Thème antique dans l'art russe du XXe siècle. Beaux-arts russes du XXe siècle. Les principales directions de la peinture russe du XXe siècle
Cette époque est considérée comme l'apogée de la peinture russe et l'introduction du réalisme en elle. Les phénomènes sociaux et les révolutions dans le pays ont eu une influence particulière sur l'art. Il y avait déjà de la censure et de la critique dans la peinture. Une empreinte significative a été laissée sur le travail des peintres par les autorités de l'époque. Presque chaque artiste domestique était obligé de peindre au moins un tableau consacré à la nouvelle politique et au nouvel ordre social.
Les principales directions de la peinture russe du XXe siècle
Dans la période du XXe siècle, il a marqué la fin du réalisme russe dans la peinture et le début du soviétique ou socialiste. Le temps de la Grande Guerre est considéré comme spécial, qui s'est distingué par le mouvement uni du parti et du peuple. Les peintures militaires ont fait sensation et sont pertinentes dans la période actuelle. Le courant socialiste du genre paysager est le moins touché.
Avant-garde russe
Le mot "avant-garde" signifie innovation, mouvement avancé. L'avant-garde domestique conjugue les courants radicaux de la peinture. Au début, cela s'appelait modernisme, art nouveau, abstractionnisme et autres noms. Les premiers aperçus dans la direction sont apparus dans les années d'avant-guerre. L'avant-garde russe combine des moments tels que le rejet absolu du passé dans la culture et l'unification des processus de destruction et de création. Dans la peinture, il y a une place à la fois pour l'agressivité, le désir de détruire les anciennes valeurs artistiques et la création de quelque chose de complètement différent.
Dans ce sens, il convient tout d'abord de souligner Wassily Kandinsky, qui a peint les tableaux «Colorful Life», «Song of the Volga», «White Oval», «Moscou. Carré rouge". Parmi les avant-gardistes figurent également Kazimir Malevitch, qui est un représentant du surmatisme, l'un des mouvements d'avant-garde. Ce courant caractérise le stade ultime de l'art, l'absence d'objets. On a commencé à parler de lui après l'apparition de toiles aux abstractions géométriques.
réalisme socialiste
Après la révolution et de nombreux bouleversements et changements, une nouvelle période et une nouvelle direction ont commencé dans les arts visuels. Il correspondait à cette époque et s'appelait le réalisme socialiste. Cela a été exigé par le gouvernement et le peuple. Le réalisme socialiste se distinguait par la présence de l'héroïsme, des dirigeants exprimés, des personnes, des événements, de la vérité du parti, et non de la vision de l'artiste lui-même. La société totalitaire a changé la peinture russe au-delà de toute reconnaissance. Il s'agissait principalement de peintures consacrées aux événements historiques de cette époque, aux héros et dirigeants de l'État, ainsi qu'à la vie quotidienne d'un simple ouvrier.
Beaucoup l'ont appelé "style sévère", car il n'y avait pas d'illusions, de conjectures, d'insouciance enfantine. Seule la vérité impitoyable s'affichait sur les toiles. L'héroïsme de cette époque résidait dans la tension intérieure et les efforts du chef. Dans le réalisme socialiste, le travail était une vocation et les héros étaient des pionniers et des bâtisseurs. À la fin du siècle, parallèlement à l'effondrement de la culture soviétique, une nouvelle direction de la peinture russe apparaît.
Postmodernisme
Une nouvelle direction dans la peinture russe est venue remplacer le modernisme, qui n'était pas tout à fait clair dans la société. Le postmodernisme se caractérise par des images photographiques. La peinture est aussi proche que possible de l'aspect original. Le style se distingue par des traits typologiques. Tout d'abord, le formulaire fini. Les peintres utilisent des images classiques, mais les interprètent d'une manière nouvelle, donnent l'exclusivité. Très souvent, les représentants du postmodernisme combinent des formes de plusieurs directions, donnant une légère ironie à l'image et certaines secondaires.
Une autre caractéristique de la direction est l'absence de règles. Dans le postmodernisme, l'artiste a un contrôle total sur le choix des formes et des manières de représenter sa peinture. Une certaine liberté a donné un nouveau souffle à l'art en général. Il y avait des installations artistiques et des performances. Le postmodernisme en peinture se caractérise également par l'absence de techniques claires et de popularité mondiale générale. L'apogée de cette direction est survenue dans les années 90 du 20e siècle. Les représentants les plus éminents en sont les artistes suivants: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.
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Art russe de la fin du XIXe-début du XXe siècle
Introduction
Peinture
Konstantin Alexeïevitch Korovine
Valentin Alexandrovitch Serov
Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel
"Monde des Arts"
"Union des artistes russes"
"Valet de carreau"
"Syndicat des jeunes"
Architecture
Sculpture
Bibliographie
Introduction
La culture russe de la fin du XIXe au début du XXe siècle est une période complexe et controversée du développement de la société russe. La culture du tournant du siècle contient toujours des éléments d'une ère de transition, qui comprend les traditions de la culture du passé et les tendances novatrices d'une nouvelle culture émergente. Il y a un transfert de traditions et pas seulement un transfert, mais l'émergence de nouvelles, tout cela est lié au processus turbulent de recherche de nouvelles façons de développer la culture, corrigé par le développement social de cette époque. Le tournant du siècle en Russie est une période de brassage de changements majeurs, un changement dans le système étatique, un changement de la culture classique du 19e siècle à la nouvelle culture du 20e siècle. La recherche de nouvelles façons de développer la culture russe est associée à l'assimilation des tendances progressistes de la culture occidentale. La diversité des directions et des écoles est une caractéristique de la culture russe au tournant du siècle. Les tendances occidentales sont entrelacées et complétées par des tendances modernes, remplies de contenu spécifiquement russe. Une caractéristique de la culture de cette période est son orientation vers la compréhension philosophique de la vie, la nécessité de construire une image holistique du monde, où l'art, avec la science, joue un rôle énorme. Le centre de la culture russe de la fin du 19e au début du 20e siècle était une personne qui devient une sorte de lien dans la variété hétéroclite des écoles et des domaines de la science et de l'art, d'une part, et une sorte de point de départ pour analyser tous les artefacts culturels les plus divers, d'autre part. D'où le puissant fondement philosophique qui sous-tend la culture russe au tournant du siècle.
Soulignant les priorités les plus importantes dans le développement de la culture russe de la fin du XIXe au début du XXe siècle, on ne peut ignorer ses caractéristiques les plus importantes. La fin du 19e - le début du 20e siècle dans l'histoire de la culture russe est généralement appelée la Renaissance russe ou, en comparaison avec l'âge d'or de Pouchkine, l'âge d'argent de la culture russe.
Au tournant du siècle se développe un style qui touche tous les arts plastiques, commençant principalement par l'architecture (où l'éclectisme domine longtemps) et finissant par le graphisme, ce qu'on appelle le style Art nouveau. Ce phénomène n'est pas sans ambiguïté, dans la modernité il y a aussi la prétention décadente, la prétention, conçue principalement pour les goûts bourgeois, mais il y a aussi un désir d'unité de style qui est significatif en soi. Le style Art nouveau est une nouvelle étape dans la synthèse de l'architecture, de la peinture et des arts décoratifs.
Dans les arts visuels, l'Art nouveau s'est manifesté : en sculpture - par la fluidité des formes, l'expressivité particulière de la silhouette, le dynamisme des compositions ; en peinture - le symbolisme des images, la dépendance aux allégories. symbolisme moderne avant-gardiste argent
Les symbolistes russes ont joué un rôle important dans le développement de l'esthétique de l'âge d'argent. Le symbolisme en tant que phénomène dans la littérature et l'art est apparu pour la première fois en France dans le dernier quart du XIXe siècle et, à la fin du siècle, s'était répandu dans la majeure partie de l'Europe. Mais après la France, c'est en Russie que le symbolisme se réalise comme le phénomène culturel le plus massif, significatif et original. Le symbolisme russe avait au début fondamentalement les mêmes conditions préalables que le symbolisme occidental : "une crise d'une vision du monde et d'une moralité positives". Le principe fondamental des symbolistes russes est l'esthétisation de la vie et le désir de diverses formes de substitution de l'esthétique à la logique et à la morale. Tout d'abord, le symbolisme russe se caractérise par la démarcation avec les traditions des "sixties" révolutionnaires-démocrates et le populisme, avec l'idéologisation de l'athéisme, l'utilitarisme.Selon les symbolistes russes, ils correspondent aux principes de l'art "pur", libre.
Un autre phénomène frappant de l'âge d'argent qui a acquis une importance mondiale est l'art et l'esthétique de l'avant-garde. Dans l'espace des domaines de conscience esthétique déjà répertoriés, les artistes d'avant-garde se distinguaient par un caractère résolument rebelle. Ils ont perçu la crise de la culture classique, de l'art, de la religion, de la socialité, de l'État avec délice comme une mort naturelle, la destruction de l'ancien, obsolète, hors de propos, et ils se sont réalisés comme des révolutionnaires, des destructeurs et des fossoyeurs de "toute camelote" et des créateurs de tout ce qui est nouveau, en général, une nouvelle race émergente. Les idées de Nietzsche sur le surhomme, développées par P. Uspensky, ont été prises au pied de la lettre par de nombreux artistes d'avant-garde et essayées, en particulier par les futuristes, pour eux-mêmes.
D'où la rébellion et l'outrance, le désir de tout ce qui est fondamentalement nouveau dans les moyens d'expression artistique, dans les principes d'approche de l'art, la tendance à repousser les frontières de l'art jusqu'à ce qu'il prenne vie, mais sur des principes complètement différents de ceux des représentants de l'esthétique théurgique. La vie des avant-gardistes des années 10. 20ième siècle - c'est avant tout une révolte révolutionnaire, une révolte anarchiste. L'absurdité, le chaos, l'anarchie sont pour la première fois compris comme des synonymes de modernité et précisément comme des principes créatifs positifs basés sur le déni complet du principe rationnel dans l'art et le culte de l'irrationnel, de l'intuitif, de l'inconscient, du non-sens, de l'abstrus, de l'informe, etc. . Les principales directions de l'avant-garde russe étaient: l'abstraction (Vasily Kandinsky), le suprématisme (Kazimir Malevich), le constructivisme (Vladimir Tatlin), le cubofuturisme (cubisme, futurisme) (Vladimir Mayakovsky).
Peinture
Pour les peintres du tournant du siècle, d'autres modes d'expression sont caractéristiques que ceux des Wanderers, d'autres formes de créativité artistique - dans des images contradictoires, compliquées et reflétant la modernité sans illustrativité ni narration. Les artistes recherchent douloureusement l'harmonie et la beauté dans un monde qui est fondamentalement étranger à la fois à l'harmonie et à la beauté. C'est pourquoi beaucoup ont vu leur mission dans la culture du sens de la beauté. Cette période des " veilles ", l'attente des changements de la vie publique, a donné lieu à de nombreuses tendances, associations, regroupements, un choc de visions du monde et de goûts différents. Mais elle a aussi donné naissance à l'universalisme de toute une génération d'artistes venus après les Wanderers « classiques ».
Les leçons impressionnistes de la peinture en plein air, la composition du "cadrage aléatoire", la large manière picturale libre - tout cela est le résultat de l'évolution du développement des moyens picturaux dans tous les genres du tournant du siècle. À la recherche de "beauté et d'harmonie", les artistes s'essayent à une variété de techniques et de formes d'art - de la peinture monumentale et des décors théâtraux à la conception de livres et aux arts et métiers.
La peinture de genre s'est développée dans les années 1990, mais elle s'est développée quelque peu différemment que dans le mouvement Wandering "classique" des années 1970 et 1980. Ainsi, le thème paysan se révèle d'une manière nouvelle. S. A. Korovin (1858-1908) dépeint la scission de la communauté rurale dans le tableau «Sur le monde» (1893).
Au tournant du siècle, un parcours un peu particulier se dessine dans le thème historique. Ainsi, par exemple, A.P. Ryabushkin (1861-1904) travaille plus dans le genre historique que dans le genre purement historique. "Femmes russes du XVIIe siècle dans l'église" (1899), "Train de mariage à Moscou. XVIIe siècle »(1901) - ce sont des scènes quotidiennes de la vie de Moscou au XVIIe siècle. La stylisation de Ryabushkin se reflète dans la planéité de l'image, dans un système spécial de rythme plastique et linéaire, dans la palette de couleurs construite sur des couleurs majeures vives, dans la solution décorative générale. Ryabushkin introduit avec audace les couleurs locales dans le paysage en plein air, par exemple dans "The Wedding Train ..." - la couleur rouge du wagon, de grandes taches de vêtements de fête sur fond de bâtiments sombres et de neige, étant donné, cependant, dans les nuances de couleurs les plus fines. Le paysage transmet toujours poétiquement la beauté de la nature russe.
Un nouveau type de peinture, dans lequel les traditions artistiques folkloriques sont maîtrisées d'une manière tout à fait particulière et traduites dans le langage de l'art moderne, a été créé par F. A. Malyavin (1869-1940. Ses images de «femmes» et de «filles» ont une certaine sens symbolique - sol sain Russie Ses peintures sont toujours expressives, et bien qu'il s'agisse généralement d'œuvres de chevalet, elles reçoivent une interprétation monumentale et décorative sous le pinceau de l'artiste. , "Whirlwind" (1906,) est une image réaliste de paysannes, riant bruyamment de manière contagieuse ou se précipitant de manière incontrôlable dans une ronde, mais ce réalisme est différent de celui de la seconde moitié du siècle sur toute la toile.
M. V. Nesterov (1862-1942) aborde le thème de l'ancienne Rus', mais l'image de Rus' apparaît dans les peintures de l'artiste comme une sorte de monde idéal, presque enchanté, en harmonie avec la nature, mais disparu à jamais comme la ville légendaire de Kitezh . Ce sens aigu de la nature, délice du monde, devant chaque arbre et brin d'herbe est particulièrement prononcé dans l'une des œuvres les plus célèbres de Nesterov de la période pré-révolutionnaire - "La vision du jeune Barthélemy" (1889-1890, ). Dans la divulgation de l'intrigue de l'image, il y a les mêmes caractéristiques stylistiques que celles de Ryabushkin, mais un sens profondément lyrique de la beauté de la nature est invariablement exprimé, à travers lequel la haute spiritualité des personnages, leur illumination, leur aliénation de l'agitation mondaine est véhiculée.
M.V. Nesterov a fait beaucoup de peinture monumentale religieuse. Les peintures murales sont toujours dédiées au thème russe ancien (par exemple, en Géorgie - à Alexandre Nevsky). Dans les peintures murales de Nesterov, il existe de nombreux signes réels observés, en particulier dans le paysage, des traits de portrait - à l'image des saints. Dans les efforts de l'artiste pour une interprétation plate de la composition de l'élégance, de l'ornementation, de la sophistication raffinée des rythmes plastiques, une influence incontestable de l'Art Nouveau s'est manifestée.
Le genre du paysage lui-même se développe à la fin du 19ème siècle également d'une manière nouvelle. Lévitan, en effet, a achevé la recherche des Errants dans le paysage. Un nouveau mot au tournant du siècle devait être prononcé par K.A. Korovine, V.A. Serov et M.A. Vroubel.
Konstantin Alexeïevitch Korovine
Pour le brillant coloriste Korovine, le monde apparaît comme une « émeute de couleurs ». Généreusement doué par la nature, Korovine s'adonne à la fois au portrait et à la nature morte, mais il ne serait pas faux de dire que le paysage reste son genre de prédilection. Il a apporté à l'art les fortes traditions réalistes de ses professeurs de l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou - Savrasov et Polenov, mais il a une vision différente du monde, il se fixe d'autres tâches. Il a commencé tôt à peindre en plein air, déjà dans le portrait d'une chorus girl en 1883, on peut voir son développement indépendant des principes du plein air, incarné alors dans un certain nombre de portraits réalisés dans la succession de S. Mamontov à Abramtsevo ("Dans le bateau", portrait de T.S. Lyubatovich, etc.), dans les paysages du nord, exécutés lors de l'expédition de S. Mamontov vers le nord ("Hiver en Laponie",). Ses paysages français, réunis sous le nom de "Lumières parisiennes", sont déjà une peinture complètement impressionniste, avec sa plus haute culture d'étude. Impressions nettes et instantanées de la vie d'une grande ville : des rues calmes à différents moments de la journée, des objets dissous dans un environnement léger, modelés par un trait dynamique, « tremblant », vibrant, un flux de tels traits qui créent le illusion d'un voile de pluie ou d'air de ville saturé de milliers de vapeurs différentes, - traits rappelant les paysages de Manet, Pissarro, Monet. Korovine est capricieux, émotif, impulsif, théâtral, d'où l'éclat lumineux et l'exaltation romantique de ses paysages ("Paris. Boulevard des Capucins", 1906, Galerie nationale Tretiakov; "Paris la nuit. Boulevard italien", 1908,). Korovine conserve les mêmes caractéristiques d'étude impressionniste, de maestro pictural, d'art frappant dans tous les autres genres, principalement dans le portrait et la nature morte, mais aussi dans les panneaux décoratifs, dans l'art appliqué, dans les décors théâtraux, dans lesquels il s'est engagé toute sa vie (Portrait de Chaliapine, 1911, Musée russe ; "Poissons, vin et fruits" 1916, Galerie nationale Tretiakov).
Le don généreux de Korovine pour la peinture s'est brillamment manifesté dans la peinture théâtrale et décorative. En tant que peintre de théâtre, il a travaillé pour le Théâtre Abramtsevo (et Mamontov a peut-être été le premier à l'apprécier en tant qu'artiste de théâtre), pour le Théâtre d'Art de Moscou, pour l'Opéra privé russe de Moscou, où il a commencé son amitié de toute une vie avec Chaliapine, pour l'entreprise Diaghilev. Korovine a élevé le décor théâtral et l'importance de l'artiste dans le théâtre à un nouveau niveau, il a fait toute une révolution dans la compréhension du rôle de l'artiste dans le théâtre et a eu une grande influence sur ses contemporains avec ses décors colorés et "spectaculaires". , révélant l'essence même de la performance musicale.
Valentin Alexandrovitch Serov
L'un des plus grands artistes, un innovateur de la peinture russe au tournant du siècle, était Valentin Alexandrovitch Serov (1865-1911). Serov a été élevé parmi des personnalités marquantes de la culture musicale russe (son père est un compositeur célèbre, sa mère est une pianiste), il a étudié avec Repin et Chistyakov.
Serov peint souvent des représentants de l'intelligentsia artistique: écrivains, artistes, artistes (portraits de K. Korovine, 1891, Galerie nationale Tretiakov; Levitan, 1893, Galerie nationale Tretiakov; Yermolova, 1905, Galerie nationale Tretiakov). Tous sont différents, il les interprète tous profondément individuellement, mais la lumière de l'exclusivité intellectuelle et de la vie créative inspirée brille sur chacun d'eux.
Portrait, paysage, nature morte, domestique, peinture d'histoire ; huile, gouache, détrempe, fusain - il est difficile de trouver à la fois des genres picturaux et graphiques dans lesquels Serov ne travaillerait pas, et des matériaux qu'il n'utiliserait pas.
Un thème particulier dans l'œuvre de Serov est le paysan. Dans son genre paysan, il n'y a pas de netteté sociale itinérante, mais il y a un sens de la beauté et de l'harmonie de la vie paysanne, de l'admiration pour la beauté saine du peuple russe («Dans le village. Une femme avec un cheval», sur la carte , pastel, 1898, Galerie nationale Tretiakov). Les paysages d'hiver sont particulièrement exquis avec leur gamme de couleurs argentées et nacrées.
Serov a interprété le thème historique à sa manière : les « chasses royales » avec promenades d'agrément d'Elisabeth et de Catherine II ont été véhiculées par l'artiste des temps nouveaux, ironique, mais aussi invariablement admiratif de la beauté de la vie au XVIIIe siècle. L'intérêt de Serov pour le XVIIIe siècle est né sous l'influence du Monde de l'Art et en relation avec les travaux sur la publication de L'Histoire du Grand-Duc, du Tsar et de la Chasse Impériale en Rus'.
Serov était un artiste profondément pensant, constamment à la recherche de nouvelles formes de réalisation artistique de la réalité. Inspirées de l'Art nouveau, les idées sur la planéité et la décoration accrue se reflètent non seulement dans les compositions historiques, mais aussi dans son portrait de la danseuse Ida Rubinstein, dans ses croquis pour L'Enlèvement d'Europe et L'Odyssée et Navzikai (tous deux de 1910, Galerie nationale Tretiakov, carton, détrempe). Il est significatif que Serov à la fin de sa vie se tourne vers le monde antique. Dans la légende poétique, interprétée par lui librement, hors des canons classiques, il veut retrouver l'harmonie, recherche à laquelle l'artiste a consacré tout son travail.
Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel
Le parcours créatif de Mikhail Alexandrovich Vroubel (1856-1910) était plus direct, bien qu'en même temps inhabituellement complexe. Avant l'Académie des Arts (1880), Vroubel est diplômé de la faculté de droit de l'Université de Saint-Pétersbourg. En 1884, il se rend à Kiev pour superviser la restauration des fresques de l'église Saint-Cyrille et crée lui-même plusieurs compositions monumentales. Il réalise des croquis à l'aquarelle des peintures murales de la cathédrale de Vladimir. Les croquis n'ont pas été transférés sur les murs, car le client était effrayé par leur caractère non canonique et leur expressivité.
Dans les années 90, lorsque l'artiste s'est installé à Moscou, le style d'écriture de Vrubel, plein de mystère et de puissance presque démoniaque, s'est formé, qui ne peut être confondu avec aucun autre. Il sculpte la forme comme une mosaïque, à partir de pièces pointues "à facettes" de différentes couleurs, comme si elles brillaient de l'intérieur ("Fille sur fond de tapis persan", 1886, KMRI; "Diseuse de bonne aventure", 1895, Galerie nationale Tretiakov) . Les combinaisons de couleurs ne reflètent pas la réalité de la relation de couleur, mais ont une signification symbolique. La nature n'a aucun pouvoir sur Vrubel. Il la connaît, la possède parfaitement, mais crée son propre monde imaginaire, un peu comme la réalité. Il gravite autour de sujets littéraires, qu'il interprète de manière abstraite, essayant de créer des images éternelles d'une grande puissance spirituelle. Ainsi, ayant repris les illustrations pour "Le Démon", il s'écarte bientôt du principe de l'illustration directe ("La danse de Tamara", "Ne pleure pas, enfant, ne pleure pas en vain", "Tamara dans le cercueil", etc. ). L'image du Démon est l'image centrale de toute l'œuvre de Vroubel, son thème principal. En 1899, il écrit "The Flying Demon", en 1902 - "The Downcast Demon". Le démon de Vroubel est avant tout une créature souffrante. La souffrance l'emporte sur le mal en elle, et c'est la particularité de l'interprétation nationale russe de l'image. Les contemporains, comme on le note à juste titre, ont vu dans ses "Démons" un symbole du destin d'un intellectuel - un romantique, essayant de s'échapper de manière rebelle d'une réalité dépourvue d'harmonie dans un monde irréel de rêves, mais plongé dans la dure réalité de la terre
Vrubel a créé ses peintures et œuvres graphiques les plus matures au tournant du siècle - dans le genre du paysage, du portrait, de l'illustration de livre. Dans l'organisation et l'interprétation décorative-planaire de la toile ou de la feuille, dans la combinaison du réel et du fantastique, dans l'engagement envers des solutions ornementales et rythmiquement complexes dans ses œuvres de cette période, les caractéristiques de la modernité s'affirment de plus en plus.
Comme K. Korovin, Vrubel a beaucoup travaillé au théâtre. Ses meilleurs décors ont été interprétés pour les opéras de Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, Sadko, The Tale of Tsar Saltan et d'autres sur la scène de l'Opéra privé de Moscou, c'est-à-dire pour les œuvres qui lui ont donné l'occasion de "communiquer" avec le folklore russe. , conte de fées, légende.
L'universalisme du talent, l'imagination sans limites, la passion extraordinaire dans l'affirmation de nobles idéaux distinguent Vroubel de nombre de ses contemporains.
Viktor Elpidiforovitch Borissov-Moussatov
Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) est un représentant direct du symbolisme pictural. Ses œuvres sont une tristesse élégiaque pour les vieux "nids nobles" vides et les "vergers de cerisiers" mourants, pour de belles femmes, spiritualisées, presque surnaturelles, vêtues d'une sorte de costumes intemporels qui ne portent pas de signes extérieurs de lieu et de temps.
Ses œuvres de chevalet ne ressemblent surtout pas à des panneaux décoratifs, mais à des tapisseries. L'espace est résolu de manière extrêmement conditionnelle et plane, les personnages sont presque éthérés, comme, par exemple, les filles au bord de l'étang dans le tableau "Étang" (1902, détrempe, Galerie nationale Tretiakov), plongées dans une méditation rêveuse, dans contemplation profonde. Des nuances de couleur gris pâle fanées renforcent l'impression générale de beauté fragile et surnaturelle et anémique, fantomatique, qui s'étend non seulement aux images humaines, mais aussi à la nature représentée par lui. Ce n'est pas un hasard si Borisov-Musatov a appelé l'une de ses œuvres "Fantômes" (1903, détrempe, Galerie nationale Tretiakov) : des figures féminines silencieuses et inactives, des statues de marbre près des escaliers, un arbre à moitié nu - une gamme de bleu fanée, les tons gris et violets rehaussent le caractère fantomatique de la représentation.
"Monde des Arts"
"World of Art" - une organisation qui a vu le jour à Saint-Pétersbourg en 1898 et a réuni les maîtres de la plus haute culture artistique, l'élite artistique de la Russie de ces années. "World of Art" est devenu l'un des plus grands phénomènes de la culture artistique russe. Presque tous les artistes célèbres ont participé à cette association.
Dans les articles éditoriaux des premiers numéros de la revue, les principales dispositions du "Monde de l'art" sur l'autonomie de l'art, que les problèmes de la culture moderne sont exclusivement des problèmes de forme artistique, et que la tâche principale de l'art est de éduquer les goûts esthétiques de la société russe, principalement par la connaissance des œuvres de l'art mondial. Nous devons leur rendre leur dû: grâce au Monde de l'Art, l'art anglais et allemand a été vraiment apprécié d'une manière nouvelle, et surtout, la peinture russe du XVIIIe siècle et l'architecture du classicisme de Saint-Pétersbourg sont devenues une découverte pour beaucoup. "World of Art" s'est battu pour "la critique comme un art", proclamant l'idéal d'un critique-artiste doté d'une grande culture professionnelle et d'une érudition. Le type d'un tel critique était incarné par l'un des créateurs de The World of Art, A.N. Benoît.
"Miriskusniki" a organisé des expositions. Le premier était aussi le seul international qui réunissait, outre des Russes, des artistes de France, d'Angleterre, d'Allemagne, d'Italie, de Belgique, de Norvège, de Finlande, etc. Des peintres et graphistes de Saint-Pétersbourg et de Moscou y participaient. Mais la fissure entre ces deux écoles - Saint-Pétersbourg et Moscou - était déjà évidente presque dès le premier jour. En mars 1903, la dernière et cinquième exposition du Monde de l'Art se clôtura, en décembre 1904 le dernier numéro du magazine Monde de l'Art fut publié. La plupart des artistes sont passés à "l'Union des artistes russes" organisée sur la base de l'exposition moscovite "36", des écrivains - au magazine New Way ouvert par le groupe de Merezhkovsky, des symbolistes de Moscou réunis autour du magazine "Vesy", des musiciens organisés " Soirées de Musique Contemporaine », Diaghilev se consacre entièrement au ballet et au théâtre.
En 1910, une tentative a été faite pour redonner vie au "Monde de l'Art" (dirigé par Roerich). La renommée est venue dans le «monde de l'art», mais le «monde des arts» n'existait pratiquement plus, bien que formellement l'association ait existé jusqu'au début des années 1920 (1924) - avec un manque total d'intégrité, une tolérance sans limites et une flexibilité des positions. La deuxième génération du "Monde de l'Art" était moins préoccupée par les problèmes de la peinture de chevalet, ses intérêts se portaient sur le graphisme, principalement le livre, et les arts théâtraux et décoratifs, dans les deux domaines ils ont opéré une véritable réforme artistique. Dans la deuxième génération de "World of Art", il y avait aussi des personnalités majeures (Kustodiev, Sudeikin, Serebryakova, Chekhonin, Grigoriev, Yakovlev, Shukhaev, Mitrokhin, etc.), mais il n'y avait pas du tout d'artistes innovants.
L'artiste phare du "Monde de l'Art" était K. A. Somov (1869-1939). Fils du conservateur en chef de l'Ermitage, diplômé de l'Académie des Arts et voyagé à travers l'Europe, Somov a reçu une excellente éducation. La maturité créative lui est venue tôt, mais, comme l'a noté à juste titre le chercheur (V.N. Petrov), il a toujours eu une dualité - la lutte entre un puissant instinct réaliste et une vision du monde douloureusement émotionnelle.
Somov, tel que nous le connaissons, est apparu dans le portrait de l'artiste Martynova («Lady in Blue», 1897-1900, State Tretiakov Gallery), dans le portrait peint «Echo of the Past Time» (1903, sur carte, aqua. , gouache, State Tretiakov Gallery ), où il crée une caractérisation poétique de la beauté féminine fragile et anémique du modèle décadent, refusant de transmettre les vrais signes quotidiens de la modernité. Il habille les modèles de costumes anciens, donne à leur apparence des traits de souffrance secrète, de tristesse et de rêverie, de brisement douloureux.
Somov possède une série de portraits graphiques de ses contemporains - l'élite intellectuelle (V. Ivanov, Blok, Kuzmin, Sollogub, Lansere, Dobuzhinsky, etc.), dans lesquels il utilise une technique générale : sur fond blanc - dans un certain intemporel sphère - il dessine un visage, une ressemblance dans laquelle elle est obtenue non par naturalisation, mais par des généralisations audacieuses et une sélection judicieuse de détails caractéristiques. Cette absence de signes du temps crée une impression de statique, de raideur, de froideur, de solitude presque tragique.
Avant tout le monde dans Le Monde de l'Art, Somov s'est tourné vers les thèmes du passé, vers l'interprétation du XVIIIe siècle. ("Lettre", 1896; "Confidentialités", 1897), étant le précurseur des paysages versaillais de Benois. Il est le premier à créer un monde surréaliste, tissé à partir des motifs de la culture nobiliaire, seigneuriale et de cour et de ses propres sensations artistiques purement subjectives, imprégnées d'ironie. L'historicisme du "Monde de l'Art" était une échappatoire à la réalité. Pas le passé, mais sa mise en scène, le désir de son irrécupérable - c'est leur principal motif. Pas vraiment amusant, mais un jeu amusant avec des bisous dans les ruelles - tel est Somov.
Le leader idéologique du "Monde de l'Art" était A. N. Benois (1870-1960) - un talent exceptionnellement polyvalent. Peintre, graphiste de chevalet et illustrateur, artiste de théâtre, metteur en scène, auteur de livrets de ballets, théoricien et historien de l'art, figure musicale, il fut, selon les mots d'A. Bely, le principal homme politique et diplomate du "Monde de l'Art". En tant qu'artiste, il est lié à Somov par des tendances stylistiques et une dépendance au passé ("Je suis ivre de Versailles, c'est une sorte de maladie, d'amour, de passion criminelle ... Je suis complètement passé dans le passé ...") . Dans les paysages de Versailles, Benois a fusionné la reconstitution historique du XVIIe siècle. et impressions contemporaines de l'artiste, sa perception du classicisme français, la gravure française. D'où la claire composition, la nette spatialité, la grandeur et la froide sévérité des rythmes, l'opposition entre la grandiosité des monuments d'art et la petitesse des figures humaines, qui ne sont que staffage entre elles (la 1ère série Versailles de 1896-1898 sous le titre "Les Dernières Promenades de Louis XIV"). Dans la deuxième série Versailles (1905-1906), l'ironie, qui est également caractéristique des premières feuilles, se colore de notes presque tragiques (« La promenade du roi », c., gouache, eau, or, argent, stylo, 1906 , Galerie nationale Tretiakov). La pensée de Benois est la pensée d'un artiste théâtral par excellence, qui a très bien connu et senti le théâtre.
La nature est perçue par Benois dans un lien associatif avec l'histoire (vues de Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoïe Selo, exécutées par lui dans la technique de l'aquarelle).
Benois l'illustrateur (Pouchkine, Hoffman) c'est toute une page dans l'histoire du livre. Contrairement à Somov, Benois crée une illustration narrative. Le plan de la page n'est pas pour lui une fin en soi. Un chef-d'œuvre de l'illustration de livres était la conception graphique de The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, encre et aquarelle imitant la gravure sur bois en couleur). Dans une série d'illustrations pour le grand poème, le personnage principal est le paysage architectural de Saint-Pétersbourg, tantôt solennellement pathétique, tantôt paisible, tantôt sinistre, contre lequel la figure d'Eugène semble encore plus insignifiante. C'est ainsi que Benois exprime le conflit tragique entre le destin de l'État russe et le destin personnel d'un petit homme (« Et toute la nuit le pauvre fou, / Partout où il tournait les pieds, / Le Cavalier de bronze était partout avec lui / Avec un gros piétinement au galop »).
En tant qu'artiste de théâtre, Benois a conçu les performances des "Saisons russes", dont la plus célèbre était le ballet "Petrouchka" sur la musique de Stravinsky, il a beaucoup travaillé au Théâtre d'art de Moscou, et plus tard - sur presque tous les grands étapes européennes.
Une place particulière dans le "Monde de l'Art" est occupée par N. K. Roerich (1874-1947). Fin connaisseur de la philosophie et de l'ethnographie de l'Orient, archéologue-scientifique, Roerich a reçu une excellente éducation, d'abord à la maison, puis aux facultés de droit et d'histoire-philologie de l'Université de Saint-Pétersbourg, puis à l'Académie des arts, dans l'atelier de Kuindzhi, et à Paris dans l'atelier de F. Cormon. Très tôt, il a acquis l'autorité d'un scientifique. Il était lié au "Monde de l'Art" par le même amour de la rétrospection, non seulement aux XVIIe-XVIIIe siècles, mais dans l'antiquité païenne slave et scandinave, dans la Rus' ancienne ; tendances stylistiques, décoration théâtrale («Messager», 1897, Galerie nationale Tretiakov; «Les anciens convergent», 1898, Musée russe; «Sinister», 1901, Musée russe). Roerich était le plus étroitement associé à la philosophie et à l'esthétique du symbolisme russe, mais son art ne s'inscrivait pas dans le cadre des tendances existantes, car, conformément à la vision du monde de l'artiste, il s'adressait, pour ainsi dire, à toute l'humanité avec un appel à une union amicale de tous les peuples. D'où le caractère épique particulier de ses peintures.
Après 1905, l'ambiance du mysticisme panthéiste grandit dans l'œuvre de Roerich. Les thèmes historiques cèdent la place aux légendes religieuses (La Bataille céleste, 1912, Musée russe). L'icône russe a eu une énorme influence sur Roerich : son panneau décoratif La Bataille de Kerzhents (1911) a été exposé lors de la représentation d'un fragment du même titre de l'opéra de Rimski-Korsakov Le Conte de la ville invisible de Kitezh et de la jeune fille Fevronia en les saisons russes parisiennes.
Le «Monde de l'art» était un mouvement esthétique majeur au tournant du siècle, qui surestimait toute la culture artistique moderne, approuvait de nouveaux goûts et problèmes, restituait à l'art - au plus haut niveau professionnel - les formes perdues graphiques de livre et la peinture théâtrale et décorative, qui a acquis une reconnaissance paneuropéenne grâce à leurs efforts, a créé une nouvelle critique d'art, a promu l'art russe à l'étranger, en fait, a même ouvert certaines de ses scènes, comme le XVIIIe siècle russe. Le "Monde de l'Art" a créé un nouveau type de peinture historique, portrait, paysage avec ses propres caractéristiques stylistiques (tendances stylistiques distinctes, prédominance des techniques graphiques sur les techniques picturales, une compréhension purement décorative de la couleur, etc.). Cela détermine leur importance pour l'art russe.
Les faiblesses du "Monde de l'Art" se traduisent d'abord par la bigarrure et l'incohérence du programme, proclamant le modèle "soit Böcklin, soit Manet" ; dans des visions idéalistes de l'art, dans une indifférence affectée aux tâches civiques de l'art, dans une apathie programmatique, dans la perte de la signification sociale de l'image. L'intimité du "Monde de l'Art", son esthétisme pur ont déterminé la courte période historique de sa vie à l'ère des formidables présages tragiques de la révolution imminente. Ce n'étaient que les premiers pas sur le chemin des recherches créatives, et très vite les jeunes ont dépassé les étudiants du Monde de l'Art.
"Union des artistes russes"
En 1903, l'une des plus grandes associations d'exposition du début du siècle, l'Union des artistes russes, est fondée. Au début, presque toutes les personnalités du "monde de l'art" - Benois, Bakst, Somov, y sont entrés, Vroubel, Borisov-Musatov ont participé aux premières expositions. Les initiateurs de la création de l'association étaient des artistes moscovites associés au "Monde de l'Art", mais plombés par l'esthétique programmatique des Pétersbourgeois.
Paysage national, images peintes avec amour de la Russie paysanne - l'un des principaux genres d'artistes de "l'Union", dans laquelle "l'impressionnisme russe" s'est exprimé de manière particulière avec ses motifs à prédominance rurale plutôt qu'urbaine. Ainsi les paysages d'I.E. Grabar (1871-1960), avec leur humeur lyrique, avec les nuances picturales les plus fines reflétant les changements instantanés de la vraie nature, est une sorte de parallèle sur le sol russe au paysage impressionniste français ("Neige de septembre", 1903, Galerie nationale Tretiakov). L'intérêt de Grabar pour la décomposition de la couleur visible en couleurs spectrales pures de la palette le rapproche également du néo-impressionnisme, de J. Seurat et P. Signac ("March Snow", 1904, State Tretiakov Gallery). Le jeu des couleurs dans la nature, les effets coloristiques complexes deviennent l'objet d'une étude approfondie des "Alliés", qui créent sur la toile un monde figuratif pictural et plastique, dépourvu de narration et d'illustrativité.
Avec tout l'intérêt porté à la transmission de la lumière et de l'air dans la peinture des maîtres de "l'Union", la dissolution de l'objet dans le médium lumière-air n'est jamais observée. La couleur devient décorative.
Les "alliés", contrairement aux pétersbourgeois - les graphistes du "monde de l'art" - sont pour la plupart des peintres au sens décoratif aiguisé de la couleur. Un excellent exemple en est les peintures de F.A. Malyavin.
Dans l'ensemble, Les Alliés gravitent non seulement vers des études en plein air, mais aussi vers des formes picturales monumentales. Vers 1910, époque de la scission et de la formation secondaire du "Monde de l'Art", aux expositions de "l'Union" on pouvait voir un paysage intimiste (Vinogradov, Yuon, etc.), une peinture proche du divisionnisme français (Grabar , début Larionov) ou proche du symbolisme ( P. Kuznetsov, Sudeikin) ; ils ont également été suivis par les artistes du "Monde de l'art" de Diaghilev - Benois, Somov, Bakst.
"L'Union des artistes russes", avec ses solides bases réalistes, qui a joué un rôle important dans les beaux-arts nationaux, a eu un certain impact sur la formation de l'école soviétique de peinture, ayant existé jusqu'en 1923.
En 1907, à Moscou, le magazine Golden Fleece organise la seule exposition d'artistes après Borisov-Musatov, appelée la Rose bleue. P. Kuznetsov est devenu l'artiste principal de la Rose bleue. Les « Ours bleus » sont les plus proches du symbolisme, qui s'exprimait principalement dans leur « langage » : instabilité d'humeur, musicalité vague et intraduisible des associations, raffinement des relations de couleurs. La plate-forme esthétique des participants à l'exposition a également eu un effet dans les années suivantes, et le nom de cette exposition est devenu un nom familier pour toute une tendance artistique dans la seconde moitié des années 900. Toute l'activité de la "Rose Bleue" porte également la plus forte empreinte de l'influence du style Art nouveau (stylisation plane-décorative des formes, rythmes linéaires fantaisistes).
Les œuvres de P. V. Kuznetsov (1878-1968) reflètent les principes de base des Blue Bears. Kuznetsov a créé un panneau décoratif dans lequel il a cherché à faire abstraction du concret quotidien, à montrer l'unité de l'homme et de la nature, la stabilité du cycle éternel de la vie et de la nature, la naissance de l'âme humaine dans cette harmonie. D'où le désir de formes de peinture monumentales, rêveuses-contemplatives, épurées de tout instantané, universel, notes intemporelles, un désir constant de transmettre la spiritualité de la matière. Une figure n'est qu'un signe exprimant un concept ; la couleur sert à transmettre des sentiments; rythme - afin d'introduire dans un certain monde de sensations (comme dans la peinture d'icônes - un symbole d'amour, de tendresse, de chagrin, etc.). D'où la réception d'une répartition uniforme de la lumière sur toute la surface de la toile comme l'un des fondements de l'effet décoratif de Kouznetsov. Serov a déclaré que la nature de P. Kuznetsov "respire". Cela s'exprime parfaitement dans ses suites Kirghize (Steppe) et Boukhara, dans des paysages d'Asie centrale. Kuznetsov a étudié les techniques de la peinture d'icônes russe ancienne, le début de la Renaissance italienne. Cet appel aux traditions classiques de l'art mondial à la recherche de son propre grand style, comme le notent à juste titre les chercheurs, était d'une importance fondamentale à une époque où toute tradition était souvent niée.
L'exotisme de l'Orient - Iran, Egypte, Turquie - se concrétise dans les paysages de M. S. Saryan (1880-1972). L'Orient était un thème naturel pour l'artiste arménien. Sarian crée dans sa peinture un monde plein de décors lumineux, plus passionné, plus terrestre que celui de Kuznetsov, et la solution picturale est toujours construite sur des relations de couleurs contrastées, sans nuances, en comparaison d'ombres nettes ("Date Palm, Egypt", 1911 , cartes. , détrempe, GTG).
Les images de Saryan sont monumentales en raison de la généralisation des formes, des grands plans colorés, de la lapidarité générale de la langue - il s'agit, en règle générale, d'une image généralisée de l'Égypte, que ce soit la Perse, l'Arménie natale, tout en conservant le naturel vital, comme si écrit de la nature. Les toiles décoratives de Saryan sont toujours gaies, elles correspondent à son idée de la créativité : «... une œuvre d'art est le résultat même du bonheur, c'est-à-dire du travail créatif. Par conséquent, il devrait allumer la flamme de la combustion créative chez le spectateur, contribuer à l'identification de son désir naturel de bonheur et de liberté.
"Valet de carreau"
En 1910, un certain nombre de jeunes artistes - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova et d'autres - se sont unis dans l'organisation Jack of Diamonds, qui avait son propre charte, organise des expositions et publie ses propres recueils d'articles. Le « Valet de carreau » a effectivement existé jusqu'en 1917. Comme le post-impressionnisme, principalement Cézanne, était une « réaction à l'impressionnisme », le « Valet de carreau » s'opposait au flou, à l'intraduisibilité, aux nuances les plus subtiles du langage symbolique du « Bleu ». Rose » et le stylisme esthétique du « Monde de l'Art ». Le "valet de diamants", emporté par la matérialité, la "matérialité" du monde, professait une construction claire de l'image, mettait l'accent sur l'objectivité de la forme, l'intensité, la plénitude de la couleur. Ce n'est pas un hasard si la nature morte devient un genre de prédilection des « Valetovites », tout comme le paysage devient un genre de prédilection des membres de l'Union des artistes russes. La subtilité dans la transmission du changement d'humeur, le psychologisme des caractéristiques, l'euphémisme des états, la dématérialisation de la peinture des "Porteurs bleus", leur poésie romantique sont rejetés par les "Valetovites". Ils s'opposent à la fête presque spontanée des couleurs, à l'expression du dessin des contours, à la large écriture juteuse et pâteuse, qui véhiculent une vision optimiste du monde, créant une ambiance presque farfelue et carrée. Le "valet de diamants" permet de telles simplifications dans l'interprétation de la forme, qui s'apparentent à une estampe populaire populaire, un jouet folklorique, des carreaux de peinture, une enseigne. La soif de primitivisme (du latin primitivus - primitif, initial) s'est manifestée chez divers artistes qui ont imité les formes d'art simplifiées des époques dites primitives - tribus et nationalités primitives - à la recherche de l'immédiateté et de l'intégrité de la perception artistique. Le « valet de carreau » a puisé ses perceptions chez Cézanne (d'où parfois le nom de « cézanneisme russe »), plus encore dans le cubisme (« déplacement » des formes) et même dans le futurisme (dynamique, modifications diverses de la forme.
L'extrême simplification de la forme, le lien direct avec l'art de la signalétique est surtout perceptible chez M.F. Larionov (1881-1964), l'un des fondateurs du "Jack of Diamonds", mais déjà en 1911 a rompu avec lui. Larionov peint des paysages, des portraits, des natures mortes, travaille comme artiste de théâtre de l'entreprise Diaghilev, puis se tourne vers la peinture de genre, son thème est la vie d'une rue de province, caserne de soldats. Les formes sont plates, grotesques, comme délibérément stylisées comme un dessin d'enfant, une estampe populaire ou une enseigne. En 1913, Larionov publie son livre "Luchism" - en fait, le premier des manifestes de l'art abstrait, dont les véritables créateurs en Russie sont V. Kandinsky et K. Malevich.
Artiste N.S. Gontcharova (1881-1962), l'épouse de Larionov, développe les mêmes tendances dans ses peintures de genre, principalement sur un thème paysan. Dans les années sous revue, dans son œuvre, plus décorative et colorée que l'art de Larionov, monumentale dans sa force intérieure et son laconisme, se fait vivement sentir la passion du primitivisme. Décrivant le travail de Goncharova et Larionov, le terme « néo-primitivisme » est souvent utilisé.
M.Z. Chagall (1887-1985) a créé des fantasmes transformés à partir des impressions ennuyeuses de la vie de la petite ville de Vitebsk et interprétés dans un esprit naïf-poétique et grotesque-symbolique. Avec un espace surréaliste, des couleurs vives, une primitivisation délibérée de la forme, Chagall s'avère proche à la fois de l'expressionnisme occidental et de l'art populaire primitif (« I and the Village », 1911, Museum of Contemporary Art, New York ; « Over Vitebsk », 1914 , coll. Zak. Toronto ; "Wedding", 1918, State Tretiakov Gallery).
"Syndicat des jeunes"
L'Union de la jeunesse est une organisation de Saint-Pétersbourg formée presque simultanément avec le valet de carreau (1909). Le rôle principal y a été joué par L. Zheverzheev. Tout comme les "valetovtsy", les membres de "l'Union de la jeunesse" ont publié des recueils théoriques. Jusqu'à l'effondrement de l'association en 1917. "L'Union de la jeunesse" n'avait pas de programme spécifique, professant le symbolisme, le cubisme, le futurisme et la "non-objectivité", mais chacun des artistes avait son propre visage créatif.
L'art des années pré-révolutionnaires en Russie est marqué par la complexité et l'incohérence inhabituelles des recherches artistiques, d'où les regroupements successifs avec leurs propres programmes et sympathies stylistiques. Mais avec les expérimentateurs dans le domaine des formes abstraites de l'art russe de l'époque, le "Monde de l'Art" et les "Goluborozites", les "alliés", les "valeurs de diamants" ont continué à travailler en même temps, il y avait aussi un puissant courant de courants néoclassiques, dont un exemple peut être l'œuvre d'un membre actif de "l'art Mir" dans sa "deuxième génération" Z. E. Serebryakova (1884-1967). Dans ses toiles de genre poétiques avec leur dessin laconique, leur moulage plastique d'une sensualité palpable et leur équilibre de composition, Serebryakova est issue des hautes traditions nationales de l'art russe, principalement de Venetsianov et même plus loin - de l'art russe ancien («Paysans», 1914, Musée russe; "Récolte", 1915 , Musée d'art d'Odessa ; "Blanchiment de la toile", 1917, Galerie nationale Tretiakov).
Enfin, témoin éclatant de la vitalité des traditions nationales, la grande peinture russe ancienne est l'œuvre de K. S. Petrov-Vodkin (1878-1939), artiste-penseur qui devint plus tard le maître d'art le plus en vue de la période soviétique. Dans le célèbre tableau Bathing the Red Horse (1912, Fri), l'artiste recourt à une métaphore figurative. Comme il a été correctement noté, le jeune homme sur un cheval rouge vif évoque des associations avec l'image populaire de Saint-Georges le Victorieux («Saint Egor»), et la silhouette généralisée, la composition rythmique et compacte, la saturation des taches de couleur contrastées qui le son en pleine force, et la planéité dans l'interprétation des formes conduisent à la mémoire d'une ancienne icône russe. Une image harmonieusement éclairée est créée par Petrov-Vodkin dans le tableau monumental «Filles sur la Volga» (1915, Galerie nationale Tretiakov), dans lequel il sent également son orientation vers les traditions de l'art russe, conduisant le maître à une véritable nationalité.
Architecture
L'ère du capitalisme industriel très développé a provoqué des changements importants dans l'architecture, principalement dans l'architecture de la ville. Il existe de nouveaux types de structures architecturales: usines, gares, magasins, banques, avec l'avènement du cinéma - cinémas. Le coup a été porté par de nouveaux matériaux de construction : béton armé et structures métalliques, qui ont permis de bloquer des espaces gigantesques, de faire d'immenses vitrines, et de créer un étrange motif de reliures.
Au cours de la dernière décennie du XIXe siècle, il est devenu clair pour les architectes que l'architecture était dans une impasse en utilisant les styles historiques du passé ; selon les chercheurs, il était déjà nécessaire de ne pas « réorganiser » les styles historiques, mais de façon créative comprendre le nouveau qui s'accumulait dans l'environnement d'une ville capitaliste en pleine croissance. . Les dernières années du XIXe - début du XXe siècle sont l'époque de la domination de la modernité en Russie, qui s'est formée en Occident principalement dans l'architecture belge, sud-allemande et autrichienne, un phénomène en général cosmopolite (bien qu'ici la modernité russe diffère de la modernité occidentale). européen, car c'est un mélange d'histoire néo-renaissance, néo-baroque, néo-rococo, etc.).
Un exemple frappant de l'Art nouveau en Russie est le travail de F.O. Chekhtel (1859--1926). Maisons rentables, manoirs, bâtiments de sociétés commerciales et gares - dans tous les genres, Shekhtel a laissé son écriture. L'asymétrie du bâtiment lui est efficace, l'augmentation organique des volumes, la nature différente des façades, l'utilisation de balcons, de porches, de baies vitrées, de sandriks au-dessus des fenêtres, l'introduction d'une image stylisée de lys ou d'iris dans le décor architectural, utilisation de vitraux avec le même motif d'ornement, différentes textures de matériaux dans la décoration intérieure. Un motif bizarre, construit sur des torsions de lignes, s'étend à toutes les parties du bâtiment : la frise de mosaïque, chère à la modernité, ou une ceinture de carreaux de céramique vernissée aux couleurs décadentes passées, des reliures de vitraux, un motif de clôture, un balcon treillis; sur la composition de l'escalier, voire sur le mobilier, etc. Des contours curvilignes capricieux dominent tout. Dans l'Art nouveau, on peut tracer une certaine évolution, deux stades de développement : le premier est décoratif, avec une passion particulière pour l'ornement, la sculpture décorative et la peinture (céramique, mosaïque, vitrail), le second est plus constructif, rationaliste.
L'Art nouveau est bien représenté à Moscou. Pendant cette période, des gares, des hôtels, des banques, des hôtels particuliers de la bourgeoisie aisée, des immeubles locatifs ont été construits ici. Le manoir Ryabushinsky aux portes Nikitsky à Moscou (1900-1902, architecte F.O. Shekhtel) est un exemple typique de l'Art nouveau russe.
Faites appel aux traditions de l'architecture russe ancienne, mais à travers les techniques de la modernité, en ne copiant pas les détails naturalistes de l'architecture russe médiévale, caractéristiques du "style russe" du milieu du XIXe siècle, mais en les variant librement, en essayant de transmettre l'esprit même de l'ancienne Rus', a donné naissance au style dit néo-russe du début du XXe siècle (parfois appelé néo-romantisme). Sa différence avec l'Art nouveau lui-même réside principalement dans le déguisement et non dans la révélation, ce qui est typique de l'Art nouveau, de la structure interne du bâtiment et de la fonction utilitaire derrière une ornementation complexe (Shekhtel - Station Yaroslavsky à Moscou, 1903-1904 ; A.V. Shchusev - Gare de Kazansky à Moscou, 1913-1926 ; V. M. Vasnetsov - l'ancien bâtiment de la galerie Tretiakov, 1900-1905). Vasnetsov et Shchusev, chacun à leur manière (et le second sous la très grande influence du premier), ont été imprégnés de la beauté de l'architecture russe ancienne, en particulier de Novgorod, Pskov et du début de Moscou, ont apprécié son identité nationale et ont interprété avec créativité son formes.
L'Art nouveau s'est développé non seulement à Moscou, mais aussi à Saint-Pétersbourg, où il s'est développé sous l'influence incontestable du scandinave, soi-disant "moderne du nord": P.Yu. Suzor en 1902-1904 construit le bâtiment de la société Singer sur la Perspective Nevski (aujourd'hui la Maison du Livre). La sphère terrestre sur le toit du bâtiment devait symboliser le caractère international des activités de l'entreprise. La façade était revêtue de pierres précieuses (granit, labradorite), de bronze et de mosaïques. Mais les traditions du classicisme monumental de Saint-Pétersbourg ont influencé le modernisme de Saint-Pétersbourg. Cela a servi d'impulsion à l'émergence d'une autre branche de la modernité - le néoclassicisme du XXe siècle. Dans le manoir des A.A. Polovtsov sur l'île Kamenny à Saint-Pétersbourg (1911-1913) architecte I.A. Fomin (1872-1936) a pleinement affecté les caractéristiques de ce style: la façade (volume central et ailes latérales) a été résolue dans l'ordre ionique, et les intérieurs du manoir sous une forme réduite et plus modeste, pour ainsi dire, répètent le enfilade de la salle du palais de Tauride, mais les immenses fenêtres de la demi-rotonde du jardin d'hiver, dessin stylisé de détails architecturaux définissent clairement l'époque du début du siècle. Les œuvres d'une école d'architecture purement Saint-Pétersbourg du début du siècle - immeubles d'habitation - au début de l'avenue Kamennoostrovsky (n ° 1-3), comte M.P. Tolstoï sur la Fontanka (No. 10-12), bâtiments b. La banque Azov-Don sur Bolshaya Morskaya et l'hôtel Astoria appartiennent à l'architecte F.I. Lidval (1870-1945), l'un des maîtres les plus éminents de l'Art nouveau de Saint-Pétersbourg.
L'Art nouveau était l'un des styles les plus significatifs qui a mis fin au XIXe siècle et ouvert le suivant. Toutes les réalisations modernes de l'architecture y ont été utilisées. Le moderne n'est pas seulement un certain système constructif. Depuis le règne du classicisme, le moderne est peut-être le style le plus cohérent en termes d'approche holistique, la solution d'ensemble de l'intérieur. L'Art Nouveau en tant que style a capturé l'art du mobilier, des ustensiles, des tissus, des tapis, des vitraux, de la céramique, du verre, des mosaïques, il est reconnaissable partout pour ses contours et ses lignes dessinés, sa palette de couleurs particulière aux couleurs délavées, pastel, et son motif préféré de lys et d'iris.
Sculpture
La sculpture russe au tournant des XIXe-XXe siècles. et les premières années pré-révolutionnaires sont représentées par plusieurs grands noms. Tout d'abord, c'est P.P. Trubetskoï (1866-1938). Ses premières œuvres russes (portrait de Lévitan, image de Tolstoï à cheval, toutes deux - 1899, bronze) donnent une image complète de la méthode impressionniste de Trubetskoy : la forme, pour ainsi dire, est toute imprégnée de lumière et d'air, dynamique, conçue pour être vue de tous les points de vue et sous différents angles crée une caractérisation multiforme de l'image. L'œuvre la plus remarquable de P. Trubetskoy en Russie était le monument en bronze d'Alexandre III, érigé en 1909 à Saint-Pétersbourg, sur la place Znamenskaya. Ici Trubetskoy laisse son style impressionniste. Les chercheurs ont noté à plusieurs reprises que l'image de l'empereur de Trubetskoy est résolue, pour ainsi dire, contrairement à celle de Falconet, et à côté de The Bronze Horseman, il s'agit d'une image presque satirique de l'autocratie. Il nous semble que ce contraste a un sens différent ; non pas la Russie « dressée sur ses pattes arrière », comme un navire lancé dans les eaux européennes, mais la Russie de la paix, de la stabilité et de la force symbolisée par ce cavalier lourdement assis sur un cheval lourd.
L'impressionnisme dans une réfraction créative particulière et très individuelle a trouvé son expression dans les œuvres de A. S. Golubkina (1864-1927). Dans les images de Golubkina, en particulier celles des femmes, il y a beaucoup de pureté morale élevée, de démocratie profonde. Ce sont le plus souvent des images de pauvres gens ordinaires : femmes épuisées ou « enfants du cachot » maladifs.
La chose la plus intéressante dans l'œuvre de Golubkina est ses portraits, toujours dramatiques, qui sont généralement caractéristiques de l'œuvre de ce maître, et d'une diversité inhabituelle (portrait de V.F. Ern (bois, 1913, Galerie nationale Tretiakov) ou un buste d'Andrei Bely (gypse , 1907, Galerie nationale Tretiakov)) .
Dans le travail de Trubetskoy et Golubkina, malgré toutes leurs différences, il y a quelque chose en commun : des caractéristiques qui les rattachent non seulement à l'impressionnisme, mais aussi au rythme des lignes fluides et des formes de la modernité.
L'impressionnisme, qui s'est emparé de la sculpture du début du siècle, a peu affecté l'œuvre de S. T. Konenkov (1874-1971). Le marbre "Nike" (1906, Galerie nationale Tretiakov) avec des traits clairement portrait (de plus, slaves) d'un visage rond avec des fossettes sur les joues laisse présager les œuvres que Konenkov a réalisées après un voyage en Grèce en 1912. Des images de la mythologie païenne grecque sont étroitement lié à la mythologie slave. Konenkov commence à travailler le bois, s'inspire beaucoup du folklore russe, des contes de fées russes. D'où son "Stribog" (arbre, 1910, Galerie nationale Tretiakov), "Velikosil" (arbre, privé, coll.), des images de mendiants et de personnes âgées ("Old Man-Polyevichok", 1910).
Dans le renouveau de la sculpture sur bois, le grand mérite de Konenkov. L'amour pour l'épopée russe, pour le conte de fées russe a coïncidé avec la "découverte" de la peinture d'icônes russe ancienne, de la sculpture en bois russe ancienne, avec un intérêt pour l'architecture russe ancienne. Contrairement à Golubkina, Konenkov manque de drame, de dépression mentale. Ses images sont pleines d'optimisme populaire.
Dans le portrait, Konenkov fut l'un des premiers à poser le problème de la couleur au début du siècle. Sa coloration de la pierre ou du bois est toujours très délicate, compte tenu des caractéristiques du matériau et des caractéristiques de la solution plastique.
Parmi les œuvres monumentales du début du siècle, il faut noter le monument à N.V. Gogol N.A. Andreev (1873-1932), ouvert à Moscou en 1909. C'est le Gogol des dernières années de sa vie, en phase terminale. Exceptionnellement expressifs sont son profil triste avec un nez pointu ("Gogol"), une silhouette mince enveloppée dans un pardessus; Dans le langage lapidaire de la sculpture, Andreev a transmis la tragédie d'une grande personnalité créatrice. Dans une frise en bas-relief sur socle dans des compositions à plusieurs personnages, les héros immortels de Gogol sont représentés d'une toute autre manière, avec humour voire satire.
A. T. Matveev (1878-1960). Il a surmonté l'influence impressionniste de son professeur dans ses premières œuvres - dans le nu (le thème principal de ces années. Architecture stricte, laconisme de formes généralisées stables, état d'illumination, paix, harmonie distinguent Matveev, opposant directement son travail à la sculpture impressionnisme.
Comme le notent à juste titre les chercheurs, les travaux du maître sont conçus pour une perception longue et réfléchie, ils nécessitent une humeur intérieure, le "silence" et puis ils s'ouvrent le plus pleinement et le plus profondément. Ils ont la musicalité des formes plastiques, un grand goût artistique et de la poésie. Toutes ces qualités sont inhérentes à la pierre tombale de V.E. Borisov-Musatov à Tarusa (1910, granit). Dans la figure d'un garçon endormi, il est difficile de voir la frontière entre le sommeil et la non-existence, et cela se fait dans les meilleures traditions de la sculpture mémorielle du XVIIIe siècle. Kozlovsky et Martos, avec sa sage et calme acceptation de la mort, qui à son tour nous mène encore plus loin, vers des stèles antiques archaïques avec des scènes de "friandises funéraires". Cette pierre tombale est l'apogée de l'œuvre de Matveev de la période pré-révolutionnaire, qui devait encore travailler fructueusement et devenir l'un des célèbres sculpteurs soviétiques. Dans la période pré-octobre, un certain nombre de jeunes maîtres talentueux sont apparus dans la sculpture russe (S.D. Merkurov, V.I. Mukhina, I.D. Shadr, etc.), qui dans les années 1910 commençaient tout juste leur activité créative. Ils ont travaillé dans des directions différentes, mais ont conservé les traditions réalistes qu'ils ont apportées au nouvel art, jouant un rôle important dans sa formation et son développement.
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L'art "pur", proclamant des valeurs qui ne dépendent pas des problèmes et des tendances sociales et historiques, est un phénomène beau mais irréaliste.
Il est impossible de créer isolément de la vie quotidienne, sans prêter attention aux idées qui prévalent dans la société - formelles et informelles. L'art de la Russie au XXe siècle a été influencé par de puissants changements dans le système social, inconnus de tout autre pays.
Le début du siècle, la recherche d'idées nouvelles
Les 100 ans du 20e siècle ont été une ère de bouleversements sans précédent pour toute la civilisation. À la fin du XXe siècle, les progrès scientifiques et technologiques avaient comprimé le temps et l'espace pour la planète entière, les conflits sociaux dans une région limitée se sont transformés en bouleversements planétaires. La culture et l'art de la Russie au XXe siècle, comme toutes les activités sociales en Europe et en Amérique, ont un attachement temporaire aux événements les plus importants de l'histoire récente.
La magie des nombres, marquant le début d'un nouveau siècle, fait toujours naître l'attente du changement, l'espoir du début d'une nouvelle ère heureuse. Le XIXe siècle, qui a créé une renommée mondiale pour la culture russe, s'estompait dans le passé, laissant des traditions qui ne pouvaient pas disparaître du jour au lendemain.
« Le Monde de l'Art » était le nom de l'association d'artistes née en 1898 et qui a existé par intermittence jusqu'en 1924, sans laquelle il est impossible d'imaginer les beaux-arts du premier quart du XXe siècle en Russie. Le "monde de l'art" n'avait pas un style développé commun - les peintres, les graphistes, les sculpteurs suivaient chacun leur propre chemin, s'accordant sur leurs vues sur les objectifs de l'art et son rôle dans la société. De nombreuses caractéristiques de ce point de vue ont été exprimées par le génie de Mikhail Vrubel. Le noyau formel, la base de l'association était L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. À différents moments, Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov et d'autres maîtres y ont participé.
Tous ont reconnu la primauté du professionnalisme dans l'art, le rôle énorme de la liberté de création et l'indépendance de l'artiste vis-à-vis des dogmes sociaux, sans nier la valeur de l'art dans la vie humaine, protestant contre la rigidité de l'académisme d'une part et la politisation excessive de la peinture des Wanderers d'autre part. Critiqué par les tenants des traditions, le Monde de l'Art ne pouvait pas s'inscrire dans le processus tumultueux de la naissance de la peinture "prolétarienne", mais il a eu un impact énorme sur tous les beaux-arts du XXe siècle en Russie - à la fois sur ceux qui ont travaillé dans l'URSS et sur ceux qui ont fini par émigrer.
Moderne
Les dernières décennies du XIXe siècle sont la période de la naissance d'un nouveau style, qui a marqué l'œuvre des maîtres des beaux-arts et de l'architecture. Il avait ses propres caractéristiques dans certaines régions d'Europe, où il était même appelé différemment. En Belgique et en France, le nom "Art Nouveau" a été fixé, en Allemagne - "Art Nouveau", en Autriche - "Sécession". D'autres noms sont connus associés aux artistes les plus célèbres de ce style ou à des firmes qui ont produit des meubles, des bijoux et d'autres produits dans ce sens : style bouillie, style Guimard - en France, Liberty en Italie, aux USA - style Tiffany, etc. Art de la Russie Le 20ème siècle, l'architecture en particulier, le connaît sous le nom d'Art Nouveau.
Après une longue période d'intemporalité stylistique, l'Art nouveau est devenu l'un des mouvements artistiques les plus expressifs et visuellement formés. Le caractère végétal et lisse des lignes du riche décor qui le caractérise, associé à des formes géométriquement simples et expressives de grands volumes, a attiré les artistes et les architectes avec fraîcheur et nouveauté.
Fedor Osipovich Shekhtel (1859-1926) - la star de la modernité architecturale russe. Son talent a donné des traits nationaux à un style essentiellement cosmopolite, les chefs-d'œuvre de Shekhtel - la gare de Yaroslavsky, le manoir Ryabushinsky - sont les créations de l'architecte russe, à la fois en général et dans les petites choses.
Avant-garde pré-révolutionnaire
Le processus de recherche de nouvelles formes d'art, et plus encore - sa nouvelle essence - était pertinent pour l'art de toute l'Europe et de l'Amérique. L'art de la Russie au XXe siècle contient plusieurs périodes véritablement révolutionnaires, lorsque le travail de plusieurs réformateurs a indiqué de nouvelles directions dans le développement de la pensée artistique. L'une des plus frappantes et des plus impressionnantes fut la période inter-révolutionnaire de 1905 à 1917. Les particularités de l'art d'avant-garde en Russie ont été causées par la crise de la vie publique russe après les tragédies de la guerre russo-japonaise et de la révolution de 1905.
De nombreux mouvements d'avant-garde et associations créatives qui ont surgi à cette époque avaient des causes génératives similaires et des objectifs de recherche artistique similaires. Les futuristes et cubo-futuristes qui ont eu une puissante influence sur les principaux types d'art du XXe siècle en Russie, le valet de carreau et la rose bleue, le suprématisme de Kandinsky et de Malevitch ont, de diverses manières, cherché de nouveaux mondes, exprimé la crise de l'ancien l'art, qui avait perdu contact avec la réalité, anticipait le début d'une ère de bouleversements mondiaux .
Parmi les nouvelles idées nées par les artistes d'avant-garde figurait l'idée de la Russie au XXe siècle, qui contient des pages telles que la célèbre performance - le manifeste du nouvel art "Victory over the Sun" (1913). C'était le résultat du travail conjoint des poètes futuristes M. Matyushin, V. Khlebnikov, et la décoration a été réalisée par Kazimir Malevitch.
Les artistes P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, qui ont enrichi l'art de la Russie au XXe siècle de leurs recherches, sont devenus les auteurs de peintures qui ont reçu une reconnaissance mondiale. Et cette reconnaissance a commencé dans les années 10 du XXe siècle, à l'époque de la naissance de la peinture d'avant-garde dans l'histoire moderne.
Après la Révolution d'Octobre, la Russie a eu l'opportunité d'ouvrir de nouveaux horizons au monde entier dans la vie publique, y compris dans l'art. Et au début, des conditions ont été créées lorsque la valeur de chaque personne douée a augmenté de manière incommensurable, des générateurs de nouvelles idées créatives sont apparus.
Comment l'histoire de l'art interprète-t-elle cette époque ? Le XXe siècle, la Russie, les années 20 turbulentes - c'est une vie artistique sans précédent active de nombreuses associations créatives, parmi lesquelles se distinguent:
UNOVIS - "Affirmatif du nouvel art" (Malevich, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Fondée sur la base de l'école d'art de Vitebsk, cette association était un apologiste de l'avant-garde artistique, proposant de rechercher de nouveaux thèmes et formes pour l'art.
- "Quatre Arts" - un flux en ligne avec le "Monde de l'Art" L'objectif principal est de montrer les énormes possibilités expressives de l'architecture, de la sculpture, du graphisme et de la peinture. La nécessité d'un haut niveau de professionnalisme et de liberté de création a été déclarée. Les représentants les plus éminents: l'architecte A. V. Shchusev, le graphiste V. A. Favorsky, le sculpteur V. I. Mukhina, les peintres K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva et d'autres.
- "OST", "Société des artistes de chevalet". Il considérait comme essentiel de montrer les signes du début d'une nouvelle vie paisible, la construction d'un jeune pays moderne au moyen d'un style expressif avancé, mais simple et clair. Responsables : D. Sternberg, A. Deineka, Yu. Pimenov, P. Williams.
- "Cercle des Artistes" (Leningrad). Suivre le cours officiel, développer le "style de l'époque". Membres actifs du groupe : A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.
AHRR - "Association des artistes de la Russie révolutionnaire" - une association qui est devenue la base de l'Union des artistes de l'URSS créée par la suite, un chef d'orchestre actif des directions pour la direction idéologique du processus artistique, un instrument de propagande du parti, les héritiers des Vagabonds. I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson étaient à la tête.
Constructivisme
Dans les programmes des plus prestigieux les établissements d'enseignement préparant les architectes, il y a toujours une étude sur le thème "Le constructivisme russe - l'avant-garde architecturale des années 20". Grande importance il a pour la compréhension de l'art de la construction, les idées proclamées par les dirigeants de cette direction sont très pertinentes pour tout moment. Les bâtiments survivants de Konstantin Melnikov (bâtiment résidentiel de l'architecte dans la ruelle Krivoarbatsky, le club de Rusakov sur Stromynka, un garage sur la rue Novoryazanskaya, etc.), les frères Vesnin, Moses Ginzburg (Maison Narkomfin sur le boulevard Novinsky) et d'autres stars de l'architecture russe sont le fonds d'or de l'architecture russe.
Le fonctionnalisme, le rejet des embellissements inutiles, l'esthétique de la structure du bâtiment, l'harmonie du cadre de vie créé - ces idées sont devenues la base pour résoudre de nouveaux problèmes posés aux jeunes architectes, artistes et spécialistes du domaine qui ont commencé à s'appeler design industriel . Ils devaient construire des logements de masse pour les nouvelles villes, des clubs de travailleurs pour le développement global de l'individu, créer des installations pour le travail et les loisirs d'une nouvelle personne. Les réalisations étonnantes de l'avant-garde des années vingt sont incontournables, l'étude de l'art de la Russie, de l'Europe et de l'Amérique de toutes les époques ultérieures s'appuie largement sur elles. Il est triste que ces idées progressistes se soient avérées être les moins demandées dans leur pays d'origine, et le «style Empire stalinien» est considéré par beaucoup comme la plus grande réalisation de l'architecture soviétique.
L'art de l'ère du totalitarisme
En 1932, le décret du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union sur le travail des associations créatives a été publié. L'ère turbulente des divers courants et directions s'est terminée sous l'influence de la machine d'État, qui a pris le pouvoir, contrôlée par l'appareil idéologique, dans lequel le pouvoir unique se renforçait. Pendant de nombreuses années, l'art de la Russie au XXe siècle, comme beaucoup dans la vie du pays, a commencé à dépendre de l'opinion d'une seule personne - Joseph Staline.
Les unions créatives sont devenues un moyen de subordonner la pensée artistique à des normes idéologiques uniformes. L'ère du socialisme est venue, petit à petit, tout écart par rapport au cours officiel a commencé à être déclaré criminel, ceux qui n'étaient pas d'accord tombaient sous une véritable répression. Les accusations de s'écarter de la ligne du parti sont devenues une méthode pour résoudre les discussions créatives. La progressivité de celle-ci est très discutable. Comment, par exemple, l'art théâtral de la Russie au XXe siècle se serait-il développé si le grand réformateur de la scène Vsevolod Meyerhold n'avait pas été victime de la répression ?
La nature du talent artistique est complexe et inexplicable. Les images des dirigeants étaient incarnées avec une grande habileté et un sentiment sincère. Aucune des répressions les plus brutales n'a pu empêcher l'émergence d'artistes vraiment talentueux, pour qui l'expression de soi était l'essentiel, quel que soit le cadre idéologique.
En architecture, l'heure est à « l'empire stalinien ». La recherche d'artistes d'avant-garde est remplacée par un retour aux canons éprouvés. La puissance de l'idéologie communiste s'est incarnée dans des exemples spectaculaires de néoclassicisme retravaillé - les "gratte-ciel" de Staline.
Art de la période de guerre
Il y a un moment dans l'histoire de notre pays qui est devenu la plus grande tragédie et une étape d'essor spirituel sans précédent. L'art de la Russie aux XXe et XXIe siècles a reçu l'un des thèmes principaux qui a permis d'exprimer la grandeur du caractère folklorique russe, la profondeur des sentiments qui peuvent s'emparer d'un individu et d'énormes masses lors de bouleversements historiques.
La Grande Guerre patriotique des premiers jours a trouvé son expression dans des images visuelles d'une puissance incroyable. Affiche I. Toidze "La patrie appelle !" élevé à la défense du pays mieux que n'importe quel commandant, et la "Défense de Sébastopol" de Deineka choque n'importe qui, quelles que soient les idées qu'il partage. La Septième Symphonie de Dmitri Chostakovitch est tout aussi impressionnante, et l'art musical de la Russie au XXe siècle, non moins que d'autres types de créativité, a rendu hommage au thème de la guerre contre le fascisme.
Dégel
Après la Grande Victoire, le facteur d'influence historique suivant le plus puissant sur vie publique en URSS, c'est la mort de Staline (mars 1953) et le XX Congrès du PCUS, qui pose la question de la dénonciation du culte de la personnalité. Pendant un certain temps, pour les artistes, ainsi que pour toute la société, il y avait un souffle de liberté de créativité et d'idées nouvelles. La génération des « sixties » est un phénomène bien particulier, elle a laissé un souvenir d'elle-même comme une petite bouffée d'air frais prise avant de replonger pendant des décennies dans le marécage d'une existence mesurée, programmée, réglée.
Les premières expériences de l'avant-garde artistique de la "deuxième vague" - les œuvres d'E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky et d'autres - lors de l'exposition consacrée au 30e anniversaire de Moscou branche de l'Union des Artistes, ont été durement condamnés personnellement par le nouveau dirigeant du pays N Khrouchtchev. Le parti recommença à expliquer aux gens de quel genre d'art ils avaient besoin et aux artistes comment écrire.
L'architecture a été chargée de faire face aux excès, ce qui s'expliquait à juste titre par les difficultés économiques de l'après-guerre, le temps est venu de la construction massive de logements, le temps de «Khrouchtchev», qui a quelque peu supprimé l'acuité de la question du logement, mais défiguré l'apparition de nombreuses villes.
L'art du « socialisme développé »
À bien des égards, l'art de la Russie dans la seconde moitié du XXe siècle est en grande partie une histoire de confrontation entre une personnalité artistique et l'idéologie dominante. Mais même dans une atmosphère de régulation idéologique de chaque morceau d'espace spirituel, de nombreux artistes ont trouvé des moyens de modifier légèrement la méthode prescrite du réalisme socialiste.
Ainsi, un véritable exemple pour les jeunes était les maîtres qui ont formé leurs convictions dans les années vingt: N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov et d'autres. La photo de l'ancien membre de l'association artistique "OST" Y. Pimenov "Mariage dans la rue de demain", écrite en 1962, est devenue un symbole des espoirs de renouveau de la société.
Un autre phénomène frappant dans la peinture soviétique de cette époque est la formation d'un "style sévère". Ce terme désignait le travail de G. Korzhov, P. Ossovsky, les frères Smolin, P. Nikonov et d'autres.Dans leurs peintures, écrites dans différents genres (quotidien, historique), un héros est apparu qui n'avait pas besoin d'instructions, occupé avec un entreprise compréhensible et nécessaire. Il a été représenté sans détails inutiles ni fioritures coloristes, de manière vaste et expressive.
L'œuvre d'un tel maître revêt une importance particulière, car le son civique de ses toiles contient un message général humaniste, presque religieux, rare pour l'art soviétique, et le style de peinture a ses racines dans la Renaissance italienne.
Non-conformisme
La domination officielle du « réalisme socialiste » contraint les artistes informels à trouver leur chemin vers le public ou à recourir à l'émigration. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny et bien d'autres sont partis. Il s'agissait d'artistes du XXe siècle en Russie, porteurs de valeurs spirituelles nées par l'avant-garde du début du siècle, et qui sont retournés dans leur patrie après l'effondrement de l'idéologie communiste.
Et pendant son règne, l'émigration interne est apparue, donnant naissance au motif populaire d'un artiste fou, éternellement ivre, habitant des hôpitaux psychiatriques, persécuté par les autorités et la direction des syndicats créatifs, mais très apprécié des experts occidentaux indépendants. Un porteur typique d'une telle image était A. Zverev - une figure légendaire de Moscou à l'ère du socialisme développé.
Polystylisme et pluralisme
S'étant libérés des diktats étatiques de l'ère soviétique, les beaux-arts du XXe siècle en Russie sont entrés dans le processus mondial comme une partie inséparable de celui-ci, ayant des propriétés et des tendances communes avec lui. De nombreuses formes de créativité, familières à l'Occident depuis longtemps, ont été rapidement maîtrisées par les artistes nationaux. Les mots "performance", "installation vidéo", etc. sont devenus familiers dans notre discours, et parmi les maîtres contemporains les plus importants de renommée mondiale figurent des artistes aux vues diamétrales en termes de directions: Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev, A. Burganov et bien d'autres.
L'histoire récente orageuse et imprévisible du pays, qui occupe un sixième de la surface de la terre, se regarde dans son miroir - l'art de la Russie du XXe siècle - et s'y reflète avec des milliers d'images inoubliables ...
1. L'art de la Russie à la fin du XXe siècle. La dernière décennie du XXe siècle en Russie a été pleine d'événements politiques et économiques qui ont radicalement changé la situation dans le pays. L'effondrement de l'Union en 1991 et un changement de cap politique, le passage aux relations de marché et une orientation claire vers le modèle occidental de développement économique, et enfin l'affaiblissement, jusqu'à l'abolition complète, du contrôle idéologique - tout cela dans le début des années 1990 a contribué au fait que l'environnement culturel a commencé à changer rapidement. La libéralisation et la démocratisation du pays ont contribué au développement et à l'établissement de nouvelles tendances et orientations dans l'art national. L'évolution de l'art dans les années 1990 en Russie a lieu avec l'émergence de tendances inhérentes au postmodernisme, avec l'émergence d'une nouvelle génération de jeunes artistes travaillant dans des domaines tels que, conceptualisme, infographie, néoclassicisme liés au développement de la technologie informatique en Russie. Issu de l'éclectisme classique, le "nouveau néoclassicisme russe" est devenu un "diamant aux multiples facettes", combinant diverses tendances qui n'appartenaient pas aux "classiques" avant l'ère du modernisme. Néoclassicisme- c'est une direction artistique dans laquelle les artistes font revivre les traditions classiques de la peinture, du graphisme, de la sculpture, mais en même temps ils utilisent activement les dernières technologies. historien et théoricien de l'art britannique Edouard Lucy Smith a appelé le néoclassicisme russe "le premier phénomène frappant de la culture russe qui a influencé le processus artistique mondial après Kazimir Malevitch". Le néoclassicisme exigeait une attitude différente envers l'Antiquité que celle des classiques. Regard historique sur culture grecque fait des œuvres anciennes non pas un absolu, mais un idéal historique concret, par conséquent, l'imitation des Grecs a acquis un sens différent: dans la perception de l'art ancien, ce n'est pas sa normativité qui est venue au premier plan, mais la liberté, la conditionnalité des règles qui deviendra plus tard le canon, la vraie vie du peuple. DV Sarabyanov trouve dans le néoclassicisme une sorte de "complication" de la modernité. Avec la même probabilité, le néoclassicisme peut être considéré à la fois comme moderne tardif et comme une tendance indépendante. Dans le travail des "nouveaux artistes", il n'y a pas de modernité pure ou de néoclassicisme séparé, ils agissent toujours de manière interconnectée, les artistes de la nouvelle académie ont combiné plusieurs tendances des arts visuels à la fois: avant-garde, postmodernisme, classicisme dans le " espace de collage". Les œuvres des "nouveaux artistes" sont éclectiques, mêlant infographie, gravure, peinture et photographie. Les artistes ont numérisé les œuvres finies, sélectionné les fragments nécessaires et créé des collages, restaurant magistralement les costumes et les décors de l'Antiquité. Combinaison méthodes traditionnelles avec les capacités des programmes d'infographie ont élargi le potentiel créatif des artistes. Des collages ont été assemblés à partir du matériau numérisé, des effets spéciaux artistiques leur ont été appliqués, déformés, créant des compositions illusoires. Les représentants les plus éminents du néoclassicisme de Saint-Pétersbourg au début des années 1990 étaient O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Néoclassicisme Toberluts est l'une des manifestations du romantisme. Ses œuvres incarnent les sentiments d'une personne, les rêves, la noblesse, quelque chose d'enthousiaste et tourné vers un idéal irréalisable. . L'artiste elle-même devient l'héroïne de ses œuvres. Stylistiquement, le travail d'O. Toberluts peut être défini comme du néoclassicisme, passé par la conscience postmoderne, comme un monde éclectique, qui représente des temples antiques, des intérieurs de la Renaissance, des moulins à vent hollandais et des costumes du designer K. Goncharov comme une touche de modernité. Les possibilités illimitées de l'infographie rendent les œuvres d'O.Tobreluts fantastiques et surnaturelles. Avec l'aide de la technologie informatique E. Sheff revient à la Grèce antique, puis à la Rome antique, créant des images de la mythologie antique dans ses collages. En série "Les mythes de Ludwig" l'artiste a utilisé des photographies de sculptures grecques, de structures architecturales, en leur superposant les effets de l'antiquité. À l'aide de la technologie informatique, l'artiste restitue l'originalité du Colisée en organisant des excursions passionnantes autour de celui-ci. Peinture numérique Shutov représente l'équivalent émotionnel de ses nombreux passe-temps. Il contient à la fois des classiques grecs et des échos de la recherche ethnographique, ainsi que des éléments de la sous-culture des jeunes. Ainsi, on peut noter que la fin du XXe siècle a été un tournant non seulement dans la vie politique et économique de la Russie, mais aussi dans art. Dans les années 1990, un courant puissant dans les arts visuels "le nouveau néoclassicisme russe" a été fondé. Le développement des technologies informatiques en Russie a élargi le potentiel créatif des artistes, de nouveaux artistes, utilisant les nouvelles technologies, ont créé des œuvres classiques. L'essentiel n'est pas la technique et la technologie, mais l'esthétique. L'art moderne peut aussi être classique. 2. L'art de la Russie au début du XXIe siècle. Une caractéristique des beaux-arts au tournant des 20e et 21e siècles est qu'ils se sont libérés de l'oppression de la censure, de l'influence de l'État, mais pas de l'économie de marché. Si à l'époque soviétique, les artistes professionnels bénéficiaient d'un ensemble de garanties sociales, leurs peintures étaient achetées pour des expositions et des galeries nationales, mais ils ne peuvent désormais compter que sur leurs propres forces. Mais la peinture russe n'est pas morte et s'est transformée en un semblant d'art d'Europe occidentale et d'Amérique, elle continue de se développer sur la base des traditions russes. L'art contemporain est exposé par des galeries d'art contemporain, des collectionneurs privés, des sociétés commerciales, des organisations artistiques publiques, des musées d'art contemporain, des studios d'art ou par les artistes eux-mêmes dans l'espace géré par des artistes. Les artistes contemporains reçoivent un soutien financier par le biais de subventions, de récompenses et de prix, et reçoivent également des fonds provenant de la vente de leurs œuvres. La pratique russe est quelque peu différente à cet égard de la pratique occidentale. Musées, Biennales, festivals et foires d'art contemporain deviennent progressivement des outils d'attraction de capitaux, d'investissements dans l'industrie touristique ou dans le cadre de la politique gouvernementale. Les collectionneurs privés ont une grande influence sur l'ensemble du système de l'art contemporain. En Russie, l'une des plus grandes collections d'art contemporain est détenue par le musée non étatique d'art contemporain Erarta à Saint-Pétersbourg. Tendances de l'art contemporain : Art non spectaculaire- un courant de l'art contemporain qui refuse le spectacle et la théâtralité. Un exemple d'un tel art est la performance de l'artiste polonais Pavel Althamer "Script Outline", lors de l'exposition "Manifesta" en 2000. En Russie, il propose sa propre version de l'art non spectaculaire Anatoly Osmolovsky.Art de la rue(Anglais) art de rue- street art) - arts visuels, trait distinctif qui est un style urbain prononcé. La majeure partie du street art est le graffiti (sinon le spray art), mais on ne peut pas considérer que le street art est du graffiti. Le street art comprend également des affiches (non commerciales), des pochoirs, des installations sculpturales diverses, etc. Dans le street art, chaque détail, bagatelle, ombre, couleur, trait est important. L'artiste crée son propre logo stylisé - un "signe unique" et le représente sur des parties du paysage urbain. Le plus important dans le street art n'est pas de s'approprier le territoire, mais d'impliquer le spectateur dans un dialogue et de montrer un programme d'intrigue différent. La dernière décennie marque la diversité des directions que choisit le street art. Admiratifs de l'ancienne génération, les jeunes écrivains sont conscients de l'importance de développer leur propre style. Ainsi, de nouvelles branches émergent, prédisant un avenir riche pour le mouvement. De nouvelles formes diverses d'art de la rue dépassent parfois en portée tout ce qui a été créé auparavant. Aérographie - l'une des techniques de peinture des beaux-arts, utilisant un aérographe comme outil pour appliquer un colorant liquide ou en poudre à l'aide d'air comprimé sur n'importe quelle surface. Une peinture en aérosol peut également être utilisée. En raison de l'utilisation généralisée de l'aérographie et de l'émergence d'un grand nombre de peintures et de compositions différentes, l'aérographie a reçu un nouvel élan de développement. Désormais, l'aérographe est utilisé pour créer des peintures, des retouches photo, de la taxidermie, du modelage, de la peinture textile, de la peinture murale, de l'art corporel, de la peinture sur ongles, de la peinture de souvenirs et de jouets, de la peinture de plats. Il est souvent utilisé pour dessiner des images sur des voitures, des motos, d'autres équipements, dans l'impression, dans la conception, etc. En raison de la fine couche de peinture et de la possibilité de la pulvériser en douceur sur la surface, il est possible d'obtenir d'excellents effets décoratifs, telles que des transitions de couleurs douces, la tridimensionnalité, le réalisme photographique de l'image résultante, l'imitation d'une texture rugueuse avec un lissé de surface idéal.
Thèmes et questions des séminaires ;
Sujet 1. Concepts de base de l'histoire de l'art et de l'histoire de l'art.
Des questions:
1. Le problème de la classification des arts.
2. La notion d'« œuvre d'art ». L'émergence et la tâche d'une œuvre d'art. Travail et art.
3. Essence, objectifs, tâches de l'art.
4.Fonctions et sens de l'art.
5. La notion de "style". Le style artistique et son temps.
6. Classement des arts.
7. L'histoire de l'émergence et de la formation de l'histoire de l'art.
Questions à débattre :
1. Il existe 5 définitions de l'art. Quelle est la caractéristique de chacun d'eux? Quelle définition suivez-vous ? Pouvez-vous formuler votre définition de l'art ?
2. Quel est le but de l'art ?
3. Comment peut-on définir une œuvre d'art ? Comment coexistent « œuvre d'art » et « œuvre d'art » ? Expliquer le processus d'émergence d'une œuvre d'art (selon I. Ten). Quelle est la tâche d'une œuvre d'art (selon P.P. Gnedich) ?
4. Énumérez les 4 fonctions principales de l'art (selon I.P. Nikitina) et quatre
compréhension possible du sens de l'art.
5. Définir le sens du concept de "style". Quels styles d'art européen connaissez-vous ? Qu'est-ce que le "style artistique", "l'espace artistique" ?
6. Énumérer et décrire brièvement les types d'art : arts spatiaux, temporels, spatio-temporels et spectaculaires.
7. Quel est le sujet de l'histoire de l'art ?
8. Selon vous, quel est le rôle des musées, des expositions, des galeries, des bibliothèques dans l'étude des œuvres d'histoire de l'art ?
9. Caractéristiques de la pensée ancienne sur l'art : informations survivantes sur les premiers exemples de littérature sur l'art ("Canon" de Polykleitos, traités de Duris, Xenocrates). Sens "topographique" dans la littérature sur l'art : "Description de Hellas" par Pausanias. Description des oeuvres d'art de Lucian. Le concept pythagoricien de "cosmos" comme un tout harmonieux, soumis aux lois de "l'harmonie et du nombre" et sa signification pour les débuts de la théorie de l'architecture. L'idée d'ordre et de proportion dans l'architecture et l'urbanisme. Les images de la cité idéale dans les écrits de Platon (le sixième livre des Lois, le dialogue Critias) et d'Aristote (le septième livre de la Politique). Comprendre l'art dans la Rome antique. "Histoire naturelle" de Pline l'Ancien (1er siècle après JC) comme principale source d'informations sur l'histoire de l'art ancien. Traité de Vitruve: une exposition systématique de la théorie architecturale classique.
10. Le destin des traditions antiques au Moyen Âge et les caractéristiques des idées médiévales sur l'art : Vues esthétiques du Moyen Âge (Augustin, Thomas d'Aquin), l'idée esthétique directrice : Dieu est la source de la beauté (Augustin) et sa signification pour Théorie et pratique artistiques. L'idée de "prototype". Caractéristiques de la littérature médiévale sur l'art. Manuels de prescription pratiques et technologiques: «Guide des peintres» du mont Afaon Dionysius Furnagrafiot, «Sur les couleurs et les arts des Romains» d'Héraclius, «Schedula» (Schedula - Student) de Théophile. Description des monuments architecturaux dans les chroniques et vies de saints.
11. La Renaissance comme tournant dans l'histoire du développement de l'art européen et de l'histoire de l'art. Une nouvelle attitude envers l'antiquité (l'étude des monuments de l'antiquité). Le développement d'une vision du monde laïque et l'émergence de la science expérimentale. Formation d'une tendance à l'interprétation historique et critique des phénomènes de l'art: "Commentaires" de Lorenzo Ghiberti Traités sur des questions particulières - urbanisme (Filaret), proportions en architecture (Francesco di Giorgio), perspective en peinture (Piero dela Francesca). Compréhension théorique du tournant de la Renaissance dans le développement de l'art et expérience de l'étude humaniste du patrimoine antique dans les traités de Leon Batista Alberti ("Sur la statue", 1435, "Sur la peinture", 1435-36, "Sur l'architecture ”), Léonard de Vinci (“Traité sur la Peinture”, publié à titre posthume), Albrecht Dürer (Quatre Livres sur les Proportions Humaines, 1528). Critique de la théorie architecturale de Vitruve dans "Ten Books on Architecture" (1485) de Leon Baptiste Alberti. "Académie de la vaillance" de Vitruve et ses activités dans l'étude et la traduction de l'œuvre de Vitruve. Le traité de Giacomo da Vignola "La règle des cinq ordres d'architecture" (1562). Four Books on Architecture (1570) d'Andrea Palladio est un épilogue classique de l'histoire de l'architecture de la Renaissance. Le rôle de Palladio dans le développement des idées architecturales du baroque et du classicisme. Palladio et le palladianisme.
12. Les principales étapes de la formation de l'histoire de l'art historique à l'époque moderne: de Vasari à Winckelmann: "La vie des peintres, sculpteurs et architectes les plus éminents" Giorgio Vasari (1550, 1568) comme œuvre marquante de l'histoire de la formation de la critique d'art. "Le livre des artistes" de Karel Van Mander dans la continuité des biographies de Vasari basées sur le matériau de la peinture néerlandaise.
13. Penseurs du XVIIIe siècle sur les problèmes de la formation du style dans l'art, sur les méthodes artistiques, la place et le rôle de l'artiste dans la société : le rationalisme dans l'histoire de l'art. La théorie classique de Nicolas Poussin. Le programme théorique du classicisme dans "l'Art poétique" de Nicolas Buallo (1674) et "Conversations sur les peintres les plus célèbres, anciens et nouveaux" de A. Feliben (1666-1688).
14. Siècle des Lumières (XVIIIe siècle) et problèmes théoriques et méthodologiques de l'art. Formation des écoles nationales dans le cadre de la théorie générale de l'art. Développement de la critique d'art en France. Le rôle des Salons dans la vie artistique française. Revues des Salons comme principales formes de littérature critique sur les beaux-arts. Litiges sur les missions de la critique d'art (évaluation de la créativité ou éducation du public). Caractéristiques de l'histoire de l'art allemand. Contribution à la théorie des beaux-arts par Gotthold Ephraim Lessing. Traité "Laocoön" (1766) et le problème des frontières de la peinture et de la poésie. Introduction du concept de "beaux-arts" au lieu de "beaux-arts" (déplacer l'accent de la beauté vers la vérité et mettre en évidence la fonction figurative-réaliste de l'art). L'importance des activités de Johann Joachim Winckelmann pour le développement de la science historique de l'art. Le concept de l'art ancien de Winckelmann et la périodisation de son développement.
15. Origines de la pensée russe sur l'art. Informations sur les artistes et les monuments artistiques dans les chroniques médiévales russes et les sources épistolaires. Questionner l'art dans la vie sociale et politique du XVIe siècle. (Cathédrale Stoglavy de 1551 et autres cathédrales) comme témoignage de l'éveil de la pensée critique et de la lutte de divers courants idéologiques.
16. Un changement radical dans l'art russe du XVIIe siècle: la formation des débuts d'une vision du monde laïque et la première connaissance des formes européennes de culture artistique. Formation de la pensée artistique et théorique. Chapitre "Sur l'iconographie" dans la "Vie" d'Avvakum. "Essay on Art" de Joseph Vladimirov (1665-1666) et "Word to the Curious Icon Painting" de Simon Ushakov (1666-1667) sont les premiers ouvrages russes sur la théorie de l'art.
17. Formation active de nouvelles formes séculières de culture au XVIIIe siècle. Remarques
J. von Stehlin est la première tentative de création d'une histoire de l'art russe.
18. Nouvelle compréhension romantique de l'art dans les articles critiques de K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoevsky, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.
19. Histoire de l'art de la fin du XIXe au XXe siècle : tentatives de synthèse des réalisations de l'école formelle avec les concepts de ses critiques - "science structurelle" des styles artistiques. Approche sémiotique en histoire de l'art. Caractéristiques de l'étude sémiotique des œuvres d'art dans les œuvres de Yu.M. Lotman, SM. Daniel, BA Ouspensky. La variété des méthodes d'étude de l'art dans l'économie domestique moderne. Principes d'analyse d'une œuvre d'art et approche problématique de l'étude de l'histoire de l'art dans les œuvres de M. Alpatov («Problèmes artistiques de l'art La Grèce ancienne», « Problèmes artistiques de la Renaissance italienne »). Synthèse des approches méthodologiques (stylistique formelle, iconographique, iconologique, sociologique) par V. Lazarev. Méthode de recherche historique comparée dans les œuvres de D. Sarabyanov («La peinture russe du XIXe siècle parmi les écoles européennes. L'expérience de la recherche comparative»). Approche systématique de l'art et de ses caractéristiques.
1. Alekseev V.V. Qu'est-ce que l'art ? A propos de la façon dont un peintre, graphiste et sculpteur représente le monde. – M. : Art, 1991.
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8. Janson H.V. Fondamentaux de l'histoire de l'art. – M. : Art, 2001.
Thème 2. Art du monde antique. Art de l'époque du système communal primitif et de l'Orient ancien.
Des questions:
1. Périodisation de l'art de la société primitive. Caractéristiques de l'art primitif de l'époque : Paléolithique, Mésolithique, Néolithique, Bronze.
2. Le concept de syncrétisme dans l'art primitif, ses exemples.
3. Lois et principes généraux de l'art de l'Orient ancien.
4. Art de l'ancienne Mésopotamie.
5. L'art des anciens Sumériens.
6. Art de l'ancienne Babylonie et de l'Assyrie.
Questions à débattre :
1. Donner un bref aperçu de la périodisation de l'art primitif. Quelles sont les caractéristiques de l'art de chaque période ?
2. Décrire les principales caractéristiques de l'art primitif : syncrétisme, fétichisme, animisme, totémisme.
3. Comparez les canons dans la représentation d'une personne dans l'art de l'Orient ancien (Égypte et Mésopotamie).
4. Quelles sont les caractéristiques des beaux-arts de l'ancienne Mésopotamie ?
5. Parlez-nous de l'architecture de la Mésopotamie sur l'exemple de monuments précis :
la ziggourat d'Etemenniguru à Ur et la ziggourat d'Etemenanki à New Babylon.
6. Parlez-nous de la sculpture de la Mésopotamie sur l'exemple de monuments précis : les murs le long de la route des processions, la porte d'Ishtar, les reliefs du palais d'Ashurnasirpal à
7. Quel est le thème des images sculpturales en relief de la Mésopotamie ?
8. Quel était le nom des premiers monuments d'architecture babyloniens ? Quelle était leur
rendez-vous?
9. Quelle est la particularité de la cosmogonie de la culture suméro-akkadienne ?
10. Énumérez les réalisations dans l'art de la civilisation suméro-akkadienne.
1. Vinogradova N.A. Art traditionnel d'Orient. - M. : Art, 1997.
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Cet article contient une brève description des principaux styles artistiques du XXe siècle. Il sera utile de connaître à la fois les artistes et les designers.
Modernisme (du français moderne moderne)
dans l'art, le nom cumulatif des tendances artistiques qui se sont établies dans la seconde moitié du XIXe siècle sous la forme de nouvelles formes de créativité, où prévalait non pas tant l'adhésion à l'esprit de la nature et de la tradition, mais la libre vision du maître , libre de changer le monde visible à sa guise, suite à une impression personnelle, une idée intérieure ou un rêve mystique (ces courants continuaient largement la lignée du romantisme). L'impressionnisme, le symbolisme et le modernisme étaient ses directions les plus importantes, souvent en interaction active.Dans la critique soviétique, le concept de « modernisme » était anti-historiquement appliqué à tous les mouvements artistiques du XXe siècle qui ne correspondaient pas aux canons du réalisme socialiste. .
Abstractionnisme(art sous le signe des "formes zéro", art non objectif) - une direction artistique qui s'est formée dans l'art de la première moitié du XXe siècle, refusant complètement de reproduire les formes du monde visible réel. Les fondateurs de l'abstractionnisme sont considérés comme V. Kandinsky, P. Mondrian et K. Malevitch. W. Kandinsky a créé son propre type de peinture abstraite, libérant les taches impressionnistes et "sauvages" de tout signe d'objectivité. Piet Mondrian est venu à son inutilité par la stylisation géométrique de la nature, commencée par Cézanne et les cubistes. Les tendances modernistes du XXe siècle, axées sur l'abstractionnisme, s'écartent complètement des principes traditionnels, niant le réalisme, mais restent en même temps dans le cadre de l'art. L'histoire de l'art avec l'avènement de l'abstractionnisme a connu une révolution. Mais cette révolution n'est pas venue par hasard, mais tout naturellement, et a été prédite par Platon ! Dans son ouvrage ultérieur Philebus, il a écrit sur la beauté des lignes, des surfaces et des formes spatiales en elles-mêmes, indépendamment de toute imitation d'objets visibles, de toute mimesis. Ce genre de beauté géométrique, contrairement à la beauté des formes « irrégulières » naturelles, selon Platon, n'est pas relative, mais inconditionnelle, absolue.
Futurisme- courant littéraire et artistique dans l'art des années 1910. S'attribuant le rôle d'un prototype de l'art du futur, le futurisme comme programme principal a mis en avant l'idée de dissoudre les stéréotypes culturels et a proposé à la place l'apologie de la technologie et de l'urbanisme comme principaux signes du présent et de l'avenir. Une idée artistique importante du futurisme était la recherche d'une expression plastique de la rapidité du mouvement comme signe principal du rythme de la vie moderne. La version russe du futurisme s'appelait kybofuturisme et reposait sur la combinaison des principes plastiques du cubisme français et du futurisme des installations esthétiques générales européennes. Par croisements, décalages, collisions et influx de formes, les artistes ont tenté d'exprimer l'écrasante pluralité d'impressions d'un être contemporain, citadin.
Cubisme- "la révolution artistique la plus complète et la plus radicale depuis la Renaissance" (J. Golding). Artistes: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubisme - (cubisme français, de cube - cube) une direction dans l'art du premier quart du 20ème siècle. Le langage plastique du cubisme reposait sur la déformation et la décomposition des objets en plans géométriques, le déplacement plastique de la forme. De nombreux artistes russes ont été fascinés par le cubisme, combinant souvent ses principes avec les techniques d'autres tendances artistiques modernes - le futurisme et le primitivisme. Le cubo-futurisme est devenu une variante spécifique de l'interprétation du cubisme sur le sol russe.
Purisme- (purisme français, du latin purus - propre) une tendance de la peinture française de la fin des années 1910 et 20. Les principaux représentants sont l'artiste A.Ozanfan et architecte C.E. Jeanneret (Le Corbusier). Rejetant les tendances décoratives du cubisme et d'autres mouvements d'avant-garde des années 1910, la déformation de la nature qu'ils adoptaient, les puristes s'efforçaient d'un transfert rationnellement ordonné de formes d'objets stables et concises, comme "nettoyées" de détails, à l'image de éléments "primaires". Les œuvres des puristes se caractérisent par la planéité, le rythme doux des silhouettes légères et les contours d'objets du même type (cruches, verres, etc.). N'ayant pas reçu de développement sous forme de chevalet, les principes artistiques essentiellement repensés du purisme se sont partiellement reflétés dans l'architecture moderne, principalement dans les bâtiments de Le Corbusier.
Serréalisme- un mouvement cosmopolite en littérature, peinture et cinéma né en 1924 en France et qui a officiellement mis fin à son existence en 1969. Il a grandement contribué à la formation de la conscience de l'homme moderne. Les principales figures du mouvement André Breton- écrivain, leader et inspirateur idéologique du mouvement, Louis Aragón- l'un des fondateurs du surréalisme, qui plus tard s'est étrangement transformé en chanteur du communisme, Salvador Dalí- artiste, théoricien, poète, scénariste, qui a défini l'essence du mouvement avec les mots : "Le surréalisme, c'est moi !", un directeur de la photographie hautement surréaliste Luis Buñuel, artiste Juan Miró- "la plus belle plume du chapeau du surréalisme", comme l'appelait Breton, et bien d'autres artistes à travers le monde.
Fauvisme(du français les fauves - sauvage (animaux)) Direction locale dans la peinture au début. 20ième siècle Le nom F. a été donné par dérision à un groupe de jeunes artistes parisiens ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), qui ont participé conjointement à plusieurs expositions en 1905-1907, après leur première exposition en 1905. Le nom a été adopté par le groupe lui-même et s'est solidement établi derrière lui. La direction n'avait pas de programme clairement formulé, de manifeste ou de sa propre théorie et n'a pas duré longtemps, laissant cependant une marque notable dans l'histoire de l'art. Ses participants étaient unis dans ces années par le désir de créer des images artistiques exclusivement à l'aide d'une couleur ouverte extrêmement lumineuse. Développer les réalisations artistiques des postimpressionnistes ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), s'appuyant sur certaines techniques formelles de l'art médiéval (vitrail, art roman) et de la gravure japonaise, en vogue dans les milieux artistiques de France depuis l'époque des impressionnistes, les fauvistes ont cherché à maximiser l'utilisation des possibilités coloristiques de la peinture.
Expressionnisme(de l'expression française - expressivité) - une tendance moderniste de l'art d'Europe occidentale, principalement en Allemagne, le premier tiers du XXe siècle, qui s'est développée au cours d'une certaine période historique - à la veille de la Première Guerre mondiale. La base idéologique de l'expressionnisme était une protestation individualiste contre le monde laid, l'aliénation croissante de l'homme du monde, les sentiments d'itinérance, l'effondrement et la désintégration de ces principes sur lesquels la culture européenne semblait reposer si fermement. Les expressionnistes ont tendance à graviter vers le mysticisme et le pessimisme. Techniques artistiques caractéristiques de l'expressionnisme: le rejet de l'espace illusoire, le désir d'une interprétation plane des objets, la déformation des objets, l'amour des dissonances colorées nettes, une couleur particulière qui incarne le drame apocalyptique. Les artistes percevaient la créativité comme un moyen d'exprimer des émotions.
Suprématisme(du lat. supremus - le plus haut, le plus haut; premier; dernier, extrême, apparemment, à travers la supremacja polonaise - supériorité, suprématie) La direction de l'art d'avant-garde du premier tiers du 20e siècle, le créateur, principal représentant et théoricien dont était un artiste russe Kasimir Malevitch. Le terme lui-même ne reflète pas l'essence du suprématisme. En fait, dans la compréhension de Malevitch, il s'agit d'une caractéristique estimée. Le suprématisme est l'étape la plus élevée du développement de l'art sur la voie de la libération de tout ce qui n'est pas artistique, sur la voie de la révélation ultime du non-objectif comme essence de tout art. En ce sens, Malevitch considérait également l'art ornemental primitif comme suprématiste (ou «suprême-like»). Il a d'abord appliqué ce terme à un grand nombre de ses peintures (39 ou plus) représentant des abstractions géométriques, dont le célèbre "Carré noir" sur fond blanc, "Croix noire", etc., exposées à l'exposition futuriste de Petrograd "zéro- dix" en 1915 C'est derrière ces abstractions géométriques similaires que le nom Suprématisme a été attaché, bien que Malevitch lui-même y ait fait référence dans nombre de ses œuvres des années 20, qui contenaient extérieurement certaines formes d'objets concrets, en particulier des figures de personnes, mais conservaient le « Esprit suprématiste ». Et de fait, les développements théoriques ultérieurs de Malevitch ne permettent pas de réduire le Suprématisme (du moins Malevitch lui-même) aux seules abstractions géométriques, bien qu'elles en constituent, bien sûr, le noyau, l'essence et même (noir et blanc et blanc et blanc). suprématisme) amènent la peinture à la limite de son existence en général comme forme d'art, c'est-à-dire au zéro pictural, au-delà duquel il n'y a plus de peinture proprement dite. Cette voie dans la seconde moitié du siècle a été poursuivie par de nombreuses directions dans les activités artistiques qui ont abandonné les pinceaux, les peintures et les toiles.
russe avant-garde Les années 1910 présentent un tableau plutôt complexe. Elle se caractérise par un changement rapide des styles et des tendances, une abondance de groupes et d'associations d'artistes, chacun proclamant sa propre conception de la créativité. Quelque chose de semblable s'est produit dans la peinture européenne au début du siècle. Cependant, le mélange des styles, le "désordre" des courants et des directions étaient inconnus de l'Occident, où le mouvement vers de nouvelles formes était plus cohérent. De nombreux maîtres de la jeune génération sont passés avec une rapidité extraordinaire de style en style, d'étape en étape, de l'impressionnisme à la modernité, puis au primitivisme, au cubisme ou à l'expressionnisme, en passant par de nombreuses étapes, ce qui était tout à fait atypique pour les maîtres de la peinture française ou allemande. . La situation qui s'est développée dans la peinture russe était en grande partie due à l'atmosphère pré-révolutionnaire du pays. Elle a exacerbé bon nombre des contradictions inhérentes à tout l'art européen dans son ensemble, car. Les artistes russes ont étudié sur des modèles européens, connaissaient bien diverses écoles et tendances picturales. Une sorte d'« explosion » russe dans la vie artistique a ainsi joué un rôle historique. En 1913, c'est l'art russe qui atteint de nouvelles frontières et de nouveaux horizons. Un phénomène complètement nouveau de non-objectivité est apparu - une ligne au-delà de laquelle les cubistes français n'ont pas osé franchir. Un par un, ils franchissent cette ligne: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.
cubofuturisme Tendance locale de l'avant-garde russe (en peinture et en poésie) du début du XXe siècle. Dans les arts visuels, le cubo-futurisme est né sur la base d'une remise en question des trouvailles picturales, du cubisme, du futurisme et du néo-primitivisme russe. Les principales œuvres ont été créées dans la période 1911-1915. Les peintures les plus caractéristiques du cubo-futurisme sont sorties du pinceau de K. Malevich et ont également été écrites par Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter. Les premières œuvres cubo-futuristes de Malevitch sont exposées lors de la célèbre exposition de 1913. "Target", sur lequel le luchisme de Larionov a également fait ses débuts. En apparence, les œuvres cubo-futuristes ont quelque chose en commun avec les compositions créées à la même époque par F. Leger et sont des compositions semi-objectives constituées de formes colorées volumétriques creuses en forme de cylindre, de cône, de flacon, de coquillage, souvent avec un éclat métallique. Déjà dans les premières œuvres de Malevitch, il y a une tendance notable à passer du rythme naturel aux rythmes purement mécaniques du monde des machines (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait de Klyun, 1913).
néoplasticisme- l'une des premières variétés d'art abstrait. Il a été créé en 1917 par le peintre néerlandais P. Mondrian et d'autres artistes qui faisaient partie de l'association Style. Le néoplasticisme se caractérise, selon ses créateurs, par le désir d'"harmonie universelle", exprimé dans des combinaisons strictement équilibrées de grandes figures rectangulaires, clairement séparées par des lignes noires perpendiculaires et peintes dans les couleurs locales du spectre principal (avec l'ajout de blanc et tons gris). Néo-plasticisme (Nouvelle plastique) Ce terme est apparu en Hollande au XXe siècle. Piet Mondrian il a défini ses concepts plastiques systématisés et défendus par le groupe et la revue "Style" ("De Stiji") fondé à Leyde en 1917. La principale caractéristique du néoplasticisme était l'utilisation stricte des moyens expressifs. Le néoplasticisme ne permet qu'aux lignes horizontales et verticales de construire la forme. Croiser les lignes à angle droit est le premier principe. Vers 1920, on en ajoute un deuxième qui, supprimant le trait et accentuant le plan, limite les couleurs au rouge, bleu et jaune, c'est-à-dire trois couleurs primaires pures auxquelles seuls le blanc et le noir peuvent être ajoutés. A l'aide de cette rigueur, le néoplasticisme entendait dépasser l'individualité pour atteindre l'universalisme et créer ainsi une nouvelle image du monde.
"Baptême" officiel orphisme s'est passé au Salon des Indépendants en 1913. Ainsi le critique Roger Allard écrit dans son rapport sur le Salon : "... on constate pour les futurs historiens qu'en 1913 une nouvelle école d'orphisme est née..." ("La Cote" Paris le 19 mars 1913). Il trouve écho chez un autre critique André Varno : "Le Salon de 1913 fut marqué par la naissance d'une nouvelle école de l'école orphique" ("Comoedia" Paris 18 mars 1913). Enfin Guillaume Apollinaire renforça cette affirmation en s'exclamant, non sans fierté : « C'est de l'orphisme. Ici, pour la première fois, cette tendance, que j'avais prédite, s'est manifestée » (« Montjoie ! Supplément Paris du 18 mars 1913 »). En effet, le terme a été inventé Apollinaire(L'orphisme comme culte d'Orphée) et a été annoncé publiquement pour la première fois lors d'une conférence sur la peinture moderne et lu en octobre 1912. Que voulait-il dire ? Lui-même ne semble pas le savoir. De plus, il ne savait pas comment définir les limites de cette nouvelle direction. En fait, la confusion qui règne à ce jour est due au fait qu'Apollinaire confond inconsciemment deux problèmes qui sont liés, bien sûr, mais avant d'essayer de les relier, il aurait dû souligner leurs différences. D'une part, la création Delaunay des moyens expressifs picturaux entièrement basés sur la couleur et, d'autre part, l'expansion du cubisme par l'émergence de plusieurs directions différentes. Après une rupture avec Marie Laurencin à la fin de l'été 1912, Apollinaire se réfugie auprès de la famille Delaunay qui l'accueille avec bienveillance dans leur atelier de la rue Grand-Augustin. Cet été-là, Robert Delaunay et son épouse ont connu une profonde évolution esthétique menant à ce qu'il appellera plus tard la "période destructrice" de la peinture fondée uniquement sur les qualités constructives et spatio-temporelles des contrastes de couleurs.
Postmodernisme (postmoderne, postavant-garde) -
(du latin post "après" et modernisme), nom collectif des tendances artistiques qui se précisent particulièrement dans les années 1960 et se caractérisent par une révision radicale de la position du modernisme et de l'avant-garde.
expressionisme abstraitétape d'après-guerre (fin des années 40 - 50 du XXe siècle) dans le développement de l'art abstrait. Le terme lui-même a été introduit dans les années 1920 par un critique d'art allemand E. von Sydow (E. von Sydow) pour faire référence à certains aspects de l'art expressionniste. En 1929, l'Américain Barr l'utilisa pour caractériser les premières œuvres de Kandinsky, et en 1947 il qualifia les œuvres "d'expressionniste abstrait" Willem de Kooning Et Goberge. Depuis lors, le concept d'expressionnisme abstrait s'est consolidé derrière un champ assez large, stylistiquement et techniquement varié de la peinture abstraite (et plus tard de la sculpture), qui s'est développé rapidement dans les années 50. aux États-Unis, en Europe, puis dans le monde entier. Les ancêtres directs de l'expressionnisme abstrait sont considérés comme les premiers Kandinsky, expressionnistes, orphistes, en partie dadaïstes et surréalistes avec leur principe d'automatisme mental. La base philosophique et esthétique de l'expressionnisme abstrait était en grande partie la philosophie de l'existentialisme, populaire dans la période d'après-guerre.
Prêt à l'emploi(English ready-made - ready) Le terme a été introduit pour la première fois dans le lexique de l'histoire de l'art par l'artiste Marcel Duchamp pour désigner leurs œuvres, qui sont des objets à usage utilitaire, retirés de l'environnement de leur fonctionnement normal et exposés sans aucune modification lors d'une exposition d'art en tant qu'œuvres d'art. Ready-Made revendiquait un nouveau regard sur la chose et la chose. Un objet qui a cessé de remplir ses fonctions utilitaires et a été inclus dans le contexte de l'espace de l'art, c'est-à-dire est devenu un objet de contemplation non utilitaire, a commencé à révéler de nouvelles significations et mouvements associatifs, inconnus soit de l'art traditionnel, soit de la sphère quotidienne-utilitaire de l'être. Le problème de la relativité de l'esthétique et de l'utilitaire se pose avec acuité. Premier Ready-Made Duchamp exposée à New York en 1913. Le plus tristement célèbre de ses Ready-Made. acier "Roue de bicyclette" (1913), "Sèche-bouteilles" (1914), "Fontaine" (1917) - c'est ainsi qu'un urinoir ordinaire a été désigné.
Pop Art. Après la Seconde Guerre mondiale, une grande couche sociale de personnes s'est formée en Amérique qui gagnait suffisamment d'argent pour acheter des biens qui n'étaient pas particulièrement importants pour eux. Par exemple, la consommation de biens : Coca cola ou jeans Levi's deviennent un attribut important de cette société. Une personne utilisant tel ou tel produit montre son appartenance à une certaine couche sociale. La culture de masse actuelle s'est formée. Les choses sont devenues des symboles, des stéréotypes. Le pop art utilise nécessairement des stéréotypes et des symboles. pop Art(Pop Art) incarne la quête créative des nouveaux américains, qui s'appuie sur les principes créatifs de Duchamp. Ce: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, et d'autres. Le pop art prend l'importance de la culture de masse, il n'est donc pas surprenant qu'il ait pris forme et soit devenu un mouvement artistique en Amérique. Leurs alliés : Hamelton R, Tonne Chine choisi comme autorité Kurt Schweters. Le pop art se caractérise par une œuvre - une illusion de jeu qui explique l'essence de l'objet. Exemple : tarte K. Oldenbourg représenté de diverses manières. Un artiste peut ne pas représenter un gâteau, mais dissiper des illusions, montrer qu'une personne voit pour de vrai. R. Rauschenberg est également original : il a collé diverses photographies sur la toile, les a décrites et a attaché un animal en peluche à l'œuvre. L'une de ses œuvres célèbres est un hérisson en peluche. Sa peinture est également bien connue, où il a utilisé des photographies de Kenedy.
Primitivisme (Art Naïf). Ce concept est utilisé dans plusieurs sens et est en fait identique au concept "art primitif". Dans différentes langues et par différents scientifiques, ces concepts sont utilisés le plus souvent pour désigner le même éventail de phénomènes dans la culture artistique. En russe (ainsi que dans certains autres), le terme "primitif" a un sens quelque peu négatif. Par conséquent, il est plus approprié de se concentrer sur le concept art naïf. Au sens le plus large, cela fait référence aux beaux-arts, qui se distinguent par la simplicité (ou la simplification), la clarté et l'immédiateté formelle du langage pictural et expressif, à l'aide desquelles s'exprime une vision particulière du monde non alourdie par les conventions civilisationnelles. . Le concept est apparu dans la nouvelle culture européenne des derniers siècles, il reflète donc les positions professionnelles et les idées de cette culture, qui se considérait comme le stade de développement le plus élevé. De ces positions, l'art naïf désigne aussi l'art archaïque des peuples anciens (civilisations pré-égyptiennes ou pré-grecques), par exemple l'art primitif ; l'art des peuples en retard dans leur développement culturel et civilisationnel (population indigène d'Afrique, d'Océanie, Indiens d'Amérique) ; l'art amateur et non professionnel à grande échelle (par exemple, les célèbres fresques médiévales de Catalogne ou l'art non professionnel des premiers immigrants américains venus d'Europe) ; de nombreuses œuvres du soi-disant "gothique international"; art folklorique; et enfin, l'art d'artistes primitivistes talentueux du XXe siècle, qui n'ont pas reçu de formation artistique professionnelle, mais ont ressenti le don de la créativité artistique en eux-mêmes et se sont consacrés à sa réalisation indépendante dans l'art. Certains d'entre eux (français A. Russo, K. Bombois, géorgien N. Pirosmanishvili, croate I. Généraliche, Américain SUIS. Robertson et d'autres) ont créé de véritables chefs-d'œuvre artistiques qui sont entrés dans le trésor de l'art mondial. L'art naïf, par sa vision du monde et les méthodes de sa présentation artistique, est quelque peu proche de l'art des enfants, d'une part d'une part, et au travail des malades mentaux, d'autre part. Cependant, il diffère essentiellement des deux. La chose la plus proche en termes de vision du monde de l'art des enfants est l'art naïf des peuples archaïques et des indigènes d'Océanie et d'Afrique. Sa différence fondamentale avec l'art des enfants réside dans sa profonde sacralité, son traditionalisme et sa canonicité.
pas d'art(Net Art - de l'anglais net - réseau, art - art) nouveau look art, pratiques artistiques modernes, se développant dans les réseaux informatiques, en particulier sur Internet. Ses chercheurs en Russie, contribuant à son développement, O. Lyalina, A. Shulgin, estiment que l'essence du Net-art se résume à la création d'espaces de communication et de création sur le Web, offrant à chacun une totale liberté d'être en réseau. Par conséquent, l'essence du Net-art. pas de représentation, mais de communication, et son unité artistique originelle est un message électronique. Il y a au moins trois étapes dans le développement du Net-art, apparu dans les années 80 et 90. 20ième siècle La première était lorsque des artistes Web en herbe ont créé des images à partir de lettres et d'icônes trouvées sur un clavier d'ordinateur. La seconde a commencé lorsque des artistes underground et tous ceux qui voulaient montrer quelque chose de leur travail sont venus sur Internet.
OP-ART(eng. Op-art - une version abrégée de l'art optique - art optique) - un mouvement artistique de la seconde moitié du XXe siècle, utilisant diverses illusions visuelles basées sur les caractéristiques de la perception de figures plates et spatiales. Le courant poursuit la ligne rationaliste du technicisme (modernisme). Elle remonte à l'abstractionnisme dit "géométrique", dont le représentant était V. Vasarely(de 1930 à 1997, il a travaillé en France) - le fondateur de l'op art. Les possibilités de l'Op-art ont trouvé une certaine application dans les graphiques industriels, les affiches et l'art du design. La direction de l'op art (art optique) est née dans les années 50 au sein de l'abstractionnisme, bien que cette fois-ci il s'agisse d'une variété différente - l'abstraction géométrique. Sa diffusion en tant que courant remonte aux années 60. 20ième siècle
Graffiti(graffiti - en archéologie, tout dessin ou lettre rayé sur n'importe quelle surface, du graffiare italien - rayure) Il s'agit de la désignation des œuvres de sous-culture, qui sont principalement des images grand format sur les murs des bâtiments publics, des structures, des transports, réalisées à l'aide de divers types de pistolets pulvérisateurs, pots de peinture en aérosol. D'où l'autre nom "spray art" - Spray-art. Son origine est associée à l'apparition massive des graffitis. dans les années 70. sur les wagons du métro new-yorkais, puis sur les murs des bâtiments publics, store stores. Les premiers auteurs de graffitis. il y avait surtout de jeunes artistes sans emploi de minorités ethniques, principalement des Portoricains, donc, dans le premier Graffiti, certains traits stylistiques de l'art populaire latino-américain sont apparus, et du fait même de leur apparition sur des surfaces non destinées à cela, leurs auteurs ont protesté contre leur position d'impuissance. Au début des années 80. toute une tendance de maîtres presque professionnels G. s'est formée.Leurs vrais noms, auparavant cachés sous des pseudonymes, sont devenus connus ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VU, DAZE). Certains d'entre eux ont transféré leur technique sur toile et ont commencé à exposer dans des galeries à New York, et bientôt les graffitis sont apparus en Europe.
HYPERRÉALISME(hyperréalisme - anglais), ou photoréalisme (photoréalisme - anglais) - artiste. mouvement en peinture et sculpture, basé sur la photographie, reproduction de la réalité. Tant dans sa pratique que dans ses orientations esthétiques vers le naturalisme et le pragmatisme, l'hyperréalisme se rapproche du pop art. elles sont avant tout unies par un retour au figuratif. Il agit comme une antithèse au conceptualisme, qui non seulement rompt avec la représentation, mais aussi remet en cause le principe même de la réalisation matérielle de l'art. concept.
art de la terre(du land art anglais - art en terre), une direction dans l'art du dernier tiersXXsiècle, basée sur l'utilisation d'un paysage réel comme matériau et objet artistique principal. Les artistes creusent des tranchées, créent d'étranges tas de pierres, peignent des rochers, choisissant des lieux généralement déserts pour leurs actions - des paysages vierges et sauvages, s'efforçant ainsi de rendre l'art à la nature. Grâce à son<первобытному>En apparence, de nombreuses actions et objets de ce genre sont proches de l'archéologie, ainsi que de l'art photographique, puisque la majorité du public ne peut les contempler que dans des séries de photographies. Il semble que nous devrons nous réconcilier avec une autre barbarie dans la langue russe. Je ne sais pas si c'est une coïncidence si le terme<лэнд-арт>apparu à la fin années 60 à une époque où, dans les sociétés développées, l'esprit rebelle du corps étudiant dirigeait ses forces pour renverser les valeurs établies.
MINIMALISME(art minimal - anglais : art minimal) - artiste. flux émanant de la transformation minimale des matériaux utilisés dans le processus de créativité, simplicité et uniformité des formes, monochrome, créatif. maîtrise de soi de l'artiste. Le minimalisme se caractérise par le rejet de la subjectivité, de la représentation, de l'illusionnisme. Rejeter le classique créativité et tradition. artistique matériaux, les minimalistes utilisent des matériaux industriels et naturels de géométrie simple. des formes et des couleurs neutres (noir, gris), de petits volumes, en série, des méthodes de production industrielle par convoyeur sont utilisées. Un artefact dans le concept minimaliste de créativité est un résultat prédéterminé du processus de sa production. Ayant reçu le développement le plus complet de la peinture et de la sculpture, le minimalisme, interprété au sens large comme l'économie de l'artiste. fonds, ont trouvé une application dans d'autres formes d'art, principalement le théâtre et le cinéma.
Le minimalisme est né aux États-Unis dans la trans. sol. années 60 Ses origines sont dans le constructivisme, le suprématisme, le dadaïsme, l'abstractionnisme, l'Amer formaliste. peinture des années 1950, pop art. Direct précurseur du minimalisme. est un Amer. artiste F. Stella, qui présenta en 1959-60 une série de « Black Paintings », où prévalaient des lignes droites ordonnées. Les premières œuvres minimalistes apparaissent en 1962-63 Le terme « minimalisme ». appartient à R. Walheim, qui l'introduit par rapport à l'analyse de la créativité M. Duchamp et les artistes pop, minimisant l'intervention de l'artiste dans l'environnement. Ses synonymes sont "cool art", "ABC art", "serial art", "primary structures", "art as a process", "systematic art". peinture". Parmi les minimalistes les plus représentatifs figurent − C. André, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Ils sont unis par le désir d'intégrer l'artefact dans l'environnement, de battre la texture naturelle des matériaux. D. Jade le définit comme "spécifique". objet », différent du classique. travaux plastiques. arts. Indépendant, l'éclairage joue un rôle comme moyen de créer de l'art minimaliste. situations, solutions spatiales originales ; des méthodes informatiques de création d'œuvres sont utilisées.
