Antička tema u ruskoj umjetnosti 20. stoljeća. Ruska likovna umjetnost XX stoljeća. Glavni pravci ruskog slikarstva dvadesetog stoljeća

Ovo vrijeme smatra se vrhuncem ruskog slikarstva i uvođenjem realizma u njega. Društvene pojave i revolucije u zemlji imale su poseban utjecaj na umjetnost. U slikarstvu je već postojala cenzura i kritika. Značajan pečat na stvaralaštvo slikara ostavila je tadašnja vlast. Gotovo svaki domaći umjetnik bio je dužan naslikati barem jednu sliku posvećenu novoj politici i novom društvenom poretku.

Glavni pravci ruskog slikarstva dvadesetog stoljeća

U razdoblju 20. stoljeća označio je kraj ruskog realizma u slikarstvu i početak sovjetskog ili socijalističkog. Vrijeme Velikog rata smatra se posebnim, koje se odlikovalo jedinstvenim pokretom partije i naroda. Vojne slike izazvale su senzaciju i relevantne su u sadašnjem razdoblju. Najmanje je pogođena socijalistička struja pejzažnog žanra.

Ruska avangarda

Riječ "avangarda" znači inovacija, napredni pokret. Domaća avangarda spaja radikalna strujanja slikarstva. U početku se to nazivalo modernizam, nova umjetnost, apstrakcionizam i drugim imenima. Prvi pogledi u pravcu pojavili su se u predratnim godinama. Ruska avangarda kombinira momente kao što su apsolutno odbacivanje prošlosti u kulturi i ujedinjenje procesa destrukcije i stvaranja. U slikarstvu istovremeno postoji mjesto za agresiju, želju za uništavanjem starih umjetničkih vrijednosti i stvaranje nečeg sasvim drugog.

U tom smjeru, prije svega, vrijedi istaknuti Vasilija Kandinskog, koji je naslikao slike "Šareni život", "Pjesma Volge", "Bijeli oval", "Moskva. Crveni trg". U avangardiste spada i Kazimir Malevich, koji je predstavnik supermatizma, jednog od avangardnih pokreta. Ova struja karakterizira završnu fazu umjetnosti, odsutnost predmeta. O njemu su počeli govoriti nakon pojavljivanja platna s geometrijskim apstrakcijama.

socijalistički realizam

Nakon revolucije i mnogih preokreta i promjena, u likovnoj umjetnosti počinje novo razdoblje i novi smjer. Odgovarao je tom vremenu i zvao se socijalistički realizam. To su zahtijevali vlast i narod. Socijalistički realizam odlikovao se prisutnošću herojstva, izraženih vođa, ljudi, događaja, istine stranke, a ne vizije samog umjetnika. Totalitarno društvo promijenilo je rusko slikarstvo do neprepoznatljivosti. Sastojao se uglavnom od slika posvećenih povijesnim događajima tog vremena, herojima i vođama države, kao i svakodnevnom životu jednostavnog radnika.

Mnogi su ga nazvali "oštrim stilom", jer u njemu nije bilo iluzija, nagađanja, dječje nepažnje. Na platnima je prikazana samo nemilosrdna istina. Herojstvo toga vremena ležalo je u unutarnjoj napetosti i naporima vođe. U socijalističkom realizmu rad je bio poziv, a heroji pioniri i graditelji. Na kraju stoljeća, zajedno s kolapsom sovjetske kulture, dolazi novi smjer u ruskom slikarstvu.

Postmodernizam

Novi smjer u ruskom slikarstvu došao je zamijeniti modernizam, što nije bilo sasvim jasno u društvu. Postmodernizam karakteriziraju fotografske slike. Slika je što bliža izvornom izgledu. Stil se odlikuje tipološkim obilježjima. Prije svega, gotova forma. Slikari koriste klasične slike, ali ih tumače na nov način, daju im ekskluzivnost. Vrlo često, predstavnici postmodernizma kombiniraju oblike iz nekoliko smjerova, dajući blagu ironiju slici i neku vrstu sekundarnog.

Još jedna značajka smjera je nedostatak pravila. U postmodernizmu umjetnik ima potpunu kontrolu nad izborom oblika i načina prikazivanja svoje slike. Određena sloboda dala je svjež dah umjetnosti uopće. Bilo je umjetničkih instalacija i performansa. Postmodernizam u slikarstvu također karakterizira odsustvo jasnih tehnika i opća globalna popularnost. Vrhunac ovog smjera došao je 90-ih godina 20. stoljeća. Njegovi najistaknutiji predstavnici su umjetnici: A. Menus, M. Tkačev, S. Nosova, D. Dudnik.

Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja jednostavno je. Koristite obrazac u nastavku

Studenti, diplomanti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u svom studiju i radu bit će vam vrlo zahvalni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

Federalna agencija za obrazovanje

Državna obrazovna ustanova

visoko stručno obrazovanje

povijest umjetnosti

Kontrolni kolegij

Ruska umjetnost kasnog 19. - početka 20. stoljeća

Uvod

Slika

Konstantin Aleksejevič Korovin

Valentin Aleksandrovič Serov

Mihail Aleksandrovič Vrubel

"Svijet umjetnosti"

"Savez ruskih umjetnika"

"Jack of Diamonds"

"Unija mladih"

Arhitektura

Skulptura

Bibliografija

Uvod

Ruska kultura s kraja XIX - početka XX. stoljeća složeno je i kontroverzno razdoblje u razvoju ruskog društva. Kultura prijelaza stoljeća uvijek sadrži elemente prijelaznog doba, koje uključuje tradicije kulture prošlosti i inovativne tendencije nove kulture u nastajanju. Postoji prijenos tradicija i ne samo prijenos, već nastanak novih, a sve je to povezano s burnim procesom traženja novih putova razvoja kulture, ispravljenih društvenim razvojem ovog vremena. Prijelaz stoljeća u Rusiji je razdoblje velikih promjena koje se spremaju, promjena državnog sustava, promjena klasične kulture 19. stoljeća u novu kulturu 20. stoljeća. Potraga za novim načinima razvoja ruske kulture povezana je s asimilacijom progresivnih trendova zapadne kulture. Raznolikost pravaca i škola obilježje je ruske kulture na prijelazu stoljeća. Zapadni trendovi isprepliću se i nadopunjuju modernim, ispunjenim specifično ruskim sadržajem. Značajka kulture ovog razdoblja je njezina usmjerenost na filozofsko razumijevanje života, potreba za izgradnjom cjelovite slike svijeta, gdje umjetnost, uz znanost, igra veliku ulogu. U žarištu ruske kulture kasnog 19. - početka 20. stoljeća bila je osoba koja postaje svojevrsna poveznica u šarolikoj raznolikosti škola i područja znanosti i umjetnosti, s jedne strane, i svojevrsno polazište za analizu svih najraznovrsniji kulturni artefakti, s druge strane. Otuda snažan filozofski temelj koji je u osnovi ruske kulture na prijelazu stoljeća.

Ističući najvažnije prioritete u razvoju ruske kulture s kraja XIX - početka XX. stoljeća, ne mogu se zanemariti njezine najvažnije karakteristike. Kraj 19. - početak 20. stoljeća u povijesti ruske kulture obično se naziva ruskom renesansom ili, u usporedbi sa zlatnim Puškinovim dobom, srebrnim dobom ruske kulture.

Na prijelazu stoljeća razvio se stil koji je zahvatio sve plastične umjetnosti, počevši prvenstveno od arhitekture (u kojoj je dugo dominirao eklekticizam) do grafike, koji je nazvan secesijskim stilom. Ovaj fenomen nije nedvosmislen, u modernosti postoji i dekadentna pretencioznost, pretencioznost, dizajnirana uglavnom za buržoaske ukuse, ali postoji i želja za jedinstvom stila koja je značajna sama po sebi. Stil secesije je nova faza u sintezi arhitekture, slikarstva i dekorativne umjetnosti.

U likovnoj umjetnosti secesija se iskazala: u kiparstvu - fluidnošću oblika, posebnom izražajnošću siluete, dinamizmom kompozicija; u slikarstvu - simbolizam slika, ovisnost o alegoriji. simbolika moderna avangarda srebro

Ruski simbolisti odigrali su važnu ulogu u razvoju estetike srebrnog doba. Simbolizam se kao pojava u književnosti i umjetnosti prvi put javlja u Francuskoj u posljednjoj četvrtini 19. stoljeća da bi se do kraja stoljeća proširio većim dijelom Europe. Ali nakon Francuske, u Rusiji se simbolizam ostvaruje kao najmasovniji, najznačajniji i najoriginalniji fenomen u kulturi. Ruski simbolizam isprva je imao u osnovi iste preduvjete kao zapadni simbolizam: "krizu pozitivnog svjetonazora i morala". Glavno načelo ruskih simbolista je estetizacija života i želja za različitim oblicima zamjene estetike za logiku i moral. Prije svega, ruski simbolizam karakterizira razgraničenje s tradicijama revolucionarno-demokratskih "šezdesetih" i narodnjaštvom, s ideologizacijom ateizma, utilitarizmom. Prema ruskim simbolistima, oni odgovaraju načelima "čiste", slobodne umjetnosti.

Još jedan upečatljiv fenomen Srebrnog doba koji je stekao svjetski značaj je umjetnost i estetika avangarde. U prostoru već nabrojenih područja estetske svijesti avangardne umjetnike odlikovao je naglašeno buntovan karakter. Krizu klasične kulture, umjetnosti, vjere, društvenosti, državnosti s oduševljenjem su doživljavali kao prirodno umiranje, uništavanje starog, zastarjelog, nebitnog, a sebe su realizirali kao revolucionare, rušitelje i grobare „svakog starudija“ i tvorce sve novo, općenito, nova rasa u nastajanju. Nietzscheove ideje o nadčovjeku, koje je razvio P. Uspenski, mnogi su avangardni umjetnici doslovno shvatili i isprobali, osobito futuristi, na sebi.

Odatle buntovništvo i sablažnjivost, želja za svim suštinski novim u sredstvima umjetničkog izražavanja, u načelima pristupa umjetnosti, težnja da se granice umjetnosti proširuju dok ona ne zaživi, ​​ali na posve drugačijim načelima od onih predstavnika teurgijske estetike. Život za avangardiste 10-ih. 20. stoljeće - ovo je, prije svega, revolucionarna pobuna, anarhistička pobuna. Apsurd, kaos, anarhija po prvi put se shvaćaju kao sinonimi suvremenosti i to upravo kao stvaralački pozitivni principi koji se temelje na potpunom nijekanju racionalnog načela u umjetnosti i kultu iracionalnog, intuitivnog, nesvjesnog, besmislenog, nejasnog, bezobličnog itd. . Glavni pravci ruske avangarde bili su: apstrakcionizam (Vasilij Kandinski), suprematizam (Kazimir Maljevič), konstruktivizam (Vladimir Tatlin), kubofuturizam (kubizam, futurizam) (Vladimir Majakovski).

Slika

Za slikare prijelaza stoljeća karakteristični su drugačiji načini izražavanja od onih lutalica, drugi oblici umjetničkog stvaralaštva - u slikama koje su proturječne, komplicirane i odražavaju suvremenost bez ilustrativnosti i narativnosti. Umjetnici bolno tragaju za skladom i ljepotom u svijetu koji je fundamentalno tuđi i harmoniji i ljepoti. Zato su mnogi svoju misiju vidjeli u njegovanju osjećaja za lijepo. Ovo vrijeme "predvečerja", iščekivanja promjena u javnom životu, iznjedrilo je mnoge trendove, udruživanja, grupiranja, sukob različitih svjetonazora i ukusa. No, iznjedrila je i univerzalizam čitave generacije umjetnika koji su nastupili nakon "klasičnih" lutalica.

Impresionistička pouka u plenerističkom slikarstvu, kompozicija "nasumičnog kadriranja", široka slobodna slikovna manira - sve je to rezultat evolucije u razvoju likovnih sredstava u svim žanrovima prijelaza stoljeća. U potrazi za "ljepotom i skladom" umjetnici se okušavaju u različitim tehnikama i umjetničkim oblicima - od monumentalnog slikarstva i kazališne scenografije do oblikovanja knjiga i umjetničkog obrta.

Žanrovsko slikarstvo razvija se 1990-ih, ali se razvija nešto drugačije nego u "klasičnom" pokretu Lutanja 1970-ih i 1980-ih. Tako se seljačka tema otkriva na nov način. S. A. Korovin (1858-1908) prikazuje rascjep u seoskoj zajednici na slici “O svijetu” (1893).

Na prijelazu stoljeća u povijesnoj tematici ocrtava se pomalo osebujan put. Tako, na primjer, A. P. Ryabushkin (1861.-1904.) radi više u povijesnom žanru nego u čisto povijesnom žanru. “Ruske žene 17. stoljeća u crkvi” (1899), “Vjenčani voz u Moskvi. XVII stoljeće ”(1901) - ovo su svakodnevne scene iz života Moskve u XVII stoljeću. Rjabuškinova stilizacija ogleda se u plošnosti slike, u posebnom sustavu plastičnog i linearnog ritma, u shemi boja izgrađenoj na svijetlim glavnim bojama, u općem dekorativnom rješenju. Ryabushkin hrabro unosi lokalne boje u plenerski krajolik, na primjer, u "Svadbenom vlaku ..." - crvena boja vagona, velike mrlje svečane odjeće na pozadini tamnih zgrada i snijega, međutim, u najfinijim nijansama boja. Pejzaž uvijek poetično prenosi ljepotu ruske prirode.

Novu vrstu slikarstva, u kojoj se folklorne umjetničke tradicije savladavaju na posve poseban način i prevode na jezik moderne umjetnosti, stvorio je F. A. Malyavin (1869.-1940. Njegove slike „žena” i „djevojaka” imaju stanovitu simbolično značenje - zdravo tlo Rusija.Njegove su slike uvijek ekspresivne, a iako su to u pravilu štafelajna djela, pod umjetnikovim kistom dobivaju monumentalnu i dekorativnu interpretaciju.“Smijeh” (1899., Muzej moderne umjetnosti, Venecija) , “Vihor” (1906.) realistična je slika seljanki koje se zarazno glasno smiju ili nekontrolirano jure u kolu, no taj je realizam drugačiji nego u drugoj polovici stoljeća na cijelom platnu.

M. V. Nesterov (1862.-1942.) bavi se temom drevne Rusije, ali se slika Rusije pojavljuje na umjetnikovim slikama kao neka vrsta idealnog, gotovo začaranog svijeta, u skladu s prirodom, ali je zauvijek nestao poput legendarnog grada Kiteža. Taj istančani osjećaj za prirodu, oduševljenje svijetom, pred svakim stablom i vlati trave posebno dolazi do izražaja u jednom od najpoznatijih Nesterovljevih djela predrevolucionarnog razdoblja - "Viđenje mladog Bartolomeja" (1889.-1890., ). U razotkrivanju zapleta slike postoje iste stilske značajke kao one Rjabuškinove, ali uvijek se izražava duboko lirski osjećaj ljepote prirode, kroz koji se provlači visoka duhovnost likova, njihovo prosvjetljenje, njihovo otuđenje od prenosi se svjetovna vreva.

M.V. Nesterov se mnogo bavio religioznim monumentalnim slikarstvom. Murali su uvijek posvećeni drevnoj ruskoj temi (na primjer, u Gruziji - Aleksandru Nevskom). U Nesterovljevim zidnim slikama ima mnogo uočenih stvarnih znakova, posebno u krajoliku, portretnim značajkama - na slici svetaca. U umjetnikovoj težnji za plošnim tumačenjem kompozicije elegancije, ornamentalnosti, rafinirane profinjenosti plastičnih ritmova očitovao se nesumnjiv utjecaj secesije.

Sam pejzažni žanr razvija se krajem 19. stoljeća također na nov način. Levitan je zapravo dovršio potragu za Lutalicama u krajoliku. Novu riječ na prijelazu stoljeća trebao je reći K.A. Korovin, V.A. Serov i M.A. Vrubel.

Konstantin Aleksejevič Korovin

Za briljantnog kolorista Korovina, svijet se pojavljuje kao "buna boja". Izdašno obdaren od prirode, Korovin se bavio i portretom i mrtvom prirodom, ali ne bi bilo pogrešno reći da mu je pejzaž ostao najdraži žanr. U umjetnost je donio snažne realističke tradicije svojih učitelja iz Moskovske škole slikarstva, kiparstva i arhitekture - Savrasova i Polenova, ali ima drugačiji pogled na svijet, postavlja druge zadatke. Pleneristički je počeo slikati rano, već u portretu pjevačice iz 1883. vidi se njegov samostalan razvoj načela plenerizma, utjelovljenih tada u nizu portreta nastalih u ostavštini S. Mamontova u Abramcevu. (“U čamcu”, portret T.S. Lyubatovicha i dr.), u sjevernim krajolicima, izvedeno tijekom ekspedicije S. Mamontova na sjever (“Zima u Laponiji”). Njegovi francuski pejzaži, objedinjeni nazivom "Pariška svjetla", već su potpuno impresionistička slika, sa svojom najvišom kulturom etide. Oštri, trenutni dojmovi života velikog grada: tihe ulice u različito doba dana, predmeti rastopljeni u svjetlozračnom okruženju, oblikovani dinamičnim, “drhtavim”, vibrirajućim potezom, bujica takvih poteza koji stvaraju iluzija vela kiše ili gradskog zraka zasićenog tisućama različitih para, - karakteristike koje podsjećaju na krajolike Maneta, Pissarra, Moneta. Korovin je temperamentan, emotivan, impulzivan, teatralan, otuda svijetli sjaj i romantični zanos njegovih pejzaža (“Pariz. Bulevar kapucina”, 1906., Državna Tretjakovska galerija; “Pariz noću. Talijanski bulevar”, 1908.). Ista obilježja impresionističke etide, slikarskog maestra, markantne likovnosti Korovin zadržava i u svim ostalim žanrovima, prvenstveno u portretu i mrtvoj prirodi, ali iu dekorativnim panoima, u primijenjenoj umjetnosti, u kazališnoj scenografiji, kojom se bavio cijeli život ( Portret Šaljapina, 1911., Ruski muzej; "Riba, vino i voće" 1916., Državna Tretjakovska galerija).

Korovinov velikodušni dar za slikanje briljantno se očitovao u kazališnom i dekorativnom slikarstvu. Kao kazališni slikar radio je za Kazalište Abramcevo (a Mamontov ga je možda prvi cijenio kao kazališnog umjetnika), za Moskovski hudožestveni teatar, za Moskovsku privatnu rusku operu, gdje je i počelo njegovo životno prijateljstvo sa Šaljapinom, za poduzeće Djagiljev. Korovin je podigao kazališnu scenografiju i značaj umjetnika u kazalištu na novu razinu, napravio je čitavu revoluciju u shvaćanju uloge umjetnika u kazalištu i svojim živopisnim, "spektakularnim" scenografijama izvršio veliki utjecaj na svoje suvremenike. , otkrivajući samu bit glazbene izvedbe.

Valentin Aleksandrovič Serov

Jedan od najvećih umjetnika, inovator ruskog slikarstva na prijelazu stoljeća, bio je Valentin Aleksandrovič Serov (1865.-1911.). Serov je odgojen među istaknutim ličnostima ruske glazbene kulture (otac mu je poznati skladatelj, majka pijanistica), učio je kod Rjepina i Čistjakova.

Serov često slika predstavnike umjetničke inteligencije: pisce, umjetnike, umjetnike (portreti K. Korovina, 1891., Državna Tretjakovska galerija; Levitan, 1893., Državna Tretjakovska galerija; Jermolova, 1905., Državna Tretjakovska galerija). Svi su različiti, sve ih tumači duboko individualno, ali sve obasjava svjetlo intelektualne isključivosti i nadahnutog stvaralačkog života.

Portret, pejzaž, mrtva priroda, domaće, povijesno slikarstvo; ulje, gvaš, tempera, ugljen - teško je pronaći i slikarske i grafičke žanrove u kojima Serov ne bi radio, i materijale koje ne bi koristio.

Posebna tema u radu Serova je seljak. U njegovom seljačkom žanru nema putujuće socijalne oštrine, ali ima osjećaja za ljepotu i sklad seljačkog života, divljenja zdravoj ljepoti ruskog naroda (“Na selu. Žena s konjem”, na karti , pastel, 1898., Državna Tretjakovska galerija). Zimski krajolici posebno su izvrsni svojim srebrno-bisernim rasponom boja.

Serov je povijesnu temu interpretirao na svoj način: "kraljevske lovove" s užitcima Elizabete i Katarine II prenio je umjetnik novog vremena, ironičan, ali i uvijek diveći se ljepoti života u 18. stoljeću. Serovljev interes za 18. stoljeće javlja se pod utjecajem Svijeta umjetnosti i u vezi s radom na izdavanju Povijesti velikog kneza, cara i carskog lova u Rusiji.

Serov je bio duboko misaoni umjetnik, stalno u potrazi za novim oblicima umjetničkog ostvarenja stvarnosti. Inspiriran secesijskim idejama o plošnosti i povećanoj dekorativnosti ogledao se ne samo u povijesnim kompozicijama, već iu njegovom portretu plesačice Ide Rubinstein, u njegovim skicama za Otmicu Europe i Odiseju i Navzikai (obje 1910., Državna Tretjakovska galerija, karton, tempera). Značajno je da se Serov na kraju života okreće antičkom svijetu. U poetskoj legendi, koju on tumači slobodno, izvan klasičnih kanona, želi pronaći sklad, traganju za kojim je umjetnik posvetio sav svoj rad.

Mihail Aleksandrovič Vrubel

Stvaralački put Mihaila Aleksandroviča Vrubela (1856.-1910.) bio je izravniji, iako u isto vrijeme neobično složen. Prije Umjetničke akademije (1880.) Vrubel je diplomirao na Pravnom fakultetu Sveučilišta u Petrogradu. Godine 1884. odlazi u Kijev da nadzire restauraciju freski u crkvi sv. Ćirila i sam stvara nekoliko monumentalnih kompozicija. Izrađuje akvarelne skice zidnih slika Vladimirske katedrale. Skice nisu prenesene na zidove, jer je kupac bio uplašen njihovom nekanonskom i ekspresivnošću.

U 90-ima, kada se umjetnik nastanio u Moskvi, formirao se Vrubelov stil pisanja, pun misterije i gotovo demonske snage, koji se ne može zamijeniti ni s jednim drugim. Oblikuje oblik poput mozaika, od oštrih "fasetiranih" komada različitih boja, kao da svijetle iznutra ("Djevojka na pozadini perzijskog tepiha", 1886., KMRI; "Gatarka", 1895., Državna Tretjakovska galerija) . Kombinacije boja ne odražavaju stvarnost odnosa boja, već imaju simbolično značenje. Priroda nema moć nad Vrubelom. On je poznaje, savršeno je posjeduje, ali stvara vlastiti svijet mašte, malo nalik stvarnosti. Gravitira književnim temama koje tumači apstraktno, nastojeći stvoriti vječne slike velike duhovne snage. Pa se, lativši se ilustracija za “Demona”, ubrzo odstupa od načela izravne ilustracije (“Tamarin ples”, “Ne plači, dijete, ne plači uzalud”, “Tamara u lijesu” itd.). ). Slika Demona središnja je slika cjelokupnog Vrubelovog djela, njegova glavna tema. Godine 1899. napisao je "Leteći demon", 1902. - "Poniženi demon". Vrubelov demon je, prije svega, stvorenje koje pati. Patnja u njemu prevladava nad zlom, a to je osobitost nacionalne ruske interpretacije slike. Suvremenici su, s pravom primijećeno, u njegovim “Demonima” vidjeli simbol sudbine intelektualca – romantičara, koji buntovno pokušava pobjeći iz stvarnosti lišene harmonije u nestvarni svijet snova, ali zaronjen u grubu stvarnost ovozemaljskog.

Svoje najzrelije slike i grafike Vrubel stvara na prijelazu stoljeća - u žanru pejzaža, portreta, ilustracije knjige. U organizaciji i dekorativno-plošnoj interpretaciji platna ili platna, u spoju stvarnog i fantastičnog, u opredjeljenju za ornamentalna, ritmički složena rješenja u njegovim djelima ovoga razdoblja sve više dolaze do izražaja obilježja moderne.

Kao i K. Korovin, Vrubel je puno radio u kazalištu. Njegove najbolje scenografije izvedene su za opere Rimskog-Korsakova Snježna djevojka, Sadko, Priča o caru Saltanu i druge na pozornici Moskovske privatne opere, odnosno za ona djela koja su mu dala priliku da "komunicira" s ruskim folklorom. , bajka, legenda.

Univerzalizam talenta, bezgranična mašta, izuzetna strast u afirmaciji plemenitih ideala razlikuju Vrubela od mnogih njegovih suvremenika.

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov

Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov (1870.-1905.) neposredni je predstavnik slikovnog simbolizma. Njegova su djela elegična tuga za starim praznim "plemićkim gnijezdima" i umirućim "višnjacima", za lijepim ženama, produhovljenim, gotovo nezemaljskim, odjevenim u nekakve bezvremenske kostime koji ne nose vanjske oznake mjesta i vremena.

Njegovi štafelajni radovi najviše nalikuju ne samo na ukrasne ploče, već na tapiserije. Prostor je riješen krajnje uvjetno, plošno, figure su gotovo eterične, poput, primjerice, djevojaka kraj ribnjaka na slici "Jezerce" (1902., tempera, Državna Tretjakovska galerija), uronjenih u snenu meditaciju, u duboka kontemplacija. Izblijedjele, blijedosive nijanse boja pojačavaju cjelokupni dojam krhke, nezemaljske ljepote i anemičnog, sablasnog, koji se proteže ne samo na ljudske slike, već i na prirodu koju on prikazuje. Nije slučajno Borisov-Musatov jedno od svojih djela nazvao "Duhovi" (1903., tempera, Državna Tretjakovska galerija): tihe i neaktivne ženske figure, mramorne statue uz stepenice, polugolo stablo - izblijedjela gama plavetnila, sivi, ljubičasti tonovi pojačavaju sablasnost prikazanog.

"Svijet umjetnosti"

"Svijet umjetnosti" - organizacija koja je nastala u Sankt Peterburgu 1898. godine i ujedinila majstore najviše umjetničke kulture, umjetničku elitu Rusije tih godina. "Svijet umjetnosti" postao je jedan od najvećih fenomena ruske umjetničke kulture. Gotovo svi poznati umjetnici sudjelovali su u ovoj udruzi.

U uredničkim člancima prvih brojeva časopisa iznesene su glavne odredbe "Svijeta umjetnosti" o autonomiji umjetnosti, da su problemi moderne kulture isključivo problemi umjetničke forme, te da je glavna zadaća umjetnosti da obrazovati estetske ukuse ruskog društva, prvenstveno kroz upoznavanje s djelima svjetske umjetnosti. Moramo im odati priznanje: zahvaljujući svijetu umjetnosti, engleska i njemačka umjetnost doista je cijenjena na nov način, a što je najvažnije, rusko slikarstvo 18. stoljeća i arhitektura petrogradskog klasicizma postali su otkriće za mnoge. "Svijet umjetnosti" borio se za "kritiku kao umjetnost", proklamirajući ideal kritičara-umjetnika visoke profesionalne kulture i erudicije. Tip takvog kritičara utjelovio je jedan od tvoraca Svijeta umjetnosti, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" su organizirali izložbe. Prvi je bio i jedini međunarodni koji je osim Rusa okupio umjetnike iz Francuske, Engleske, Njemačke, Italije, Belgije, Norveške, Finske itd. Na njemu su sudjelovali i petrogradski i moskovski slikari i grafičari. Ali pukotina između ove dvije škole - peterburške i moskovske - bila je vidljiva već gotovo od prvog dana. U ožujku 1903. zatvorena je posljednja, peta izložba Svijeta umjetnosti, u prosincu 1904. izašao je posljednji broj časopisa Svijet umjetnosti. Većina umjetnika prešla je u "Savez ruskih umjetnika" organiziran na temelju moskovske izložbe "36", pisci - u časopis New Way koji je otvorila grupa Merežkovskog, moskovski simbolisti ujedinjeni oko časopisa "Vesy", glazbenici organizirali " Večeri suvremene glazbe", Djagiljev se potpuno posvetio baletu i kazalištu.

Godine 1910. pokušalo se udahnuti život "Svijetu umjetnosti" (na čelu s Roerichom). Slava je stigla u “Svijet umjetnosti”, ali “Svijet umjetnosti” u biti više nije postojao, iako je formalno udruga postojala sve do ranih 1920-ih (1924.) - uz potpuni nedostatak integriteta, na bezgraničnoj toleranciji i fleksibilnosti stavova. Druga generacija "Svijeta umjetnosti" bila je manje zaokupljena problemima štafelajnog slikarstva, zanimala ih je grafika, uglavnom knjiga, te kazališna i dekorativna umjetnost, u oba područja izvršili su pravu umjetničku reformu. U drugoj generaciji "Svijeta umjetnosti" također je bilo velikih pojedinaca (Kustodijev, Sudeikin, Serebrjakova, Čehonjin, Grigorjev, Jakovljev, Šuhajev, Mitrohin itd.), ali uopće nije bilo inovativnih umjetnika.

Vodeći umjetnik "Svijeta umjetnosti" bio je K. A. Somov (1869.-1939.). Sin glavnog kustosa Ermitaža, koji je diplomirao na Umjetničkoj akademiji i putovao po Europi, Somov je stekao izvrsno obrazovanje. Kreativna zrelost došla mu je rano, ali, kako je istraživač (V. N. Petrov) ispravno primijetio, uvijek je imao neku dvojnost - borbu između snažnog realističkog instinkta i bolno emocionalnog svjetonazora.

Somov, kakvog ga poznajemo, pojavio se na portretu umjetnice Martynove ("Dama u plavom", 1897.-1900., Državna Tretjakovska galerija), na portretnoj slici "Odjek prošlog vremena" (1903., na karti, akva. , gvaš, Državna Tretjakovska galerija), gdje stvara poetsku karakterizaciju krhke, anemične ženske ljepote dekadentnog modela, odbijajući prenijeti stvarne svakodnevne znakove modernosti. Modele odijeva u starinsku nošnju, njihovom izgledu daje obilježja tajne patnje, tuge i sanjarenja, bolne slomljenosti.

Somov posjeduje niz grafičkih portreta svojih suvremenika - intelektualne elite (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky itd.), u kojima koristi jednu opću tehniku: na bijeloj pozadini - u određenom bezvremenskom sfera - crta lice, sličnost u kojoj se ne postiže naturalizacijom, već hrabrim generalizacijama i prikladnim odabirom karakterističnih detalja. Taj nedostatak znakova vremena stvara dojam statičnosti, ukočenosti, hladnoće, gotovo tragične usamljenosti.

Somov se prije svih u Svijetu umjetnosti okrenuo temama prošlosti, interpretaciji 18. stoljeća. ("Pismo", 1896.; "Povjerljivosti", 1897.), kao preteča Benoisovih versajskih pejzaža. On prvi stvara nadrealan svijet, satkan od motiva plemićke, vlasteoske i dvorske kulture i vlastitih čisto subjektivnih umjetničkih senzacija, prožetih ironijom. Historicizam "Svijeta umjetnosti" bio je bijeg od stvarnosti. Ne prošlost, nego njezino insceniranje, čežnja za nepovratnošću - to je njihov glavni motiv. Ne prava zabava, nego igra zabave s poljupcima u uličicama - takav je Somov.

Idejni vođa "Svijeta umjetnosti" bio je A. N. Benois (1870-1960) - neobično svestran talent. Slikar, štafelajni grafičar i ilustrator, kazališni umjetnik, redatelj, autor baletnih libreta, teoretičar i povjesničar umjetnosti, glazbenik, bio je, prema riječima A. Belog, glavni političar i diplomat "Svijeta umjetnosti". Kao umjetnika, sa Somovim ga vežu stilske sklonosti i ovisnost o prošlosti (“Opijen sam Versaillesom, to je neka vrsta bolesti, ljubavi, zločinačke strasti ... potpuno sam se preselio u prošlost ...”) . U krajolicima Versaillesa Benois je spojio povijesnu rekonstrukciju 17. stoljeća. i suvremeni dojmovi umjetnika, njegova percepcija francuskog klasicizma, francuska gravira. Otuda jasna kompozicija, jasna prostornost, veličina i hladna strogost ritmova, suprotnost između grandioznosti spomenika umjetnosti i malenosti ljudskih figura, koje su među njima samo kadrovi (1. versajska serija 1896.-1898. pod naslovom "Posljednje šetnje Luja XIV"). U drugoj versailleskoj seriji (1905.-1906.) ironija, koja je također karakteristična za prve listove, obojena je gotovo tragičnim notama (“Kraljev hod”, c., gvaš, akva, zlato, srebro, pero, 1906. , Državna Tretjakovska galerija). Benoisovo razmišljanje je mišljenje kazališnog umjetnika par excellence, koji je vrlo dobro poznavao i osjećao kazalište.

Benois percipira prirodu u asocijativnoj vezi s poviješću (pogledi na Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo, koje je izveo u tehnici akvarela).

Ilustrator Benois (Puškin, Hoffman) cijela je stranica u povijesti knjige. Za razliku od Somova, Benois stvara narativnu ilustraciju. Ravnina stranice za njega nije sama sebi cilj. Remek-djelo knjižne ilustracije bilo je grafičko oblikovanje Brončanog konjanika (1903., 1905., 1916., 1921.-1922., tuš i akvarel oponašanje drvoreza u boji). U nizu ilustracija za veliku pjesmu glavni lik je arhitektonski krajolik Petrograda, čas svečano patetičan, čas miran, čas zlokoban, naspram kojeg se lik Eugena čini još beznačajnijim. Tako Benois izražava tragični sukob između sudbine ruske državnosti i osobne sudbine malog čovjeka („I cijelu noć jadni luđak, / Gdje god okrene noge, / Brončani konjanik svuda s njim / S težak galop galopirao”).

Kao kazališni umjetnik, Benois je dizajnirao predstave "Ruskih sezona", od kojih je najpoznatiji balet "Petruška" na glazbu Stravinskog, mnogo je radio u Moskovskom umjetničkom kazalištu, a kasnije - na gotovo svim velikim europske pozornice.

Posebno mjesto u "Svijetu umjetnosti" zauzima N. K. Roerich (1874-1947). Poznavatelj filozofije i etnografije Istoka, arheolog-znanstvenik, Roerich je stekao izvrsno obrazovanje, najprije kod kuće, zatim na pravnom i povijesno-filološkom fakultetu Sveučilišta u Sankt Peterburgu, zatim na Akademiji umjetnosti, u radionici Kuindžija, a u Parizu u ateljeu F. Cormona. Rano je stekao autoritet znanstvenika. Sa "Svijetom umjetnosti" vezala ga je ista ljubav prema retrospekciji, samo ne u 17.-18. stoljeću, nego u poganskoj slavenskoj i skandinavskoj antici, u staroj Rusiji; stilske tendencije, kazališna dekorativnost (»Glasnik«, 1897., Državna Tretjakovska galerija; »Starci se slažu«, 1898., Ruski muzej; »Zlokobni«, 1901., Ruski muzej). Roerich je bio najuže povezan s filozofijom i estetikom ruskog simbolizma, ali se njegova umjetnost nije uklapala u okvire postojećih strujanja, jer se, u skladu s umjetnikovim svjetonazorom, okrenula, takoreći, cijelom čovječanstvu s apel za prijateljsko sjedinjenje svih naroda. Otuda posebna epskost njegovih slika.

Nakon 1905. raspoloženje panteističkog misticizma je raslo u Roerichovom radu. Povijesne teme ustupaju mjesto vjerskim legendama (Nebeska bitka, 1912., Ruski muzej). Ruska ikona imala je veliki utjecaj na Roericha: njegova dekorativna ploča Bitka kod Kerženca (1911.) bila je izložena tijekom izvedbe istoimenog ulomka iz opere Rimskog-Korsakova Priča o nevidljivom gradu Kitežu i djevojci Fevroniji u pariške ruske sezone.

“Svijet umjetnosti” bio je veliki estetski pokret na prijelazu stoljeća, koji je preispitao cjelokupnu modernu umjetničku kulturu, odobrio nove ukuse i probleme, vratio umjetnosti – na najvišoj profesionalnoj razini – izgubljene oblike knjižne grafike i kazališne umjetnosti. i dekorativno slikarstvo, koje je njihovim djelovanjem steklo općeeuropsko priznanje, stvorilo je novu likovnu kritiku, koja je promicala rusku umjetnost u inozemstvu, dapače, otvorila neke njezine pozornice, poput ruskog 18. stoljeća. "Svijet umjetnosti" stvorio je novi tip povijesne slike, portreta, pejzaža sa svojim stilskim obilježjima (izrazite stilske tendencije, prevlast grafičkih tehnika nad slikarskima, čisto dekorativno shvaćanje boje i dr.). To određuje njihov značaj za rusku umjetnost.

Slabosti "Svijeta umjetnosti" prvenstveno su se ogledale u šarolikosti i nedosljednosti programa, proklamiranju modela "ili Böcklin, pa Manet"; u idealističkim pogledima na umjetnost, u afektiranoj ravnodušnosti prema građanskim zadaćama umjetnosti, u programskoj apatiji, u gubitku društvenog značenja slike. Intimnost "Svijeta umjetnosti", njegov čisti estetizam odredili su kratko povijesno razdoblje njegova života u doba strašnih tragičnih predznaka nadolazeće revolucije. Bili su to tek prvi koraci na putu kreativnih traganja, a vrlo brzo mladi su prestigli studente Svijeta umjetnosti.

"Savez ruskih umjetnika"

Godine 1903. osnovana je jedna od najvećih izložbenih udruga s početka stoljeća, Savez ruskih umjetnika. Isprva su u njega ušle gotovo sve istaknute ličnosti "Svijeta umjetnosti" - Benois, Bakst, Somov, Vrubel, Borisov-Musatov bili su sudionici prvih izložbi. Inicijatori stvaranja udruge bili su moskovski umjetnici povezani sa "Svijetom umjetnosti", ali opterećeni programskom estetikom Petersburgaca.

Nacionalni pejzaž, s ljubavlju slikane slike seljačke Rusije - jedan od glavnih žanrova umjetnika "Unije", u kojem se "ruski impresionizam" izrazio na osebujan način sa svojim pretežno ruralnim, a ne urbanim motivima. Dakle, pejzaži I.E. Grabar (1871.-1960.) svojim lirskim ugođajem, s najfinijim slikarskim nijansama koje odražavaju trenutne mijene prave prirode, svojevrsna je paralela na ruskom tlu francuskom impresionističkom pejzažu (“Rujanski snijeg”, 1903., Državna Tretjakovska galerija). Grabarjev interes za razlaganje vidljive boje na spektralne, čiste boje palete povezuje ga i s neoimpresionizmom, s J. Seuratom i P. Signacom ("Ožujski snijeg", 1904., Državna Tretjakovska galerija). Igra boja u prirodi, složeni koloristički efekti postaju predmet pomnog proučavanja "Saveznika", koji na platnu stvaraju slikoviti i plastično figurativni svijet, lišen narativnosti i ilustrativnosti.

Uz sav interes za prijenos svjetla i zraka u slikarstvu majstora "Unije", nikada se ne promatra otapanje predmeta u svjetlozračnom mediju. Boja postaje dekorativna.

"Saveznici", za razliku od Peterburžana - grafičara "Svijeta umjetnosti" - uglavnom su slikari s naglašenim dekorativnim osjećajem za boju. Izvrstan primjer za to su slike F.A. Maljavin.

U cjelini, Saveznici su gravitirali ne samo prema plenerističkim studijama, već i prema monumentalnim slikovnim formama. Do 1910. godine, u vrijeme raskola i sekundarnog formiranja "Svijeta umjetnosti", na izložbama "Unije" mogao se vidjeti intimistički pejzaž (Vinogradov, Yuon i dr.), slikarstvo blisko francuskom divizionizmu (Grabar). , rani Larionov) ili bliski simbolizmu (P. Kuznjecov, Sudeikin); na njima su sudjelovali i umjetnici Djagiljevljevog "Svijeta umjetnosti" - Benois, Somov, Bakst.

"Savez ruskih umjetnika", sa svojim čvrstim realističkim temeljima, koji je odigrao značajnu ulogu u domaćoj likovnoj umjetnosti, imao je određeni utjecaj na formiranje sovjetske slikarske škole, koja je postojala do 1923. godine.

Časopis Zlatno runo organizirao je 1907. godine u Moskvi jedinu izložbu umjetnika Borisova-Musatova pod nazivom Plava ruža. P. Kuznetsov postao je vodeći umjetnik Plave ruže. “Plavi medvjedići” najbliži su simbolizmu, što je izraženo prvenstveno u njihovom “jeziku”: nepostojanost raspoloženja, nejasna, neprevodiva muzikalnost asocijacija, profinjenost odnosa boja. Estetska platforma sudionika izložbe također je imala učinak u narednim godinama, a ime ove izložbe postalo je poznato ime za čitav trend u umjetnosti druge polovice 900-ih. Cjelokupna djelatnost "Plave ruže" također nosi najjači pečat utjecaja secesije (plošno-dekorativna stilizacija oblika, hiroviti linearni ritmovi).

Radovi P. V. Kuznjecova (1878.-1968.) odražavaju osnovna načela Plavih medvjeda. Kuznjecov je stvorio dekorativnu pano-sliku u kojoj je nastojao apstrahirati od svakodnevne konkretnosti, prikazati jedinstvo čovjeka i prirode, postojanost vječnog ciklusa života i prirode, rađanje ljudske duše u tom skladu. Odatle želja za monumentalnim oblicima slikarstva, snovito-kontemplativnim, pročišćenim od svega trenutnog, univerzalnim, bezvremenskim notama, stalna želja za prenošenjem duhovnosti materije. Figura je samo znak koji izražava pojam; boja služi za prenošenje osjećaja; ritam - kako bi se uveo u određeni svijet osjeta (kao u ikonopisu - simbol ljubavi, nježnosti, tuge itd.). Odatle i prijem jednolike raspodjele svjetla po cijeloj površini platna kao jedan od temelja Kuznjecovljeve dekorativnosti. Serov je rekao da priroda P. Kuznjecova "diše". To je savršeno izraženo u njegovim kirgiškim (stepskim) i buharskim apartmanima, u krajolicima srednje Azije. Kuznjecov je proučavao tehnike staroruskog ikonopisa, rane talijanske renesanse. Ovo obraćanje klasičnim tradicijama svjetske umjetnosti u potrazi za vlastitim velikim stilom, kako su točno primijetili istraživači, bilo je od temeljne važnosti u razdoblju kada su se bilo kakve tradicije često u potpunosti nijekale.

Egzotika Istoka - Irana, Egipta, Turske - ostvarena je u pejzažima M. S. Saryana (1880.-1972.). Istok je bio prirodna tema za armenskog umjetnika. Saryan u svom slikarstvu stvara svijet pun jarke dekorativnosti, strastveniji, zemaljskiji od Kuznjecova, a slikovno rješenje uvijek je izgrađeno na kontrastnim odnosima boja, bez nijansi, u oštroj usporedbi sjena (“Datulja, Egipat”, 1911. , karte. , tempera, GTG).

Slike Saryana monumentalne su zbog generalizacije oblika, velikih šarenih ploha, opće lapidarnosti jezika - to je, u pravilu, generalizirana slika Egipta, Perzije, rodne Armenije, uz zadržavanje vitalne prirodnosti, kao ako je napisano iz prirode. Saryanova dekorativna platna uvijek su vesela, odgovaraju njegovoj ideji kreativnosti: „... umjetničko djelo je sam rezultat sreće, odnosno kreativnog rada. Slijedom toga, trebalo bi zapaliti plamen kreativnog izgaranja u gledatelju, pridonijeti prepoznavanju njegove prirodne želje za srećom i slobodom.

"Jack of Diamonds"

Godine 1910. niz mladih umjetnika - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova i drugi - ujedinili su se u organizaciju Jack of Diamonds, koja je imala svoj vlastitu povelju, priređivala izložbe i izdavala vlastite zbirke članaka. “Jack of Diamonds” je zapravo postojao do 1917. Kako je postimpresionizam, prvenstveno Cezanne, bio “reakcija na impresionizam”, tako se “Jack of Diamonds” suprotstavio nedorečenosti, neprevodivosti, najsuptilnijim nijansama simboličkog jezika “Plavog”. Rose” i estetski stilizam “Svijeta umjetnosti” . "Dijamantni lapar", ponesen materijalnošću, "materijalnošću" svijeta, ispovijedao je jasnu konstrukciju slike, naglašavao objektivnost forme, intenzitet, punoću kolorita. Nije slučajno što mrtva priroda postaje omiljeni žanr „Valetovaca“, baš kao što pejzaž postaje omiljeni žanr članova Saveza ruskih umjetnika. Suptilnost u prenošenju promjene raspoloženja, psihologizam karakteristika, nedorečenost stanja, dematerijalizacija slike "Plavih nositelja", njihovu romantičnu poeziju odbijaju "Valetovci". Njima se suprotstavlja gotovo spontana svetkovina boja, ekspresija konturnog crteža, sočno pastozni široki način pisanja, koji prenose optimističnu viziju svijeta, stvarajući gotovo farsično, kvadratno raspoloženje. "Klave of Diamonds" dopuštaju takva pojednostavljenja u tumačenju forme, koja su slična popularnom popularnom printu, narodnoj igrački, oslikanim pločicama, natpisnoj ploči. Žudnja za primitivizmom (od latinskog primitivusa - primitivan, početni) očitovala se u raznim umjetnicima koji su oponašali pojednostavljene oblike umjetnosti takozvanih primitivnih epoha - primitivnih plemena i narodnosti - u potrazi za postizanjem neposrednosti i cjelovitosti umjetničke percepcije. “Dijamanti” je svoje percepcije crpio iz Cezannea (otuda ponekad i naziv “ruski sezanizam”), još više iz kubizma (“pomicanje” oblika) pa čak i iz futurizma (dinamika, razne modifikacije oblika.

Krajnje pojednostavljenje forme, izravna povezanost s umjetnošću znakovlja posebno je uočljiva kod M.F. Larionov (1881-1964), jedan od osnivača "Jack of Diamonds", ali je već 1911. raskinuo s njim. Larionov slika krajolike, portrete, mrtve prirode, radi kao kazališni umjetnik antrepreze Diaghilev, zatim se okreće žanrovskom slikarstvu, njegova tema je život provincijske ulice, vojničke vojarne. Forme su plošne, groteskne, kao da su namjerno stilizirane kao dječji crtež, popularni otisak ili natpis. Godine 1913. Larionov je objavio svoju knjigu "Luchism" - zapravo, prvi od manifesta apstraktne umjetnosti, čiji su pravi tvorci u Rusiji bili V. Kandinski i K. Malevich.

Umjetnik N.S. Gončarova (1881.-1962.), Larionovljeva žena, razvila je iste tendencije u svojim žanr slikama, uglavnom na seljačku temu. U promatranim godinama, u njezinom radu, dekorativnijem i šarenijem od umjetnosti Larionova, monumentalnom u svojoj unutarnjoj snazi ​​i lakonizmu, oštro se osjeća strast prema primitivizmu. Opisujući rad Gončarove i Larionova, često se koristi izraz "neoprimitivizam".

M.Z. Chagall (1887.-1985.) stvara fantazije pretočene iz dosadnih dojmova života malog grada Vitebska i interpretirane u naivno-poetskom i groteskno-simboličkom duhu. Nadrealnim prostorom, svijetlim bojama, namjernom primitivizacijom oblika, Chagall se pokazuje bliskim i zapadnom ekspresionizmu i primitivnoj narodnoj umjetnosti (“Ja i selo”, 1911., Muzej suvremene umjetnosti, New York; “Nad Vitebskom”, 1914. , suradnik Zak. Toronto; "Vjenčanje", 1918., Državna Tretjakovska galerija).

"Unija mladih"

Savez mladih petrogradska je organizacija nastala gotovo istodobno s Jack of Diamonds (1909). Glavnu ulogu u njemu igrao je L. Zheverzheev. Kao i "valetovci", članovi "Unije mladih" izdavali su teorijske zbirke. Sve do propasti udruge 1917. god. "Unija mladih" nije imala poseban program, ispovijedajući i simbolizam, i kubizam, i futurizam, i "bezpredmetnost", ali je svaki od umjetnika imao svoje kreativno lice.

Umjetnost predrevolucionarnih godina u Rusiji obilježena je neobičnom složenošću i nedosljednošću umjetničkih traženja, otuda i sukcesivna grupiranja s vlastitim programskim postavkama i stilskim simpatijama. Ali uz eksperimentatore na polju apstraktnih formi u ruskoj umjetnosti tog vremena, "Svijet umjetnosti" i "goluboroziti", "saveznici", "lapovi dijamanata" nastavili su raditi u isto vrijeme, postojao je i snažna struja neoklasicističkih struja, čiji primjer može biti rad aktivnog člana "mirske umjetnosti" u njegovoj "drugoj generaciji" Z. E. Serebryakova (1884-1967). U svojim poetskim žanrovskim platnima lakonskog crteža, opipljivo senzualne plastike i uravnoteženosti kompozicije, Serebryakova dolazi iz visokih nacionalnih tradicija ruske umjetnosti, prvenstveno venecijanovske i još dalje - staroruske umjetnosti ("Seljaci", 1914., Ruski muzej; “Žetva”, 1915., Umjetnički muzej u Odesi; “Bijeljenje platna”, 1917., Državna Tretjakovska galerija).

Konačno, briljantan dokaz vitalnosti nacionalnih tradicija, veliko drevno rusko slikarstvo je djelo K. S. Petrov-Vodkina (1878.-1939.), umjetnika-mislioca koji je kasnije postao najistaknutiji majstor umjetnosti sovjetskog razdoblja. U poznatoj slici Kupanje crvenog konja (1912., pet) umjetnik je pribjegao figurativnoj metafori. Kao što je ispravno primijećeno, mladić na jarko crvenom konju izaziva asocijacije na popularnu sliku svetog Jurja Pobjedonosca ("Sveti Jegor"), a generalizirana silueta, ritmična, kompaktna kompozicija, zasićenost kontrastnih mrlja u boji koje zvuk punom snagom, a plošnost u tumačenju oblika vodi u sjećanje na drevnu rusku ikonu. Skladno prosvijetljenu sliku stvorio je Petrov-Vodkin u monumentalnoj slici "Djevojke na Volgi" (1915., Državna Tretjakovska galerija), u kojoj također osjeća svoju orijentaciju prema tradicijama ruske umjetnosti, vodeći majstora do prave nacionalnosti.

Arhitektura

Doba visoko razvijenog industrijskog kapitalizma uvjetovalo je značajne promjene u arhitekturi, prvenstveno u arhitekturi grada. Javljaju se nove vrste arhitektonskih objekata: tvornice, kolodvori, trgovine, banke, pojavom kina - kina. Prevrat su napravili novi građevinski materijali: armirani beton i metalne konstrukcije, što je omogućilo zatvaranje gigantskih prostora, izradu ogromnih izloga i stvaranje bizarnog uzorka uveza.

U posljednjem desetljeću 19. stoljeća arhitektima je postalo jasno da je u korištenju povijesnih stilova prošlosti arhitektura zašla u slijepu ulicu, prema istraživačima, potrebno je, prema istraživačima, ne „preuređivati“ povijesne stilova, već kreativno shvatiti novo što se nakupljalo u okruženju naglo rastućeg kapitalističkog grada. Posljednje godine 19. – početak 20. stoljeća vrijeme su dominacije moderne u Rusiji, koja se na Zapadu formirala prvenstveno u belgijskoj, južnonjemačkoj i austrijskoj arhitekturi, fenomenu općenito kozmopolitskom (iako se ovdje ruska moderna razlikuje od zapadne). europski, jer je mješavina s povijesnom neorenesansom, neobarokom, neorokokoom itd.).

Upečatljiv primjer secesije u Rusiji bio je rad F.O. Šehtel (1859--1926). Profitabilne kuće, vile, zgrade trgovačkih društava i kolodvora - u svim žanrovima Shekhtel je ostavio svoj rukopis. Za njega je učinkovita asimetrija zgrade, organsko povećanje volumena, drugačija priroda pročelja, uporaba balkona, trijemova, erkera, sandrika iznad prozora, uvođenje stilizirane slike ljiljana ili irisa u arhitektonski dekor, uporaba vitraja s istim ornamentskim motivom, različite teksture materijala u uređenju interijera. Bizaran uzorak, građen na zavojima linija, proteže se na sve dijelove građevine: mozaički friz, omiljen u secesiji, ili pojas glaziranih keramičkih pločica u izblijedjelim dekadentnim bojama, uveze od vitraja, uzorak ograde, balkonske rešetke; na sastavu stepenica, čak i na namještaju itd. Hiroviti zakrivljeni obrisi dominiraju svime. U secesiji se može pratiti izvjesna evolucija, dva razvojna stupnja: prvi je dekorativni, s posebnom strašću prema ornamentu, dekorativnoj skulpturi i slikarstvu (keramika, mozaik, vitraji), drugi je više konstruktivan, racionalistički.

Art Nouveau je dobro zastupljen u Moskvi. U tom su razdoblju ovdje izgrađene željezničke stanice, hoteli, banke, vile imućne buržoazije, stambene kuće. Dvorac Rjabušinski kod Nikitskih vrata u Moskvi (1900.-1902., arhitekt F.O. Shekhtel) tipičan je primjer ruske secesije.

Poziv na tradiciju drevne ruske arhitekture, ali kroz tehnike modernosti, ne kopirajući naturalističke detalje srednjovjekovne ruske arhitekture, što je bilo karakteristično za "ruski stil" sredine 19. stoljeća, već ga slobodno mijenjajući, pokušavajući prenijeti sam duh drevne Rusije, doveo je do takozvanog neo-ruskog stila s početka 20. stoljeća (ponekad se naziva neoromantizam). Njegova razlika od same secesije prvenstveno je u prikrivanju, a ne u otkrivanju, što je tipično za secesiju, unutarnje strukture zgrade i utilitarne svrhe iza zamršeno složene ornamentike (Shekhtel - stanica Jaroslavski u Moskvi, 1903.-1904.; A.V. Shchusev - Kazanski kolodvor u Moskvi, 1913.-1926.; V. M. Vasnetsov - stara zgrada Tretjakovske galerije, 1900.-1905.). I Vasnjecov i Ščusev, svaki na svoj način (a drugi pod vrlo velikim utjecajem prvoga), bili su prožeti ljepotom staroruske arhitekture, posebice Novgoroda, Pskova i rane Moskve, cijenili su njen nacionalni identitet i kreativno tumačili njezinu oblicima.

Secesija se razvila ne samo u Moskvi, nego iu Petrogradu, gdje se razvila pod nedvojbenim utjecajem skandinavske, takozvane "sjeverne moderne": P.Yu. Suzor je 1902.-1904 gradi zgradu tvrtke Singer na Nevskom prospektu (danas Dom knjige). Zemaljska kugla na krovu zgrade trebala je simbolizirati međunarodnu prirodu djelatnosti tvrtke. Pročelje je bilo obloženo dragim kamenjem (granit, labradorit), broncom i mozaicima. Ali tradicije monumentalnog petrogradskog klasicizma utjecale su na petrogradski modernizam. To je poslužilo kao poticaj za nastanak druge grane moderne - neoklasicizma 20. stoljeća. U vili A.A. Polovtsov na otoku Kamenny u St. Petersburgu (1911.-1913.) arhitekt I.A. Fomin (1872.-1936.) u potpunosti je utjecao na značajke ovog stila: pročelje (središnji volumen i bočna krila) riješeno je u jonskom redu, a interijeri ljetnikovca u reduciranom i skromnijem obliku takoreći ponavljaju enfilada dvorane palače Tauride, ali ogromni prozori polu-rotunde zimskog vrta , stilizirani crteži arhitektonskih detalja jasno definiraju vrijeme početka stoljeća. Djela čisto peterburške arhitektonske škole s početka stoljeća - stambene kuće - na početku Kamennoostrovsky (br. 1-3) avenije, grof M.P. Tolstoja na Fontanki (br. 10-12), zgrade b. Banka Azov-Don na Bolshaya Morskaya i hotel Astoria pripadaju arhitektu F.I. Lidval (1870.-1945.), jedan od najistaknutijih majstora peterburške secesije.

Secesija je jedan od najznačajnijih stilova koji je završio 19. stoljeće i otvorio sljedeće. U njoj su korištena sva moderna dostignuća arhitekture. Moderna nije samo određeni konstruktivni sustav. Od vladavine klasicizma, moderna je možda najdosljedniji stil u smislu holističkog pristupa, ansambl rješenja interijera. Secesija je kao stil zahvatila umjetnost namještaja, posuđa, tkanina, tepiha, vitraja, keramike, stakla, mozaika, posvuda je prepoznatljiva po svojim iscrtanim konturama i linijama, posebnoj paleti boja izblijedjelih, pastelnih boja i njegov omiljeni uzorak ljiljana i perunika.

Skulptura

Ruska skulptura na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće. i prvih predrevolucionarnih godina predstavlja nekoliko velikih imena. Prije svega, to je P.P. Trubeckoj (1866-1938). Njegovi rani ruski radovi (portret Levitana, slika Tolstoja na konju, oba - 1899., bronca) daju cjelovitu sliku impresionističke metode Trubetskoya: forma je, takoreći, sva prožeta svjetlom i zrakom, dinamična, dizajnirana za gledanje. sa svih točaka gledišta i iz različitih kutova stvara višestruku karakterizaciju slike. Najznačajnije djelo P. Trubeckog u Rusiji bio je brončani spomenik Aleksandru III., podignut 1909. u Petrogradu, na Znamenskom trgu. Ovdje Trubetskoy napušta svoj impresionistički stil. Istraživači su više puta primijetili da je Trubeckova slika cara takoreći razriješena, za razliku od Falconetove, a uz Brončanog konjanika, ovo je gotovo satirična slika autokracije. Čini nam se da taj kontrast ima drugo značenje; ne Rusiju, "podignutu na stražnje noge", poput broda porinutog u europske vode, već Rusiju mira, stabilnosti i snage simbolizira ovaj jahač koji teško sjedi na teškom konju.

Impresionizam u osebujnom, vrlo individualnom stvaralačkom lomu došao je do izražaja u djelima A. S. Golubkina (1864-1927). U slikama Golubkine, posebno ženskih, ima puno visoke moralne čistoće, duboke demokracije. Najčešće su to slike običnih siromaha: iznemoglih žena ili boležljive "djece tamnice".

Najzanimljivije u djelu Golubkine su njezini portreti, uvijek dramatično intenzivni, što je općenito karakteristično za rad ove majstorice, i neobično raznoliki (portret V.F. Erna (drvo, 1913., Državna Tretjakovska galerija) ili bista Andreja Belog ( gips, 1907., Državna Tretjakovska galerija)) .

U djelu Trubeckoya i Golubkine, usprkos svim njihovim razlikama, postoji nešto zajedničko: značajke koje ih povezuju ne samo s impresionizmom, već i s ritmom fluidnih linija i oblika modernosti.

Impresionizam, koji je zahvatio skulpturu s početka stoljeća, malo je utjecao na rad S. T. Konenkova (1874-1971). Mramorna "Nike" (1906., Državna Tretjakovska galerija) s jasno portretnim (štoviše, slavenskim) crtama okruglog lica s rupicama na obrazima nagovještava radove koje je Konenkov izvodio nakon putovanja u Grčku 1912. Slike grčke poganske mitologije su isprepletena sa slavenskom mitologijom. Konenkov počinje raditi u drvu, mnogo crpi iz ruskog folklora, ruskih bajki. Otuda njegov "Stribog" (stablo, 1910., Državna Tretjakovska galerija), "Velikosil" (stablo, privatno, skup), slike prosjaka i staraca ("Starac-Poljevičok", 1910.).

U oživljavanju drvene skulpture velika je zasluga Konenkova. Ljubav prema ruskom epu, prema ruskoj bajci poklopila se s „otkrićem“ staroruskog ikonopisa, staroruske drvene plastike, sa zanimanjem za starorusku arhitekturu. Za razliku od Golubkine, Konenkovu nedostaje drama, mentalni slom. Njegove su slike pune popularnog optimizma.

Konenkov je u portretu jedan od prvih koji je početkom stoljeća postavio problem boje. Njegovo bojanje kamena ili drva uvijek je vrlo delikatno, uzimajući u obzir karakteristike materijala i karakteristike plastične otopine.

Od monumentalnih djela s početka stoljeća potrebno je istaknuti spomenik N.V. Gogol N.A. Andrejev (1873.-1932.), otvoren u Moskvi 1909. Ovo je Gogolj posljednjih godina života, smrtno bolestan. Neobično su izražajni njegov tužni profil s oštrim (»gogoljevskim«) nosom, mršava figura umotana u kaput; Lapidarnim jezikom kiparstva Andrejev je prenio tragediju velike kreativne ličnosti. U bareljefnom frizu na postolju u višefiguralnim kompozicijama Gogoljevi besmrtni junaci prikazani su na sasvim drugačiji način, humorno ili čak satirično.

A. T. Matveev (1878-1960). Prevladao je impresionistički utjecaj svog učitelja u svojim ranim djelima - u aktu (glavna tema tih godina. Stroga arhitektonika, lakonizam stabilnih generaliziranih oblika, stanje prosvijetljenosti, mir, sklad razlikuju Matveeva, izravno suprotstavljajući njegov rad skulpturalnom impresionizam.

Kako s pravom primjećuju istraživači, majstorska djela su dizajnirana za dugotrajnu, promišljenu percepciju, zahtijevaju unutarnje raspoloženje, "tišinu" i tada se najpotpunije i najdublje otvaraju. Imaju muzikalnost plastičnih oblika, veliki umjetnički ukus i poeziju. Sve ove osobine svojstvene su nadgrobnom spomeniku V.E. Borisov-Musatov u Tarusi (1910., granit). U liku usnulog dječaka teško je vidjeti granicu između sna i nepostojanja, a to je učinjeno u najboljim tradicijama memorijalne skulpture 18. stoljeća. Kozlovsky i Martos, s njezinim mudrim smirenim prihvaćanjem smrti, što nas pak vodi još dalje, do arhaičnih antičkih stela s prizorima "pogrebnih poslastica". Ovaj nadgrobni spomenik je vrhunac u radu Matveeva iz predrevolucionarnog razdoblja, koji je još uvijek morao plodno raditi i postati jedan od poznatih sovjetskih kipara. U predoktobarskom razdoblju u ruskom kiparstvu pojavio se niz talentiranih mladih majstora (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr i dr.), koji su 1910-ih tek započeli svoju kreativnu djelatnost. Djelovali su u različitim smjerovima, ali su zadržali realističke tradicije koje su unijeli u novu umjetnost, igrajući važnu ulogu u njezinu formiranju i razvoju.

...

Slični dokumenti

Duhovno i umjetničko podrijetlo srebrnog doba. Uspon kulture srebrnog doba. Originalnost ruskog slikarstva s kraja XIX - početka XX stoljeća. Likovne udruge i njihova uloga u razvoju slikarstva. Kultura provincije i malih gradova.

seminarski rad, dodan 19.01.2007


Proučavanje razloga rascjepa ruske kulture XX. stoljeća na domaću i iseljeničku. Karakterizacija predstavnika i umjetničkih koncepata avangarde, realizma i undergrounda kao glavnih pravaca razvoja likovne umjetnosti i književnosti.

test, dodan 03.05.2010


Podrijetlo i pojam simbolizma. Formacija umjetnika srebrnog doba. Razdoblja povijesti ruskog simbolizma: kronologija razvoja. Značajke žanrovskog slikarstva na prijelazu iz XIX u XX stoljeće. Likovne udruge i likovne kolonije u ruskom slikarstvu.

seminarski rad, dodan 17.06.2011


Ruska umjetnost kasnog XIX - početka XX stoljeća. Skulptura. Arhitektura. Ruska kultura nastala je i danas se razvija kao jedna od grana moćnog stabla svjetske univerzalne kulture. Njegov doprinos svjetskom kulturnom napretku je neosporan.

sažetak, dodan 08.06.2004


Silueta srebrnog doba. Glavne značajke i raznolikost umjetničkog života razdoblja "srebrnog doba": simbolizam, akmeizam, futurizam. Značaj srebrnog doba za rusku kulturu. Povijesne značajke razvoja kulture krajem XIX - početkom XX stoljeća.

sažetak, dodan 25.12.2007


Proučavanje nastanka i razvoja baroka kao umjetničkog stila karakterističnog za kulturu zapadne Europe od kraja 16. do sredine 18. stoljeća. Opće karakteristike i analiza razvoja baroknih stilova u slikarstvu, kiparstvu, arhitekturi i glazbi.

prezentacija, dodano 20.09.2011


Intenzitet srebrnog doba u kreativnim sadržajima, traženje novih oblika izražavanja. Glavni umjetnički pravci "srebrnog doba". Pojava simbolizma, akmeizma, futurizma u književnosti, kubizma i apstrakcionizma u slikarstvu, simbolizma u glazbi.

sažetak, dodan 18.03.2010


Povijest umjetničke kulture početkom XX. stoljeća. Glavni pravci, umjetnički koncepti i predstavnici ruske avangarde. Formiranje kulture sovjetske ere. Dosezi i teškoće u razvoju umjetnosti u totalitarnim uvjetima; podzemni fenomen.

prezentacija, dodano 24.02.2014


Vrhunac duhovne kulture krajem XIX - početkom XX stoljeća. Pojava novih trendova i umjetničkih skupina. Značajke i razlike apstrakcionizma, avangarde, impresionizma, kubizma, kubofuturizma, rajonizma, modernizma, simbolizma i suprematizma.

prezentacija, dodano 12.05.2015


Utjecaj političkih i društvenih zbivanja na umjetnost. Vrijeme kreativnog uspona u različitim područjima kulture. Razotkrivanje suštine modernističkog akmeizma, futurizma i simbolizma. Manifestacija secesije u moskovskoj arhitekturi. Književnost srebrnog doba.

„Čista“ umjetnost, koja proklamira vrijednosti koje ne ovise o društvenim i povijesnim problemima i trendovima, lijepa je, ali nerealna pojava.

Nemoguće je stvarati izolirano od svakodnevnog života, ne obraćajući pozornost na ideje koje prevladavaju u društvu - formalnom i neformalnom. Umjetnost Rusije 20. stoljeća bila je pod utjecajem snažnih promjena u društvenom sustavu, nepoznatih bilo kojoj drugoj zemlji.

Početak stoljeća, potraga za novim idejama

100 godina 20. stoljeća bilo je doba neviđenih preokreta za cijelu civilizaciju. Do kraja 20. stoljeća znanstveni i tehnološki napredak sabio je vrijeme i prostor za cijeli planet, društveni sukobi u ograničenoj regiji prerasli su u planetarne nemire. Kultura i umjetnost Rusije u 20. stoljeću, kao i sve društvene aktivnosti u Europi i Americi, ima privremenu vezanost uz najvažnije događaje novije povijesti.

Čarolija brojeva, koja označava početak novog stoljeća, uvijek rađa očekivanje promjene, nadu za početak novog, sretnog vremena. Devetnaesto stoljeće, koje je ruskoj kulturi stvorilo svjetsku slavu, odlazilo je u prošlost, ostavljajući tradicije koje nisu mogle nestati preko noći.

“Svijet umjetnosti” bio je naziv udruge umjetnika koja je nastala 1898. i koja je s prekidima postojala do 1924. godine, bez koje je nemoguće zamisliti likovnu umjetnost prve četvrtine 20. stoljeća u Rusiji. "Svijet umjetnosti" nije imao jedan, zajednički razvijen stil - slikari, grafičari, kipari išli su svaki svojim putem, slažući se u pogledima na ciljeve umjetnosti i njezinu ulogu u društvu. Mnoga obilježja ovog pogleda izrazio je genij Mihaila Vrubela. Formalna jezgra, osnova udruge bili su L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. U različito vrijeme u njemu su sudjelovali Ya.Bilibin, A.Y.Golovin, I.E.Grabar, K.A.Korovin, B.M.Kustodiev, N.K.Roerich, V.A.Serov i drugi majstori.

Svi su oni prepoznavali primat profesionalizma u umjetnosti, ogromnu ulogu kreativne slobode i neovisnost umjetnika o društvenim dogmama, ne poričući vrijednost umjetnosti u ljudskom životu, prosvjedujući protiv rigidnosti akademizma s jedne strane i pretjerana politizacija slikarstva lutalica s druge strane. Kritiziran od strane pristaša tradicije, Svijet umjetnosti nije se mogao uklopiti u buran proces rađanja "proleterskog" slikarstva, ali je imao golem utjecaj na svu likovnu umjetnost 20. stoljeća u Rusiji - kako na one koji su djelovali u SSSR i na one koji su završili u emigraciji.

Moderno

Posljednja desetljeća devetnaestog stoljeća bila su razdoblje rađanja novog stila, koji je ostavio traga u radu majstora likovne umjetnosti i arhitekture. Imao je svoje karakteristike u pojedinim regijama Europe, gdje se čak i drugačije nazivao. U Belgiji i Francuskoj, naziv "Art Nouveau" je fiksiran, u Njemačkoj - "Art Nouveau", u Austriji - "secesija". Poznata su i druga imena povezana s najpoznatijim umjetnicima ovog stila ili tvrtkama koje su proizvodile namještaj, nakit i druge proizvode u ovom smjeru: stil kaše, stil Guimard - u Francuskoj, Liberty u Italiji, u SAD-u - stil Tiffany itd. Umjetnost Rusije 20. stoljeće, posebice arhitektura, poznajemo ga kao secesiju.

Nakon dugog razdoblja stilske bezvremenosti, secesija je postala jedan od najekspresivnijih i vizualno najformiranijih umjetničkih pokreta. Biljni, glatki karakter linija bogatog dekora, karakterističan za nju, u kombinaciji s geometrijski jednostavnim i izražajnim oblicima velikih volumena, privlačio je umjetnike i arhitekte svježinom i novinom.

Fedor Osipovič Šehtel (1859-1926) - zvijezda ruske arhitektonske moderne. Njegov talent dao je nacionalne značajke suštinski kozmopolitskom stilu, Shekhtelova remek-djela - željeznička stanica Yaroslavsky, ljetnikovac Ryabushinsky - kreacije su ruskog arhitekta, općenito iu malim stvarima.

Predrevolucionarna avangarda

Proces potrage za novim oblicima umjetnosti, i štoviše - njezinom novom biti - bio je relevantan za umjetnost cijele Europe i Amerike. Umjetnost Rusije u 20. stoljeću sadrži nekoliko istinski revolucionarnih razdoblja, kada je rad nekoliko reformatora ukazao na nove smjerove u razvoju umjetničke misli. Jedno od najupečatljivijih i najupečatljivijih bilo je međurevolucionarno razdoblje od 1905. do 1917. godine. Osobitosti avangardne umjetnosti u Rusiji uzrokovane su krizom ruskog javnog života nakon tragedija Rusko-japanskog rata i revolucije 1905. godine.

Brojni avangardni pokreti i stvaralačka udruženja nastali u to vrijeme imali su slične generativne uzroke i slične ciljeve umjetničkog traženja. Snažno utječući na glavne vrste umjetnosti 20. stoljeća u Rusiji, futuristi i kubofuturisti, „Jack of Diamonds“ i „Plava ruža“, suprematizam Kandinskog i Maljeviča na razne su načine tražili nove svjetove, izražavali kriza stare umjetnosti koja je izgubila dodir sa stvarnošću, anticipirala je početak ere globalnih preokreta.

Među novim idejama koje su rodili avangardni umjetnici bila je misao o Rusiji 20. stoljeća, koja sadrži stranice kao što je poznata predstava - manifest nove umjetnosti "Pobjeda nad suncem" (1913.). Bio je to rezultat zajedničkog rada pjesnika futurista M. Matyushina, V. Khlebnikova, a dekoraciju je izveo Kazimir Malevich.

Umjetnici P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, koji su svojim traganjima obogatili umjetnost Rusije 20. stoljeća, postali su autori slika koje su dobile svjetsko priznanje. A to prepoznavanje počelo je još 10-ih godina 20. stoljeća, u doba rađanja avangardnog slikarstva u modernoj povijesti.

Nakon Oktobarske revolucije Rusija je imala priliku cijelom svijetu otvoriti nove horizonte u javnom životu, pa tako i u umjetnosti. A isprva su se stvarali uvjeti kada je vrijednost svakog darovitog nemjerljivo rasla, generatori novih kreativnih ideja dolazili su do izražaja.

Kako povijest umjetnosti tumači to vrijeme? 20. stoljeće, Rusija, burne dvadesete - to je neviđeno aktivan umjetnički život brojnih kreativnih udruga među kojima se ističu:

UNOVIS - "Afirmacija nove umjetnosti" (Malevič, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Osnovana na temelju Vitebske umjetničke škole, ova je udruga bila apologeta umjetničke avangarde, nudeći traženje novih tema i oblika umjetnosti.

- "Četiri umjetnosti" - tok u skladu sa "Svijetom umjetnosti" Glavni cilj je prikazati goleme izražajne mogućnosti arhitekture, kiparstva, grafike i slikarstva. Deklarirana je potreba za visokom profesionalnošću i kreativnom slobodom. Najistaknutiji predstavnici: arhitekt A. V. Shchusev, grafičar V. A. Favorsky, kipar V. I. Mukhina, slikari K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva i drugi.

- "OST", "Društvo umjetnika štafelaja". Smatrao je glavnim da naprednim izražajnim, ali jednostavnim i jasnim stilom pokaže znakove početka novog mirnog života, izgradnje moderne mlade zemlje. Voditelji: D. Sternberg, A. Deineka, Yu.Pimenov, P. Williams.

- "Krug umjetnika" (Lenjingrad). Slijedeći službeni tečaj, razvijajući "stil ere". Aktivni članovi grupe: A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - "Udruga umjetnika revolucionarne Rusije" - udruga koja je postala osnova kasnije stvorenog Saveza umjetnika SSSR-a, aktivni dirigent smjerova za ideološko vodstvo umjetničkog procesa, instrument stranačke propagande, nasljednici lutalica. Na čelu su bili I. I. Brodski, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson.

Konstruktivizam

U programima najprestižnijih obrazovne ustanove pripremajući arhitekte, uvijek postoji studija teme "Ruski konstruktivizam - arhitektonska avangarda 20-ih". Od velike je važnosti za razumijevanje umjetnosti gradnje, ideje koje proklamiraju vođe tog smjera vrlo su relevantne za svako vrijeme. Preživjele zgrade Konstantina Melnikova (stambena zgrada arhitekta u Krivoarbatskom prolazu, Rusakovljev klub na Stromynki, garaža u ulici Novoryazanskaya itd.), braće Vesnin, Mojsija Ginzburga (Kuća Narkomfina na Bulevaru Novinski) i drugih zvijezda ruske arhitekture su zlatni fond ruske arhitekture.

Funkcionalizam, odbacivanje nepotrebnog kićenja, estetika građevne strukture, harmonija stvorenog životnog okruženja – te su ideje postale temelj za rješavanje novih problema koji se postavljaju pred mlade arhitekte, umjetnike i stručnjake u području koje se počelo nazivati ​​industrijskim dizajnom. . Morali su izgraditi masovne stanove za nove gradove, radničke klubove za svestrani razvoj pojedinca, stvoriti uvjete za rad i rekreaciju novog čovjeka. Nevjerojatna postignuća avangarde dvadesetih godina ne mogu se zaobići, proučavanje umjetnosti Rusije, Europe i Amerike svih kasnijih vremena uvelike se temelji na njima. Žalosno je što su se te progresivne ideje pokazale najmanje tražene u svojoj domovini, a "Staljinov stil" mnogi smatraju najvećim postignućem sovjetske arhitekture.

Umjetnost ere totalitarizma

Godine 1932. izdana je Uredba Centralnog komiteta Svesavezne komunističke partije boljševika o radu kreativnih udruženja. Turbulentno doba raznih struja i pravaca završilo je pod utjecajem državnog stroja koji je osvajao vlast, kontroliran ideološkim aparatom, u kojem je jačala jedina vlast. Dugi niz godina umjetnost Rusije u 20. stoljeću, kao i mnogo toga u životu zemlje, počela je ovisiti o mišljenju jedne osobe - Josipa Staljina.

Kreativni sindikati postali su sredstvo podređivanja umjetničke misli jedinstvenim ideološkim standardima. Došla je era socijalizma. Postupno se svako odstupanje od službenog kursa počelo proglašavati zločinom, oni koji se ne slažu s tim su padali pod pravu represiju. Optužbe za odstupanje od stranačke linije postale su metoda za rješavanje kreativnih rasprava. Progresivnost toga je vrlo upitna. Kako bi se, primjerice, razvijala kazališna umjetnost Rusije u 20. stoljeću da veliki reformator scene Vsevolod Mejerhold nije pao žrtvom represije?

Priroda umjetničkog talenta je složena i neobjašnjiva. Slike vođa utjelovljene su s velikom vještinom i iskrenim osjećajem. Nijedna od najbrutalnijih represija nije mogla spriječiti pojavu istinski talentiranih umjetnika, kojima je samoizražavanje bilo glavno, bez obzira na ideološki okvir.

U arhitekturi je došlo vrijeme za "staljinistički imperij". Potragu za avangardnim umjetnicima zamijenio je povratak provjerenim kanonima. Snaga komunističke ideologije utjelovljena je u spektakularnim primjerima prerađenog neoklasicizma – Staljinovim “neboderima”.

Umjetnost ratnog razdoblja

Postoji vrijeme u povijesti naše zemlje koje je postalo najveća tragedija i pozornica neviđenog duhovnog uspona. Umjetnost Rusije 20. i 21. stoljeća dobila je jednu od glavnih tema koja je omogućila izražavanje veličine ruskog narodnog karaktera, dubine osjećaja koji mogu zavladati pojedincem i ogromnim masama tijekom povijesnih preokreta.

Veliki domovinski rat od prvih je dana našao izraz u vizualnim slikama nevjerojatne snage. Plakat I. Toidze "Majka domovina zove!" podignut u obranu zemlje bolje od svih zapovjednika, a Deinekina "Obrana Sevastopolja" šokira svakog čovjeka, bez obzira na ideje koje on dijeli. Jednako je dojmljiva Sedma simfonija Dmitrija Šostakoviča, a ruska glazbena umjetnost 20. stoljeća, ne manje od ostalih vrsta stvaralaštva, odala je počast temi rata protiv fašizma.

odmrzavanje

Nakon Velike pobjede, sljedeći najsnažniji povijesni čimbenik koji je utjecao na javni život u SSSR-u bila je Staljinova smrt (ožujak 1953.) i XX. kongres KPSS-a, koji je pokrenuo pitanje razotkrivanja kulta ličnosti. Neko vrijeme za umjetnike, kao i za cijelo društvo, osjetio se dašak slobode kreativnosti i novih ideja. Generacija “šezdesetih” vrlo je specifična pojava, ostavila je sjećanje na sebe kao na kratki udah svježeg zraka prije ponovnog desetljeća poniranja u močvaru odmjerenog, planiranog, reguliranog postojanja.

Prvi eksperimenti umjetničke avangarde "drugog vala" - radovi E. Belyutina, Yu. Soostera, V. Yankilevskog, B. Zhutovskog i drugih - na izložbi posvećenoj 30. obljetnici Moskve ogranak Saveza umjetnika, oštro je osudio osobno novi vođa zemlje N. Hruščov. Partija je opet počela objašnjavati narodu kakva im umjetnost treba, a umjetnicima kako da slikaju.

Arhitektura je bila upućena da se nosi s ekscesima, što je s pravom objašnjeno ekonomskim poteškoćama poslijeratnog razdoblja, došlo je vrijeme masovne stanogradnje, vrijeme "Hruščova", koji je donekle uklonio akutnost stambenog pitanja, ali je unakazio izgled mnogih gradova.

Umjetnost "razvijenog socijalizma"

Umjetnost Rusije druge polovice 20. stoljeća umnogome je priča o sukobu umjetničke osobnosti i dominantne ideologije. Ali čak iu ozračju ideološke regulacije svakog djelića duhovnog prostora, mnogi su umjetnici nalazili načina da malo modificiraju propisanu metodu socrealizma.

Dakle, pravi primjer za mlade bili su majstori koji su svoja uvjerenja formirali još u dvadesetim godinama: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov i drugi. Slika bivšeg člana umjetničke udruge "OST" Y. Pimenova "Vjenčanje na sutrašnjoj ulici", napisana 1962., postala je simbol nade društva za obnovu.

Još jedan upečatljiv fenomen u sovjetskom slikarstvu tog vremena bilo je formiranje "strogog stila". Ovaj pojam označavao je rad G. Korzhova, P. Ossovskog, braće Smolin, P. Nikonova i dr. Na njihovim slikama, napisanim u različitim žanrovima (svakodnevni, povijesni), pojavio se junak koji nije trebao upute, zauzet razumljiv i potreban posao. Prikazan je bez nepotrebnih detalja i kolorističkih ukrasa, prostrano i ekspresivno.

Rad takvog majstora je od posebne važnosti jer građanski zvuk njegovih platna sadrži rijetku za sovjetsku umjetnost opću humanističku, gotovo religioznu poruku, a slikarski stil vuče korijene iz talijanske renesanse.

Nekonformizam

Službena dominacija "socijalističkog realizma" natjerala je neformalne umjetnike da pronađu put do publike ili da pribjegnu emigraciji. Otišli su M. Šemjakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestni i mnogi drugi. Riječ je o umjetnicima 20. stoljeća u Rusiji, koji su bili nositelji duhovnih vrijednosti koje je rodila avangarda s početka stoljeća, a koji su se vratili u domovinu nakon sloma komunističke ideologije.

A tijekom njezine vladavine javlja se unutarnja emigracija iz koje se rađa popularni motiv o ludom, vječno pijanom umjetniku, stanovniku duševnih bolnica, progonjenom od vlasti i vodstva kreativnih sindikata, ali visoko cijenjenom od neovisnih zapadnih stručnjaka. Tipičan nositelj takve slike bio je A. Zverev - legendarna ličnost Moskve u doba razvijenog socijalizma.

Polistilistika i pluralizam

Oslobodivši se državnog diktata sovjetske ere, likovna umjetnost 20. stoljeća u Rusiji ušla je u globalni proces kao njegov neodvojivi dio, sa zajedničkim svojstvima i trendovima. Mnogi oblici kreativnosti, poznati Zapadu dugo vremena, brzo su svladali domaći umjetnici. Riječi "performans", "videoinstalacija" itd. udomaćile su se u našem govoru, a među najznačajnije suvremene majstore svjetske slave ubrajaju se umjetnici dijametralnih pogleda u smjerovima: Z. Cereteli, T. Nazarenko, M. Kishev , A. Burganov i mnogi drugi.

Burna, nepredvidiva novija povijest zemlje, koja zauzima šestinu zemaljske zemlje, gleda u svoje ogledalo - umjetnost Rusije 20. stoljeća - i odražava se u njemu tisućama nezaboravnih slika ...

1. Umjetnost Rusije krajem 20. stoljeća. Posljednje desetljeće 20. stoljeća u Rusiji bilo je puno političkih i gospodarskih događaja koji su radikalno promijenili situaciju u zemlji. Raspad Unije 1991. i promjena političkog kursa, prelazak na tržišne odnose i jasnu orijentaciju prema zapadnom modelu gospodarskog razvoja, te konačno slabljenje, sve do potpunog ukidanja, ideološke kontrole – sve to u ranih 1990-ih pridonijelo je da se kulturno okruženje počelo naglo mijenjati. Liberalizacija i demokratizacija zemlje pridonijela je razvoju i uspostavljanju novih trendova i pravaca u nacionalnoj umjetnosti. Evolucija umjetnosti 1990-ih u Rusiji odvija se s pojavom trendova svojstvenih postmodernizmu, s pojavom nove generacije mladih umjetnika koji rade u područjima kao što su, konceptualizam, računalna grafika, neoklasicizam vezano uz razvoj računalne tehnologije u Rusiji. Potekao iz klasičnog eklekticizma, "novoruski neoklasicizam" postao je "višestrani dijamant", spajajući različite trendove koji prije ere modernizma nisu pripadali "klasici". Neoklasicizam- ovo je smjer u umjetnosti u kojem umjetnici oživljavaju klasične tradicije slikarstva, grafike, kiparstva, ali istodobno aktivno koriste najnovije tehnologije. britanski povjesničar i teoretičar umjetnosti Edward Lucy Smith ruski neoklasicizam nazvao "prvom markantnom pojavom ruske kulture koja je utjecala na svjetski umjetnički proces nakon Kazimira Maljeviča". Neoklasicizam je zahtijevao drugačiji odnos prema antici od klasicista. Povijesni pogled na grčku kulturu učinio je antička djela ne apsolutnim, već konkretnim povijesnim idealom, stoga je oponašanje Grka dobilo drugačiji smisao: u percepciji antičke umjetnosti nije u prvi plan došla njezina normativnost, već sloboda , uvjetovanost pravila koja će kasnije postati kanon, stvarni život naroda . D.V. Sarabjanov nalazi neoklasicizam svojevrsnom "komplikacijom" moderne. S istom vjerojatnošću neoklasicizam se može smatrati i kasnim modernim i neovisnim trendom. U radu "novih umjetnika" nema čiste moderne ili zasebnog neoklasicizma, oni uvijek djeluju međusobno povezani, umjetnici nove akademije kombinirali su nekoliko trendova u vizualnim umjetnostima odjednom: avangardu, postmodernizam, klasicizam u " prostor kolaža“. Radovi "novih umjetnika" su eklektični, kombiniraju kompjutorsku grafiku, bakropis, slikarstvo i fotografiju. Umjetnici su digitalizirali gotove radove, odabrali potrebne fragmente i stvorili kolaže, majstorski obnavljajući kostime i dekor antike. Kombinacija tradicionalnih metoda s mogućnostima računalnih grafičkih programa proširila je kreativni potencijal umjetnika. Od skeniranog materijala sklapani su kolaži, na njih su primjenjivani umjetnički specijalni efekti, deformirani, stvarajući iluzorne kompozicije. Najistaknutiji predstavnici petrogradskog neoklasicizma početkom 1990-ih bili su O. Toberluts, E. Andreeva, A. Hlobystin, O. Turkina, A. Borovski, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoklasicizam Toberluts jedna je od manifestacija romantizma. Njezina djela utjelovljuju osjećaje osobe, snove, plemenitost, nešto poletno i okrenuto neostvarivom idealu. . I sama umjetnica postaje junakinja svojih radova. Stilski se rad O. Toberlutsa može definirati kao neoklasicizam, provučen kroz postmodernu svijest, kao eklektičan svijet, koji prikazuje antičke hramove, renesansne interijere, nizozemske vjetrenjače i kostime dizajnera K. Goncharova kao dašak modernosti. Neograničene mogućnosti računalne grafike čine djela O.Tobrelutsa fantastičnima i nadnaravnima. Uz pomoć računalne tehnologije E.Sheff vraća se u staru Grčku, zatim u stari Rim, stvarajući slike antičke mitologije u svojim kolažima. U seriji "Mitovi o Ludwigu" umjetnik je koristio fotografije grčkih skulptura, arhitektonskih struktura, nadovezujući na njih učinke antike. Uz pomoć računalne tehnologije, umjetnik vraća originalnost Koloseuma, vodeći uzbudljive izlete oko njega. Digitalno slikanje Šutov predstavlja emocionalni ekvivalent njegovih brojnih hobija. Sadrži i grčke klasike i odjeke etnografskih istraživanja, kao i elemente supkulture mladih.Tako se može primijetiti da je kraj 20. stoljeća bio prekretnica ne samo u političkom i gospodarskom životu Rusije, već iu umjetnost. Devedesetih godina 20. stoljeća utemeljen je snažan pravac u likovnoj umjetnosti "novi ruski neoklasicizam". Razvoj računalnih tehnologija u Rusiji proširio je kreativni potencijal umjetnika, novi su umjetnici, koristeći nove tehnologije, stvarali klasična djela. Glavna stvar nije tehnika i tehnologija, već estetika. Moderna umjetnost može biti i klasična. 2. Umjetnost Rusije na početku 21. stoljeća. Značajka je likovne umjetnosti na prijelazu iz 20. u 21. stoljeće to što se oslobodila cenzure, utjecaja države, ali ne i tržišnog gospodarstva. Ako su u sovjetsko doba profesionalni umjetnici dobivali paket socijalnih jamstava, njihove su slike otkupljivane za nacionalne izložbe i galerije, ali sada se mogu osloniti samo na vlastite snage. Ali rusko slikarstvo nije umrlo i pretvorilo se u privid zapadnoeuropske i američke umjetnosti, ono se nastavlja razvijati na temelju ruske tradicije. Suvremenu umjetnost izlažu galerije suvremene umjetnosti, privatni kolekcionari, komercijalne korporacije, državne umjetničke organizacije, muzeji suvremene umjetnosti, umjetnički ateljei ili sami umjetnici u prostoru kojim upravljaju umjetnici. Suvremeni umjetnici dobivaju financijsku potporu kroz stipendije, nagrade i nagrade, a dobivaju i sredstva od prodaje svojih radova. Ruska praksa se u tom pogledu ponešto razlikuje od zapadne. Muzeji, bijenala, festivali i sajmovi suvremene umjetnosti postupno postaju alati za privlačenje kapitala, ulaganja u turistički biznis ili dio državne politike. Privatni kolekcionari imaju veliki utjecaj na cijeli sustav suvremene umjetnosti. U Rusiji, jednu od najvećih zbirki suvremene umjetnosti drži nedržavni Muzej suvremene umjetnosti Erarta u Sankt Peterburgu. Trendovi u suvremenoj umjetnosti: Nespektakularna umjetnost- pravac u suvremenoj umjetnosti koji odbacuje spektakl i teatralnost. Primjer takve umjetnosti je performans poljskog umjetnika Pavela Althamera "Script Outline", na izložbi "Manifesta" 2000. godine. U Rusiji je ponudio vlastitu verziju nespektakularne umjetnosti Anatolij Osmolovski.Ulična umjetnost(Engleski) ulična umjetnost- ulična umjetnost) - likovna umjetnost, čija je posebnost izražen urbani stil. Glavni dio ulične umjetnosti su grafiti (inače sprej art), ali ne može se smatrati da su ulična umjetnost grafiti. U uličnu umjetnost spadaju i plakati (nekomercijalni), šablone, razne skulpturalne instalacije itd. U uličnoj umjetnosti bitan je svaki detalj, sitnica, sjena, boja, linija. Umjetnik kreira vlastiti stilizirani logo - "unikatni znak" i prikazuje ga na dijelovima urbanog krajolika. Najvažnija stvar u uličnoj umjetnosti nije prisvojiti teritorij, već uključiti gledatelja u dijalog i pokazati drugačiji program radnje. Posljednje desetljeće obilježava raznolikost pravaca koje bira ulična umjetnost. Diveći se starijoj generaciji, mladi pisci svjesni su važnosti razvijanja vlastitog stila. Na taj način niču novi ogranci koji pokretu predviđaju bogatu budućnost. Novi raznoliki oblici ulične umjetnosti ponekad svojim opsegom nadmašuju sve što je dosad stvoreno. Aerografija - jedna od slikarskih tehnika likovne umjetnosti, koja koristi zračni kist kao alat za nanošenje tekuće ili praškaste boje komprimiranim zrakom na bilo koju površinu. Također se može koristiti boja u spreju. Zbog raširene uporabe airbrushinga i pojave velikog broja različitih boja i sastava, airbrushing je dobio novi poticaj za razvoj. Sada se airbrushing koristi za izradu slika, retuširanje fotografija, taksidermiju, modeliranje, oslikavanje tekstila, oslikavanje zidova, body art, oslikavanje noktiju, oslikavanje suvenira i igračaka, oslikavanje posuđa. Često se koristi za crtanje slika na automobilima, motociklima, drugoj opremi, u tisku, dizajnu itd. Zbog tankog sloja boje i mogućnosti glatkog raspršivanja po površini, moguće je postići izvrsne dekorativne efekte, kao što su glatki prijelazi boja, trodimenzionalnost, fotografski realizam dobivene slike, imitacija grube teksture s idealnom glatkoćom površine.

Teme i pitanja seminara;

Tema 1. Osnovni pojmovi povijesti umjetnosti i povijesti umjetnosti.

Pitanja:

1. Problem klasifikacije umjetnosti.

2. Pojam "umjetničko djelo". Nastanak i zadaća umjetničkog djela. Rad i umjetnost.

3. Bit, ciljevi, zadaće umjetnosti.

4. Funkcije i značenje umjetnosti.

5. Pojam "stil". Umjetnički stil i njegovo vrijeme.

6. Klasifikacija umjetnosti.

7. Povijest nastanka i oblikovanja povijesti umjetnosti.

Pitanja za raspravu:

1. Postoji 5 definicija umjetnosti. Što je karakteristično za svaku od njih? Koju definiciju slijedite? Možete li formulirati svoju definiciju umjetnosti?

2. Koja je svrha umjetnosti?

3. Kako možete definirati umjetničko djelo? Kako koegzistiraju "umjetničko djelo" i "umjetničko djelo"? Objasniti proces nastanka umjetničkog djela (prema I. Tenu). Koja je zadaća umjetničkog djela (prema P.P. Gnedichu)?

4. Navedite 4 glavne funkcije umjetnosti (prema I.P. Nikitinu) i četiri

moguće razumijevanje značenja umjetnosti.

5. Definirajte značenje pojma "stil". Koje stilove europske umjetnosti poznajete? Što je "umjetnički stil", "umjetnički prostor"?

6. Nabrojite i ukratko opišite vrste umjetnosti: prostorne, vremenske, prostorno-vremenske i spektakularne umjetnosti.

7. Što je predmet povijesti umjetnosti?

8. Što mislite koja je uloga muzeja, izložbi, galerija, knjižnica u proučavanju djela povijesti umjetnosti?

9. Značajke antičke misli o umjetnosti: Sačuvani podaci o prvim primjerima književnosti o umjetnosti ("Kanon" Polikleta, rasprave Durisa, Ksenokrata). "Topografski" smjer u književnosti o umjetnosti: "Opis Helade" od Pausanije. Opis Lucijanovih umjetnina. Pitagorejski pojam "kozmosa" kao skladne cjeline podvrgnute zakonima "sklada i broja" i njegovo značenje za početke teorije arhitekture. Ideja reda i proporcije u arhitekturi i urbanizmu. Slike idealnog grada u spisima Platona (šesta knjiga Zakona, dijalog Kritija) i Aristotela (sedma knjiga Politike). Razumijevanje umjetnosti u starom Rimu. "Prirodoslovlje" Plinija Starijeg (1. st. n. e.) kao glavni izvor informacija o povijesti antičke umjetnosti. Vitruvijev Traktat: sustavno izlaganje klasične arhitektonske teorije.

10. Sudbina antičkih tradicija u srednjem vijeku i značajke srednjovjekovnih predodžbi o umjetnosti: Estetski pogledi srednjeg vijeka (Augustin, Toma Akvinski), vodeća estetska ideja: Bog je izvor ljepote (Augustin) i njezino značenje za umjetnička teorija i praksa. Ideja "prototipa". Značajke srednjovjekovne književnosti o umjetnosti. Praktično-tehnološki, recepturni priručnici: “Vodič slikarima” s planine Afaon Dionizije Furnagrafiot, “O bojama i umjetnostima Rimljana” Heraklija, “Schedula” (Schedula - Student) Teofila. Opis arhitektonskih spomenika u kronikama i životima svetaca.

11. Renesansa kao prekretnica u povijesti razvoja europske umjetnosti i povijesti umjetnosti. Novi odnos prema antici (proučavanje spomenika antike). Razvoj sekularnog svjetonazora i pojava eksperimentalne znanosti. Formiranje sklonosti prema povijesnom i kritičkom tumačenju fenomena umjetnosti: "Komentari" Lorenza Ghibertija Rasprave o posebnim pitanjima - urbanističko planiranje (Filaret), proporcije u arhitekturi (Francesco di Giorgio), perspektiva u slikarstvu (Piero dela Francesca). Teorijsko razumijevanje renesansne prekretnice u razvoju umjetnosti i iskustvo humanističkog proučavanja antičke baštine u traktatima Leona Batiste Albertija (“O kipu”, 1435., “O slikarstvu”, 1435-36., “O arhitekturi”). “), Leonardo da Vinci (“Traktat o slikarstvu”, objavljen posthumno), Albrecht Dürer (Četiri knjige o ljudskim proporcijama, 1528.). Kritika Vitruvijeve arhitektonske teorije u "Deset knjiga o arhitekturi" (1485.) Leona Baptistea Albertija. Vitruvijeva "Akademija hrabrosti" i njezine aktivnosti u proučavanju i prevođenju Vitruvijeva djela. Rasprava Giacoma da Vignole "Pravilo pet redova arhitekture" (1562.). Četiri knjige o arhitekturi (1570.) Andree Palladija klasičan su epilog u povijesti renesansne arhitekture. Palladijeva uloga u razvoju arhitektonskih ideja baroka i klasicizma. Palladio i paladijanizam.

12. Glavne etape u oblikovanju povijesne povijesti umjetnosti u moderno doba: od Vasarija do Winckelmanna: "Životi najistaknutijih slikara, kipara i arhitekata" Giorgio Vasari (1550., 1568.) kao djelo prekretnica u povijesti oblikovanja likovne kritike. "Knjiga umjetnika" Karela Van Mandera kao nastavak Vasarijevih biografija na materijalu nizozemskog slikarstva.

13. Mislioci 18. stoljeća o problemima oblikovanja stila u umjetnosti, o umjetničkim metodama, mjestu i ulozi umjetnika u društvu: Racionalizam u povijesti umjetnosti. Klasična teorija Nicolasa Poussina. Teorijski program klasicizma u "Pjesničkom umijeću" Nicolasa Bualla (1674.) i "Razgovorima o najslavnijim slikarima, starim i novim" A. Felibena (1666.-1688.).

14. Doba prosvjetiteljstva (18. stoljeće) i teorijsko-metodološki problemi umjetnosti. Formiranje nacionalnih škola u okviru opće teorije umjetnosti. Razvoj likovne kritike u Francuskoj. Uloga Salona u francuskom umjetničkom životu. Prikazi Salona kao vodećih oblika kritičke literature o likovnim umjetnostima. Prijepori o zadaćama likovne kritike (ocjenjivanje stvaralaštva ili obrazovanje javnosti). Značajke njemačke povijesti umjetnosti. Prilog teoriji likovnih umjetnosti Gottholda Ephraima Lessinga. Traktat "Laocoön" (1766) i problem granica slikarstva i poezije. Uvođenje pojma "likovna umjetnost" umjesto "likovna umjetnost" (pomicanje naglaska s ljepote na istinu i isticanje figurativno-realističke funkcije umjetnosti). Značenje djelovanja Johanna Joachima Winckelmanna za razvoj povijesne znanosti o umjetnosti. Winckelmannov koncept antičke umjetnosti i periodizacija njezina razvoja.

15. Porijeklo ruske misli o umjetnosti. Podaci o umjetnicima i umjetničkim spomenicima u ruskim srednjovjekovnim kronikama i epistolarnim izvorima. Postavljanje pitanja o umjetnosti u društvenom i političkom životu 16. stoljeća. (katedrala Stoglavy iz 1551. i druge katedrale) kao dokaz buđenja kritičkog mišljenja i borbe različitih ideoloških struja.

16. Radikalna promjena u ruskoj umjetnosti 17. stoljeća: formiranje početaka svjetovnog svjetonazora i prvo upoznavanje s europskim oblicima umjetničke kulture. Formiranje umjetničke i teorijske misli. Poglavlje "O ikonografiji" u "Žitiju" Avvakuma. "Ogled o umjetnosti" Josipa Vladimirova (1665.-1666.) i "Riječ znatiželjnom ikonopisu" Simona Ušakova (1666.-1667.) prva su ruska djela o teoriji umjetnosti.

17. Aktivno formiranje novih svjetovnih oblika kulture u 18. stoljeću. Bilješke

J. von Stehlina prvi je pokušaj stvaranja povijesti ruske umjetnosti.

18. Novo romantičarsko shvaćanje umjetnosti u kritičkim člancima K.N. Batjuškova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odojevski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogolja.

19. Povijest umjetnosti kasnog 19. - 20. stoljeća: pokušaji sinteze postignuća formalne škole s konceptima njezinih kritičara - "strukturalna znanost" umjetničkih stilova. Semiotički pristup u povijesti umjetnosti. Značajke semiotičkog proučavanja umjetničkih djela u djelima Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, dipl. Uspenski. Raznolikost metoda proučavanja umjetnosti u modernoj domaćoj znanosti. Načela analize umjetničkog djela i problemski pristup proučavanju povijesti umjetnosti u djelima M. Alpatova (“Umjetnički problemi umjetnosti antičke Grčke”, “Umjetnički problemi talijanske renesanse”). Sinteza metodoloških pristupa (formalnostilskih, ikonografskih, ikonoloških, socioloških) V. Lazareva. Komparativno-povijesna metoda istraživanja u djelima D. Sarabjanova (“Rusko slikarstvo 19. stoljeća među europskim školama. Iskustvo komparativnih istraživanja”). Sustavni pristup umjetnosti i njezine značajke.

1. Alekseev V.V. Što je umjetnost? O tome kako slikar, grafičar i kipar prikazuju svijet. – M.: Umjetnost, 1991.

2. Valeri P. O umjetnosti. Kolekcija. – M.: Umjetnost, 1993.

3. Vipper B.R. Uvod u povijesni studij umjetnosti. – M.: Vizualne umjetnosti, 1985.

4.Vlasov V.G. Stilovi u umjetnosti - St. Petersburg: 1998.

5.Zis A.Ya. Vrste umjetnosti. – M.: Znanje, 1979.

6.Kon-Wiener. Povijest likovnih stilova. - M .: Svarog i K, 1998.

7. Melik-Pashaev A.A. Moderni rječnik-priručnik o umjetnosti. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Osnove povijesti umjetnosti. – M.: Umjetnost, 2001.

Tema 2. Umjetnost antičkog svijeta. Umjetnost ere primitivnog komunalnog sustava i starog istoka.

Pitanja:

1. Periodizacija umjetnosti primitivnog društva. Obilježja primitivne umjetnosti epohe: paleolitik, mezolitik, neolitik, bronca.

2. Pojam sinkretizma u primitivnoj umjetnosti, njegovi primjeri.

3. Opći zakoni i principi umjetnosti starog istoka.

4. Umjetnost stare Mezopotamije.

5. Umjetnost starih Sumerana.

6. Umjetnost stare Babilonije i Asirije.

Pitanja za raspravu:

1. Ukratko se osvrnite na periodizaciju primitivne umjetnosti. Koje su značajke umjetnosti svakog razdoblja?

2. Opišite glavne značajke primitivne umjetnosti: sinkretizam, fetišizam, animizam, totemizam.

3. Usporedite kanone u prikazu osobe u umjetnosti starog Istoka (Egipat i Mezopotamija).

4. Koje su značajke likovne umjetnosti stare Mezopotamije?

5. Recite nam nešto o arhitekturi Mezopotamije na primjeru pojedinih spomenika:

zigurat Etemenniguru u Uru i zigurat Etemenanki u Novom Babilonu.

6. Recite nam nešto o kiparstvu Mezopotamije na primjeru specifičnih spomenika: zidine uz Cestu procesije, Ištarina vrata, reljefi iz palače Ashurnasirpal u

7. Koja je tematika skulpturalnih reljefnih slika Mezopotamije?

8. Kako su se zvali prvi babilonski spomenici arhitekture? Što je bilo njihovo

ugovoreni sastanak?

9. Koja je osobitost kozmogonije sumero-akadske kulture?

10. Navedite dostignuća u umjetnosti sumero-akadske civilizacije.

1. Vinogradova N.A. Tradicionalna umjetnost Istoka. - M.: Umjetnost, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Kratka povijest umjetnosti. Problem. 1: Od antičkog doba do 16. stoljeća. Eseji. – M.: Umjetnost, 1985.

3. Umjetnost starog istoka (Spomenici svjetske umjetnosti). – M.: Umjetnost, 1968.

4. Umjetnost starog Egipta. Slikarstvo, kiparstvo, arhitektura, primijenjena umjetnost. – M.: Vizualne umjetnosti, 1972.

5. Umjetnost antičkog svijeta. – M.: 2001.

6. Povijest umjetnosti. Prve civilizacije - Barcelona-Moskva: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Spomenici svjetske umjetnosti. Sveska III, prva serija. Umjetnost starog istoka. - M.: Umjetnost, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Estetski temelji umjetnosti starog Egipta. – M.: Umjetnost, 1985.

9. Stolyar A.D. Nastanak likovne umjetnosti. – M.: Umjetnost, 1985.

Ovaj članak sadrži kratak opis glavnih umjetničkih stilova 20. stoljeća. Bit će korisno poznavati i umjetnike i dizajnere.

Modernizam (od francuskog moderne moderne)

u umjetnosti kumulativni naziv umjetničkih pravaca koji su se u drugoj polovici 19. st. afirmirali u obliku novih oblika stvaralaštva, gdje nije prevladavala toliko privrženost duhu prirode i tradicije, koliko slobodan pogled majstora. , slobodan mijenjati vidljivi svijet prema vlastitom nahođenju, slijedeći osobni dojam, unutarnju ideju ili mistični san (ovi su trendovi uvelike nastavili smjer romantizma). Impresionizam, simbolizam i modernizam bili su njegovi najznačajniji pravci, često aktivno međusobno povezani.U sovjetskoj kritici pojam “modernizma” antipovijesno je primijenjen na sve umjetničke pokrete 20. stoljeća koji nisu odgovarali kanonima socrealizma. .

Apstrakcionizam(umjetnost pod znakom "nulte forme", nepredmetna umjetnost) - umjetnički pravac koji se formirao u umjetnosti prve polovice 20. stoljeća, potpuno odbijajući reproducirati oblike stvarnog vidljivog svijeta. Utemeljiteljima apstrakcionizma smatraju se V. Kandinski, P. Mondriana i K. Maljeviča. W. Kandinsky stvorio je vlastitu vrstu apstraktnog slikarstva, oslobađajući impresionističke i "divlje" mrlje od bilo kakvih znakova objektivnosti. Piet Mondrian je do svoje bespredmetnosti došao geometrijskom stilizacijom prirode koju su započeli Cezanne i kubisti. Modernistički trendovi 20. stoljeća, usmjereni na apstrakcionizam, potpuno odstupaju od tradicionalnih načela, negirajući realizam, ali istovremeno ostaju u okvirima umjetnosti. Povijest umjetnosti s pojavom apstrakcionizma doživjela je revoluciju. Ali ova revolucija nije nastala slučajno, već sasvim prirodno, a predvidio ju je Platon! U svom kasnijem djelu Fileb pisao je o ljepoti linija, ploha i prostornih oblika u sebi, neovisno o oponašanju vidljivih predmeta, o bilo kakvoj mimezi. Ovakva geometrijska ljepota, za razliku od ljepote prirodnih “nepravilnih” oblika, po Platonu nije relativna, već bezuvjetna, apsolutna.

Futurizam- književni i umjetnički pravac u umjetnosti 1910-ih. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Važna umjetnička ideja futurizma bila je potraga za plastičnim izrazom brzine kretanja kao glavnog znaka tempa suvremenog života. Ruska inačica futurizma nazvana je kibofuturizam i temeljila se na spoju plastičnih načela francuskog kubizma i europskih općeestetskih instalacija futurizma. Sjecištima, pomacima, sudaranjima i naletima oblika umjetnici su nastojali izraziti poraznu pluralnost dojmova suvremenog čovjeka, gradskog stanovnika.

Kubizam- "najpotpunija i najradikalnija umjetnička revolucija od renesanse" (J. Golding). Slikari: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubizam - (franc. cubisme, od cube - kocka) pravac u umjetnosti prve četvrtine 20. stoljeća. Plastični jezik kubizma temeljio se na deformaciji i raščlanjivanju predmeta u geometrijske ravnine, plastičnom pomicanju oblika. Mnogi ruski umjetnici prošli su kroz fascinaciju kubizmom, često kombinirajući njegova načela s tehnikama drugih modernih umjetničkih pravaca - futurizma i primitivizma. Kubofuturizam je postao posebna varijanta interpretacije kubizma na ruskom tlu.

Purizam- (franc. purisme, od lat. purus - čist) trend u francuskom slikarstvu kasnih 1910-ih i 20-ih godina. Glavni predstavnici su umjetnik A. Ozanfan i arhitektica C. E. Jeanneret (Le Corbusier). Odbacujući dekorativne tendencije kubizma i drugih avangardnih pokreta 1910-ih, deformaciju prirode koju su usvojili, puristi su težili racionalistički uređenom prijenosu stabilnih i jezgrovitih oblika predmeta, kao “očišćenih” od detalja, na sliku “primarni” elementi. Radove purista karakterizira plošnost, glatki ritam svjetlosnih silueta i kontura predmeta iste vrste (vrčevi, čaše itd.). Budući da nisu dobili razvoj u štafelajnim oblicima, bitno promišljena umjetnička načela purizma djelomično su se odrazila u modernoj arhitekturi, uglavnom u zgradama Le Corbusiera.

Serrealizam- kozmopolitski pokret u književnosti, slikarstvu i kinematografiji nastao 1924. u Francuskoj, a službeno prestao s postojanjem 1969. Uvelike je pridonio formiranju svijesti suvremenog čovjeka. Glavne figure pokreta Andre Breton- književnik, vođa i idejni inspirator pokreta, Louis Aragon- jedan od utemeljitelja nadrealizma, koji se kasnije na bizaran način transformirao u pjevača komunizma, Salvador Dali- umjetnik, teoretičar, pjesnik, scenarist, koji je bit pokreta definirao riječima: "Nadrealizam to sam ja!", izrazito nadrealistički kinematograf Luis Buñuel, slikar Juan Miro- "najljepše pero na šeširu nadrealizma", kako ga je nazvao Breton, ali i mnogi drugi umjetnici diljem svijeta.

fovizam(od francuskog les fauves - divlje (životinje)) Lokalni smjer u slikarstvu rano. 20. stoljeće Ime F. dano je iz ruganja skupini mladih pariških umjetnika ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), koji su zajedno sudjelovali na nizu izložbi 1905.-1907., nakon prve izložbe 1905. Naziv je prihvatila sama grupa i iza njega se čvrsto ustalila. Pravac nije imao jasno formuliran program, manifest ili vlastitu teoriju i nije dugo trajao, ali je ostavio zamjetan trag u povijesti umjetnosti. Njegove je sudionike tih godina ujedinila želja za stvaranjem umjetničkih slika isključivo uz pomoć iznimno svijetle otvorene boje. Razvijanje umjetničkih dostignuća postimpresionista ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), oslanjajući se na neke formalne tehnike srednjovjekovne umjetnosti (vitraj, romanika) i japansku gravuru, popularnu u umjetničkim krugovima Francuske još od vremena impresionista, fovisti su nastojali maksimalno iskoristiti kolorističke mogućnosti slikarstva.

Ekspresionizam(od francuskog izraza - ekspresivnost) - modernistički trend u zapadnoeuropskoj umjetnosti, uglavnom u Njemačkoj, prva trećina 20. stoljeća, koji se razvio u određenom povijesnom razdoblju - uoči Prvog svjetskog rata. Idejna osnova ekspresionizma bio je individualistički protest protiv ružnog svijeta, sve većeg otuđenja čovjeka od svijeta, osjećaja beskućništva, urušavanja i raspada onih načela na kojima se činilo da europska kultura tako čvrsto počiva. Ekspresionisti teže ka misticizmu i pesimizmu. Likovne tehnike karakteristične za ekspresionizam: odbacivanje iluzornog prostora, želja za plošnom interpretacijom predmeta, deformacija predmeta, ljubav prema oštrim koloritnim disonancama, poseban kolorit koji utjelovljuje apokaliptičnu dramu. Umjetnici su kreativnost doživljavali kao način izražavanja emocija.

Suprematizam(od lat. supremus - najviši, najviši; prvi; posljednji, krajnji, po svemu sudeći, preko poljskog supremacja - nadmoć, nadmoć) Pravac avangardne umjetnosti prve trećine 20. stoljeća, stvaratelj, glavni predstavnik i teoretičar od kojih je bio ruski umjetnik Kazimir Malevič. Sam pojam ne odražava bit suprematizma. Zapravo, u razumijevanju Malevicha, ovo je procijenjena karakteristika. Suprematizam je najviši stupanj u razvoju umjetnosti na putu oslobađanja od svega neumjetničkog, na putu konačnog razotkrivanja nepredmetnosti kao biti svake umjetnosti. U tom smislu i Malevič je primitivnu ornamentalnu umjetnost smatrao suprematističkom (ili "vrhovnopodobnom"). Prvo je primijenio ovaj izraz na veliku skupinu svojih slika (39 ili više) koje su prikazivale geometrijske apstrakcije, uključujući poznati "Crni kvadrat" na bijeloj pozadini, "Crni križ" itd., izložene na petrogradskoj futurističkoj izložbi "nulti- deset" 1915. Iza ovih i sličnih geometrijskih apstrakcija vezan je naziv suprematizam, iako je sam Malevič njime nazivao mnoga svoja djela iz 20-ih godina, koja su izvana sadržavala neke oblike konkretnih predmeta, osobito figure ljudi, ali su zadržala “Suprematistički duh”. I zapravo, kasniji Maljevičevi teorijski razvoji ne daju temelja za svođenje suprematizma (barem samog Maljeviča) samo na geometrijske apstrakcije, iako one, naravno, čine njegovu srž, bit, pa čak i (crno-bijelo i bijelo-bijelo Suprematizam) dovode slikarstvo uopće do granice postojanja kao umjetnosti, tj. do pikturalne nule, iza koje više nema vlastitog slikarstva. Tim su putem u drugoj polovici stoljeća nastavili brojni pravci u umjetničkom djelovanju koji su napuštali kistove, boje i platno.

ruski avangarda 1910-e predstavljaju prilično složenu sliku. Karakterizira ga brza promjena stilova i trendova, obilje grupa i udruženja umjetnika, od kojih je svaki proklamirao vlastiti koncept kreativnosti. Nešto slično dogodilo se u europskom slikarstvu početkom stoljeća. No, miješanje stilova, "zbrka" struja i pravaca bili su nepoznati Zapadu, gdje je kretanje prema novim oblicima bilo dosljednije. Mnogi su majstori mlađe generacije iznimnom brzinom prelazili iz stila u stil, iz pozornice u pozornicu, od impresionizma do moderne, zatim do primitivizma, kubizma ili ekspresionizma, prolazeći kroz mnoge korake, što je bilo posve netipično za majstore francuskog ili njemačkog slikarstva. . Situacija koja se razvila u ruskom slikarstvu bila je uvelike posljedica predrevolucionarne atmosfere u zemlji. Pogoršala je mnoge kontradikcije koje su bile svojstvene cijeloj europskoj umjetnosti u cjelini, jer. Ruski umjetnici učili su po europskim uzorima, dobro su poznavali razne škole i slikarske trendove. Svojevrsna ruska "eksplozija" u umjetničkom životu odigrala je tako povijesnu ulogu. Do 1913. ruska je umjetnost dosegla nove granice i horizonte. Pojavio se sasvim novi fenomen neobjektivnosti - crta preko koje se francuski kubisti nisu usuđivali prijeći. Jedan po jedan prelaze ovu liniju: Kandinski V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

kubofuturizam Lokalni pravac u ruskoj avangardi (u slikarstvu i poeziji) s početka 20. stoljeća. U likovnoj umjetnosti kubofuturizam je nastao na temelju promišljanja slikovnih nalaza, kubizma, futurizma i ruskog neoprimitivizma. Glavna djela nastala su u razdoblju 1911.-1915. Najkarakterističnije slike kubo-futurizma izašle su ispod kista K. Malevicha, a napisali su ih i Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Prva kubo-futuristička djela Maljeviča bila su izložena na poznatoj izložbi 1913. "Target", na kojemu je debitirao i Larionovljev lučizam. Kubo-futuristička djela svojim izgledom imaju nešto zajedničko s kompozicijama koje je u isto vrijeme stvarao F. Leger te su poluobjektivne kompozicije sastavljene od cilindričnih, stožastih, bočica, školjkastih šupljih volumetrijskih obojenih formi, često s metalnim sjajem. Već u prvim takvim Maljevičevim djelima primjetna je težnja prijelaza od prirodnog ritma prema čisto mehaničkim ritmovima strojnog svijeta (Plotnik, 1912., Brusilica, 1912., Kljunov portret, 1913.).

neoplasticizam- jedna od najranijih vrsta apstraktne umjetnosti. Nastao je do 1917. nizozemski slikar P. Mondrian i drugi umjetnici koji su bili dio udruge Style. Neoplasticizam karakterizira, prema njegovim tvorcima, želja za "univerzalnim skladom", izražena u strogo uravnoteženim kombinacijama velikih pravokutnih figura, jasno odvojenih okomitim crnim linijama i obojenih lokalnim bojama glavnog spektra (s dodatkom bijele i sivi tonovi). Neoplasticizam (Nouvelle plastique) Ovaj termin pojavio se u Nizozemskoj u 20. stoljeću. Piet Mondrian definirao je svoje plastičke koncepte koje je sistematizirala i branila grupa i časopis »Stil« (»De Stiji«) osnovan u Leidenu 1917. Glavno obilježje neoplasticizma bila je stroga uporaba izražajnih sredstava. Neoplasticizam dopušta samo vodoravne i okomite linije za izgradnju forme. Križanje linija pod pravim kutom prvi je princip. Oko 1920. dodan mu je drugi, koji, uklanjajući potez i naglašavajući ravninu, ograničava boje na crvenu, plavu i žutu, t j . tri čiste osnovne boje kojima se mogu dodati samo bijela i crna. Pomoću te strogosti neoplasticizam je namjeravao nadilaziti individualnost kako bi postigao univerzalizam i tako stvorio novu sliku svijeta.

Službeno "krštenje" orfizam dogodilo se na Salonu neovisnih 1913. Tako je kritičar Roger Allard napisao u svom izvješću o Salonu: "... za buduće povjesničare bilježimo da je 1913. rođena nova škola orfizma ..." ("La Cote" Pariz 19. ožujka 1913.). Ponovio ga je drugi kritičar Andre Varno: "Salon 1913. obilježen je rođenjem nove škole orfičke škole" ("Comoedia" Pariz, 18. ožujka 1913.). Konačno Guillaume Apollinaire pojačao ovu izjavu uzviknuvši, ne bez ponosa: “Ovo je orfizam. Ovdje se prvi put pojavio ovaj trend, koji sam predvidio” (“Montjoie!” Pariški dodatak do 18. ožujka 1913.). Doista, izraz je izmišljen Apollinaire(Orfizam kao kult Orfeja) i prvi put je javno objavljen tijekom predavanja o modernom slikarstvu i pročitan u listopadu 1912. Što je mislio? Čini se da ni sam to ne zna. Štoviše, nije znao definirati granice tog novog smjera. Zapravo, zabuna koja vlada do danas nastala je zbog činjenice da je Apollinaire nesvjesno pobrkao dva problema koji su, naravno, međusobno povezani, ali prije nego što ih pokuša povezati, trebao je naglasiti njihove razlike. S jedne strane stvaranje Delaunaya slikovna izražajna sredstva u potpunosti temeljena na boji i, s druge strane, ekspanzija kubizma kroz pojavu nekoliko različitih pravaca. Nakon prekida s Marie Laurencin krajem ljeta 1912., Apollinaire je potražio utočište kod obitelji Delaunay, koja ga je s prijateljskim razumijevanjem primila u svoju radionicu u Rue Grand-Augustin. Upravo ovog ljeta, Robert Delaunay i njegova supruga doživjeli su duboku estetsku evoluciju koja je dovela do onoga što je kasnije nazvao "destruktivnim razdobljem" slikarstva koje se temelji samo na konstruktivnim i prostorno-vremenskim kvalitetama kontrasta boja.

Postmodernizam (postmoderna, postavangarda) -

(od lat. post "nakon" i modernizam), skupni naziv za umjetničke pravce koji su se posebno jasno iskazali 1960-ih godina, a karakterizira ih radikalna revizija pozicija modernizma i avangarde.

apstraktni ekspresionizam poslijeratna (kasnih 40-ih - 50-ih godina XX. stoljeća) faza u razvoju apstraktne umjetnosti. Sam pojam uveo je 1920-ih njemački likovni kritičar E. von Sydow (E. von Sydow) za upućivanje na određene aspekte ekspresionističke umjetnosti. Njime je 1929. Amerikanac Barr okarakterizirao rana djela Kandinskog, a 1947. djela je nazvao "apstraktno-ekspresionističkim" Willem de Kooning i Pollock. Otada se pojam apstraktnog ekspresionizma učvrstio iza prilično širokog, stilski i tehnički raznolikog polja apstraktnog slikarstva (a kasnije i kiparstva), koje se naglo razvilo 50-ih godina. u SAD-u, Europi, a potom i diljem svijeta. Izravni preci apstraktnog ekspresionizma smatraju se ranim Kandinski, ekspresionisti, orfisti, dijelom dadaisti i nadrealisti sa svojim principom mentalnog automatizma. Filozofsko-estetička osnova apstraktnog ekspresionizma uvelike je bila filozofija egzistencijalizma, popularna u poslijeratnom razdoblju.

Gotova(engleski ready-made - spreman) Pojam je u leksikon povijesti umjetnosti prvi uveo umjetnik Marcel Duchamp svoja djela, koja su predmeti utilitarne uporabe, izdvojena iz okruženja normalnog funkcioniranja i bez promjena izložena na umjetničkoj izložbi, označiti umjetničkim djelima. Ready-Made je tražio novi pogled na stvar i stvarnost. Predmet koji je prestao ispunjavati svoje utilitarne funkcije i uključen u kontekst prostora umjetnosti, odnosno postao predmet neutilitarne kontemplacije, počeo je otkrivati ​​neka nova značenja i asocijativne poteze nepoznate ni tradicionalnoj umjetnosti ni svakodnevno-utilitarna sfera bivstvovanja. Oštro se pojavio problem relativnosti estetskog i utilitarnog. Prvi Ready-Made Duchamp izložen u New Yorku 1913. Najzloglasniji njegov Ready-Made. čelik "Kotač s bicikla" (1913), "Sušilo za boce" (1914), "Fontana" (1917) - tako je označen obični pisoar.

Pop umjetnost. Nakon Drugog svjetskog rata u Americi se stvorio veliki društveni sloj ljudi koji su zarađivali dovoljno novca za kupnju robe koja im nije bila osobito važna. Na primjer, potrošnja dobara: Coca cola ili Levi's traperice postaju važan atribut ovog društva. Osoba koja koristi ovaj ili onaj proizvod pokazuje svoju pripadnost određenom društvenom sloju. Formirana je sadašnja masovna kultura. Stvari su postale simboli, stereotipi. Pop art nužno koristi stereotipe i simbole. pop-art(Pop Art) utjelovio je stvaralačku potragu novih Amerikanaca, koja se oslanjala na kreativna načela Duchampa. To: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, i drugi. Pop art poprima važnost masovne kulture pa ne čudi što se u Americi oblikovao i postao umjetnički pokret. Njihovi saveznici: Hamelton R, Ton Kina izabran kao autoritet Kurt Schwieters. Pop art karakterizira djelo – iluzija igre koja objašnjava bit predmeta. Primjer: pita K. Oldenburg prikazan na razne načine. Umjetnik možda neće prikazati tortu, ali rastjerati iluzije, pokazati da osoba vidi stvarno. Originalan je i R. Rauschenberg: na platno je lijepio razne fotografije, ocrtavao ih i na djelo pričvršćivao poneku plišanu životinju. Jedno od njegovih poznatih djela je plišani jež. Poznato je i njegovo slikarstvo, gdje je koristio fotografije Kenedyja.

primitivizam (naivna umjetnost). Ovaj se pojam koristi u nekoliko značenja i zapravo je identičan pojmu "primitivna umjetnost". U različitim jezicima i od strane različitih znanstvenika, ti se pojmovi najčešće koriste za označavanje istog niza pojava u umjetničkoj kulturi. U ruskom (kao iu nekim drugim) pojam "primitivan" ima donekle negativno značenje. Stoga je prikladnije usredotočiti se na koncept naivna umjetnost. U najširem smislu riječ je o likovnoj umjetnosti koja se odlikuje jednostavnošću (ili simplificiranošću), jasnoćom i formalnom neposrednošću slikovnog i izražajnog jezika, uz pomoć kojega se izražava posebna vizija svijeta neopterećena civilizacijskim konvencijama. . Koncept se pojavio u novoj europskoj kulturi posljednjih stoljeća, stoga odražava profesionalna stajališta i ideje ove kulture, koja je sebe smatrala najvišim stupnjem razvoja. S tih pozicija naivna umjetnost označava i arhaičnu umjetnost starih naroda (predegipatske ili predgrčke civilizacije), npr. primitivnu umjetnost; umjetnost naroda koji su zaostali u kulturnom i civilizacijskom razvoju (autohtono stanovništvo Afrike, Oceanije, Indijanci Amerike); amaterska i neprofesionalna umjetnost najširih razmjera (primjerice, poznate srednjovjekovne freske Katalonije ili neprofesionalna umjetnost prvih američkih useljenika iz Europe); mnoga djela takozvane "međunarodne gotike"; narodna umjetnost; i konačno, umjetnost nadarenih umjetnika primitivista 20. stoljeća, koji nisu stekli stručno likovno obrazovanje, ali su u sebi osjetili dar umjetničkog stvaralaštva i posvetili se njegovu samostalnom likovnom ostvarenju. Neki od njih (francuski A. Russo, K. Bombois, gruzijski N. Pirosmanishvili, Hrvatski I. Generalich, američki prije podne Robertson i dr.) stvorili su prava umjetnička remek-djela koja su postala dio riznice svjetske umjetnosti.Naivna umjetnost po svom viđenju svijeta i načinima likovnog prikazivanja donekle je bliska dječjoj umjetnosti, s jedne strane. ruku, a s druge strane na rad duševnih bolesnika. Međutim, u biti se razlikuje od oba. Svjetonazorski najbliža dječjoj umjetnosti je naivna umjetnost arhaičnih naroda i starosjedilaca Oceanije i Afrike. Njegova temeljna razlika od dječje umjetnosti leži u dubokoj sakralnosti, tradicionalnosti i kanoničnosti.

nema umjetnosti(Net Art - od engleskog net - mreža, art - umjetnost) Najnoviji oblik umjetnosti, moderne umjetničke prakse, koje se razvijaju u računalnim mrežama, posebice na Internetu. Njezini istraživači u Rusiji, koji su pridonijeli njezinu razvoju, O. Lyalina, A. Shulgin, smatraju da se bit Net-arta svodi na stvaranje komunikacijskih i kreativnih prostora na webu, pružajući svima potpunu slobodu mrežnog bivstvovanja. Dakle, bit Net-arta. ne reprezentacija, nego komunikacija, a njezina izvorna likovna jedinica je elektronička poruka. Postoje najmanje tri faze u razvoju Net-arta, koji je nastao 80-ih i 90-ih godina. 20. stoljeće Prvi je bio kada su ambiciozni web umjetnici stvarali slike od slova i ikona na tipkovnici računala. Drugi je počeo kada su na internet došli underground umjetnici i jednostavno svi koji su htjeli pokazati nešto od svog rada.

OP-ART(eng. Op-art - skraćena verzija optičke umjetnosti - optička umjetnost) - umjetnički pokret druge polovice 20. stoljeća, koristeći različite vizualne iluzije temeljene na značajkama percepcije ravnih i prostornih figura. Struja nastavlja racionalističku liniju tehnicizma (modernizma). Ona seže do takozvanog "geometrijskog" apstrakcionizma, čiji je predstavnik bio V. Vasarely(od 1930. do 1997. djelovao u Francuskoj) - utemeljitelj op arta. Mogućnosti Op-arta pronašle su primjenu u industrijskoj grafici, plakatima i dizajnu. Smjer op art (optička umjetnost) nastao je 50-ih godina prošlog stoljeća u okviru apstrakcionizma, ali ovaj put je bio druge sorte - geometrijske apstrakcije. Njegova distribucija kao struja datira iz 60-ih godina. 20. stoljeće

Grafiti(grafiti - u arheologiji, bilo koji crtež ili slova izgrebana na bilo kojoj površini, od talijanskog graffiare - ogrebotina) Ovo je oznaka supkulturnih djela, koja su uglavnom slike velikog formata na zidovima javnih zgrada, građevina, prijevoza, izrađene korištenjem raznih vrste pištolja za prskanje, limenke s bojom u obliku aerosola. Otuda drugi naziv "spray art" - Spray-art. Njegov nastanak povezuje se s masovnom pojavom grafita. u 70-ima. na vagonima njujorške podzemne željeznice, a potom i na zidovima javnih zgrada, roletama trgovina. Prvi autori grafita. bilo je uglavnom mladih nezaposlenih umjetnika etničkih manjina, prvenstveno Portorikanaca, pa su se u prvim Grafitima pojavile neke stilske značajke latinoameričke narodne umjetnosti, a samim pojavljivanjem na površinama koje nisu za to namijenjene, njihovi su se autori bunili protiv njihove nemoćni položaj. Do početka 80-ih. formiran je cijeli trend gotovo profesionalnih majstora G. Njihova prava imena, prethodno skrivena pod pseudonimima, postala su poznata ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Neki od njih svoju su tehniku ​​prenijeli na platno i počeli izlagati u galerijama u New Yorku, a ubrzo su se grafiti pojavili iu Europi.

HIPERREALIZAM(hiperrealizam - engl.), odnosno fotorealizam (photorealism - engl.) - umjetnik. pokret u slikarstvu i kiparstvu, na temelju fotografije, reprodukcija stvarnosti. I po svojoj praksi i po svojim estetskim usmjerenjima prema naturalizmu i pragmatizmu, hiperrealizam je blizak pop artu. prvenstveno ih spaja povratak figurativnosti. Djeluje kao antiteza konceptualizmu koji ne samo da je raskinuo s reprezentacijom, nego je doveo u pitanje i samo načelo materijalnog ostvarenja umjetnosti. koncept.

land art(od engleske land art - zemljana umjetnost), pravac u umjetnosti posljednje trećineXXst., temeljen na korištenju stvarnog krajolika kao glavnog umjetničkog materijala i objekta. Umjetnici kopaju rovove, stvaraju bizarne gomile kamenja, slikaju stijene, birajući za svoje akcije obično napuštena mjesta - netaknute i divlje krajolike, čime, takoreći, nastoje vratiti umjetnost prirodi. Zahvaljujući njegovom<первобытному>Izgledom su mnoge radnje i predmeti ove vrste bliski arheologiji, kao i foto-umjetnosti, budući da ih većina javnosti može promatrati samo u nizu fotografija. Čini se da ćemo se morati pomiriti s još jednim barbarizmom u ruskom jeziku. Ne znam je li slučajno termin<лэнд-арт>pojavio na kraju 60-ih godina u vrijeme kada je u razvijenim društvima buntovni duh studentskog tijela usmjerio svoje snage na rušenje ustaljenih vrijednosti.

MINIMALIZAM(minimalna umjetnost - engleski: minimal art) - umjetnik. tok proizašao iz minimalne transformacije materijala korištenih u procesu kreativnosti, jednostavnost i ujednačenost oblika, jednobojan, kreativan. umjetnikovo samoobuzdavanje. Minimalizam karakterizira odbacivanje subjektivnosti, reprezentacije, iluzionizma. Odbacivanje klasike kreativnost i tradicija. umjetnički materijala, minimalisti koriste industrijske i prirodne materijale jednostavne geometrije. oblika i neutralnih boja (crna, siva), koriste se male količine, serijske, pokretne metode industrijske proizvodnje. Artefakt je u minimalističkom konceptu kreativnosti unaprijed zadani rezultat procesa njegove proizvodnje. Dobivši najpotpuniji razvoj u slikarstvu i kiparstvu, minimalizam, tumačen u širokom smislu kao ekonomija umjetnika. sredstava, našla je primjenu i u drugim oblicima umjetnosti, prvenstveno kazalištu i kinu.

Minimalizam je nastao u Sjedinjenim Državama u trans. kat. 60-ih godina Porijeklo mu je u konstruktivizmu, suprematizmu, dadaizmu, apstrakcionizmu, formalističkom amer. slikarstvo 1950-ih, pop art. Direktno preteča minimalizma. je amer. slikar F. Stella, koji je 1959-60 predstavio seriju "Crne slike", gdje su prevladavale uredne ravne linije. Prva minimalistička djela pojavljuju se 1962.-63. Izraz "minimalizam". pripada R. Walheimu, koji ga uvodi u odnosu na analizu kreativnosti M. Duchamp i pop umjetnici, minimizirajući umjetnikovu intervenciju u okoliš. Sinonimi su joj "cool art", "ABC art", "serial art", "primarne strukture", "umjetnost kao proces", "sustavna umjetnost". slika". Među najreprezentativnijim minimalistima su − C. Andre, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Spaja ih želja da se artefakt uklopi u okoliš, da se pobijedi prirodna tekstura materijala. D. Žad definira kao "specifičan". objekt”, drugačiji od klasičnog. plastični radovi. umjetnosti. Neovisna, rasvjeta igra ulogu kao način stvaranja minimalističke umjetnosti. situacije, originalna prostorna rješenja; koriste se računalne metode izrade radova.