman Perak.

Seni "murni", yang mewartakan nilai-nilai yang tidak bergantung pada masalah dan tren sosial dan sejarah, adalah fenomena yang indah, tetapi tidak realistis.

Tidak mungkin berkreasi dalam isolasi dari kehidupan sehari-hari, tanpa memperhatikan ide-ide yang berlaku di masyarakat - formal dan informal. Seni Rusia pada abad ke-20 dipengaruhi oleh perubahan kuat dalam sistem sosial, yang tidak diketahui negara lain mana pun.

Awal abad ini, pencarian ide-ide baru

100 tahun abad ke-20 adalah era pergolakan yang belum pernah terjadi sebelumnya bagi seluruh peradaban. Pada akhir abad ke-20, kemajuan ilmu pengetahuan dan teknologi telah memadatkan ruang dan waktu untuk seluruh planet, konflik sosial di wilayah terbatas berkembang menjadi pergolakan planet. Budaya dan seni Rusia abad ke-20, seperti semua aktivitas sosial di Eropa dan Amerika, memiliki keterikatan sementara dengan peristiwa terpenting dalam sejarah terkini.

Keajaiban angka, menandai awal abad baru, selalu memunculkan harapan akan perubahan, harapan akan datangnya waktu baru yang bahagia. Abad kesembilan belas, yang menciptakan ketenaran budaya Rusia di seluruh dunia, memudar ke masa lalu, meninggalkan tradisi yang tidak bisa hilang dalam semalam.

"Dunia Seni" adalah nama asosiasi seniman yang muncul pada tahun 1898 dan eksis sesekali hingga tahun 1924, yang tanpanya tidak mungkin membayangkan seni rupa pada kuartal pertama abad ke-20 di Rusia. "Dunia Seni" tidak memiliki satu gaya umum yang berkembang - pelukis, seniman grafis, pematung masing-masing menempuh jalannya sendiri, memiliki kesepakatan dalam pandangan mereka tentang tujuan seni dan perannya dalam masyarakat. Banyak ciri dari pandangan ini yang diungkapkan oleh kejeniusan Mikhail Vrubel. Inti formal, dasar asosiasi adalah L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. Pada waktu yang berbeda, Ya Bilibin, A. Ya Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov dan master lainnya ikut ambil bagian di dalamnya.

Semuanya mengakui keutamaan profesionalisme dalam seni, peran besar kebebasan berkreasi dan kemandirian seniman dari dogma sosial, dengan tetap tidak menafikan nilai seni dalam kehidupan manusia, memprotes kekakuan akademisme di satu sisi dan politisasi lukisan yang berlebihan oleh para Pengembara di sisi lain. Dikritik oleh para pendukung tradisi, Dunia Seni tidak bisa masuk ke dalam proses pergolakan kelahiran lukisan "proletar", tetapi berdampak besar pada semua seni rupa abad ke-20 di Rusia - baik pada mereka yang bekerja di Uni Soviet dan mereka yang berakhir di emigrasi.

Modern

Dekade terakhir abad ke-19 merupakan periode lahirnya gaya baru yang meninggalkan jejak pada karya para ahli seni rupa dan arsitektur. Ia memiliki ciri khas tersendiri di wilayah tertentu di Eropa, bahkan disebut berbeda. Di Belgia dan Prancis, nama "Art Nouveau" ditetapkan, di Jerman - "Art Nouveau", di Austria - "Secession". Nama lain diketahui terkait dengan seniman paling terkenal dari gaya ini atau perusahaan yang memproduksi furnitur, perhiasan, dan produk lain ke arah ini: gaya bubur, gaya Guimard - di Prancis, Liberty di Italia, di AS - gaya Tiffany, dll. Rusia Abad ke-20, khususnya arsitektur, mengenalnya sebagai Art Nouveau.

Setelah sekian lama tanpa gaya gaya, Art Nouveau telah menjadi salah satu gerakan artistik yang paling ekspresif dan terbentuk secara visual. Karakter tumbuhan, halus dari garis-garis dekorasi yang kaya, ciri khasnya, dikombinasikan dengan bentuk-bentuk volume besar yang sederhana dan ekspresif secara geometris, menarik seniman dan arsitek dengan kesegaran dan kebaruan.

Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - bintang modernitas arsitektur Rusia. Bakatnya memberikan ciri-ciri nasional pada gaya kosmopolitan, mahakarya Shekhtel - stasiun kereta Yaroslavsky, rumah besar Ryabushinsky - adalah kreasi arsitek Rusia, baik secara umum maupun dalam hal-hal kecil.

Avant-garde pra-revolusioner

Proses pencarian bentuk seni baru, dan lebih banyak lagi - esensi barunya - relevan untuk seni di seluruh Eropa dan Amerika. Seni Rusia abad ke-20 berisi beberapa periode yang benar-benar revolusioner, ketika karya beberapa reformis menunjukkan arah baru dalam perkembangan pemikiran artistik. Salah satu yang paling mencolok dan mengesankan adalah periode antar-revolusioner dari tahun 1905 hingga 1917. Keunikan seni avant-garde di Rusia disebabkan oleh krisis kehidupan publik Rusia setelah tragedi Perang Rusia-Jepang dan Revolusi 1905.

Banyak gerakan avant-garde dan asosiasi kreatif yang muncul pada saat itu memiliki penyebab generatif yang serupa dan tujuan pencarian artistik yang serupa. Memiliki pengaruh yang kuat pada jenis seni utama abad ke-20 di Rusia, Futuris dan Cubo-Futurist, "Jack of Diamonds" dan "Blue Rose", Suprematisme Kandinsky dan Malevich mencari dunia baru dengan berbagai cara, diungkapkan oleh krisis seni lama yang kehilangan kontak dengan realitas, mengantisipasi dimulainya era pergolakan global .

Di antara ide-ide baru yang lahir dari para seniman avant-garde adalah pemikiran Rusia pada abad ke-20, yang memuat halaman-halaman seperti pertunjukan terkenal - manifesto seni baru "Victory over the Sun" (1913). Itu adalah hasil kerja sama penyair futuris M. Matyushin, V. Khlebnikov, dan dekorasi dilakukan oleh Kazimir Malevich.

Seniman P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, yang memperkaya seni Rusia di abad ke-20 dengan pencarian mereka, menjadi penulis lukisan yang mendapat pengakuan dunia. Dan pengakuan ini dimulai pada tahun 10-an abad ke-20, di era lahirnya seni lukis avant-garde dalam sejarah modern.

Pasca Revolusi Oktober, Rusia berkesempatan membuka cakrawala baru bagi seluruh dunia dalam kehidupan publik, termasuk dalam seni. Dan pada kondisi pertama tercipta ketika nilai dari setiap orang yang berbakat tumbuh tak terukur, generator ide kreatif baru muncul kedepan.

Bagaimana sejarah seni memaknai masa itu? Abad ke-20, Rusia, dua puluhan yang bergolak - ini adalah kehidupan artistik aktif yang belum pernah terjadi sebelumnya dari banyak asosiasi kreatif, di antaranya menonjol:

UNOVIS - "Penegasan seni baru" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Didirikan atas dasar sekolah seni Vitebsk, asosiasi ini adalah pembela seni avant-garde, menawarkan untuk mencari tema dan bentuk baru untuk seni.

- "Empat Seni" - aliran yang sejalan dengan "Dunia Seni" Tujuan utamanya adalah untuk menunjukkan kemungkinan ekspresif yang sangat besar dari arsitektur, patung, grafik, dan lukisan. Kebutuhan akan profesionalisme tinggi dan kebebasan berkreasi diumumkan. Perwakilan paling menonjol: arsitek A. V. Shchusev, seniman grafis V. A. Favorsky, pematung V. I. Mukhina, pelukis K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva, dan lainnya.

- "OST", "Masyarakat seniman kuda-kuda". Hal utama yang dianggap menunjukkan tanda-tanda dimulainya kehidupan baru yang damai, pembangunan negara muda modern melalui gaya ekspresif maju, tetapi sederhana dan jelas. Pemimpin: D. Sternberg, A. Deineka, Yu.Pimenov, P. Williams.

- "Lingkaran Seniman" (Leningrad). Mengikuti jalur resmi, mengembangkan "gaya zaman". Anggota aktif grup: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Asosiasi Artis Rusia Revolusioner" - sebuah asosiasi yang menjadi dasar dari Persatuan Seniman Uni Soviet yang kemudian dibuat, konduktor aktif pengarahan kepemimpinan ideologis proses artistik, instrumen propaganda partai, ahli waris dari para Pengembara. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson berada di depan.

Konstruktivisme

Dalam program yang paling bergengsi lembaga pendidikan mempersiapkan arsitek, selalu ada studi tentang topik "konstruktivisme Rusia - avant-garde arsitektur tahun 20-an". Sangat penting Memiliki pemahaman tentang seni bangunan, ide-ide yang dicanangkan oleh para pemimpin arah itu sangat relevan untuk setiap saat. Bangunan Konstantin Melnikov yang masih ada (bangunan tempat tinggal arsitek di jalur Krivoarbatsky, klub Rusakov di Stromynka, garasi di jalan Novoryazanskaya, dll.), Vesnin bersaudara, Moses Ginzburg (Rumah Narkomfin di Novinsky Boulevard) dan bintang arsitektur Rusia lainnya adalah dana emas arsitektur Rusia.

Fungsionalisme, penolakan hiasan yang tidak perlu, estetika struktur bangunan, keharmonisan lingkungan hidup yang diciptakan - ide-ide ini menjadi dasar untuk memecahkan masalah baru bagi arsitek, seniman, dan spesialis muda di bidang yang mulai disebut desain industri . Mereka harus membangun perumahan massal untuk kota-kota baru, klub pekerja untuk pengembangan individu secara menyeluruh, menciptakan fasilitas untuk bekerja dan rekreasi orang baru. Pencapaian luar biasa dari avant-garde tahun dua puluhan tidak dapat dilewati, mempelajari seni Rusia, Eropa, dan Amerika di masa-masa berikutnya sebagian besar didasarkan pada mereka. Sangat menyedihkan bahwa ide-ide progresif ini ternyata paling tidak diminati di tanah air mereka, dan "gaya Kekaisaran Stalin" dianggap oleh banyak orang sebagai pencapaian terbesar arsitektur Soviet.

Seni era totalitarianisme

Pada tahun 1932, Keputusan Komite Sentral Partai Komunis Semua Serikat Bolshevik tentang pekerjaan asosiasi kreatif dikeluarkan. Era pergolakan berbagai arus dan arah berakhir di bawah pengaruh mesin negara yang memperoleh kekuasaan, dikendalikan oleh aparatus ideologis, di mana satu-satunya kekuatan semakin kuat. Selama bertahun-tahun, seni Rusia di abad ke-20, seperti kebanyakan kehidupan di negara itu, mulai bergantung pada pendapat satu orang - Joseph Stalin.

Persatuan kreatif telah menjadi sarana untuk menundukkan pemikiran artistik pada standar ideologis yang seragam. Era sosialis telah tiba, lambat laun setiap penyimpangan dari jalur resmi mulai dinyatakan sebagai kriminal, mereka yang tidak setuju mengalami penindasan yang nyata. Tuduhan menyimpang dari garis partai menjadi salah satu cara untuk menyelesaikan diskusi kreatif. Progresivitas ini sangat dipertanyakan. Bagaimana, misalnya, seni teater Rusia di abad ke-20 akan berkembang jika pembaharu panggung besar Vsevolod Meyerhold tidak menjadi korban represi?

Sifat bakat artistik itu kompleks dan tidak bisa dijelaskan. Citra para pemimpin diwujudkan dengan keterampilan yang luar biasa dan perasaan yang tulus. Tak satu pun dari represi yang paling brutal dapat mencegah munculnya seniman yang benar-benar berbakat, yang ekspresi diri adalah hal utama, terlepas dari kerangka ideologisnya.

Dalam arsitektur, waktunya telah tiba untuk "kerajaan Stalinis". Pencarian seniman avant-garde digantikan dengan kembali ke kanon yang sudah terbukti. Kekuatan ideologi komunis diwujudkan dalam contoh-contoh spektakuler dari pengerjaan ulang neoklasikisme - "gedung pencakar langit" Stalin.

Seni periode perang

Ada suatu masa dalam sejarah negara kita yang menjadi tragedi terbesar dan tahap kebangkitan spiritual yang belum pernah terjadi sebelumnya. Seni Rusia pada abad 20-21 telah menerima salah satu tema utama yang memungkinkan untuk mengekspresikan kehebatan karakter rakyat Rusia, kedalaman perasaan yang dapat menguasai individu dan massa yang sangat besar selama pergolakan sejarah.

Perang Patriotik Hebat sejak hari-hari pertama menemukan ekspresi dalam gambar visual dengan kekuatan luar biasa. Poster I. Toidze "Tanah air memanggil!" diangkat ke pertahanan negara lebih baik daripada komandan mana pun, dan "Pertahanan Sevastopol" Deineka mengejutkan siapa pun, terlepas dari gagasan yang dia bagikan. Simfoni Ketujuh Dmitri Shostakovich sama mengesankannya, dan seni musik Rusia pada abad ke-20, tidak kalah dari jenis kreativitas lainnya, memberikan penghormatan pada tema perang melawan fasisme.

Mencair

Setelah Kemenangan Besar, faktor sejarah terkuat berikutnya yang mempengaruhi kehidupan publik di Uni Soviet adalah kematian Stalin (Maret 1953) dan Kongres ke-20 CPSU, yang mengangkat masalah pengungkapan kultus kepribadian. Untuk beberapa waktu, bagi para seniman, juga bagi seluruh masyarakat, ada nafas kebebasan berkreasi dan ide-ide baru. Generasi "enam puluhan" adalah fenomena yang sangat spesifik, ia meninggalkan ingatannya sendiri sebagai embusan udara segar yang diambil sebelum terjun lagi selama beberapa dekade ke dalam rawa keberadaan yang terukur, terjadwal, dan teratur.

Eksperimen pertama avant-garde artistik dari "gelombang kedua" - karya E. Belyutin, Yu.Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky, dan lainnya - di pameran yang didedikasikan untuk peringatan 30 tahun Moskow cabang Persatuan Seniman, dikutuk keras secara pribadi oleh pemimpin baru negara N Khrushchev. Pesta kembali menjelaskan kepada orang-orang jenis seni apa yang mereka butuhkan, dan kepada seniman cara melukis.

Arsitektur diinstruksikan untuk menangani ekses, yang dengan tepat dijelaskan oleh kesulitan ekonomi pada periode pasca perang, waktu untuk pembangunan perumahan massal telah tiba, waktu "Khrushchev", yang agak menghilangkan ketajaman masalah perumahan, tetapi merusaknya munculnya banyak kota.

Seni "sosialisme maju"

Dalam banyak hal, seni Rusia pada paruh kedua abad ke-20 sebagian besar merupakan kisah konfrontasi antara kepribadian artistik dan ideologi dominan. Tetapi bahkan dalam suasana regulasi ideologis dari setiap bagian ruang spiritual, banyak seniman menemukan cara untuk sedikit memodifikasi metode realisme sosialis yang telah ditentukan.

Jadi, contoh nyata bagi kaum muda adalah para master yang membentuk keyakinan mereka di usia dua puluhan: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov, dan lainnya. Gambar mantan anggota asosiasi seni "OST" Y. Pimenov "Pernikahan di Jalan Besok" yang ditulis pada tahun 1962 menjadi simbol harapan masyarakat akan pembaruan.

Fenomena mencolok lainnya dalam lukisan Soviet saat itu adalah terbentuknya "gaya yang parah". Istilah ini menunjukkan karya G. Korzhov, P. Ossovsky, Smolin bersaudara, P. Nikonov dan lain-lain Dalam lukisan mereka, yang ditulis dalam genre berbeda (sehari-hari, sejarah), muncul seorang pahlawan yang tidak membutuhkan instruksi, sibuk dengan bisnis yang dapat dipahami dan diperlukan. Dia digambarkan tanpa detail yang tidak perlu dan embel-embel warna, secara luas dan ekspresif.

Yang paling penting adalah karya master seperti suara sipil kanvasnya mengandung pesan humanistik umum yang langka untuk seni Soviet, hampir religius, dan gaya lukisannya berakar pada Renaisans Italia.

Nonkonformisme

Dominasi resmi "realisme sosialis" memaksa seniman informal untuk menemukan jalan mereka ke penonton atau melakukan emigrasi. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny dan banyak lainnya pergi. Ini adalah seniman abad ke-20 di Rusia, yang merupakan pembawa nilai-nilai spiritual yang dilahirkan oleh avant-garde awal abad ini, dan yang kembali ke tanah air mereka setelah runtuhnya ideologi komunis.

Dan selama masa pemerintahannya, emigrasi internal muncul, memunculkan motif populer dari seorang seniman gila yang mabuk selamanya, penghuni rumah sakit jiwa, dianiaya oleh pihak berwenang dan pimpinan serikat kreatif, tetapi sangat dihargai oleh para ahli Barat yang independen. Pembawa khas dari gambaran seperti itu adalah A. Zverev - sosok legendaris Moskow di era sosialisme maju.

Polistilistika dan pluralisme

Setelah membebaskan diri dari perintah negara di era Soviet, seni rupa abad ke-20 di Rusia memasuki proses global sebagai bagian yang tidak terpisahkan darinya, dengan sifat dan tren yang sama. Banyak bentuk kreativitas yang sudah lama dikenal di Barat, dengan cepat dikuasai oleh seniman dalam negeri. Kata-kata "kinerja", "instalasi video", dll. telah menjadi akrab dalam pidato kita, dan di antara master kontemporer paling signifikan dengan ketenaran dunia adalah seniman dengan pandangan diametris dalam hal arah: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov dan banyak lainnya.

Sejarah negara yang penuh badai dan tak terduga baru-baru ini, yang menempati seperenam dari daratan bumi, melihat ke cerminnya - seni Rusia abad ke-20 - dan tercermin di dalamnya dengan ribuan gambar yang tak terlupakan ...

1. Seni Rusia di penghujung abad ke-20. Dekade terakhir abad ke-20 di Rusia penuh dengan peristiwa politik dan ekonomi yang secara radikal mengubah situasi di negara tersebut. Runtuhnya Persatuan pada tahun 1991 dan perubahan arah politik, transisi ke hubungan pasar dan orientasi yang jelas menuju model pembangunan ekonomi Barat, dan akhirnya melemahnya, hingga penghapusan total, kontrol ideologis - semua ini di awal 1990-an berkontribusi pada fakta bahwa lingkungan budaya mulai berubah dengan cepat. Liberalisasi dan demokratisasi negara berkontribusi pada pengembangan dan pembentukan tren dan arah baru dalam seni nasional. Evolusi seni rupa tahun 1990-an di Rusia terjadi dengan munculnya tren yang melekat pada postmodernisme, dengan munculnya generasi baru seniman muda yang bekerja di bidang-bidang seperti, konseptualisme, grafik komputer, neoklasikisme terkait dengan perkembangan teknologi komputer di Rusia. Berasal dari eklektisisme klasik, "Neoklasikisme Rusia Baru" menjadi "berlian multi-segi", menggabungkan berbagai tren yang bukan milik "klasik" sebelum era modernisme. Neoklasikisme- ini adalah arah seni di mana seniman menghidupkan kembali tradisi klasik seni lukis, grafik, patung, tetapi pada saat yang sama mereka secara aktif menggunakan teknologi terbaru. Sejarawan Inggris dan ahli teori seni Edward Lucy Smith menyebut neoklasikisme Rusia sebagai "fenomena mencolok pertama dari budaya Rusia yang memengaruhi proses artistik dunia setelah Kazimir Malevich." Neoklasikisme menuntut sikap yang berbeda terhadap zaman kuno dibandingkan dengan kaum klasik. Pandangan sejarah budaya Yunani menjadikan karya-karya kuno tidak mutlak, tetapi cita-cita sejarah yang konkret, oleh karena itu, peniruan orang-orang Yunani memperoleh arti yang berbeda: dalam persepsi seni kuno, bukan normativitasnya yang mengemuka, tetapi kebebasan, persyaratan aturan. yang nantinya akan menjadi kanon, kehidupan nyata rakyat. D.V. Sarabyanov menemukan neoklasikisme semacam "komplikasi" modernitas. Dengan probabilitas yang sama, neoklasikisme dapat dianggap sebagai tren modern akhir dan independen. Dalam karya "seniman baru" tidak ada modernitas murni atau neoklasikisme tersendiri, mereka selalu bertindak saling berhubungan, seniman akademi baru menggabungkan beberapa tren seni visual sekaligus: avant-garde, postmodernisme, klasisisme dalam " ruang kolase". Karya-karya "seniman baru" bersifat eklektik, memadukan grafik komputer, etsa, lukisan, dan fotografi. Seniman mendigitalkan karya jadi, memilih fragmen yang diperlukan dan membuat kolase, dengan mahir memulihkan kostum dan dekorasi kuno. Kombinasi metode tradisional dengan kemampuan program grafik komputer telah memperluas potensi kreatif para seniman. Kolase disusun dari bahan yang dipindai, efek khusus artistik diterapkan padanya, dideformasi, menciptakan komposisi ilusi. Perwakilan paling menonjol dari neoklasikisme St. Petersburg pada awal 1990-an adalah O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoklasikisme Toberluts merupakan salah satu manifestasi dari romantisme. Karya-karyanya mewujudkan perasaan seseorang, impian, kemuliaan, sesuatu yang antusias dan berubah menjadi cita-cita yang tidak dapat diwujudkan. . Seniman itu sendiri menjadi pahlawan wanita dalam karyanya. Secara gaya, karya O. Toberluts dapat didefinisikan sebagai neoklasikisme, melewati kesadaran postmodern, sebagai dunia eklektik, yang menggambarkan kuil kuno, interior Renaisans, kincir angin Belanda, dan kostum dari desainer K. Goncharov sebagai sentuhan modernitas. Kemungkinan tak terbatas dari grafik komputer membuat karya O.Tobreluts fantastis dan supernatural. Dengan bantuan teknologi komputer E.Sheff kembali ke Yunani kuno, lalu ke Roma kuno, membuat gambar mitologi kuno dalam kolasenya. Dalam seri "Mitos Ludwig" sang seniman menggunakan foto-foto patung Yunani, struktur arsitektural, yang melapiskan efek zaman kuno padanya. Dengan bantuan teknologi komputer, sang seniman mengembalikan orisinalitas Colosseum, melakukan tamasya yang mengasyikkan di sekitarnya. Lukisan digital Tutup mewakili persamaan emosional dari banyak hobinya. Ini berisi klasik Yunani dan gema penelitian etnografi, serta elemen subkultur anak muda... Dengan demikian, dapat dicatat bahwa akhir abad ke-20 merupakan titik balik tidak hanya dalam kehidupan politik dan ekonomi Rusia, tetapi juga di seni. Pada 1990-an, tren kuat dalam seni visual "neoklasikisme Rusia baru" didirikan. Perkembangan teknologi komputer di Rusia memperluas potensi kreatif seniman, seniman baru, menggunakan teknologi baru, menciptakan karya klasik. Hal utama bukanlah teknik dan teknologi, tetapi estetika. Seni modern juga bisa klasik. 2. Seni Rusia di awal abad ke-21. Ciri seni rupa pada pergantian abad ke-20 - ke-21 adalah ia bebas dari penindasan sensor, dari pengaruh negara, tetapi bukan dari ekonomi pasar. Jika di masa Soviet seniman profesional diberikan paket jaminan sosial, lukisan mereka dibeli untuk pameran dan galeri nasional, namun kini mereka hanya bisa mengandalkan kekuatan sendiri. Namun lukisan Rusia belum mati dan berubah menjadi kemiripan seni Eropa Barat dan Amerika, ia terus berkembang atas dasar tradisi Rusia. Seni kontemporer dipamerkan oleh galeri seni kontemporer, kolektor pribadi, perusahaan komersial, organisasi seni negara, museum seni kontemporer, studio seni atau oleh seniman itu sendiri di ruang yang dikelola seniman. Seniman kontemporer menerima dukungan finansial melalui hibah, penghargaan dan hadiah, dan juga menerima dana dari penjualan karya mereka. Praktik Rusia agak berbeda dalam hal ini dari praktik Barat. Museum, Biennale, festival, dan pameran seni kontemporer secara bertahap menjadi alat untuk menarik modal, investasi dalam bisnis pariwisata, atau bagian dari kebijakan pemerintah. Kolektor pribadi memiliki pengaruh besar pada keseluruhan sistem seni rupa kontemporer. Di Rusia, salah satu koleksi seni kontemporer terbesar dipegang oleh Museum Seni Kontemporer Erarta non-negara di St. Tren dalam seni kontemporer: Seni yang tidak spektakuler- tren seni rupa kontemporer yang menolak tontonan dan sandiwara. Contoh seni semacam itu adalah penampilan seniman Polandia Pavel Althamer "Script Outline", di pameran "Manifesta" pada tahun 2000. Di Rusia, ia menawarkan seni nonspektakuler versinya sendiri Anatoly Osmolovsky Seni jalanan(Bahasa inggris) seni jalanan- seni jalanan) - seni rupa, ciri khasnya adalah gaya urban yang menonjol. Bagian utama seni jalanan adalah grafiti (jika tidak seni semprot), tetapi seni jalanan tidak dapat dianggap sebagai grafiti. Seni jalanan juga mencakup poster (non-komersial), stensil, berbagai instalasi pahatan, dll. Dalam seni jalanan, setiap detail, hal kecil, bayangan, warna, garis adalah penting. Seniman membuat logonya sendiri dengan gaya - sebuah "tanda unik" dan menggambarkannya di bagian lanskap perkotaan. Hal terpenting dalam seni jalanan bukanlah menyesuaikan wilayah, tetapi melibatkan penonton dalam dialog dan menampilkan program plot yang berbeda. Dekade terakhir menandai keragaman arah yang dipilih seni jalanan. Mengagumi generasi yang lebih tua, penulis muda sadar akan pentingnya mengembangkan gaya mereka sendiri. Dengan cara ini, cabang-cabang baru bermunculan, meramalkan masa depan yang kaya untuk gerakan tersebut. Berbagai bentuk baru seni jalanan terkadang melampaui segala sesuatu yang telah dibuat sebelumnya. Aerografi - salah satu teknik melukis seni rupa, menggunakan airbrush sebagai alat untuk mengaplikasikan pewarna cair atau bubuk menggunakan udara tekan ke permukaan apapun. Cat semprot juga bisa digunakan. Karena meluasnya penggunaan airbrushing dan munculnya sejumlah besar cat dan komposisi yang berbeda, airbrushing telah menerima dorongan baru untuk berkembang. Sekarang airbrushing digunakan untuk membuat lukisan, retouching foto, taksidermi, pemodelan, lukisan tekstil, lukisan dinding, seni tubuh, lukisan kuku, souvenir lukisan dan mainan, lukisan piring. Ini sering digunakan untuk menggambar pada mobil, sepeda motor, peralatan lain, dalam percetakan, dalam desain, dll. Karena lapisan cat yang tipis dan kemampuan untuk menyemprotkannya dengan halus ke permukaan, dimungkinkan untuk mencapai efek dekoratif yang sangat baik, seperti transisi warna yang halus, tiga dimensi, realisme fotografis dari gambar yang dihasilkan, peniruan tekstur kasar dengan kehalusan permukaan yang ideal.

Topik dan pertanyaan seminar;

Topik 1. Konsep dasar sejarah seni dan sejarah seni.

Pertanyaan:

1. Masalah klasifikasi seni.

2. Konsep "karya seni". Kemunculan dan tugas sebuah karya seni. Karya dan seni.

3. Esensi, tujuan, tugas seni.

4.Fungsi dan makna seni.

5. Konsep "gaya". Gaya artistik dan waktunya.

6. Klasifikasi seni.

7. Sejarah kemunculan dan pembentukan sejarah seni rupa.

Masalah untuk diskusi:

1. Ada 5 pengertian seni. Apa karakteristik dari masing-masing dari mereka? Definisi mana yang Anda ikuti? Bisakah Anda merumuskan definisi Anda tentang seni?

2. Apa tujuan seni?

3. Bagaimana Anda dapat mendefinisikan sebuah karya seni? Bagaimana "karya seni" dan "karya seni" hidup berdampingan? Jelaskan proses munculnya suatu karya seni (menurut I. Ten). Apa tugas sebuah karya seni (menurut P.P. Gnedich)?

4. Sebutkan 4 fungsi utama seni (menurut I.P. Nikitina) dan empat

pemahaman yang mungkin tentang makna seni.

5. Tentukan arti dari konsep "gaya". Gaya seni Eropa apa yang Anda ketahui? Apa itu "gaya artistik", "ruang artistik"?

6. Sebutkan dan jelaskan secara singkat jenis-jenis seni: seni spasial, temporal, ruang-waktu, dan spektakuler.

7. Apa subjek sejarah seni?

8. Menurut Anda, apa peran museum, pameran, galeri, perpustakaan untuk mempelajari karya sejarah seni?

9. Ciri-ciri pemikiran kuno tentang seni: Informasi yang bertahan tentang contoh pertama literatur tentang seni ("Canon" oleh Polykleitos, risalah oleh Duris, Xenocrates). Arah "Topografi" dalam literatur tentang seni: "Deskripsi Hellas" oleh Pausanias. Deskripsi karya seni oleh Lucian. Konsep "kosmos" Pythagoras sebagai keseluruhan yang harmonis, tunduk pada hukum "harmoni dan angka" dan signifikansinya untuk permulaan teori arsitektur. Gagasan ketertiban dan proporsi dalam arsitektur dan perencanaan kota. Gambaran kota ideal dalam tulisan Plato (buku Hukum keenam, dialog Critias) dan Aristoteles (buku Politik ketujuh). Memahami Seni di Roma Kuno. "Sejarah Alam" oleh Pliny the Elder (abad ke-1 M) sebagai sumber utama informasi tentang sejarah seni kuno. Risalah Vitruvius: eksposisi sistematis teori arsitektur klasik.

10. Nasib tradisi kuno Abad Pertengahan dan ciri-ciri gagasan abad pertengahan tentang seni: Pandangan estetika Abad Pertengahan (Augustine, Thomas Aquinas), gagasan estetika terkemuka: Tuhan adalah sumber keindahan (Augustine) dan signifikansinya bagi teori dan praktik seni. Gagasan "prototipe". Fitur sastra abad pertengahan tentang seni. Panduan praktis-teknologi, resep: "Panduan pelukis" dari Gunung Afaon Dionysius Furnagrafiot, "Tentang warna dan seni orang Romawi" oleh Heraclius, "Schedula" (Schedula - Student) oleh Theophilus. Deskripsi monumen arsitektur dalam kronik dan kehidupan orang-orang kudus.

11. Renaisans sebagai titik balik sejarah perkembangan seni rupa dan sejarah seni rupa Eropa. Sikap baru terhadap zaman kuno (studi tentang monumen kuno). Perkembangan pandangan dunia sekuler dan munculnya sains eksperimental. Pembentukan kecenderungan interpretasi historis dan kritis terhadap fenomena seni: "Komentar" oleh Lorenzo Ghiberti Risalah tentang masalah khusus - perencanaan kota (Filaret), proporsi dalam arsitektur (Francesco di Giorgio), perspektif dalam lukisan (Piero dela Francesca). Pemahaman teoretis tentang titik balik Renaisans dalam perkembangan seni dan pengalaman studi humanistik warisan kuno dalam risalah Leon Batista Alberti ("On the Statue", 1435, "On Painting", 1435-36, "On Architecture ”), Leonardo da Vinci (“Risalah tentang Lukisan” , diterbitkan secara anumerta), Albrecht Dürer (Empat Buku tentang Proporsi Manusia, 1528). Kritik terhadap teori arsitektur Vitruvius dalam "Sepuluh Buku tentang Arsitektur" (1485) oleh Leon Baptiste Alberti. Vitruvian "Academy of Valor" dan aktivitasnya dalam mempelajari dan menerjemahkan karya Vitruvius. Risalah Giacomo da Vignola "Aturan Lima Tatanan Arsitektur" (1562). Four Books on Architecture (1570) karya Andrea Palladio adalah epilog klasik dalam sejarah arsitektur Renaisans. Peran Palladio dalam pengembangan gagasan arsitektur barok dan klasisisme. Palladio dan Palladianisme.

12. Tahapan utama dalam pembentukan sejarah seni sejarah di zaman modern: dari Vasari hingga Winckelmann: "Kehidupan pelukis, pematung, dan arsitek paling terkemuka" Giorgio Vasari (1550, 1568) sebagai karya tonggak dalam sejarah pembentukan dari kritik seni. "The Book of Artists" karya Karel Van Mander sebagai kelanjutan dari biografi Vasari berdasarkan bahan lukisan Belanda.

13. Pemikir abad ke-18 tentang masalah pembentukan gaya dalam seni, metode artistik, tempat dan peran seniman dalam masyarakat: Rasionalisme dalam sejarah seni. Teori klasik Nicolas Poussin. Program teoretis klasisisme dalam "Seni Puisi" oleh Nicolas Buallo (1674) dan "Percakapan tentang pelukis paling terkenal, lama dan baru" oleh A. Feliben (1666-1688).

14. Zaman Pencerahan (abad ke-18) dan masalah teoretis dan metodologi seni. Pembentukan sekolah nasional dalam kerangka teori umum seni. Perkembangan kritik seni di Prancis. Peran Salon dalam kehidupan artistik Prancis. Ulasan tentang Salon sebagai bentuk literatur kritis tentang seni rupa. Perselisihan tentang tugas kritik seni (evaluasi kreativitas atau pendidikan masyarakat). Fitur sejarah seni Jerman. Kontribusi terhadap teori seni rupa oleh Gotthold Ephraim Lessing. Risalah "Laocoön" (1766) dan masalah batasan seni lukis dan puisi. Pengenalan konsep "seni rupa" alih-alih "seni rupa" (menggeser penekanan dari keindahan ke kebenaran dan menonjolkan fungsi seni figuratif-realistis). Pentingnya kegiatan Johann Joachim Winckelmann bagi perkembangan ilmu sejarah seni. Konsep seni kuno Winckelmann dan periodisasi perkembangannya.

15. Asal mula pemikiran Rusia tentang seni. Informasi tentang seniman dan monumen artistik dalam kronik abad pertengahan Rusia dan sumber surat. Mengajukan pertanyaan tentang seni dalam kehidupan sosial dan politik abad ke-16. (Katedral Stoglavy tahun 1551 dan katedral lainnya) sebagai bukti kebangkitan pemikiran kritis dan perjuangan berbagai tren ideologis.

16. Perubahan radikal dalam seni Rusia abad ke-17: pembentukan awal pandangan dunia sekuler dan pengenalan pertama dengan bentuk budaya artistik Eropa. Pembentukan pemikiran artistik dan teoretis. Bab "Tentang ikonografi" dalam "Kehidupan" Avvakum. "Essay on Art" oleh Joseph Vladimirov (1665-1666) dan "Word to the Curious Icon Painting" oleh Simon Ushakov (1666-1667) adalah karya Rusia pertama tentang teori seni.

17. Pembentukan aktif bentuk budaya sekuler baru di abad ke-18. Catatan

J. von Stehlin adalah upaya pertama untuk menciptakan sejarah seni Rusia.

18. Pemahaman romantis baru tentang seni dalam artikel kritis oleh K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Sejarah Seni Akhir Abad 19 - 20: Upaya Sintesis Prestasi Sekolah Formal dengan Konsep Kritiknya - "ilmu struktural" gaya artistik. Pendekatan semiotik dalam sejarah seni. Ciri-ciri kajian semiotika karya seni rupa dalam karya Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspensky. Variasi metode untuk mempelajari seni dalam sains rumah tangga modern. Prinsip analisis karya seni dan pendekatan bermasalah untuk mempelajari sejarah seni dalam karya M. Alpatov ("Masalah artistik seni Yunani Kuno", "Masalah artistik Renaisans Italia"). Sintesis pendekatan metodologis (gaya formal, ikonografi, ikonologis, sosiologis) oleh V. Lazarev. Metode penelitian perbandingan-sejarah dalam karya D. Sarabyanov ("lukisan Rusia abad ke-19 di antara sekolah-sekolah Eropa. Pengalaman penelitian perbandingan"). Pendekatan sistematis terhadap seni dan fitur-fiturnya.

1.Alekseev V.V. Apa itu seni? Tentang bagaimana seorang pelukis, seniman grafis, dan pematung menggambarkan dunia. – M.: Seni, 1991.

2. Valeri P. Tentang seni. Koleksi. – M.: Seni, 1993.

3. Vipper B.R. Pengantar studi sejarah seni. – M.: Seni rupa, 1985.

4.Vlasov V.G. Gaya dalam seni - St. Petersburg: 1998.

5.Zis A.Ya. Jenis seni. – M.: Pengetahuan, 1979.

6.Kon-Wiener. Sejarah Gaya Seni Rupa. - M .: Svarog dan K, 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. Buku referensi kamus modern tentang seni. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Dasar-dasar sejarah seni. – M.: Seni, 2001.

Tema 2. Seni Dunia Kuno. Seni era sistem komunal primitif dan Timur Kuno.

Pertanyaan:

1. Periodisasi seni masyarakat primitif. Ciri-ciri seni primitif pada zaman itu: Paleolitik, Mesolitik, Neolitik, Perunggu.

2. Konsep sinkretisme dalam seni rupa primitif, contohnya.

3. Hukum umum dan prinsip seni Timur Kuno.

4. Seni Mesopotamia Kuno.

5. Seni bangsa Sumeria kuno.

6. Seni Babilonia dan Asyur kuno.

Masalah untuk diskusi:

1. Berikan gambaran singkat tentang periodisasi seni primitif. Apa ciri-ciri seni setiap periode?

2. Jelaskan ciri-ciri utama seni primitif: sinkretisme, fetisisme, animisme, totemisme.

3. Bandingkan kanon dalam penggambaran seseorang dalam seni Timur kuno (Mesir dan Mesopotamia).

4. Apa ciri-ciri seni rupa Mesopotamia Kuno?

5. Ceritakan tentang arsitektur Mesopotamia pada contoh monumen tertentu:

ziggurat Etemenniguru di Ur dan ziggurat Etemenanki di Babel Baru.

6. Ceritakan tentang patung Mesopotamia pada contoh monumen tertentu: tembok di sepanjang Jalan Prosesi, Gerbang Ishtar, relief dari Istana Ashurnasirpal di

7. Apa tema gambar relief pahatan Mesopotamia?

8. Apa nama monumen arsitektur Babilonia yang pertama? Apa milik mereka

janji temu?

9. Apa kekhasan kosmogoni budaya Sumero-Akkadia?

10. Sebutkan prestasi dalam seni peradaban Sumero-Akkadia.

1. Vinogradova N.A. Kesenian tradisional Timur. - M.: Seni, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Sejarah singkat seni. Masalah. 1: Dari zaman kuno hingga abad ke-16. Esai. – M.: Seni, 1985.

3. Seni Timur Kuno (Monumen seni dunia). – M.: Seni, 1968.

4. Seni Mesir Kuno. Lukisan, patung, arsitektur, seni terapan. – M.: Seni visual, 1972.

5. Seni Dunia Kuno. – M.: 2001.

6. Sejarah seni. Peradaban pertama - Barcelona-Moskow: OSEANO - Layanan Beta, 1998.

7. Monumen seni dunia. Edisi III, seri pertama. Seni Timur Kuno. - M.: Seni, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Fondasi estetika seni Mesir kuno. – M.: Seni, 1985.

9. Stolyar A.D. Asal usul seni rupa. – M.: Seni, 1985.

Artikel ini berisi deskripsi singkat tentang gaya seni utama abad ke-20. Akan bermanfaat untuk mengenal seniman dan desainer.

Modernisme (dari Perancis moderne modern)

dalam seni, nama kumulatif tren artistik yang memantapkan diri pada paruh kedua abad ke-19 dalam bentuk bentuk kreativitas baru, di mana tidak begitu banyak kepatuhan pada semangat alam dan tradisi yang berlaku, tetapi pandangan bebas dari sang master , bebas untuk mengubah dunia yang terlihat atas kebijakannya sendiri, mengikuti kesan pribadi, ide batin atau mimpi mistis (tren ini sebagian besar melanjutkan garis romantisme). Impresionisme, simbolisme, dan modernisme adalah arahnya yang paling signifikan, seringkali berinteraksi secara aktif.Dalam kritik Soviet, konsep "modernisme" secara anti-historis diterapkan pada semua gerakan seni abad ke-20 yang tidak sesuai dengan kanon realisme sosialis .

Abstraksionisme(seni di bawah tanda "bentuk nol", seni non-objektif) - arahan artistik yang dibentuk dalam seni paruh pertama abad ke-20, sama sekali menolak untuk mereproduksi bentuk-bentuk dunia nyata yang terlihat. Para pendiri abstraksionisme dianggap V. Kandinsky, P. Mondrian dan K. Malevich. W. Kandinsky menciptakan jenis lukisan abstraknya sendiri, membebaskan impresionis dan noda "liar" dari segala tanda objektivitas. Piet Mondrian sampai pada ketidakberdayaannya melalui gaya geometris alam, yang dimulai oleh Cezanne dan Kubisme. Tren modernis abad ke-20, yang berfokus pada abstraksionisme, sepenuhnya menyimpang dari prinsip tradisional, menyangkal realisme, tetapi pada saat yang sama tetap berada dalam kerangka seni. Sejarah seni dengan munculnya abstraksionisme mengalami revolusi. Tetapi revolusi ini muncul bukan secara kebetulan, tetapi secara alami, dan diprediksi oleh Plato! Dalam karyanya nanti Philebus, dia menulis tentang keindahan garis, permukaan, dan bentuk spasial dalam dirinya sendiri, terlepas dari tiruan objek yang terlihat, mimesis apa pun. Keindahan geometris semacam ini, berbeda dengan keindahan bentuk alam yang “tidak beraturan”, menurut Plato, tidak relatif, tetapi tanpa syarat, mutlak.

Futurisme- tren sastra dan artistik dalam seni tahun 1910-an. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Ide artistik penting futurisme adalah pencarian ekspresi plastis dari kecepatan gerak sebagai tanda utama laju kehidupan modern. Futurisme versi Rusia disebut kybofuturisme dan didasarkan pada kombinasi prinsip plastik kubisme Prancis dan instalasi estetika umum futurisme Eropa. Dengan menggunakan persimpangan, pergeseran, benturan, dan aliran bentuk, para seniman mencoba mengekspresikan pluralitas kesan yang menghancurkan dari orang kontemporer, penghuni kota.

Kubisme- "revolusi artistik paling lengkap dan radikal sejak Renaisans" (J. Golding). Pelukis: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubisme - (kubisme Prancis, dari kubus - kubus) arah dalam seni kuartal pertama abad ke-20. Bahasa plastis kubisme didasarkan pada deformasi dan dekomposisi objek menjadi bidang geometris, pergeseran bentuk plastis. Banyak seniman Rusia yang terpesona dengan Kubisme, sering kali menggabungkan prinsip-prinsipnya dengan teknik tren artistik modern lainnya - futurisme dan primitivisme. Cubo-futurisme menjadi varian spesifik dari interpretasi kubisme di tanah Rusia.

Purisme- (French purisme, dari bahasa Latin purus - clean) tren lukisan Prancis akhir 1910-an dan 20-an. Perwakilan utama adalah artis A. Ozanfan dan arsitek C.E.Jeanneret (Le Corbusier). Menolak kecenderungan dekoratif kubisme dan gerakan avant-garde lainnya pada tahun 1910-an, deformasi alam yang mereka adopsi, kaum puritan berjuang untuk transfer bentuk objek yang stabil dan ringkas secara rasional, seolah-olah "dibersihkan" dari detail, ke citra elemen “primer”. Karya-karya puritan dicirikan oleh kerataan, ritme halus dari siluet cahaya, dan kontur objek dengan jenis yang sama (kendi, gelas, dll.). Karena belum menerima pengembangan dalam bentuk kuda-kuda, prinsip-prinsip purisme artistik yang pada dasarnya dipikirkan kembali sebagian tercermin dalam arsitektur modern, terutama di gedung-gedung Le Corbusier.

Serrealisme- gerakan kosmopolitan dalam sastra, lukisan, dan sinema yang muncul pada tahun 1924 di Prancis dan secara resmi mengakhiri keberadaannya pada tahun 1969. Ini sangat berkontribusi pada pembentukan kesadaran manusia modern. Tokoh utama gerakan Andre Breton- penulis, pemimpin dan inspirasi ideologis gerakan, Louis Aragon- salah satu pendiri surealisme, yang dengan cara aneh kemudian menjelma menjadi penyanyi komunisme, Salvador Dali- artis, ahli teori, penyair, penulis skenario, yang mendefinisikan esensi gerakan dengan kata-kata: "Surrealisme adalah saya!", seorang sinematografer yang sangat surealis Luis Bunuel, artis Juan Miro- "bulu terindah di topi surealisme", demikian Breton menyebutnya, dan banyak seniman lain di seluruh dunia.

Fauvisme(dari bahasa Prancis les fauves - liar (binatang)) Arah lokal dalam melukis awal. abad ke-20 Nama F. diberikan sebagai ejekan kepada sekelompok seniman muda Paris ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), yang ikut serta dalam sejumlah pameran pada tahun 1905-1907, setelah pameran pertama mereka pada tahun 1905. Nama tersebut diadopsi oleh grup itu sendiri dan berdiri kokoh di belakangnya. Arahan tersebut tidak memiliki program yang dirumuskan dengan jelas, manifesto atau teorinya sendiri dan tidak bertahan lama, namun meninggalkan jejak yang nyata dalam sejarah seni. Para pesertanya dipersatukan pada tahun-tahun itu oleh keinginan untuk membuat gambar artistik secara eksklusif dengan bantuan warna terbuka yang sangat cerah. Mengembangkan pencapaian artistik Post-Impresionis ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), dengan mengandalkan beberapa teknik formal seni abad pertengahan (kaca patri, seni romantik) dan ukiran Jepang, yang populer di kalangan artistik Prancis sejak zaman Impresionis, Fauvis berusaha memaksimalkan penggunaan kemungkinan pewarnaan lukisan.

Ekspresionisme(dari ekspresi Prancis - ekspresif) - tren modernis dalam seni Eropa Barat, terutama di Jerman, sepertiga pertama abad ke-20, yang berkembang dalam periode sejarah tertentu - menjelang Perang Dunia Pertama. Basis ideologis ekspresionisme adalah protes individualistis terhadap dunia yang jelek, keterasingan manusia yang semakin besar dari dunia, perasaan tunawisma, keruntuhan, dan disintegrasi prinsip-prinsip yang tampaknya menjadi sandaran kuat budaya Eropa. Ekspresionis cenderung tertarik pada mistisisme dan pesimisme. Karakteristik teknik artistik ekspresionisme: penolakan ruang ilusi, keinginan untuk interpretasi planar objek, deformasi objek, cinta untuk disonansi warna-warni yang tajam, warna khusus yang mewujudkan drama apokaliptik. Seniman menganggap kreativitas sebagai cara untuk mengekspresikan emosi.

Suprematisme(dari lat. supremus - tertinggi, tertinggi; pertama; terakhir, ekstrim, tampaknya, melalui supremasi Polandia - superioritas, supremasi) Arah seni avant-garde sepertiga pertama abad ke-20, pencipta, perwakilan utama, dan ahli teori di antaranya adalah seniman Rusia Kazimir Malevich. Istilah itu sendiri tidak mencerminkan esensi Suprematisme. Padahal, dalam pemahaman Malevich, ini adalah karakteristik yang diperkirakan. Suprematisme adalah tahap tertinggi dalam perkembangan seni di jalan pembebasan dari segala sesuatu yang non-artistik, di jalan menuju pengungkapan terakhir dari non-objektif sebagai inti dari seni apa pun. Dalam pengertian ini, Malevich juga menganggap seni hias primitif sebagai Suprematis (atau "mirip tertinggi"). Dia pertama kali menerapkan istilah ini pada sekelompok besar lukisannya (39 atau lebih) yang menggambarkan abstraksi geometris, termasuk "Lapangan Hitam" yang terkenal dengan latar belakang putih, "Salib Hitam", dll., Dipamerkan di pameran Petrograd Futurist "zero- sepuluh" pada tahun 1915 Di balik abstraksi geometris ini dan yang serupa itulah nama Suprematisme dilampirkan, meskipun Malevich sendiri menyebutnya banyak dari karyanya tahun 20-an, yang secara lahiriah berisi beberapa bentuk benda konkret, terutama figur orang, tetapi tetap mempertahankan “Semangat suprematis”. Dan nyatanya, perkembangan teoretis Malevich selanjutnya tidak memberikan dasar untuk mereduksi Suprematisme (setidaknya Malevich sendiri) hanya menjadi abstraksi geometris, meskipun mereka, tentu saja, merupakan inti, esensi, dan bahkan (hitam putih dan putih dan putih). Suprematisme) membawa seni lukis ke batas keberadaannya secara umum sebagai bentuk seni, yaitu ke nol bergambar, di luar itu tidak ada lagi lukisan yang tepat. Jalur ini pada paruh kedua abad ini dilanjutkan dengan berbagai arah dalam kegiatan seni yang meninggalkan kuas, cat, dan kanvas.

Rusia garda depan Tahun 1910-an menyajikan gambaran yang agak rumit. Ini ditandai dengan perubahan gaya dan tren yang cepat, banyaknya kelompok dan asosiasi seniman, yang masing-masing memproklamasikan konsep kreativitasnya sendiri. Hal serupa terjadi pada lukisan Eropa di awal abad ini. Namun, pencampuran gaya, "kekacauan" arus dan arah tidak diketahui di Barat, di mana gerakan menuju bentuk baru lebih konsisten. Banyak master generasi muda dengan kecepatan luar biasa berpindah dari gaya ke gaya, dari panggung ke panggung, dari impresionisme ke modernitas, kemudian ke primitivisme, kubisme atau ekspresionisme, melewati banyak langkah, yang sama sekali tidak lazim bagi para ahli lukisan Prancis atau Jerman. . Situasi yang berkembang dalam seni lukis Rusia sebagian besar disebabkan oleh suasana pra-revolusioner di negara tersebut. Dia memperburuk banyak kontradiksi yang melekat pada semua seni Eropa secara keseluruhan, karena. Seniman Rusia mempelajari model Eropa, sangat mengenal berbagai sekolah dan tren bergambar. Semacam "ledakan" Rusia dalam kehidupan artistik memainkan peran sejarah. Pada tahun 1913, seni Rusialah yang mencapai batas dan cakrawala baru. Fenomena non-objektivitas yang benar-benar baru muncul - garis yang tidak berani dilintasi oleh Kubisme Prancis. Satu per satu mereka melewati garis ini: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kubofuturisme Tren lokal dalam avant-garde Rusia (dalam lukisan dan puisi) pada awal abad ke-20. Dalam seni visual, kubo-futurisme muncul atas dasar pemikiran ulang penemuan bergambar, kubisme, futurisme, dan neo-primitivisme Rusia. Karya-karya utama diciptakan pada periode 1911-1915. Lukisan kubo-futurisme yang paling khas muncul dari bawah kuas K. Malevich, dan juga ditulis oleh Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Karya kubo-futuristik pertama oleh Malevich dipamerkan di pameran terkenal tahun 1913. "Target", di mana Luchism Larionov juga memulai debutnya. Secara tampilan, karya kubo-futuristik memiliki kesamaan dengan komposisi yang dibuat pada saat yang sama oleh F. Leger dan merupakan komposisi semi objektif yang terdiri dari bentuk-bentuk berwarna volumetrik berongga berbentuk silinder, kerucut, labu, cangkang, seringkali dengan kilau metalik. Sudah dalam karya pertama Malevich, ada kecenderungan nyata untuk berpindah dari ritme alami ke ritme mekanis murni dari dunia mesin (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Potret Klyun, 1913).

neoplastisisme- salah satu jenis seni abstrak paling awal. Itu dibuat pada tahun 1917 oleh pelukis Belanda P. Mondrian dan seniman lain yang merupakan bagian dari asosiasi Gaya. Neoplastisisme dicirikan, menurut penciptanya, oleh keinginan untuk "harmoni universal", yang diekspresikan dalam kombinasi yang sangat seimbang dari bentuk persegi panjang besar, dipisahkan dengan jelas oleh garis hitam tegak lurus dan dicat dengan warna lokal dari spektrum utama (dengan tambahan warna putih dan nada abu-abu). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Istilah ini muncul di Belanda pada abad ke-20. Pie Mondrian ia mendefinisikan konsep plastiknya, disistematisasi dan dipertahankan oleh grup dan majalah "Style" ("De Stiji") yang didirikan di Leiden pada tahun 1917. Ciri utama neoplastisisme adalah penggunaan cara ekspresif yang ketat. Neoplastisisme hanya memungkinkan garis horizontal dan vertikal untuk membangun bentuk. Melintasi garis pada sudut siku-siku adalah prinsip pertama. Sekitar tahun 1920, yang kedua ditambahkan ke dalamnya, yang menghilangkan goresan dan menekankan bidang, membatasi warna menjadi merah, biru dan kuning, mis. tiga warna primer murni yang hanya dapat ditambahkan putih dan hitam. Dengan bantuan ketelitian ini, neoplastisisme bermaksud melampaui individualitas untuk mencapai universalisme dan dengan demikian menciptakan gambaran baru tentang dunia.

"baptisan" resmi orfisme terjadi di Salon des Indépendants pada tahun 1913. Jadi kritikus Roger Allard menulis dalam laporannya tentang Salon: "... kami mencatat untuk sejarawan masa depan bahwa pada tahun 1913 sekolah baru Orphism lahir ..." ("La Cote" Paris 19 Maret 1913). Dia digaungkan oleh kritikus lain Andre Varno: "Salon 1913 ditandai dengan lahirnya sekolah baru sekolah Orphic" ("Comoedia" Paris 18 Maret 1913). Akhirnya Guillaume Apollinaire memperkuat pernyataan ini dengan berseru, bukannya tanpa rasa bangga: “Ini adalah Orphisme. Di sini, untuk pertama kalinya, tren yang saya perkirakan ini muncul” (“Montjoie!” Tambahan Paris tanggal 18 Maret 1913). Memang, istilah itu ditemukan Apollinaire(Orphisme sebagai kultus Orpheus) dan pertama kali diumumkan kepada publik selama kuliah tentang lukisan modern dan dibacakan pada Oktober 1912. Apa maksudnya? Dia sendiri sepertinya tidak mengetahuinya. Selain itu, dia tidak tahu bagaimana menentukan batas arah baru ini. Sebenarnya, kebingungan yang masih ada hingga saat ini disebabkan oleh fakta bahwa Apollinaire secara tidak sadar mengacaukan dua masalah yang saling berhubungan, tentunya, tetapi sebelum mencoba menghubungkannya, dia seharusnya menekankan perbedaannya. Di satu sisi, penciptaan Delaunay ekspresif bergambar berarti sepenuhnya didasarkan pada warna dan, di sisi lain, perluasan kubisme melalui munculnya beberapa arah yang berbeda. Setelah putus dengan Marie Laurencin pada akhir musim panas 1912, Apollinaire mencari perlindungan dari keluarga Delaunay, yang menerimanya dengan pengertian yang bersahabat di bengkel mereka di Rue Grand-Augustin. Baru musim panas ini, Robert Delaunay dan istrinya mengalami evolusi estetika mendalam yang mengarah pada apa yang kemudian disebutnya sebagai "periode destruktif" lukisan yang hanya didasarkan pada kualitas konstruktif dan spatio-temporal dari kontras warna.

Postmodernisme (postmodern, postavant-garde) -

(dari Lat. pasca "setelah" dan modernisme), nama kolektif untuk tren artistik yang menjadi sangat jelas pada tahun 1960-an dan dicirikan oleh revisi radikal terhadap posisi modernisme dan avant-garde.

ekspresionisme abstrak tahap pasca perang (akhir 40-an - 50-an abad XX) dalam perkembangan seni abstrak. Istilah itu sendiri diperkenalkan pada 1920-an oleh seorang kritikus seni Jerman E. von Sydow (E. von Sydow) untuk merujuk pada aspek-aspek tertentu dari seni ekspresionis. Pada tahun 1929, American Barr menggunakannya untuk mengkarakterisasi karya-karya awal Kandinsky, dan pada tahun 1947 ia menyebut karya-karya itu "abstrak-ekspresionis". Willem de Kooning dan Pollock. Sejak itu, konsep ekspresionisme abstrak telah dikonsolidasikan di balik bidang lukisan abstrak (dan kemudian seni pahat) yang cukup luas, beraneka ragam gaya dan teknis, yang berkembang pesat di tahun 50-an. di AS, di Eropa, dan kemudian di seluruh dunia. Nenek moyang langsung ekspresionisme abstrak dianggap yang paling awal Kandinsky, ekspresionis, orfis, sebagian dadais dan surealis dengan prinsip otomatisme mental mereka. Basis filosofis dan estetika dari ekspresionisme abstrak sebagian besar adalah filosofi eksistensialisme, yang populer pada periode pasca perang.

Readymade(Bahasa Inggris ready-made - ready) Istilah ini pertama kali diperkenalkan ke dalam leksikon sejarah seni oleh senimannya Marcel Duchamp untuk menunjuk karya mereka, yang merupakan objek penggunaan utilitarian, dikeluarkan dari lingkungan fungsi normalnya dan dipamerkan tanpa perubahan apa pun pada pameran seni sebagai karya seni. Ready-Made mengklaim tampilan baru pada benda dan benda. Sebuah objek yang berhenti memenuhi fungsi utilitariannya dan dimasukkan dalam konteks ruang seni, yaitu menjadi objek kontemplasi non-utilitarian, mulai mengungkapkan beberapa makna baru dan gerakan asosiatif, yang tidak diketahui oleh seni tradisional atau seni. lingkup keberadaan sehari-hari-utilitarian. Masalah relativitas estetika dan utilitarian muncul dengan tajam. Siap Pakai Pertama Duchamp dipamerkan di New York pada tahun 1913. Karya Ready-Made-nya yang paling terkenal. baja "Roda dari sepeda" (1913), "Pengering botol" (1914), "Air Mancur" (1917) - begitulah sebutan untuk urinoir biasa.

Seni pop. Setelah Perang Dunia Kedua, lapisan sosial besar orang terbentuk di Amerika yang menghasilkan cukup uang untuk membeli barang yang tidak terlalu penting bagi mereka. Misalnya, konsumsi barang: Coca cola atau celana jins Levi's menjadi atribut penting masyarakat ini. Seseorang yang menggunakan produk ini atau itu menunjukkan kepemilikannya pada strata sosial tertentu. Budaya massa saat ini terbentuk. Segala sesuatu menjadi simbol, stereotip. Seni pop tentu menggunakan stereotip dan simbol. seni pop(Seni Pop) mewujudkan pencarian kreatif orang Amerika baru, yang mengandalkan prinsip kreatif Duchamp. Ini: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, lainnya. Seni pop mengambil peran penting dalam budaya massa, sehingga tidak mengherankan jika ia terbentuk dan menjadi gerakan seni di Amerika. Sekutu mereka: Hamelton R, Ton Cina dipilih sebagai otoritas Kurt Schwieters. Seni pop dicirikan oleh sebuah karya - ilusi permainan yang menjelaskan esensi objek. Contoh: pai K. Oldenburg digambarkan dengan berbagai cara. Seorang seniman mungkin tidak menggambarkan kue, tetapi menghilangkan ilusi, menunjukkan bahwa seseorang melihat secara nyata. R. Rauschenberg juga asli: dia menempelkan berbagai foto ke kanvas, menguraikannya, dan menempelkan boneka binatang ke karya itu. Salah satu karyanya yang terkenal adalah boneka landak. Yang juga terkenal adalah lukisannya, di mana dia menggunakan foto-foto Kenedy.

Primitivisme (Seni Naif). Konsep ini digunakan dalam beberapa pengertian dan sebenarnya identik dengan konsep tersebut "seni primitif". Dalam bahasa yang berbeda dan oleh ilmuwan yang berbeda, konsep ini paling sering digunakan untuk merujuk pada rangkaian fenomena yang sama dalam budaya artistik. Dalam bahasa Rusia (serta beberapa lainnya), istilah "primitif" memiliki arti yang agak negatif. Oleh karena itu, lebih tepat untuk fokus pada konsep seni naif. Dalam arti luas, ini mengacu pada seni rupa, yang dibedakan oleh kesederhanaan (atau penyederhanaan), kejelasan dan kesegeraan formal dari bahasa bergambar dan ekspresif, dengan bantuan yang diekspresikan oleh visi khusus dunia yang tidak dibebani oleh konvensi peradaban. . Konsep tersebut muncul dalam budaya Eropa baru pada abad-abad terakhir, oleh karena itu mencerminkan posisi dan gagasan profesional budaya ini, yang menganggap dirinya sebagai tahap perkembangan tertinggi. Dari posisi tersebut, seni naif juga berarti seni kuno masyarakat kuno (peradaban pra-Mesir atau pra-Yunani), misalnya seni primitif; seni orang-orang yang tertunda dalam perkembangan budaya dan peradaban mereka (penduduk asli Afrika, Oseania, orang Indian Amerika); seni amatir dan non-profesional dalam skala terluas (misalnya, lukisan dinding abad pertengahan Catalonia yang terkenal atau seni non-profesional imigran Amerika pertama dari Eropa); banyak karya yang disebut "Gotik internasional"; Kesenian rakyat; dan terakhir, seni seniman primitivis berbakat abad ke-20, yang tidak mengenyam pendidikan seni profesional, tetapi merasakan anugerah kreativitas artistik dalam diri mereka dan mengabdikan diri pada realisasi mandiri dalam seni. Beberapa dari mereka (Perancis A. Russo, K. Bombois, Georgia N. Pirosmanishvili, Kroasia I. Generalich, Amerika SAYA. Robertson dan lain-lain) telah menciptakan karya seni sejati yang telah menjadi bagian dari khazanah seni dunia Seni naif, dalam hal visinya tentang dunia dan metode penyajian artistiknya, agak dekat dengan seni anak-anak, di satu sisi. tangan, dan untuk pekerjaan orang sakit jiwa, di sisi lain. Namun, pada dasarnya berbeda dari keduanya. Hal yang paling dekat dalam pandangan dunia dengan seni anak-anak adalah seni Naif dari masyarakat kuno dan penduduk asli Oseania dan Afrika. Perbedaan mendasarnya dari seni anak-anak terletak pada kesakralan, tradisionalisme, dan kanonisitasnya yang dalam.

tidak ada seni(Net Art - dari bahasa Inggris net - network, art - art) Bentuk seni terbaru, praktik seni modern, berkembang di jaringan komputer, khususnya di Internet. Para peneliti di Rusia, yang berkontribusi pada perkembangannya, O. Lyalina, A. Shulgin, percaya bahwa esensi Net-art bermuara pada penciptaan komunikasi dan ruang kreatif di Web, memberikan kebebasan penuh jaringan bagi semua orang. Oleh karena itu, inti dari Net-art. bukan representasi, tetapi komunikasi, dan unit seni aslinya adalah pesan elektronik. Setidaknya ada tiga tahapan dalam perkembangan Net-art yang muncul pada tahun 80-an dan 90-an. abad ke-20 Yang pertama adalah ketika calon seniman web membuat gambar dari huruf dan ikon yang ditemukan di keyboard komputer. Yang kedua dimulai ketika artis underground dan semua orang yang ingin menunjukkan sesuatu dari karya mereka datang ke Internet.

OP-ART(eng. Op-art - versi singkat dari seni optik - seni optik) - gerakan artistik paruh kedua abad ke-20, menggunakan berbagai ilusi visual berdasarkan fitur persepsi figur datar dan spasial. Arus melanjutkan garis rasionalistik teknik (modernisme). Ini kembali ke apa yang disebut abstraksionisme "geometris", yang perwakilannya adalah V. Vasarely(dari 1930 hingga 1997 dia bekerja di Prancis) - pendiri seni op. Kemungkinan Op-art telah menemukan beberapa aplikasi dalam grafik industri, poster, dan seni desain. Arah seni op (seni optik) berasal dari tahun 50-an dalam abstraksionisme, meskipun kali ini variasinya berbeda - abstraksi geometris. Distribusinya sebagai tanggal saat ini kembali ke tahun 60-an. abad ke-20

Coretan(grafiti - dalam arkeologi, gambar atau huruf apa pun yang tergores di permukaan apa pun, dari bahasa Italia graffiare - coretan) Ini adalah sebutan untuk karya subkultur, yang sebagian besar merupakan gambar format besar di dinding bangunan umum, bangunan, transportasi, dibuat menggunakan berbagai jenis senjata semprot, kaleng cat aerosol. Karenanya nama lain "seni semprot" - Seni semprot. Asalnya dikaitkan dengan munculnya grafiti secara massal. di tahun 70-an. di gerbong kereta bawah tanah New York, lalu di dinding gedung umum, simpan tirai. Penulis pertama grafiti. sebagian besar adalah seniman muda yang menganggur dari etnis minoritas, terutama orang Puerto Rico, oleh karena itu, di Graffiti pertama, beberapa fitur gaya seni rakyat Amerika Latin muncul, dan fakta penampilan mereka di permukaan yang tidak dimaksudkan untuk ini, penulisnya memprotes mereka posisi tak berdaya. Pada awal tahun 80-an. seluruh tren master yang hampir profesional G. dibentuk Nama asli mereka, yang sebelumnya disembunyikan dengan nama samaran, mulai dikenal ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, TERLIHAT, DAZE). Beberapa dari mereka mentransfer tekniknya ke kanvas dan mulai memamerkan di galeri di New York, dan segera grafiti muncul di Eropa.

HIPERREALALISME(hiperrealisme - Inggris), atau fotorealisme (fotorealisme - Inggris) - artis. gerak dalam seni lukis dan pahat, berdasarkan fotografi, reproduksi realitas. Baik dalam praktiknya maupun dalam orientasi estetiknya terhadap naturalisme dan pragmatisme, hiperrealisme dekat dengan seni pop. mereka terutama dipersatukan oleh kembali ke kiasan. Ini bertindak sebagai antitesis terhadap konseptualisme, yang tidak hanya memutuskan representasi, tetapi juga mempertanyakan prinsip realisasi material seni. konsep.

seni tanah(dari seni tanah Inggris - seni tanah), arah dalam seni sepertiga terakhirXXabad, berdasarkan penggunaan lanskap nyata sebagai bahan dan objek artistik utama. Seniman menggali parit, membuat tumpukan batu yang aneh, mengecat batu, memilih tempat-tempat yang biasanya sepi untuk tindakan mereka - pemandangan alam yang masih asli dan liar, dengan demikian, seolah-olah berusaha mengembalikan seni ke alam. Berkat miliknya<первобытному>Secara tampilan, banyak aksi dan objek semacam ini yang dekat dengan arkeologi, serta seni foto, karena mayoritas masyarakat hanya dapat merenungkannya dalam rangkaian foto. Sepertinya kita harus menerima barbarisme lain dalam bahasa Rusia. Saya tidak tahu apakah itu kebetulan istilah itu<лэнд-арт>muncul di akhir 60-an pada saat di masyarakat maju semangat pemberontakan dari tubuh siswa mengarahkan kekuatannya untuk menggulingkan nilai-nilai yang sudah mapan.

MINIMALISME(seni minimal - bahasa Inggris: seni minimal) - artis. aliran yang berasal dari transformasi minimal bahan yang digunakan dalam proses kreativitas, kesederhanaan dan keseragaman bentuk, monokrom, kreatif. pengendalian diri artis. Minimalisme dicirikan oleh penolakan terhadap subjektivitas, representasi, ilusionisme. Menolak klasik kreativitas dan tradisi. artistik bahan, minimalis menggunakan bahan industri dan alami geometris sederhana. bentuk dan warna netral (hitam, abu-abu), volume kecil, serial, metode konveyor produksi industri digunakan. Artefak dalam konsep minimalis kreativitas merupakan hasil yang telah ditentukan dari proses produksinya. Setelah menerima perkembangan paling lengkap dalam seni lukis dan pahat, minimalisme diartikan dalam arti luas sebagai ekonomi seniman. dana, menemukan aplikasi dalam bentuk seni lainnya, terutama teater dan bioskop.

Minimalisme berasal dari Amerika Serikat di trans. lantai. 60-an Asal-usulnya dalam konstruktivisme, suprematisme, dadaisme, abstraksionisme, Amer formalistik. lukisan tahun 1950-an, seni pop. Langsung pelopor minimalis. adalah seorang Amer. artis F.Stella, yang mempersembahkan pada tahun 1959-60 serangkaian "Lukisan Hitam", di mana garis lurus teratur berlaku. Karya minimalis pertama kali muncul pada tahun 1962-63 Istilah "minimalis". milik R. Walheim, yang memperkenalkannya dalam kaitannya dengan analisis kreativitas M.Duchamp dan artis pop, meminimalkan intervensi artis di lingkungan. Sinonimnya adalah "seni keren", "seni ABC", "seni serial", "struktur primer", "seni sebagai proses", "seni sistematis". lukisan". Di antara minimalis yang paling representatif adalah − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Mereka dipersatukan oleh keinginan untuk menyesuaikan artefak dengan lingkungan, mengalahkan tekstur alami bahan. D.Jade mendefinisikannya sebagai "spesifik. objek”, berbeda dari yang klasik. karya plastik. seni. Independen, pencahayaan berperan sebagai cara untuk menciptakan seni minimalis. situasi, solusi spasial asli; metode komputer penciptaan karya digunakan.